Top.Mail.Ru Яндекс.Метрика

Энциклопедия

Энциклопедия
Просмотров: 10782

Биография

Я просто слушаю голос своего сердца

Mars Lasar был очарован музыкой с самого рождения. Ему было 11 лет, когда музыкальные занятия стали для него, по-настоящему, интересны. Это было обычное многочасовое изучение теории и практики. И по этому ему всегда хотелось чего-то большего. Как только он садился за фортепиано, он начинал сочинять собственную версию произведения, вслушиваясь в музыку, которая играла у него в сердце. Тогда он был поклонником джаза и импровизации, которые меняли мир вокруг него и побуждали сочинять самому. В 14 лет он был увлечен уже всеми направлениями в музыке и достиг значительных успехов в своей игре.

Он изучал творчество Бетховена, Шопена и Баха и восторгался сложностью построения их композиций. В это время он приобрел свой первый синтезатор (Arp Odyssey) и, чтобы разобраться в его возможностях стал изучать электронику и теорию сигналов. Mars и его братья оборудовали студию, где они начали проводить свои первые репетиции. Его младший брат Michael играл на барабанах, старший – Raimond на гитаре, а сам Mars на клавишах и басе. Они выступали во всех близлежащих школах, колледжах и торговых центрах. Потом они стали играть в ресторанах и даже зарабатывать деньги. Это послужило началом целого ряда событий. Дважды в неделю они упаковывали одежду в чемоданы и толпой отправлялись на свадебные церемонии играть старые хиты из «The Shadow of Your Smile». Это позволяло хоть как-то сводить концы с концами. Несмотря на несколько джазовую направленность, Mars постоянно сочинял классическую музыку. И именно это позволило ему получить приз юного композитора в Sydney Opera House. После исполнения своих произведений в Сиднее, все смотрели на него с великим изумлением. Такого впечатления на зал не производил еще никто.

В 16 лет Mars создал профессиональную группу «IQ». Они выступали в Сиднее и с каждым концертом приобретали все большую популярность. Они одевались в космические костюмы и покрывали инструменты фольгой. Они были необычной группой. «IQ» открывала выступления Split Enz, Midnight Oil и Майком Олдфилдом (Mike Oldfield). Kim Ryrie был знаком с Майком Олдфилдом и пригласил Марса в Fairlight – известную тогда студию звукозаписи. Он разрывался между работой на Fairlight и записью своего первого альбома. В США он работал совместно с Хансом Циммером (Hans Zimmer) над фильмом Тома Круза «Days of Thunder», а также с известным продюсером Тревором Хорном (Trevor Horn). Его композиции были использованы в фильмах «Crazy» и «Killer».

В конце 1991 года был закончен дебютный альбом «Olympus», который вошел в лучшую десятку Billboard в номинации New Age. Альбом «Olympus» послужил своего рода гимном зимних олимпийских игр 1992 года и несколько позже в 1996, когда один из членов сборной Китая по фигурному катанию выбрал два его произведения для своего выступления. Сразу после этого, в 1993 году был издан новый альбом «The Eleventh Hour», который оказался еще лучше «Olympus». Он стал новым витком в развитии творчества Марса Ласара. Его музыка играла по всем радиостанциям страны, а его нередко приглашали для различных интервью и шоу. Его музыку часто можно было услышать в телевизионных программах и в фильмах, таких как «Jasons Lyric» и «6-th Man». В 1996 году был выпущен «Olympic National Park», а в уже 1998 году – пятый его альбом «Sapphire Dreams» который является его первым классическим фортепианным альбомом. В 1999 на лейбле Earth Tone Records вслед за «The Eleventh Hour» выходит альбом «11:02», продолжение его второго альбома «The Eleventh Hour». Альбом «11:02» был очень хорошо воспринят его фанатами и очень часто крутился на разных радиостанциях. В 2000 году вышел 7-й диск Марса Ласара – «When Worlds Collide». Этот альбом вызвал большой интерес и до сих пор пользуется популярностью в MP3's Industrial Electronica charts. «Karma» это самый последний проект Марса. Сила и энергетика этого альбома завораживают слушателей. Mars выпустил шесть сольных альбомов. В настоящее время Mars тратит большую часть своего времени на создание проекта компьютерной музыки для детей.

Mars Lasar вполне состоявшийся звуковой режиссер и известный музыкант. Он гордится тем, что активно работает в обоих направлениях. Его произведения написаны и исполняются очень во множестве жанров, в том числе Pop, Rock, Metal, Jazz, Electronica и Country. Его альбомы это некое смешение стилей New Age, Jazz, World и Electronic. Он не боится экспериментировать и в этом состоит его талант! В 1996 году MTV номинировало Марса в номинации «New Sound», отметив его многостороннюю новаторскую деятельность в различных музыкальных стилях.

Yosemite - Valley Of The Giants Очередной альбом от мэтра мелодичной и динамичной музыки (если судить по творениям последних лет). Признаюсь, не слышал предыдущего альбома Марса Лазара. Поэтому не могу с уверенностью сказать, что новый альбом является первым после многих лет произведением, посвященным потрясающе красивым местам на планете Земля, сотворенным природой. Для справки: в активе Марса имеется альбом Olympic National Park 1996 года. На этот раз новый альбом посвящен одному из самых известных природных заповедников в мире – Национальному Парку Йосeмити, который находится в Калифорнии. В Парке находятся самый высокий водопад Северной Америки Yosemite Falls; гранитная скала Half Dome, высотой около 1400 метров; гиганские секвойи в Маriposa Grove; горные пики Three Brothers; очень красивая в любое время года долина Yosemite Valley,широкий лесной массив, окруженный гранитными скалами; и другие природные сокровища. Естественно, для того, чтобы передать атмосферу вышеуказанных сокровищ, Марс Лазар не мог не прибегнуть к использованию в альбоме звуков природы. Музыкальная составляющая не отличается хитовой и относительно примитивной мелодичностью, которая была свойственна последним альбомам автора. Акцент сделан, в первую очередь, на объемность и выразительность звучания, так называемую атмосферность. По своим настроениям альбом преимущественно жизнерадостен, созерцателен, местами меланхоличен. Хотя, концовка альбома, отличается своей динамичностью. В целом: красиво, светло, позитивно.

The Eleventh Hour В России имя Марса Ласара в свое время было на слуху по причине того, что он спродюсировал одну из песен группы Т.А.Т.У. – дело по тем временам было новое, западные продюсеры не часто обращали внимание на одну шестую часть суши, так что информацию об этом растрезвонили с большой помпой. При этом мало кто удосужился рассказать, чем же, собственно, этот человек знаменит в мире музыки. Досадную оплошность мы можем начать исправлять сейчас, с помощью компании DreaMusic, которая издала в России второй (возможно, лучший) альбом Марса – «Одиннадцатый час». Это название восходит к одной из притч Нового Завета, в западной фонетике оно означает «В последний миг» и тесно связано с деятельностью организаций и активистов, обращающих внимание на разрушительное воздействие человеческой цивилизации на окружающий мир. Словно проснувшиеся в последний миг люди смотрят в ужасе вокруг и думают, что же еще можно исправить, а что уже испорчено безвозвратно – а в это время голоса из ТВ и радио со всех сторон вещают об «Опасности для цивилизации», «Глобальном территоризме» и прочих вещах, от которых обывателю становится не по себе. С этих же слов, вырванных из эфира, начинается и альбом Ласара, который, впрочем, не стремится нагнетать обстановку. Он, скорее, размышляет о сложившейся ситуации, даже полемизирует со многими композиторами, отстаивающими в своем творчестве позитивные или негативные прогнозы (иногда слышно, что полемика ведется с жизнеутверждающей картиной современного мегаполиса, созданной Вангелисом на альбоме The City). При этом The Eleventh Hour совершенно не поддается классификации и не помещается на прокрустово ложе какого-либо стиля. Здесь можно упомянуть такие термины, как «эклектика» и «фьюжн», которые всей картины не опишут, но обрисуют полистилистические приемы, которыми пользуется музыкант. Заметно, что сольная карьера Марса благополучно формировалась на ТВ – его лаконичные и яркие мелодии легко привлекают к себе внимание и задают настроение, которое подчеркивают грандиозные и грациозные аранжировки, сплавляющие в единое целое элементы «традиционной» электроники, нью эйджа, поп- и рок-музыки, неоклассики и, где-то даже в большей степени, джаза. Локализацию этой музыки сложно определить – иногда мы, конечно, попадаем на лоно дикой природы или в трущобы городских джунглей, но чаще всего мы пребываем в абстрактном мире эмоций и воспоминаний, в котором даже время не линейно и охотно «перемешивает» те или иные события прошлого и грядущего. За жестким урбанистическим битом могут притаиться первобытные ритмы древних племен (мы услышим голоса австралийских аборигенов, их знаменитые диджериду, а также напевы американских индейцев), а за несокрушимым напором цивилизации можно разглядеть и прочувствовать «вечные ценности», такие, как счастливый детский смех. Несмотря на заданную тематику, «Одиннадцатый час» получился достаточно позитивным альбомом, но это не беспочвенный позитив, это результат надежд и размышлений, результат, который зависит от каждого из нас. Однозначно рекомендуемый к прослушиванию диск.

Интервью

Миры образов

Имя Марса Лазара стало широко известно любителям инструментальной музыки в 1992 году после выхода на американской компании Real Music его дебютного альбома Olympus. Этот диск был тепло встречен публикой, хорошо востребован на многих радиостанциях и попал в десятку ньюэйджевского хит-парада журнала Billboard. Следующий проект Марса Лазара The Eleventh Hour, вышедший годом позже, имел еще больший успех у слушателей. Затем последовал ряд удачных сольных альбомов на Real Music, среди которых были такие стилистически разные проекты, как синтезаторно-футуристический Escape, наполненный разнообразными природными звуками The Music Of Olympic National Park и очень личный фортепианный Sapphire Dreams. Марс Лазар всегда находится в поиске. Круг его интересов очень широк. Он принимал участие в работе над фильмами, сочинял музыку, продюсировал других исполнителей. Марс Лазар работал вместе с Herbie Hancock над альбомом Dis Is Da Drum, писал музыку к компьютерным играм.

Этот талантливый композитор, исполнитель и продюсер всегда стремился раздвинуть рамки привычного, выйти за пределы устоявшихся форм, использовать новые достижения музыкальной индустрии. Ему было неинтересно создавать однотипные проекты, его всегда тянуло нечто новое. В 1998 году Марс Лазар покинул Real Music и записал на студии Earthtone Records свой шестой альбом 11:02. Но и здесь музыкант не мог долго оставаться, и Марс Лазар основывает свою собственную студию Sound Manipulations. В прошлом году на ней вышел ряд еще более, чем раньше, стилистически отличающихся работ: компьютерно-динамичный проект Big Box, мягкий джазовый Blue Maze, визуально-полифонический When Worlds Collide/11.03 и сильно настоянный на этнической музыке альбом Karma. В планах Марса Лазара большое количество новых работ. Сегодня этот выдающийся музыкант – наш гость. Перед вами недавнее интервью с Марсом Лазаром.

Этот вопрос возник у меня, когда я слушал ваш недавно вышедший альбом Blue Maze, к которому вы не только написали музыку, но и продюсировали его. Что побуждает вас писать такую мелодичную музыку? Откуда вы берете эти божественные гармонии? Что или кто побуждает вас творить? И эти мои слова можно отнести не только к альбому Blue Maze, но и вообще ко всем вашим работам.

Подобно тому, как опытный писатель может в любой момент симулировать любое настроение, я могу делать то же самое с музыкой; это просто поэзия гармоний. Что стимулирует меня? Я просто люблю это делать... Мое постоянное восхищение технологией и возможностями гармонического синтеза способствует тому, что я исследую всевозможные жанры. Как результат - моя музыка, и слушатели испытывают и проверяют мои творческие изобретения.

Если говорить об одном из ваших новых проектов, Blue Maze, то он, как и еще три новых альбома (я имею в виду BigBox, Karma и When Worlds Collide/11.03 – во всяком случае, вы продюсировали все четыре проекта), в отличие от предыдущих, издан на вашем новом лейбле Sound Manipulations. Не могли бы вы подробнее рассказать мне о нем. Когда и почему вы решили основать эту компанию? Что собираетесь еще издавать? Что будете продюсировать?

