Мы говорим Tangerine Dream – подразумеваем New Age! А ведь напрасно. По крайней мере, раннее творчество этой группы не имеет никакого отношения к тому, чем она занимается последние лет 20. Их первые записи неожиданны и провокационны, даже (может, не «даже», а «тем более») в сравнении с сегодняшней электронной музыкой. Что уж говорить о тех временах.
Вангелис Папатанассиу – один из столь редких ныне эксцентриков от рок-музыки. Стив Лэйк (Steve Lake) встретился и побеседовал с этим музыкантом.
Истинных эксцентричных персонажей в современной рок-музыке можно по пальцам одной руки пересчитать. Syd Barret покинул сцену, и теперь остались только разве что Nico да Captain Beefheart. Джаз и свободные стили испытывают тот же недостаток ярких личностей, особенно после того, как Jamie Muir (перкуссионист из King Crimson) предпочел тихую жизнь в одном из буддистских монастырей. Пожалуй, только среди представителей так называемой «конкретной» музыки остались еще те, кто высоко держит знамя иконоборчества, целое поколение музыкантов, от Джона Кейджа (John Cage) до Дэвида Бэдфорда (David Bedford) и Мортона Фелдмэна (Morton Feldman).
Режиссер-постановщик фильма Bladerunner Ридли Скотт (Ridley Scott) родился в Англии. В начале 70-х годов он был известен как автор короткометражных фильмов, отличающихся необыкновенной визуальностью и профессионализмом. Скотт обладает огромным воображением, которое он воплощает в кинематографические образы. Это определяет его собственный стиль, это позволило ему стать одним из влиятельнейших мастеров современного кинематографа. С 1977 года Скотт занимается постановкой полнометражных картин, начиная с фильма «Дуэлянт» (The Duellist). В 1979 году Ридли Скотт становится (причем не в последний раз) родоначальником целого направления в кинематографе, сняв фильм «Чужой» (Alien), установивший новые стандарты фантастического триллера.
С тех самых пор, как число любителей электронной музыки возросло настолько, что они стали спорить между собой, использование вокала в ней является одним из таких противоречивых вопросов. Выступления Клауса Шульца явно демонстрируют, что он склонен к использованию человеческого голоса в своей музыке, несмотря на далеко не однозначное восприятие этого факта его поклонниками. Сам он говорит об этом так: «Мое призвание – не столько играть на клавишных инструментах, сколько находить и сочетать звуки, выстраивать звуковые структуры, и это можно назвать симфонией либо оперой. Моя работа – создание эмоций, настроений и атмосфер». Что же, человеческий голос, безусловно, отлично вписывается в эти задачи. Первым треком Шульца, содержащим лирический вокал, стал Voices of Syn из альбома Blackdance (1974). Первые четыре с половиной минуты композиции прекрасно дополнены низко поставленными вокальными партиями. Хотя в 70-е годы такой художественный прием был непривычен, сейчас этот трек слушается как весьма гармоничное музыкальное произведение. Однако надо заметить, что многие слушатели гораздо охотнее воспринимают вокал в других музыкальных жанрах, нежели в любимой ими электронной музыке.
Статья в журнале Best Instrumental, сентябрь, 1975 год
Майклу Олдфилду понадобился без малого год, чтобы сочинить и записать альбом Tubular Bells, в котором он сам играет на всех инструментах. Новый альбом Вангелиса Папатанассиу Heaven And Hell, тоже полностью «сыгранный» автором, создавался (включая сочинение самой музыки, аранжировку и запись) в течение одного месяца. По словам самого Вангелиса, музыка этого альбома «создавалась ровно столько же времени, сколько понадобилось на его исполнение». Разумеется, у каждого автора есть свой индивидуальный путь и свои временные рамки, но сам факт того, что данный композитор сумел в одиночку записать альбом в такой рекордный срок, говорит сам за себя. Вполне вероятно, что, будь у Олдфилда собственная студия, он посвятил бы Tubular Bells гораздо меньше времени. Правда и то, что многие музыканты месяцами и даже годами готовы «полировать» и совершенствовать свои новые проекты. Однако Вангелис делает музыку быстро, и это объясняется далеко не только его человеческой индивидуальностью. В этом кроется его личная концепция музыки, которую кратко можно сформулировать так: «Честность через спонтанность».
В 1978 году Брайан Ино выпустил необычный альбом, который назывался так: Ambient 1: Music for Airports. В нем отсутствовали мелодии, и уж тем более песни, а сама музыка, как казалось, вела слушателя в никуда. Поэтому в год своего появления этот альбом не встретил понимания публики. Ведь это была эпоха диско, Би Джиз и Донны Саммер. И вдруг – такая вот музыка от Брайана Ино, – тихая, неторопливая, незаметная. Однако впоследствии, год за годом, этот альбом оказывался все более и более значительным в истории музыки и вскоре стало ясно, что «музыка для аэропортов» – это манифест. Манифест нового стиля.
Share