Прежде всего, я неудовлетворен тем, что издаю один-два альбома в год. Я могу делать больше. Лейбл SMI (Sound Manipulations Inc.) – это мой способ создания компании, которая позволит мне каждый год издавать несколько альбомов. В ближайшем будущем я собираюсь пригласить других музыкантов издавать свои альбомы на моей студии. В музыкальном бизнесе музыка различной направленности, создаваемая одним музыкантом, может вызвать недоразумения. Поэтому я издаю свои проекты под разными именами. Это способ разделить стили музыки. В будущем вы услышите новые альбомы, созданные в рамках проектов Blue Maze, BigBox и серии The Eleventh Hour, и с годами я собираюсь выпускать больше альбомов. Я не рассматриваю свою творческую деятельность просто как выпуск огромного числа альбомов – я предвижу большой творческий прорыв.

Спасибо, что прояснили этот вопрос. Давайте, перейдем теперь к вашему последнему, седьмому сольному альбому When Worlds Collide/11.03. Дело в том, что в вашей музыке меня подкупает еще одно качество: это музыка действия, она активна и наполнена жизнью. Как я понимаю, альбом When Worlds Collide/11.03 является концептуальным: он продолжает как 11:02, так и более ранний The Eleventh Hour (кстати, это моя любимая из ваших работ!). Не могли бы подробнее рассказать как о вашем новом альбоме When Worlds Collide/11.03, так и об этой серии?

Альбом When Worlds Collide/11.03 продолжает послание надежды и вдохновения. Композиция Children Of The New Age является гимном юных первооткрывателей, Amy's Lullaby V успокаивает и убаюкивает вас. Мне хотелось добавить в свою музыку немного тайны (композиции City Jungle – из альбома The Eleventh Hour, Toxic Orchestra – из альбома 11:02 и Midnight Mirrors – из альбома When Worlds Collide/11.03), просто чтобы вам напомнить, что все возможно. В альбоме 11.03 больше этнической музыки, чем это было раньше. Вместе с композицией Keep Faith к вам приходят странные мелодии Тибета вместе со сложными западными ритмами, создавая сочный «hope-combo» (звучит как название коктейля!). Работа над альбомами серии The Eleventh Hour помогла мне обрести позитивную энергию, чтобы осознать наше сверхсложное общество. Я уверен, что скоро появится много новых альбомов этого направления.

Вы блестяще работаете со звуком, мастерски вплетаете различные шумы и разнообразнейшие природные звуки. В связи с этим, я не могу не спросить вас об альбоме из серии Music Of The National Parks, который был выпущен студией Real Music. Что побудило вас на создание этого проекта? Что запомнилось вам при работе над ним?

В середине 80-х меня очень заинтересовала возможность синхронного синтеза звуков природы и музыки. Когда компания Real Music пригласила меня участвовать в создании альбома из серии «Музыка Национальных парков», я выбрал Олимпийский национальный парк, потому что природа там очень разнообразна. Об этом парке я мог бы написать большой «музыкальный роман»: там есть реки, океаны, тропические леса, пустыни, песчаные пляжи и луга... и при этом – множество диких животных, это разнообразие даже трудно осознать! И я начал записывать звуки этой местности и соединял их с технологией, которая уже в то время была гораздо более продвинутой, чем когда я только начал свои музыкальные эксперименты в начале 80-х. Когда вы слушаете «Музыку Олимпийского национального парка», этот альбом переносит вас прямо туда. Однако в то время мне хотелось сделать нечто большее, и потому я начал работу над альбомом Karma. Я действительно горжусь им. Это хороший синтез звуков природы и элементов world music, переносящий вас в некое пространство, существующее лишь в вашем воображении, это истинное вдохновение.

Я знаю, что вы сотрудничали с разными лейблами (в том числе с Real Music, Earthtone Records). С какой компанией вам было наиболее интересно и комфортно сотрудничать и почему?

Да, я сотрудничал с этими лейблами, а также я работал и с другими лейблами в плане участия как в сольных проектах и в сборных альбомах. Думаю, что опыт работы с Real Music был наиболее интересным с точки зрения качества нашей продукции. Кроме того, эти релизы были весьма разнообразны. Olympus был альбомом «гимном», а The Eleventh Hour – электронным и исследовательским. Альбом Sapphire Dreams получился мелодичным, и здесь я основывался на своем «классическом» образовании, и в то же время работа над «Музыкой Олимпийского национального парка» позволила мне сочетать с музыкой звуки и ощущения природы. Я не могу припомнить, чтобы где-либо еще я получал более приятные впечатления от работы. Мне всегда было трудно удерживаться в рамках требований определенного лейбла (т. е. выпуск одного альбома в год, необходимость создавать музыку определенного жанра, и т. д.).

Чем был обусловлен ваш переход с Real Music на Earthtone, где вы выпустили альбом один альбом 11:02. И почему вы ушли с Earthtone?

Вместе с Real Music я выпустил много альбомов, и часть меня хотела вернуться к музыке серии The Eleventh Hour. Но компания не была заинтересована в поддержке моего проекта, так что я почувствовал необходимость перейти на другой лейбл. Я был знаком с работами Кристофера Франке (Christopher Franke) со времени его участия в группе Tangerine Dream, и для меня была очень привлекательна возможность работы с Кристофером на его лейбле Earthtone Music. Кроме того, Earthtone был готов предоставить мне 100-процентную творческую свободу, которую мне, конечно, хотелось получить. Когда я работаю с лейблом, для меня очень важны условия работы. Но когда глава Earthtone покинул компанию, чтобы основать собственный электронный лейбл, у меня не было энтузиазма остаться с компанией. Однако, я думаю, что в целом причиной моего ухода с Earthtone было желание получить полную творческую свободу и возможность выпускать столько альбомов в год, сколько я хочу, а не согласно планам компании.

Хочу спросить о вашем дебютном альбоме Olympus, тем более что музыка с него была использована на Олимпиаде в Альбервиле. Как родилась идея создать этот альбом? Какие идеи вы стремились выразить?

В течение многих лет я создавал различные альбомы, музыка которых использовалась на телевидении во всем мире, но Olympus был моим первым чисто авторским альбомом. Это – коллекция гимнов, сочиненных в разные годы. В тот период моей творческой деятельности я сочинял очень позитивную музыку, что помогало мне «перестроиться» с жизни в Австралии к жизни в США (Марс Лазар переехал туда во время работы над музыкой к фильму Days of Thunder с Томом Крузом. – Прим. С. К.). Альбом прекрасно сочетался с духом Олимпийских игр, и его музыка многократно исполнялась. Однажды вечером у себя дома я слушал радио (канал 94.7 CA) и к своему приятному удивлению услышал звуки лошадей с композиции Black Elk из «Олимпии». Я был ошеломлен... И это после Кенни Джи? Тогда-то я и понял, что у меня есть шанс найти слушателей для своих экспериментов, и что все было не зря.

Что особенно важно для вас в процессе творчества? Что вы используете при работе со звуком?

Когда занимаешься творческой работой, тебе нужно все самое лучшее, и если у тебя этого нет, то прилагаешь все усилия к тому, чтобы это раздобыть. Это единственный путь максимально воплотить свои идеи. Будь то гитара, или компьютер, или краски и кисти, чтобы создать картину... что бы вы ни создавали, это всегда помогает, если вы используете самое лучшее. Вы же не хотите, чтобы что-либо мешало вашему творческому процессу.

Ваша музыка очень образна (визуальна). Она рисует картины каких-то футуристических, неземных городов, очень светлых, воздушных, где-то там, на далеких планетах. Что вы стремитесь выразить в вашей музыке? Где, в каких мирах вы зовете побывать ваших слушателей? И как очутились вы здесь, на этой планете?

Это глубокий и очень уместный вопрос. Ваш ум никогда не спит... он постоянно собирает информацию со всех уровней жизни (энергии). Именно там рождается мастерство. Забота о своем уме позволит вам выжить в любой реальности. Прежде чем создать картину, я вижу ее внутренним зрением, но это не музыка или образы, а скорее чувство. И потом возникает проблема, как перевести это чувство в данную реальность – с резонансом. Цель состоит в том, чтобы как можно ближе подойти к изначальному ощущению, в моем случае использование технологии является идеальным средством для этого. Как вы знаете, она иногда не прощает ошибок, но с годами я научился «вдыхать жизнь» в технику, и я могу сказать, что умею разговаривать с компьютером. Я пытаюсь создать мир возможностей так, чтобы человек смог достичь внешних границ своего ума. Что же касается вопроса о том, как я появился здесь. Я больше не задаюсь этим вопросом. Я знаю, что я здесь, и это самое главное.

Мир Марса Лазара: какой он, как он выглядит?

Во время творчества мир Марса Лазара фантастичен, яростен и впечатляющ. Там нет границ, кроме тех, которые устанавливаю я сам. Я люблю ворваться в этот мир на высокой скорости, обладая техническими средствами, не оглядываясь назад на то, что я сделал – просто надо дойти до конца. Это подобно одновременному просмотру и техническому монтажу 50-ти телепрограмм в реальном времени. В этот период работы время просто не существует. И когда прекращаешь свой первый марафон (он обычно сильно изматывает), кажется, что с его начала прошло 30 минут, хотя на самом деле прошло 14 часов. В это время я работаю с чистой энергией, а потом идет просто техническая работа (довольно скучная), но и ее надо сделать. Остальная часть моего мира довольно скромна. Я люблю комфортабельную жизнь в окружении людей Искусства, фруктовых деревьев и домашних животных. Это хорошая жизнь.

Чем вы увлекаетесь, что любите в этой жизни?

Мои увлечения очень просты: сон, наблюдение людей, прогулки, сноубординг, поездки на велосипеде, общение с природой, изобразительное искусство, путешествия и времяпровождение с людьми, с которыми мне быть приятно, и с теми, кто меня вдохновляет.

Ваше имя достаточно хорошо известно здесь. Что вы хотели бы пожелать нашим читателям и вашим поклонникам в Беларуси и в России?

Желаю вашим читателям и моим поклонникам жизни, полной вдохновения и лишенной границ. Быть за пределами стереотипов и следовать своим мечтам и желаниям. Мне также хочется поблагодарить моих поклонников в Беларуси и России за поддержку в течение многих лет, и я надеюсь, что в будущем я смогу создавать музыку, которая им понравится. Всегда здорово знать, что твоя музыка путешествует по всему миру. Думаю, что одно из преимуществ инструментальной музыки в том, что она находится вне языковых барьеров.

Дискография

1986 Future World

1992 Olympus

1993 The Eleventh Hour

1994 Escape

1996 Babyscapes CD1 - Safe in Sound

1996 Babyscapes CD2 - New Born

1996 Mindscapes. vol. 1 - Fields of Gold

1996 Mindscapes. vol. 2 - Moonlight

1996 Mindscapes. vol. 3 - Satin Skies

1996-The Music of Olympic National Park

1998 11:02

1998 Sapphire Dreams - A Romantic Interlude

2000 11:03 When The World Collide

2001 Big Box

2001 Bog Box: Vertical Velocity

2001 Christmas from Mars

2001 Karma

2002 Blue Maze

2003 Final Frontier

2003 Noctural Diaries

2003 Collaborations

2004 11:04 Panorama

2005 11:22 Arrival

2006 Christmas from Mars 2 [with Jennifer Spalding]

2006 Yosemite - Valley Of Giants

2007 A Star Is Born

2007 At the End of the Day

2008 Baby Escapes vol. 1

2008 Baby Escapes vol. 2

2008 Baby Escapes vol. 3

2008 Baby Escapes vol. 4

2008 Baby Escapes vol. 5

2008 Baby Escapes vol. 6

2008 Baby Escapes vol. 7

2008 Baby Escapes vol. 8

2008 Exotic Intimacy

2008 Grooves from Mars 1

2008 Grooves from Mars 2

2008 MindScapes vol. 4 - Divine Spark

2008 MindScapes vol. 5 - Eterna

2008 Mindscapes vol. 6 - Presence

2008 Mindscapes vol. 8 - Inner Purpose

2008 Revival 11.05

2008 Romantic Collection

2008 Total Intimacy

2009 8 Minute Mindscapes Mediation

2009 In-Flight Metro

2009 In-Flight Relax

2009 Organized Chaos

2010 Final Frontier 2

2010 Jog - Physical Mechanics

2010 Natural

2010 Organized Chaos - 2

2010 Tahoe Spirit

2011 Piano Moods from Mars

2012 After World

2012 Organized Chaos - 3

2015 Piano Moods from Mars 2

2016 Jazz from Mars

Ссылки

http://www.marslasar.com/ - Официальный сайт

Энциклопедия
Просмотров: 10419

Биография

Дэвид Ланц – блестящий пианист, широко известный не только у себя на родине, в Америке, но и во всем мире. Он – одна из наиболее ярких звезд современной инструментальной музыки. Родом Дэвид Ланц из Сиэтла, что на северо-западе США. Его карьера началась еще в далеких 70-х, когда никому еще не известный музыкант солировал на пианино в местных клубных командах, мастерски играя джаз и блюзы. И кто тогда знал, что ему был уготован совсем иной путь в музыке. Время больших перемен в судьбе композитора пришло в начале 80-х.

Одному его другу, проводившему семинар по чакрам и работе с телом, требовалась музыка, иллюстрирующая течение энергии через чакры. Он сделал запись музыки для семинара, и каждый, кто ее слышал, хотел иметь копию. С этой небольшой ленты и началось восхождение Ланца на музыкальный Олимп. Тогда не было ни одного музыкального стиля, даже похожего на то, что он делал, и это определенно не называлось ньюэйджем. Часть музыки к семинару была использована на его первом сольном альбоме «Звуки сердца». Этот диск вышел на фирме Narada в 1983 году. Затем последовали многие альбомы, тепло встреченные критиками и хорошо раскупавшиеся слушателями. Настоящий триумф наступил в 1988 году, когда альбом Ланца (так звали мало известного изобретателя пианино из Амстердама, вдохновившего Дэвида написать эту музыку) взлетел на верхушку ньюэйджевского хит-парада «Биллборда» и уже не покидал ее целых 27 недель! Потом композитор еще очень долго сотрудничал с компанией Narada, выпуская альбомы с красивейшей музыкой, среди которых автобиографический «Возвращение к сердцу» и отдающий дань «британскому вторжению» в 60-х - проект «Песни с английского сада». Музыка Дэвида Ланца невероятна романтична. Она очень светла, легка и при этом глубока, быть может даже, напоена мудростью. И это, конечно, связано с духовным поиском Дэвида Ланца. Теософское Общество, Рудольф Штейнер – вот некоторые из его увлечений. Кстати, в молодости Дэвид не только был большим фэном Кейта Жарретта (Keith Jarrett) и Била Эванса (Bill Evans), но и увлекался музыкой экспериментатора-электронщика Стивена Хальперна (Steven Halpern). Дэвид слушал его музыку, когда занимался йогой. Ему нравилась сама атмосфера музыки Хальперна, но она не цепляла, в ней не было ни мелодии, ни структуры. Начиная свою карьеру, Дэвид пытался передать эту атмосферу, но решил сочинять «реальные» произведения: со вступлением, кульминацией, серединой и кодой. И музыка Ланца имеет вполне традиционную структуру. Интересно, что удивительный случай, предопределивший судьбу Дэвида, произошел с ним, когда ему было всего 4 года: он лежал в траве и видел Иисуса в облаках. Подобные сверхъестественные события происходили в течение всей его жизни, направляли его, чтобы он мог оставаться в соприкосновении с той астральной или нематериальной областью. Некоторые из них перенесены в музыку, которую он исполняет, и другие люди тоже могут проникнуться этим. Сам Дэвид имеет превосходное чувство юмора и даже с самоиронией называет себя забавным именем SNAG, что расшифровывается как «Чувствительный Ньюэйджевский Парень» (Sensitive New Age Guy). Недавно он начал сотрудничать со знаменитой компанией Decca, на которой и вышел его последний на сегодняшний день альбом «К востоку от Луны». Музыка Дэвида очень широко известна в Америке. Дэвид надеется, что благодаря сотрудничеству с компанией Decca Records, которая гораздо крупнее Narada, его музыка сможет распространиться во всем мире.

Цели Дэвида Ланца, которые он хочет достичь в своем творчестве, просты и понятны. Если внимательно посмотреть, то можно увидеть, что он никогда не написал ни одного произведения, содержащее в названии слово «любовь». Его музыка это не любовные песни, а скорее музыка для исцеления. Это то, что Дэвид ставит на первое место, полагая, что это – путь к позитивному изменению в людях. Его задача – это исцеление души. Сегодня мы – существа, «разорванные» по многим различным направлениям сразу. Его музыка – это средство для успокоения нашей тоски по единению, «пути домой». Когда слушаешь музыку Дэвида Ланца, возникает впечатление, что она написана в состоянии большой любви. Благодаря этому она не кажется слишком сложной, но очень глубока и оказывает сильное эмоциональное воздействие на слушателя. Дэвид пишет музыку около сорока лет, большую часть своей жизни. Он провел столько времени в мире своего воображения, что может черпать вдохновение в переживаниях своей жизни, в мифологии и в собственной духовной природе. В его произведениях сквозит желание только высшего добра слушателю создаваемой им музыки. Первой на личность и творчество Дэвида повлияла мать. Она превосходно исполняла буги-вуги на фортепиано, и это одно из первых музыкальных воспоминаний Дэвида. Он рос, слушая Рэя Чарльза (Ray Charles), Нэта Кинга Коула (Nat King Cole), Фрэнка Синатру (Frank Sinatra) и другую популярную музыку сороковых и пятидесятых. Это была музыка, которую любили и играли его родители, когда он был ребенком. В 60-е было много инструментальной поп и рок-музыки, например такая музыка Генри Манчини, как «Розовая Пантера», и «Тема из Ромео и Джульетты», и поэтому Дэвида рано захватили популярные темы инструментальной музыки. Конечно, не обошлось без «Биттлз», которые очень повлияли на него, как и вообще британская поп-музыка 60-70-х. Его уроки игры на фортепиано никогда глубоко не касались классики, и в 12 лет прекратив их, он стал учиться писать и играть рок-н-ролл и изучать как можно больше музыкальных стилей. Это продолжалось несколько десятилетий. Он открыл для себя джаз и классическую музыку, как слушатель, будучи подростком. Музыка Дэвида порой напоминает музыку Сьюзан Чани (Suzanne Ciani). Их музыкальные стили довольно близки, так как она использует в своей музыке мелодичные и простые формы. Идеи и темы альбомов Дэвид приходят из природы, из чтения мифологической и духовной литературы, из жизненного опыта и из использования силы воображения. Порой темы его альбомов развиваться со временем. Когда Дэвид впервые начал записываться, ему приходилось ограничиваться фортепианным соло. Со временем он привлек в свою студию больше музыкантов, его бюджет вырос, и теперь он может себе позволить тратить деньги на настоящих музыкантов: например, использовать живые струнные вместо синтезаторов. У синтезаторов есть свое место в музыке, считает Дэвид, но не в его композициях.

Говоря о творчестве Дэвида Ланца, нельзя не упомянуть его долгое и очень плодотворное сотрудничество с гитаристом Полом Спиром (Paul Speer), а также участие в создании музыки к оригинальным видео проектам «Виды пустыни» и «Природные явления», выпущенным компанией Miramar. Дэвид Ланц ведет преподавательскую деятельность, активно гастролирует. Сочиняя музыку, он используют большое акустическое фортепиано, но иногда играет на барабанах – для удовольствия и практики. В свое время Дэвид с удовольствием работал над созданием музыкальных видео- программ с видами природы. Они делались в сотрудничестве с режиссером Йэном Никманом (Jan Nickman) и продюсером Полом Спиром (Paul Speer). Компания Miramar была специально создана, чтобы делать такое видео. Эти работы были реакцией на новую (для того времени) видео-революцию MTV (середина 1980-х). Использование природы в сюжетах прекрасно сочетались с музыкой. Это была музыка того времени. Их взаимоотношения с Полом Спиром были очень плодотворными, они работали над десятком музыкальных проектов и разработали очень популярный стиль. Пол умел дополнять фортепиано Дэвида своей гитарой. Также одно время он работал вместе с Дэвидом Аркенстоуном (David Arkenstone).

Сайтом Дэвида занимается его племянник Аарон Коллинз (Aaron Collins), замечательный молодой веб-дизайнер. Сайт содержит в основном информацию о музыке, концертах и других музыкальных проектах, в которых участвует Дэвид. Дэвид все время сочиняет новую музыку. Он любит путешествовать – бывал в Испании, а также некоторых других частях Европы, в Корее и Японии. Путешествия помогают ему расширить представление о мире. Сейчас Дэвид живет в Сиэтле (Seattle), штат Вашингтон, в северо-западной части Америки, в очень красивом месте. Здесь много гор, рек, озер, рядом Тихий Океан. Это вдохновляет его сочинять новую музыку. Он живет вместе с женой, она консультант по духовным вопросам, и сыном-подростком, который играет на барабанах в рок-группе. Дэвид уверен, что его музыка говорит сама за себя. Она полна надежды на будущее.

Forever Christmas Рождество давно уже превратилось в главный семейный праздник, способный объединить множество людей независимо от религиозных убеждений и разности духовных традиций. Просто где-то, примерно посередине зимы, наступает такое время, когда душа, уставшая от коротких дней и длинных, снежных ночей, особенно нуждается в светлом покое и семейном тепле и уюте – а именно это в конечном итоге и способно подарить Рождество, собирающее семьи и друзей вместе в одну великую, сакральную ночь. Именно в эти часы, когда многие верят, что в тихом шепоте метели слышны голоса спустившихся на Землю ангелов, Чудо становиться реальным и близким – и это ощущение люди стремятся сохранить в сердце, продлить как можно дольше. Музыка на совместном альбоме известного пианиста, номинанта на премию Грэмми Дэвида Ланца и вокалистки Кристин Амари, чей голос стал одним из главных открытий последних лет, как раз и ставит перед собой задачу продлить ощущение Рождества, сделать его почти бесконечным, сохранив глубоко в сердце его уютный и нежный огонь. Все, что вы связываете с настроением этой ночи, вы услышите на Forever Christmas: легкие, красивые, размеренные мелодии, сыгранные настоящим мастером на фортепиано и наполненные любовью, теплом и радостью; нежные и возвышенные вокализы и песни, в которых фигурируют ясли, младенец Иисус, белый снег, яркие огни, замерший тишиной в преддверии чуда мир, слова прощения и самые главные в жизни признания друг другу. Помимо клавиш и голоса мы также услышим отлично вписавшиеся в общее настроение (переданное визионерской живописью Мартина Шпрингетта) партии акустической гитары и дудочек в исполнении очень известного в мире инструментальной музыки дуэта Нэнси Рампел и Эрика Тингстада, бас-гитары Кейта Лоу, виолончели Уолтера Грэя и других инструментов – и действительно, Рождество это отличный повод собраться вместе и творить. Дэвид и Кристи, конечно, используют названия традиционных праздничных гимнов (Oh Holy Night, Silent Night), но не банально переигрывают их в тысячный раз, а изящно преподносят их мотивы и темы в новом ключе, преломляя их сквозь призму своих талантов, за что им отдельное спасибо. Очень хороший альбом – и музыка красивая, и настроение передано идеально. Forever Christmas действительно способен зажечь огонек праздника не только зимними вечерами, но и любыми другими, да и тепло любящих сердец она разжигает с новой силой – важно только верить в Чудо и ждать его, независимо от времени года.

Интервью

Когда слушаешь Вашу музыку, возникает впечатление, что она написана в состоянии большой любви. Благодаря этому Ваша музыка, которая не кажется слишком сложной, очень глубока и оказывает сильное эмоциональное воздействие на слушателя. Что Вас вдохновляет на ее создание? Как бы Вы сами объяснили, почему она оказывает такое влияние на слушателя?

Мне нравится ваше выражение – «большая любовь». Я пишу музыку около сорока лет, большую часть моей жизни. Я столько времени провел в мире своего воображения, что могу «идти глубоко», как вы говорите, и черпать вдохновение в переживаниях моей жизни, в мифологии и в моей собственной духовной природе. Я желаю только высшего добра слушателю создаваемой мною музыки.

Каковы Ваши творческие «корни»? Кто и почему больше всего повлиял на Ваше творчество?

Я могу поблагодарить очень многих создателей музыки за вдохновение и влияние. Первой на меня повлияла моя мать. Она приводила меня в восторг своим исполнением буги-вуги на фортепиано, это одно из моих первых музыкальных воспоминаний. Я рос, слушая Рэя Чарльза (Ray Charles), Нэта Кинга Коула (Nat King Cole), Фрэнка Синатру (Frank Sinatra) и другую популярную музыку сороковых и пятидесятых. Это была музыка, которую любили и играли мои родители, когда я был ребенком. В 60-е было много инструментальной поп и рок-музыки, например Telstar, Pipeline, Theme From a Summer Place, Exodus, Theme From Route 66, такая музыка Генри Манчини, как Peter Gunn, The Pink Panther, и The Theme From Romeo and Juliet, и меня рано захватили популярные темы инструментальной музыки. Битлз очень повлияли на меня в свое время, как и вообще британская поп-музыка 60-70-х. Мои уроки игры на фортепиано никогда глубоко не касались классики, и в 12 лет я их прекратил, и стал учиться писать и играть рок-н-ролл и изучать как можно больше музыкальных стилей. Это продолжалось несколько десятилетий. Я открыл для себя джаз и классическую музыку, как слушатель, будучи подростком. Я испытал много разнообразных влияний. В конце 60-х и в 70-е я также любил слушать классическую индийскую музыку, фанк, соул, и даже немного кантри в стиле Флойда Крамера (Floyd Cramer). Музыка группы Procol Harum тоже чрезвычайно повлияла в юности на мой подход к сочинительству. Я думаю, что не стоит перечислять огромное количество классических композиторов и джазовых пианистов, так что давайте перейдем к следующему вопросу.

Хорошо. Нам будет очень интересно узнать, каково Ваше впечатление от творчества музыкантов Windham Hill Records? Повлияло ли оно на Ваш творческий поиск?

Есть параллели между музыкой Windham Hill и той, что делаю я. Меня вдохновил тот факт, что музыку Джорджа Уинстона так хорошо приняли. Я никогда до тех пор не думал, что соло на фортепиано может быть таким популярным. Эта студия выпустила очень много чудесной музыки.

Ваша музыка напоминает музыку Сьюзан Чани (Suzanne Ciani). Ваши музыкальные стили довольно близки. Интересно, знаете ли Вы музыку Сьюзан Чани, и каково Ваше отношение к ее творчеству?

Я слышал многое из ранних работ Сьюзан. Ее стиль похож на мой, так как она использует в своей музыке мелодичные и простые формы.

Каковы Ваши впечатления от группы The Wave, выступающей вместе со Сьюзан Чани и включающей некоторых известных исполнителей Windham Hill, и музыкантов, в ней участвующих?

Я знаю о группе, о которой вы спрашиваете, но, к своему стыду, никогда их не слышал. Хотя со Сьюзан я знаком, и однажды у нас было короткое совместное турне.

Где и как Вы обычно находите идеи для своих альбомов? Каков Ваш стиль творческой работы?

Идеи и темы моих альбомов приходят из природы, из чтения мифологической и духовной литературы, из жизненного опыта и из использования силы воображения! Я позволяю темам альбомов развиваться со временем. Это действительно органическое явление.

Какие музыкальные инструменты Вы используете в своей работе в настоящее время?

Сочиняя, я использую большое акустическое фортепиано, но также люблю играть на барабанах - для удовольствия и практики!

Нам хочется узнать о Вашей работе над альбомом East of the Moon. Как возникла идея его создания? Почему Вы решили реализовать этот проект сейчас, перед началом нового тысячелетия? Какие идеи вдохновили Вас записать сюиту World In Peace? Расскажите, пожалуйста, немного о ее создании.

Что касается технической стороны, пожалуйста, посмотрите Making of East the Moon на моем сайте http://www.davidlanz.com. Там вы найдете много информации о записи этого диска. Оригинальным заголовком и темой диска было A Time for Peace. Я работал над этой концепцией год или около того, и со временем название изменилось на One World и затем на окончательное – East of the Moon. Джон Теш (John Tesh) выпустил диск под названием One World, и мне пришлось пересмотреть свой подход и тему. Музыка World At Peace – это концепция, для реализации которой я ожидал начала нового тысячелетия. Это казалось подходящим временем, временем для мира. Это мое музыкальное видение мира и часть моей персональной мифологии. Остальные мои новые альбомы посвящены древним мифологическим темам. Интерес к «Зеленому Человеку» (из кельтской мифологии) привел меня к книге с тем же заглавием, которая дала название East of the Moon. Его цитировал «Зеленый Человек» в древней истории, приведенной в этой книге.

Не могли бы Вы рассказать о тех из Ваших альбомов, которые Вы считаете самыми важными и интересными в Вашем творчестве? Как они были созданы?

Для меня важна вся моя работа. Когда я впервые начал записываться, мне приходилось ограничиваться фортепианным соло. Со временем я привлек в свою студию больше музыкантов, мой бюджет вырос, и я смог себе позволить тратить деньги на настоящих музыкантов: например, использовать живые струнные вместо синтезаторов. У синтезаторов есть свое место в музыке: но обычно не в моих композициях.

Что для Вас важно выразить своей музыкой?

Каждая песня говорит мне, что ей нужно, чтобы явиться к жизни. Я верю в душу песни. А душе нужна свобода говорить. Вот это и нужно выразить.

Насколько мы знаем, вы один из пионеров создания музыкальных видеопрограмм с видами природы. Расскажите, пожалуйста, о создании Ваших видеопрограмм и сотрудничестве с компанией Miramar. Как мы знаем, к настоящему времени Вы создали три видеопрограммы (Through The Hands of David Lanz, Desert Vision и Natural States) Какая из них – Ваша любимая? Планируете ли Вы продолжать работу над подобными музыкальными видео-проектами?

Я с удовольствием работал над Natural States и Desert Vision. Они делались в сотрудничестве с режиссером Йэном Никманом (Jan Nickman) и моим продюсером Полом Спиром (Paul Speer). Компанию Miramar мы создали, чтобы делать такое видео. Сейчас ситуация изменилась, и мы больше не владельцы Miramar. Эти работы были нашей реакцией на новую (для того времени) видео-революцию MTV (середина 1980-х). Мы использовали природу, и наши сюжеты, похоже, прекрасно сочетались с нашей музыкой. Это была музыка того времени, и у нас нет планов делать это снова. Йэн Никман теперь работает главным образом с компьютерной графикой. Through The Hands Of David Lanz – это методическое видео, предназначенное для тех многочисленных учеников и учителей игры на фортепиано, которые исполняют мою музыку. Нотные тетради с моей музыкой очень популярны в Америке, и я хотел поделиться своим подходом, своим стилем игры и немного – своей философией музыки.

Что Вы думаете о перспективах и тенденциях развития музыкального видео в 21-м веке?

Поживем-увидим.

Нам было бы очень интересно узнать о Вашем сотрудничестве с музыкальными компаниями, выпускающими Ваши альбомы. Почему Вы сотрудничаете именно с этими компаниями? С какой компанией Вы сотрудничаете в настоящее время?

Моя музыка очень широко известна здесь, в Америке. До недавнего времени моим лейблом был Narada. Теперь я сотрудничаю с компанией Decca Records и надеюсь, что это поможет распространить мою музыку в мире. Эта компания гораздо крупнее, и ее дистрибьюторы работают почти во всем мире.

Не могли бы Вы рассказать о Вашем сотрудничестве с Полом Спиром?

Наши взаимоотношения были очень плодотворными, мы работали над десятком или около того музыкальных проектов. Мы разработали очень популярный стиль. Пол был очень хорош в студии и умел дополнять мое фортепиано своей гитарой. Как любые взаимоотношения, это способствовало дальнейшему развитию для нас обоих.

Планируете ли Вы другие совместные проекты с Полом?

В настоящее время – нет.

Не могли бы Вы рассказать немного о Вашем сотрудничестве с Дэвидом Аркенстоуном (David Arkenstone)? Что Вы думаете о его творчестве? Планируете ли Вы с ним новые совместные проекты?

Аркенстоун – это великий музыкант, и я уверен, что его лучшие работы еще впереди. Мы сотрудничали с одной и той же компанией, и нас свели вместе из коммерческих соображений. Я бы хотел еще с ним поработать, но в настоящее время таких планов у меня нет.

Кого из музыкантов можно назвать Вашими друзьями? Кто помогает вам в Вашей творческой работе?

Я могу назвать своими друзьями всех музыкантов, с которыми работал. Я открыт для сотрудничества со всеми хорошими исполнителями. Моя творческая работа в руках «Великой Музы», которая присутствует во всех хороших музыкантах и студийных техниках. Я открыт для свободного обмена идеями в студии.

Как насчет турне? Даете ли Вы концерты?

Сейчас у меня турне, посвященное моему последнему диску. Оно длится весь этот год с перерывами, отрывая меня от семьи, от работы над другими проектами и от сочинения музыки.

Когда и как возникла идея создания вашего личного сайта? Какие идеи были использованы при его создании? Кто помог Вам в реализации этого проекта?

Мои менеджеры посоветовали мне заняться своим сайтом, и теперь его поддерживает мой племянник Аарон Коллинз (Aaron Collins), замечательный молодой веб-дизайнер. Сайт содержит в основном информацию о моей музыке, концертах и других музыкальных проектах, в которых я участвую.

Какие религиозные и философские взгляды Вам близки? Каков Ваш духовный поиск? Занимаетесь ли Вы какими-либо духовными практиками? Принимали ли Вы или принимаете теперь участие в каких-либо духовных курсах или встречах?

Многие годы я сознаю свою духовную природу. Я изучал различные философские системы, восточные и западные. Я ежедневно медитирую, но не следую никакой религии. Я верю, что Бог есть во всех вещах, всех людях и всех явлениях. Музыка, несомненно, божественна!

Как Ваша музыка соотносится с Вашим духовным поиском?

Музыка – отражение души: она может быть хорошей, плохой или индифферентной. Музыка для меня очень духовна. Я не вижу какого-либо предпочтения в моей работе.

Каковы ваши творческие планы? Над чем Вы сейчас работаете? Когда мы сможем услышать Ваш новый альбом?

Я все время сочиняю новую музыку. Но новый альбом, как таковой, еще не планируется. Возможно, через год я смогу говорить о новом проекте.

Любите ли Вы путешествовать? В каких странах и местах Вам больше всего нравится бывать?

Я бывал в Испании: люблю Испанию, а также некоторые другие части Европы, Корею и Японию. Я люблю всех людей, и путешествия помогают расширить мое представление о мире. И, конечно, я когда-нибудь с удовольствием отправлюсь в ваши края!

Где Вы сейчас живете? Нравится ли Вам это место? Какая у вас семья?

Я живу в Сиэтле (Seattle), штат Вашингтон, в северо-западной части Америки. Тут очень красиво. Много гор, рек, озер, рядом Тихий Океан. Это очень вдохновляет меня сочинять музыку! Я живу с женой, она консультант по духовным вопросам и сыном-подростком, который играет на барабанах в рок-группе.

Что Вас интересует в жизни? Каковы Ваши долгосрочные цели?

Моя цель в жизни – продолжать распространять мою музыку, чтобы она охватила как можно больше людей нашей планеты. Мое послание – послание мира и единства. Мирный мир – вот что меня более всего заботит в жизни. Начиная с моей семьи и заканчивая моей музыкальной работой.

Что такое, на Ваш взгляд, музыка нью эйдж? Как бы Вы ее определили? Какие перспективы и тенденции Вы видите в музыке нью эйдж, и вообще в музыке в 21-м веке?

Это на самом деле не музыкальный термин, так что определить трудно. Я уверен, что моя музыка говорит сама за себя. Она полна надежды на будущее. Я надеюсь, что музыка и дальше будет способствовать тому, чтобы люди раскрывали свой высочайший потенциал. О большем нельзя и просить!

Дискография

1983 Heartsounds

1985 Natural States [with Paul Speer]

1985 Night Fall

1985 Solstice [with Michael Jones]

1987 Desert Vision [with Paul Speer]

1987 Woodlands [with Eric Tingstad, Nancy Rumbel]

1990 Christophoris's Dream

1990 Skyline Firedance 2CD

1991 Return to the Heart

1993 Bridge Of Dreams [with Paul Speer]

1994 Christmas Eve

1995 Beloved

1996 Convergence [with David Arkenstone]

1996 Sacred Road

1998 Songs from an English Garden

1999 An Evening with

1999 East of the Moon

1999 White

2001 Love Songs

2002 Finding Paradise

2002 Romantic - The Ultimate Narada Collection 2CD

2003 Symphonic Session

2004 The Good Life

2005 Angel In My Stocking

2005 Best of

2005 Spirit Romance [with Gary Stroutsos]

2007 A Cup of Moonlight

2007 Living Temples [with Gary Stroutsos]

2008 Painting the Sun

2009 Liverpool - Re-Imagining the Beatles [with Larry Knechtel & Gary Stroutsos]

2012 Here Comes the Sun [with Gary Stroutsos, Walter Gray & Keith Lowe]

2013 Cristofori's Dream... Re-Envisioned

2013 Movements of the Heart

2014 All is Calm [with Kristin Amarie]

2014 Forever Christmas [with Kristin Amarie]

2015 Silhouettes of Love [with Kristin Amarie]

Ссылки

http://www.davidlanz.com/ - Официальный сайт

Энциклопедия
Просмотров: 9111

Биография

Грег Лэйк (англ. Greg Lake, полное имя Грегори Стюарт Лэйк, англ. Gregory Stuart Lake; родился 10 ноября 1947 года, Пул, Дорсет, Англия) – британский бас-гитарист, гитарист, вокалист, автор песен и продюсер, наиболее известный как участник King Crimson и супергруппы Emerson, Lake and Palmer.

Лэйка считают одним из крупнейших талантов британской сцены прогрессивного рока и в качестве автора, и в качестве исполнителя. У него характерный тембр голоса и свой стиль игры на гитаре. Его музыкальный талант начал проявляться рано, один из хитов ELP Lucky Man он написал ещё учась в школе.

Грег родился и вырос в самой бедной части портового Борнмаута. Гитару Лэйку подарила мать на двенадцатый день рождения. Немного позже он стал посещать уроки гитарного мастерства, которые давал местный учитель Дон Страйк. На этих уроках Грег познакомился с еще одним студентом Страйка по имени Роберт Фрипп; вскоре они стали друзьями.

Грэг Лэйк в 1978 году.

До 1968 года Лэйк играл в различных местных группах, пока, наконец, не остановил свой выбор на The Gods, где выступали Кен Хенсли и Ли Керслейк. Тогда же в полной мере проявился сочинительский талант Лэйка. Лэйк покинул группу после того, как Роберт Фрипп, игравший тогда в Giles, Giles and Fripp, пригласил его в свой новый проект, названный King Crimson. В 1970 году Лэйк принял предложение от экс-клавишника The Nice Кита Эмерсона войти в его новый проект.

Первыми коллективами Лейка стали Unite Four, Shame и Shy Limbs. С группой Shame ему даже удалось записать сингл. Но первым серьезным составом стал The Gods, к которому он присоединился в 1968-м году, и где играли будущие музыканты Rolling Stones и Uriah Неер. Покинув The Gods незадолго до начала записи альбома, Лэйк очутился в рядах King Crimson (естественно, по предложению старинного приятеля Роберта Фриппа), где и пробыл около года, записавшись на втором альбоме In The Wake Of Poseidon (1970).

Очень скоро Грег стал частью легендарной группы Emerson, Lake & Palmer, с которой и добился наибольшего успеха за всю свою карьеру. Музыканты записали альбомы, проданные десятками миллионов экземпляров и совершили несколько гигантских турне. В составе этого трио Лэйк проработал до 1979-го года, когда популярность ELP стала заметно падать, и он предпочел заняться сольной карьерой.

Его дебютный альбом Greg Lake вышел в 1981-м году, и Грегу удалось подобрать для его записи отличную, но недолго просуществовавшую группу: гитарист Гэри Мур (Gary Moore, ex-Skid Row, G-Force, Thin Lizzy), ударник Тед МакКенна (Ted McKenna, ex-Rory Gallagher, Sahb), и клавишник Томми Эйр (Tommy Eyre, ex-Joe Cocker). Звучание нового репертуара резко отличалось от ELP, так как было ориентировано на гитару, а не на клавишные. Альбом попал на то же самое 62-е место в хит-парадах Британии и Америки, и состав даже выступил на фестивале в Ридинге и провел небольшое турне прежде, чем распасться.

Свой второй сольный альбом Manoevres Лэйк записывал вдвоем с Гэри Муром, и диск получился не слишком убедительным, что подтолкнуло Грега к идее уйти на время из музыкального бизнеса. Вернулся он лишь в 1985-году, на некоторое время подменив вокалиста в супергруппе Asia. А год спустя вошел в проект Emerson, Lake & Powell. Проект оказался не слишком удачным, и вскоре Лэйк стал участником трио Ride The Tiger, куда также вошли клавишник Джефф Даунс (Geoff Downes, ex-Buggles, Yes, Asia) и ударник Майкл Гайлс (Michael Giles, ex-King Crimson).

Бывшие соратники по ELP пригласили Лейка поучаствовать в съемках фильма о группе, что привело к полномасштабному возрождению ELP в 1992-м году. Время от времени Грег Лэйк дает сольные концерты, выпускает концертники и антологии.

Дискография

1981 Greg Lake

1983 Manoeuvres

1995 In Concert

1998 From the Underground

2003 From the Underground vol. 2

2006 From the Beginning 2CD

2013 Songs of a Lifetime

2015 London '81 [live]

2015 Ride the Tiger [with Geoff Downes]

Ссылки

http://www.greglake.com/ – Официальный сайт

Энциклопедия
Просмотров: 17410

Биография

В на отделении классической музыки Дюссельдорфской консерватории знакомятся студенты Ральф Хуттер (Ralf Hutter) и Флориан Шнайдер-Эслебен (Florian Schneider-Esleben). Хуттер обучается игре на гитаре, Шнайдер – на флейте. Вместе с басистом Батчем Хауфом (Butch Hauf), ударником Фредом Мониксом (Fred Monicks) и певцом Бэзилом Хаммоуди (Basil Hammoudi) они организуют группу Organisation, которая в своих творениях прочно ориентировалась на Pink Floyd и ранних Tangerine Dream. Они выпустили два диска, позже переизданные в Англии двухдисковым комплектом. Хуттер и Шнайдер, вместе с клавишником Клаусом Дингером (Klaus Dinger) и гитаристом Андреасом Хоманном (Andreas Hohmann) организуют Kraftwerk.

Отделившись от квинтета, они стали записываться на студии Конни Планка, расположенной в центре нефтеперегонного завода, среди грохота, дыма, свиста и огня – и тесное промышленное окружение было тщательно впаяно в создаваемую ими музыку. Первый альбом Kraftwerk, записанный в июле-августе, выходит на недавно основанной компании Philips в конце 1970 года. Песня Ruckzuck с этого альбома используется в телевизионном журнале Kennzeichen D. в качестве основной музыкальной темы (впоследствии эта тема была заменена на переработанную, а затем на другую, не связанную с Kraftwerk), и становится первой песней Kraftwerk, исполненной на немецком телевидении. Альбом распродается в количестве свыше 60000 экземпляров и входит в немецкий Top30. Пару месяцев группа играет секстетом – к ним присоединяются также гитарист Михаэль Родер (Michael Rother) и басист Эверхард Кранеманн (Eberhardt Krahnemann). В этом составе на студии Конни Планка создается запись, никогда не опубликованная впоследствии. Хоманн и Хуттер выходят их состава группы, однако Хуттер через небольшой период времени возвращается. За это время в виде трио Шнайдер-Дингер-Родер Kraftwerk впервые выступает на немецком телевидении с песней Ruckstoss Gondoliere (эта песня впоследствии появлялась на различных изданиях под названием Vor Dem Blauen Bock) в шоу под названием Beat Club. В конце года Родер и Дингер покидают Kraftwerk и организуют группу Neu!, выпустившую впоследствии три диска. Теперь Kraftwerk состоит из двух человек - Хуттера и Шнайдера. В 1971-1972 году они организуют свой первый концертный тур, в котором кроме них участвуют Плато Ривера (Plato Rivera) и Эмиль Шульт (Emil Schult).

Второй альбом, Kraftwerk 2, выходит в начале 1972 года также на Philips. Журнал Sounds избирает Kraftwerk как «самая популярная группа года», Флориан Шнайдер занимает вторую строчку в категории «музыкант года» а песня Ruckzuck становится «песней года». Kraftwerk 2 записывается всего за семь дней – с 26 сентября по 1 октября 1971 года, распродается в количестве 50000 копий и занимает в хит-параде Германии 36-е место. В качестве сессионного музыканта к Kraftwerk присоединяется Вольфганг Флур (Wolfgang Flur). На альбоме обнаруживается сильное влияние Джона Кэйджа, Карлхайнца Штокхаузена и Терри Райли, равно как и продолжающееся влияние Pink Floyd – но сделанная в таком ключе композиция Ruckzuck вполне подходила для западногерманских дискотек. Следующие композиции дуэта (Конни Планк остался инженером) вполне укрепили их «человеко-машинный имидж». «Мы выдумываем истории и музыкально их иллюстрируем, – лаконично разъяснял Kraftwerk свою звуковую концепцию, – а затем приводим музыку в законченный вид следующим образом: вверх-вниз; вперед-назад; быстро-медленно; громко-тихо; горизонтально-вертикально; мягко-жестко; сгущенное-разреженное; чарующее-безобразное; глухое-звонкое». Но красочным звучание их музыки назвать было нельзя даже с большой натяжкой. Гармоническое заполнение обеспечивалось чаще всего одной и той же клавишей органа в нижнем регистре и дополнялось грубыми, механическими промышленными звучаниями, реальностью повседневной жизни крупного европейского города: внезапные звуки, трудноидентифицируемые шумы, к музыке вообще не имеющие никакого отношения – и это в противоположность сложным и тщательно выстроенным композициям других немецких адептов электронной музыки, как, например, Tangerine Dream.

Третий альбом Ralf & Florian был гораздо более цветистым, с бьющим через край энтузиазмом, свежей текстурой и ясным битом. Он записывается в июле и выпускается на Philips в октябре. На концертных выступлениях к группе иногда присоединяется Плато Костик (Plato Kostic), впоследствии афинский архитектор. Этот диск упрочил репутацию ансамбля в США и Англии, а сингл, вырезанный из исходной записи, попал в списки и был принят авангардными кругами. Вместе с тем их «гипнотическая прелесть проходов синтезатора» (Billboard) стала электронной пищей настроенного на легкое слушание среднего американского любителя рока – в этой стране группа оказалась вторым коммерчески успешным западногерманским ансамблем после Nectar. Но сами Kraftwerk не смогли собрать достойный урожай – они уступили в 1974 году право на альбом за 2 тысячи долларов.

Окончательно проникшийся философией Kraftwerk, перкуссионист Вольфганг Флур становится полноправным членом группы. Немногим позже присоединяется скрипач и гитарист Клаус Редер (Klaus Roeder). Этим составом в ноябре записывается четвертый альбом – Autobahn. Autobahn стал последним альбомом, выпущенным на студии Philips. Kraftwerk становится группой с мировым именем. Сингл Autobahn занимает в США 25-е место, в Англии – 10-е, в Германии – 9-е. Одноименный альбом: в США – 5-е место, в Англии – 4-е, в Германии – 7-е. За этот альбом в первый раз за свою историю Kraftwerk удостаивается всемирной награды Golden Records Awards. Успех альбома Autobahn позволяет музыкантам основать собственную студию грамзаписи – Kling Klang. Для поиска подходящего звукового материала они начали практиковать вечерние автопробеги по скоростной автостраде. Высунув микрофон в окно автомобиля, музыканты записывали звуки, к которым наши уши либо привыкли и потому тщательно отфильтровывают, либо никогда не воспринимали: шумы автострады, сигналы клаксонов, шипение сжатого воздуха. И еще – человеческое дыхание, усиленное фонендоскопом; настройка радиоприемника; щелчки реле на телефонных станциях. В своей студии Kling Klang они попытались воспроизвести эти звуки с помощью современных музыкальных (и не только музыкальных) электронных инструментов. Кажется, что этот диск демонстрирует слушателям, как бы прореагировал на наше урбанистическое пекло попавший в него средневековый мастеровой – на его неподготовленный слух давит грохот промышленных предприятий, гул грузовиков, лавина звуков, среди которых мы рождаемся, живем и умираем, но которые мы уже научились не замечать. Музыканты-изобретатели сумели превратить хаос в порядок: эти звуки организованы в эффектные мелодии.

В октябре 1975 Клауса Редера заменяет Карл Бартош. Сформировавшийся таким образом состав (Хуттер, Шнайдер, Бартош, Флур) остается неизменным 15 лет. В ноябре выходит альбом Radio-Aktivitat, занявший в Германии 22-е место. В этом альбоме Kraftwerk нагрузили свой металлорок в композициях Heimatklange, Tanzmusic, Morgenspaziergang и Mitternacht каламбурами и легко слушаемой электроникой, на второй стороне альбома ударившись в слишком частое использование радиопозывных и космических помех. Точный и ясный бит электронных инструментов сливался с довольно бессмысленными «технологизированными» звучаниями в откровенно коммерческую музыку с частыми ссылками на успешного предшественника. Всемирное переиздание этого альбома осуществляется фирмой EMI.

Эта же студия переиздает Ralf & Florian – альбом занимает в США 160-е место. В январе 1976 выходит Radio-Activity, английская версия Radio-Aktivitat, отличающаяся лишь оформлением. Однако, начиная со следующего диска, альбомы Kraftwerk действительно выходят на двух языках. Сингл «Radioaktivitat» добивается огромного успеха. Во Франции продается более миллиона копий, в Германии он получает приз Golden Record Award за продажу более чем 100000 экземпляров. 10 октября в London Roundhouse впервые представлен прототип «танцующего музыканта» (что-то вроде светомузыкальной ударной установки). Альбом Showroom Dummies в полной мере представил юмор, которым обладал ансамбль. Как всегда, нагруженный ударными и звуками большого шоссе (в титульной композиции и Europe Endless) , диск содержал песню Showroom Dummies, в которой высмеивался шоу-бизнес.

В первой четверти 1977 года выходит Trans Europe Express, занявший в Германии 32-е место. Альбом становится «индустриальной библией» для многих последующих музыкантов. В процессе записи музыканты знакомятся с Дэвидом Боуи, который впоследствии немало способствовал их популярности. В июне 1978 альбом Trans Europe Express достигает в США 67-го места.

Еще большей уступкой коммерческим запросам оказался альбом The Man Machine, где была музыка подчеркнуто машинная и холодная и демонстративно электронная – в ней уже нет ничего общего с творениями Pink Floyd и Tangerine Dream, которые никогда не писали кибернетической музыки. Обычный для роковой музыки инструментарий Kraftwerk не признавали вообще. «Гитару невозможно использовать в ХХ веке. Этот инструмент родом из средневековья», – говорил Хуттер. Казалось, что из музыки ансамбля удалено все человеческое, но холодные причудливые звуки, пропущенные через синтезатор, завораживали и увлекали. Как говорил Хуттер, это «очарование, содержащее долю ужаса». И после каждой новой пластинки ансамбля в рок-музыке появлялось множество новшеств: новые способы использования электронных ударных, новые способы микширования, новые приемы подачи материала. Электро- и синтез-поп 80-х практически целиком на совести Kraftwerk. Любая синтезаторная вставка в мелодиях этого десятилетия несла в себе гены «Автобана». Сингл Die Roboter занимает в Германии 5-е место. Альбом поднимается на 12-е место в Германии и на 9-е место в Англии, продается более чем 100000 копий (во Франции – 200000).

В 1981 выходит восьмой альбом Computer World (Computerwelt). Часть тиража EMI сопровождает карманным калькулятором с надписью «Kraftwerk-Computerwelt». В Англии альбом занимает 15-е место, в Германии – 7-е. В первые же два месяца в Германии продается более 65000 копий. В 1982 из-за нарастающего интереса к так называемой «новой немецкой волне» в немецком Top10 на 7-м месте появляется сингл Die Roboter четырехлетней давности. Английская версия сингла, The Robots, оккупирует первое место английского хит-парада не менее чем на три недели. В феврале альбом «Trans Europe Express» опять появляется в хит-парадах Англии и достигает 49-го места. На счету ансамбля и сценические изобретения. Так, во время исполнения музыки с альбома Computer World, желая подчеркнуть свою связь с компьютерами, музыканты ставили на сцене несколько дополнительных синтезаторов, за которыми располагались манекены, фигурами, одеждой и лицом напоминавшими членов ансамбля. На обложке этого лонгплея они провозглашали: «Это музыка, которую могли бы писать роботы, но пока они этого делать не умеют. Такую музыку пишем мы, посредники между роботами и людьми, «роботоиды». Движения музыкантов на сцене напоминали движения роботов – этот прием был использован в концертных выступлениях.

Планирующийся к выходу в 1983 году альбом Techno-Pop по непонятным причинам так и не выходит. Вместо него выходит Tour De France – единственный сингл Kraftwerk, выпущенный без привязки к какому-либо альбому. Tour De France занимает 20-е место в Англии и 47-е – в Германии, однако во Франции продано всего 75000 его копий. В декабре в Германии выходит ремикс Tour De France. В 1984 ремикс Tour De France (Breakdance Version) занимает в США 28-е место. В сентябре 1986 года выходит сингл Musique Non Stop, достигший в Германии 13-го места. На основе неизданного альбома Techno-Pop в ноябре выходит девятый альбом группы – Electric Cafe. В Англии он достигает 40-го, а в Германии – 23-го места. Альбом Electric Cafe вновь акцентировал внимание на индустриальных шумах нашего времени: эдакая смесь романтических иллюзий с радиопомехами. Так бы мог звучать Вагнер в аэропорту: на фоне гула двигателей, голоса диктора, объявляющего номера рейсов. Музыку Kraftwerk кто-то назвал ритм-энд-блюзом атомной эры. Может лучше - компьютерной? Да, группа популяризовала компьютеры. На одном из концертов в Дюссельдорфе они даже раздавали карманные компьютеры зрителям. Кто хотел, мог поиграть со светом, заменить тембр синтезаторов, самостоятельно перестроить ритм-машину. В интервью Хуттер говорил: «...необходимо созидание, развитие активного творческого начала у каждого. Люди должны пробовать себя в искусстве – где, как не в искусстве, раскрывается творческое начало? Любой человек должен иметь возможность воплотить свой замысел во что-то реальное. Человек учится по-новому работать с информацией при помощи компьютера, но компьютер лишь средство. А конечный продукт – будь то музыка или гвоздь – результат сотрудничества человека и машины. Нового сотрудничества, нового творчества – к этому мы готовим публику на наших концертах». В феврале 1987 года выходит сингл Der Telefon Anruf. В 1990 Kraftwerk исполняет в Италии сразу 4 концерта. К этому времени Вольфганг Флур уже покинул группу, и его место занял Фриц Хильперт (Fritz Hilpert). Объявлено о выходе очередного альбома, однако никакой работы по записи новых композиций не производится.

В 1991 году из группы уходит Карл Бартош, и на некоторое время его заменяет Фернандо фон Абрантес (Fernando von Abrantes), однако вскоре его сменяет Хеннинг Шмитц (Henning Schmitz). В июне выходит 10-й альбом, The Mix, который занимает в хит-парадах Германии 7-е место. Kraftwerk начинает свой тур 1991-1992 года по Европе – «The Mix Tour». Его сопровождает вышедший в мае сингл Die Roboter, а в октябре выходит второй сингл – Radioaktivitat. В 1992 Kraftwerk выступает в Манчестере с концертом «Stop Sellafield» против дальнейшего разрастания ядерного завода в Селлафилде. В первый раз за свою историю группа разрешает использовать свое название в рекламе – для фирмы Doepfer. Карл Бартош вместе с Лотаром Мантейфелем создает группу Elektric Music и выпускает первый сингл – Crosstalk.

В 1995 году Kraftwerk официально регистрирует свои права на слово «Klangwerk». В сентябре EMI проводит переиздание всех альбомов на компакт-дисках, начиная с Autobahn. В апреле планируется к выходу книга «Mensch, Maschine und Musik», однако после некоторых разбирательств книга переименовывается в «Synthesizer, Sounds und Samples» и выходит только в июле. В 1996 году Kraftwerk открывает свой официальный сайт в Интернете. После почти четырех лет молчания Kraftwerk дает очередной концерт – 24 мая 1997 года на фестивале Tribal Gathering в Luton Hoo. 10 октября дается очередной концерт в Линце, Австрия, а двумя днями позже еще один – в Карлсруэ, в центре искусств и технологий ZKM. На обоих концертах в числе прочего играется новый материал. В 1998 году Хуттер и Шнайдер празднуют тридцатилетие совместной работы, и в честь этого начинают всемирный концертный тур (Япония, США, Испания, Дания, Аргентина и Бразилия).

Однако на концертах играются только две новые вещи. Эмиль Шульт (под псевдонимом Jamo) и Вольфганг Флур создают проект Yamo и выпускают альбом Time Pie. В 1999 году Kraftwerk создают главную музыкальную тему для всемирной выставки EXPO 2000. Флориан Шнайдер дает лекции в Академии Дизайна HfG в Карлсруэ как профессор компьютерных искусств и произведений. 7-го мая переиздается Tour De France. Шестого декабря выходит сингл Expo 2000 – первая новая песня, выпущенная группой за 14 лет. С декабря открывается новый интернет-сайт группы – www.kraftwerk.de. В 2000 году сингл Expo 2000 не выходит из немецкого Top 100 более 10 недель. Выходит сингл с ремиксами на эту песню, который так и называется – Expo Remixes.

«Механическая вселенная Kraftwerk многократно клонировалась и копировалась в Детройте, Брюсселе, Милане, Манчестере, и, наконец, психоделизировалась в белой горячке хаус-культуры», – говорит в одном из последних интервью Ральф Хюттер, – «нас можно определять как угодно: научно-фантастическая музыка, техно-диско, кибернетический рок, но я всегда предпочитал термин «робот-поп». Он в наибольшей степени отражает нашу задачу – работать над конструированием совершенной поп-музыки для племен, населяющих деревню по имени Земля».

Minimum-Maximum На диске 22 трека из которых 5 треков записаны на концерте в Москве и остальные треки записанные в Варшаве, Любляне, Риге, Берлине, Токио, Лондоне, Париже, Сан-Франциско, Будапеште и Таллинне. Ведущий музыкальный журнал Великобритании MOJO поставил новому альбому максимальную оценку: «Minimum-Maximum – потрясающий альбом. Помимо того, что это грандиозная коллекция лучших вещей, живое исполнение подряд таких трех хитов, как Numbers/Computer World/Home Computer, это тройной комплимент легендарной группе, и их исполнение звучит, пожалуй, даже лучше оригиналов». Лучше это исполнение или нет, это вопрос спорный, но то что оно заметно отличается от оригинального и, по сути, является полноценным ремейком – абсолютно верно и то, что это первый Live альбом группы тоже бесспорный факт. В любом случае всем фанатам этой культовой группы, а особенно тем, кто был на живых выступлениях, данная пластинка крайне рекомендуется.

Интервью

Kraftwerk. Интервью Triad Magazine, июнь 1975 год.

Случайные слушатели могут пытаться сравнить их с Пинк Флойд, или вообще причислить их к жанру «космической музыки». В действительности же Крафтверк – это нечто гораздо большее. Космос – это только часть общей концепции их творчества,  которая также включает в себя Время и Механику, а также визуальные и другие сенсорные парадоксы. Они работают с художниками из других видов искусства. Тексты песен становятся все более постоянной частью их музыки.

Autobahn – это замечательный образ, увлекающий слушателя в круиз по знаменитому германскому скоростному шоссе. Этот альбом – смесь воображаемого и реальности, он начинается со звука захлопывающейся двери автомобиля и далее имитирует шум  проносящихся по дороге  машин. Мистические нашептывающие голоса в треке Kometenmelodie легко воспаряют в небеса и оставляют слушателю грандиозные пространственные впечатления.

Они берут обычные повседневные события и трансформируют их в драматические ситуации. Также как писатели и поэты играют со словами и фразами, живописцы – с красками и перспективой, скульпторы – с формами, Крафтверк играют со звуками. Они переплавляются, формируются, окрашиваются, смешиваются и изменяются в некое единое переживание. Музыка похожа на размашистые эскизы, оставляющие за слушателем дальнейшую раскраску картины. Крафтверк трансформируют обычную жизнь в одухотворенный опыт.

Интервью с Ральфом Хуттером (Ralf Hutter) и Флорианом Шнайдером (Florian Schneider).

Triad. К Вам применим термин «космический рок» (spacerock)?

Ralf. Мы – часть индустриальной цивилизации. Мы выросли...

Florian. ...под впечатлением от всех этих механических ритмов, которые мы используем в нашей музыке, от технической стороны жизни. Для нас технология – не враг. Мы ее принимаем такой, какая она есть. Мы любим природу, но мы не можем сказать, что техника хуже или лучше природы. В сегодняшнем мире надо принимать эти вещи как данность.

Ralf. В нашей музыке есть отсылки к космосу, как, например, в песне Kometenmelodie. Но есть и сугубо земные аспекты, не из внешнего космоса, а из внутреннего человеческого пространства, из телесного начала, то, что связано с повседневной жизнью.

Florian. Мы смотрим кино, выходим на улицу, где тоже получаем некие оптические впечатления, и это часто влияет на нашу музыку, которая становится как бы акустическим фильмом, или акустической поэмой. Так мы стараемся выразить то, что мы видим и слышим сами. Несколько лет назад мы были на гастролях, и так вышло, что незадолго до выступления мы ехали по автобану, довольно долго ехали, и когда мы начали играть, эта скорость передалась нашей музыке. Наши сердца все еще продолжали быстро стучать, и поэтому наш ритм получился быстрее, чем обычно.

Triad. Основа ваших мелодий – вращение колеса рулетки.

Ralf. Да, движение – прежде всего. Запечатлеть нестатичный феномен, ибо музыка – это тоже нестатичный феномен. Она неразрывно связана со временем и движением во времени. Не бывает одинаковой.

Triad. Танец имеет отношение к вашей музыке?

Ralf. Да, в Германии некоторые современные балетные труппы использовали нашу музыку для создания своих танцевальных версий для нее.

Florian. Хореография была очень роботоподобной, компьютерной. Механистические движения на сцене.

Ralf. Когда мы выступаем, мы тоже вроде как танцуем. Это даже связано не с собственно телесными движениями, а с ощущением своего тела в целом. Чувствуешь себя как танцор.

Florian. Сознание танцует, мозги танцуют. Электроника танцует в динамиках.

Ralf. У нас давно витала эта идея, но только в прошлом году мы смогли реально создать эти ощущения оркестра из динамиков. Так мы сами воспринимаем суть Крафтверка – неакустический электронный оркестр, звучащий из динамиков. Все оборудование – это единый инструмент. Мы играем на микшерах, на пленке, на фейзерах, на всей аппаратуре. Это и есть Крафтверк. Один инструмент. Включая освещение и атмосферу.

Florian. Иногда я ощущаю звук на вкус. Чувств гораздо больше, нежели просто прохождение звуков через уши. Все тело ощущает звук.

Ralf. Представьте себе деревья. Как звучат деревья? Необязательно даже делать реальные слышимые звуки. Вы можете описать свои предположения, и читатель создаст звук в своем сознании, воображении.

Triad. Вы слушаете другие жанры музыки, не электронные?

Ralf. О, да. Иногда мы слушаем радио, а еще мы слушаем жизнь, шум, или то, что люди обычно воспринимают как шум. А это – источник окружающей нас музыки. Пройдитесь по улице, и, если вы достаточно открыты для этого, вы услышите симфонию.

Florian. Это то, что ты извлекаешь из опыта работы с электроникой. Ты добираешься до самого основания звука, и твой слух привыкает анализировать любой звук. Над нами пролетает самолет, и я знаю, из чего складывается этот звук, его фазы, его эхо.

Ralf. И чем больше этому учишься, тем больше удовольствия это приносит. Постоянно открываешь новые звуки, на которые раньше не обращал внимания. Удивительно, когда ты понимаешь содержание звука. Это могут быть животные в зоопарке, проезжающие машины, разговаривающие люди.

Florian. Ассоциации очень важны в музыке. Кто-то может создать некий звук, записать его на пленку, и транслировать его для 50, 100 или 1000 людей, и каждый из этих людей получит свое особенное впечатление от услышанного звука. Это не как в кино, где практически все видят то же самое. Когда звучит музыка, тогда в сознании людей рождаются сотни вариантов этой музыки. Когда ты на сцене, ты понимаешь, что каждый слушатель воспринимает музыку по-своему. Кто-то впадает в транс, кто-то возбуждается, кому-то это не нравится и он уходит, а кто-то затем возвращается, а другие даже не встают со своих мест. Столько разных реакций на одну и ту же музыку.

Ralf. Мы импровизируем, так, как это делается в восточной музыке, или в музыке реггей. Наша музыка не структурирована гармонически.

Florian.  Мы предпочитаем делать звуки. Звуковые симфонии. Мы стараемся делать все просто, чем проще, тем лучше. Раньше мы пытались делать сложную ерунду, в те времена, когда каждый старался сыграть как можно больше нот в одну минуту. Но затем мы пришли к самым необходимым вещам.

Ralf. Рано или поздно ты должен понять для себя, что именно ты хочешь делать. Не прятаться за многочисленными нотами или...

Florian. ...или за кабинетами динамиков...

Ralf. ...а открывать простейшие вещи.

Florian. Мы не пользуемся громоподобными звуками, наши звуки более утонченные.

Ralf.  Для нас это стало результатом многолетнего развития, чтобы прийти к тому, что мы делаем сейчас. И понадобится еще немало шагов, чтобы сделать что-то большее.

Florian. Мы начинали с акустических инструментов. Много наших друзей играло с нами тогда, кто-то из них затем ушел, кто-то остался. А затем мы, наконец, поняли, что нам на сцене не нужны все эти громкие барабаны. Тогда мы в течение целого года играли только вдвоем. Мы использовали драм-машину, но она не удовлетворяла нашим требованиям. Драм-машина может сгодиться для одного-двух треков, но если она звучит весь вечер, это становится невыносимо скучным. Тогда мы решили сконструировать электронные барабаны, потому что нам был необходим ритм. И вот сейчас в нашей группе играют два электронных перкуссиониста.

Ralf. Это дает широкие возможности для изменения звуков, ведь вся электронная музыка создается на основе белого шума. Так что ты берешь те частоты, которые тебе подходят. Как художник, ты выбираешь себе цвета из всего спектра, для того, чтобы выразить себя в рисунке.

Florian. Сейчас мы работаем с художником, который сможет реализовать наши оптические видения.

Ralf. Мы вообще не считаем себя музыкантами, мы, скорее люди, использующие разные пути и методы самовыражения, будь это живопись, поэзия или даже фильм. Главное – это контакт с аудиторией.

Интервью 2

Крафтверк: интервью Ральфа Хуттера Джону Харрису

«Мне заменили голову, и теперь я в полном порядке». Мотоциклы, роботы, мечта о полной гармонии между человеком и машинами. Как же Крафтверк создали свое видение будущего? Ральф Хуттер (Ralf Hutter) и одно из его крайне редких интервью, которое он дал Джону Харрису (John Harris).

Вот как это начиналось. Я набрал номер, и женский голос сообщил мне, что наше общение начнется с минуту на минуту. И я услышал голос Хуттера, причем я сразу вспомнил о том, что я никогда раньше не слышал, каким голосом он разговаривает. А звучит голос очень молодо для его 62-летнего обладателя. И еще тон, гораздо более приветливый для предстоящего интервью, чем я ожидал. «Хелло, это я», – произнес он с явным энтузиазмом. Я попытался вспомнить свой немецкий, который изучал в вечерней школе, и спросил: «Wie geht's? – Как дела?» «О, да Вы знаете немецкий». «Совсем немного», – говорю я. «Ein bisschen. Но Вы понимаете слова песен на немецком?» – спрашивает Ральф. Некоторые – да, подумал я, но как раз те, которые не из лучших. Так что я говорю ему, что, даже несмотря на то, что слова песен Крафтверк я скорее воспринимаю как звуки, чем собственно слова, я все равно больше люблю, когда они исполняют их на немецком языке (например, хит 1981 года The Model звучит весьма неуклюже на английском языке, а на родном языке Хуттера – точно и аккуратно). Хуттер сказал мне, что он сам переводит тексты песен. Затем он спросил: «Мы раньше общались?» «Нет. И, кстати, Вы ведь нечасто соглашаетесь на интервью».

Тут Ральф, этот последний из оригинального состава, который все еще состоит в Крафтверк – одной из самых значительных (после Битлз) групп, делает то, чего я от него не ожидал – он смеется. На самом деле, Хуттер посвящал некоторое время для интервью всякий раз, когда Крафтверк выпускали новый альбом. А они в «новейшей» истории группы выходили нечасто: до записи «живого» выступления Minimum-Maximum в 2005, последний альбом Крафтверк (Tour de France Soundtracks) вышел в 2003 году. А еще до этого была огромная пауза, ведь диск The Mix, который представлял собой антологию вновь записанных (теперь на цифровом оборудовании) лучших песен группы, вышел в 1991 году. Это альбом записывался в Дюссельдорфской студии Крафтверк, которая называется Kling Klang, и работа над ним продолжалась целых 5 лет, что наглядно демонстрирует ошеломляющие периоды записи у Крафтверк. Хуттер говорит о том, что он и его коллеги нуждаются в долговременном добровольном «заточении», без общения с внешним миром, чтобы работе никто и ничто не мешало. Согласно одной из легенд, сопровождающих Крафтверк, на этой студии не было даже телефона. Возможно, именно этими строгими правилами отчасти объясняется уход из группы трех ее прежних участников – Вольфганга Флера (Wolfgang Flur), Карла Бартоса (Karl Bartos), и даже одного из ее основателей – Флориана Шнайдера (Florian Schneider).

В общем, Хуттер нечасто появляется на публике. Странно, что я знаю об его отношении к телефонам, но при этом ничего не знаю о том, что он думает о вездесущности современных sms-сообщений и электронной почты (за исключением тех почти пророческих моментов, которые содержатся в альбоме Computer World 1981 года). Уход из группы Шнайдера также окружен мистикой и тайнами. А также Хуттер никогда не любил говорить о своей личной жизни и о своем внутреннем мире вообще. Обычно он так описывает свою повседневность: «Просыпаюсь утром, чищу зубы, отправляюсь на студию, работаю, возвращаюсь домой, ем, сплю».

О нем известно немногое – что живет он в Дюссельдорфе, что раз в год он устраивает себе тысячекилометровые поездки на велосипеде, что он кропотлив в работе – и поэтому очень медлителен в этом, в то время как внешний мир становится все стремительнее. «Мы постоянно находимся в работе над новыми проектами, – декларирует Ральф, – нам пришлось слишком долго ждать, пока технологии достигнут необходимого для нас уровня». Он вспоминает: «Однажды мы выступали в Париже. Начали где-то часов в восемь вечера. А где-то в пригороде работал сталелитейный завод, и вот, то ли они включили там у себя что-то, то ли выключили, не знаю, в общем, случился огромный скачок напряжения в кабелях, и наши секвенсоры заработали на удвоенной скорости! Мы были очень удивлены». Хуттер смеется. «Тогдашняя технология ставила перед нами массу проблем, и мы просто не могли выступать «живьем». И поэтому все 80-е годы мы выступали под фонограмму». Этот аспект приоткрывает нам те «напряжения», которые всегда имели место быть за внешним непоколебимо-спокойным имиджем группы – ведь получается, что большую часть своей карьеры музыканты были почти в отчаянии. Однако подобные состояния, по словам Хуттера, являются необходимой частью того, что он называет «психо-электроникой». «Творчеству нужны самые разные душевные состояния: терпение, гнев, и широкие улыбки тогда, когда все работает, как надо».

На сегодняшний день главными «союзниками» группы являются ноутбуки, в которых запрограммирована большая часть шоу. Хуттер говорит, что ноутбуки одинаково прекрасно работают и для «замороженной» токийской аудитории, и для «перегретой» фестивальной публики в Австралии. «Технологии, пусть и запоздало, но все-таки подтянулись до нашего уровня», – формулирует Хуттер. Тут уместно будет вспомнить его фразу из далекого прошлого, которую цитировали неоднократно: «Телефон – это антиквариат. Ты не можешь знать, кто тебе звонит, нет картинки, это – устаревший аппарат, постоянно мешающий работе». «Да, – говорит он теперь, - так я говорил в 70-е и 80-е. Но ведь и сегодня все примерно то же. Ты должен быть вежливым, взять трубку, поздороваться. А там – какой-нибудь пустяк, который, однако, может изменить твое будущее на ближайшие минуты, часы, дни. Поэтому у нас никогда не было телефонов в студии. Мы целиком погружаемся в музыку, в творческий процесс. Когда все заканчивается, мы выходим, и тогда у нас оказывается достаточно времени для общения с друзьями».

А как насчет современных определителей номеров, sms-сообщений, е-мэйлов? Сделали ли они его более общительным человеком? «Возможно, но мое общее отношение ко всему этому не изменилось. Вы же знаете, как это обычно происходит: ты с кем-то общаешься, каждый остается при своем мнении, и никого на самом деле не интересуют другие точки зрения». А о Твиттере он говорит и вовсе удивительные вещи: «Каждый стал похож на... на агента Штази. Все постоянно наблюдают над собой и над своими друзьями». Концерт в Манчестере состоится 2 июля, и к огромному удовольствию Хуттера, он пройдет на городском велодроме, также известном как Национальный Центр Велоспорта. Так что наша беседа обращается к теме его любимого способа проведения свободного времени. Хуттер, вместе со Шнайдером, полюбил велосипед в 1978 году, в год, когда вышел альбом The Man Machine, и стал таким фанатом этого дела, что Флер и Бартос именно его обвиняли в том, что Крафтверк стал менее продуктивным. В те времена, по его словам, он преодолевал до 200 километров в день, а сейчас он говорит о «паре тысяч километров в год». И что же, он и сейчас, как раньше, покидает автобус группы за сотню километров от назначенного города, чтобы проделать «остаток» пути на велосипеде? «К сожалению, уже нет. Так происходило в 80-е. Но теперь график концертов настолько плотный, что чаще всего мы перемещаемся на самолетах».

Во время недавнего посещения Нью-Йорка он имел возможность насладиться ездой в Центральном Парке, но избегал автомобильных дорог. «Соревноваться с машинами – это очень опасная игра». В начале 80-х Хуттер очень сильно пострадал в аварии, которая случилась, когда он ехал на велосипеде по дамбе над рекой Рейн. Он был вместе со своей командой, и случилось так, что он столкнулся с другим велосипедистом, упал, проломил себе череп и впал в кому.

И даже это происшествие не оттолкнуло его от велоспорта?

«Нет, – говорит Ральф. – Об этом было нарассказано много глупостей, причем людьми, которых там и вовсе не было».

Это никак не повлияло на его отношение к велосипеду?

«Нет, никак не повлияло. Мне заменили голову, и теперь я в порядке. Обычное дорожное происшествие. Просто я тогда забыл надеть шлем, и поэтому три или четыре дня пришлось проваляться в больнице. Все остальное – слухи».

А правда ли, что как только он вышел из комы, его первым вопросом было: «где мой велосипед?»

«Э-э... нет, не думаю, что это было так. Люди понапридумывали всякого...»

Хуттер вообще предпочитает сразу «закрыть» подобные темы. То же касается и ухода из группы Шнайдера, чье безучастно-доброжелательное лицо, кажется, всегда готовое улыбнуться (но никогда не улыбающееся) так хорошо подчеркивало тончайшую эмоциональную теплоту музыки Крафтверк. Тем не менее, в январе 2009 года было объявлено, что Флориан Шнейдер покидает группу, и это после сорока лет работы бок о бок с Хуттером. «Он уже долгое, долгое время работал над другими проектами, – объясняет Хуттер. – Речевой синтез, и все такое. Он уже много лет реально не работал с группой».

Вам его не хватает?

«Ну, что тут можно сказать? Вы лучше ему задайте такой же вопрос».

Но Вы ощущаете его отсутствие?

«Нет, теперь уже нет. Как я уже сказал, он давно не работал с нами, а ведь все рано или поздно забывается. Надо смотреть вперед».

Мы, конечно, возвращаемся к разговору о технологиях. У Хуттера, оказывается, нет своего iPod («Я создаю музыку, а не слушаю»), однако он, похоже, все-таки приветствует новейшие технологии.

«Что такое альбом? В эпоху винила он ограничивался 40-ка минутами. Сторона А, сторона B. Пришел CD, и альбомы стали продолжительнее, а сейчас можно сделать бесконечный альбом. Мы могли бы сделать такой альбом, потому что для меня музыка – понятие круглосуточное».

Перевод – Андрей Гирный.

Интервью 3

Музыка начинается с тишины

Много лет назад они совершили музыкальную революцию, и с тех пор на них молятся все современные музыканты: от Duran Duran и Red Hot Chili Peppers, до Мадонны (Madonna) и Prodigy. Они создали свою собственную вселенную, механическую электронную вселенную, и они – боги этой музыки, а может быть, кстати говоря, и неживые боги. Во время российских гастролей группы Ralph Hutter – один из основоположников группы Kraftwerk – приехал на радиостанцию «Серебряный дождь». Раздав несколько автографов и согласившись на пару фотографий, Ральф прошел в студию, чтобы дать интервью ведущему радиостанции Владимиру Орлову и ответить на вопросы слушателей.

В музыке Kraftwerk особое внимание обращаешь, прежде всего, на тембр синтезатора, на окраску вашей музыки. Знаете, я, когда вас слушаю, чувствую в животе что-то такое теплое.  И отсюда первый вопрос: это какая-то музыкальная хитрость выпускников консерватории; может быть, – давление на подсознание или результат каких-то музыкальных исследований?

Это очень интересное, но, вообще-то, странное наблюдение, потому что нас в свое время называли «холодной волной» (так говорили в 70-е годы). При повторном прослушивании можно почувствовать, что эта музыка, в общем-то, теплая; почувствовать вдохновение, энергию. Поскольку музыка создавалась с помощью компьютерных и электронных технологий, была вероятность того, что она  будет звучать как-то отстраненно, холодно. Но мы никогда не думали, что она холодная, поэтому мне очень приятно услышать от Вас этот комплимент; очень приятно узнать о том, что Вы с самого первого прослушивания почувствовали в этой музыке теплоту и энергию.

Да, она задевает. Но я так понимаю, что господин Хуттер не откроет нам, как в «Пиковой даме», страшную тайну –  в чем же заключается хитрость?

Просто все происходит от нашего духа.

Перейдем к интересному, на мой взгляд, вопросу. Господин Хуттер, вы по-новому переиздали сейчас все ваши альбомы. До этого времени в магазинах можно было купить практически те же самые альбомы, изданные в 81, 82, 83 годы…

Между прочим, наши альбомы никогда не были обработаны с помощью современных цифровых технологий, они издавались со старых аналоговых кассет. Но теперь мы сделали «ремастеринг», и вот с этим «ремастерингом» альбомы вышли уже в новом звуке.

Многие давние ваши поклонники все-таки привыкли к «пластиночному» звуку. Не было ли опасения, что во время «ремастеринга» будет что-то убито – может быть как раз та самая душа и теплота?

При переиздании CD мы сделали «ремастеринг» вовсе не для того, чтобы изменить звучание. Наоборот, мы постарались сохранить фирменное звучание студии Kling Klang. Мы сделали все для того, чтобы выявить и сохранить то главное, что было в этом звуке. И еще очень важный момент: мы сделали другое оформление. До этого диски выпускались с фотографиями, которые были просто пересняты с обложек альбомов. Теперь мы использовали другие фотографии, переделали их, переделали дизайн альбомов. Мне кажется, что получилась гораздо более перфектная работа, как в музыкальном, так и в изобразительном смысле. По-моему, издание получилось солидное: вышли отдельные пластинки, специальный бокс, каталог на немецком и английском языках, книжка.

Кстати, до выпуска вашего последнего альбома Tour de France новых работ не было, не считая альбомов ремиксов. Почему случился такой большой перерыв?

Да, в 91-ом году мы выпустили The Mix. Это – живой альбом. Ведь наш главный музыкальный инструмент – сама студия Kling Klang. Обычно мы записываемся живьем в реальном времени. Так же писались в студии миксы, вошедшие в альбом 91-го года, поэтому его и можно считать живым альбомом. Потом, как я уже говорил, мы занимались «ремастерингом» наших прошлых записей, пытаясь сохранить звук тех, старых синтезаторов. Трансформация этих вот старых звуков, которые потихоньку ухудшались и деградировали, заняла очень много времени. Нам приходилось брать информацию со старых аналоговых кассет и делать из этого хороший, новый цифровой звук. Потом были сделаны ремиксы некоторых наших друзей из Детройта, и в 2000-ом году мы выпустили альбом с этими ремиксами. А в 2003-ем году, как вы знаете, мы выпустили альбом Tour de France. Мы совершенно автономные люди – очень маленькая группа независимых людей. Мы работаем только сами, работаем в своей студии. Видимо, столько времени нам потребовалось, чтобы произвести что-то новое. Кроме работы в студии, мы также занимаемся и всем остальным: различными мультимедийными вещами; сами делаем дизайн для своих шоу; снимаем видео. Это тоже занимает очень много времени. Кстати, в ноябре, после окончания мирового турне, мы планируем собрать весь материал, отснятый не только на концертах, но и вокруг них, – и выпустить DVD.

На скрипке все играют по-разному, на гитаре тоже, – это касается любого музыкального инструмента. Компьютер дает равные возможности всем. Не боитесь ли вы конкуренции и подделок?

Для нас такого страха не существует. Мы всю жизнь работали на компьютерах. Для нас, как и для всех, компьютер – это идеальный инструмент, который дает набор частот от 20 до 20000. Но, между прочим, музыка-то не производится компьютером: она идет из головы композитора; его фантазии рождают ее. Разве фильмы не получаются разными, хотя все кинооператоры используют одинаковую пленку. С таким же успехом можно сказать, что в консерватории все играют одинаково, потому что рояль дает всем равные возможности, – но ведь это же бред. Мы, естественно, ходим слушать хороших пианистов. Любой писатель начинает с белого листа. Любой художник начинает с чистого холста. А любой музыкант начинает с тишины. В музыке главное – идея, как, собственно, и в любой другой профессии.

Насколько я знаю, вы совершенно недавно запретили выход трибьютного альбома на ваши произведения, где участвовали U2, Cardigans и другие исполнители.  Но недавно на Mute вышел очень неплохой трибьютный альбом. И не так давно был еще один французский трибьютный альбом – Radioactivity – Tribute to Kraftwerk  – тоже очень хороший. Вы, по идее, разрешили их выпуск. Почему же вы не дали свое разрешение таким людям, как  U2 – коммерческим исполнителям?

Вы знаете, альбомы, о которых Вы говорите, тоже выпущены не совсем правильным путем. Они не были одобрены группой и выходили без нашего ведома. А тот отказ, о котором Вы упомянули, на самом деле, не имеет отношения к названным Вами артистам. Просто какой-то человек во Франции (довольно крупная величина в рекорд-лейбле), видимо, слишком много выпил шампанского и захотел выпустить такой альбом и привлечь вот этих самых артистов. Но мы сказали: «Нет!» Нам гораздо больше нравятся такие работы, как, например, Balanescu Quartet – работа Kraftwerk для струнного квартета.

Ральф, скажите, а какую музыку вы слушали раньше, до того как образовали группу, и что вы слушаете сейчас?

Детьми мы воспитывались в традиции германской классической музыки. Я обучался игре на фортепьяно, а мой друг Флориан (Florian Schneider) – на флейте. Играли Баха, Бетховена. Потом мы стали слушать радио, затем образовали группу Kraftwerk, а сейчас мы больше всего слушаем тишину. Но мы слушаем и музыку окружающей среды: разные звуки, которые издает мир – индустриальные, природные. Наши уши – это хорошие стереомикрофоны, которые все фиксируют. Но мы также часто ходим в танцевальные клубы:  слушаем, что происходит в технокультуре. Хотя любим, как я уже сказал, просто звуки, которые издает окружающий мир. Поэтому и наша студия называется Kling Klang, что означает «звук звучит».

Нельзя сказать, что ваша ранняя, докомпьютерная музыка была плоха. У меня, например, до сих пор есть видео, где вы волосатые; с живым барабаном, с гитарой и с флейтой – играете очень, кстати, неплохие мелодии.

На самом деле, у нас и тогда уже было много электричества. Я играл на электрической гитаре, флейта у Флориана тоже была электрифицирована, проходили какие-то электронные примочки, у меня был электроорган. Это был один из этапов нашего движения к полностью электронной музыке. Тогда – к полностью электронной, а сегодня – уже к полностью компьютерной. Трансформация из электроакустической музыки в полностью электронную заняла, где-то, 7 лет, и в 74-ом году мы выпустили альбом Autoban, который как раз стал результатом этой трансформации.

Мне очень жалко, что вы все-таки отказались от этих смешных палочек, которые были привязаны веревочками к старинным синтезаторам, – это очень здорово смотрелось…

Раньше были такие электронные барабаны, на которых играли палочками, а сейчас можно пальчиками играть на этих электронных устройствах.

В Tour de France я прочел любопытную информацию. В буклете написано, что вы «просто играли на компьютере». Объясните, как можно «просто играть на компьютере»?

Да, мы экспериментировали с разными кнопочками, с разными «дилеями», «петлями». Так мы создавали определенный ландшафт, определенный background для музыки. С той же самой целью мы использовали и различные интересные звуки: например, звук моего сердца (изображает – пум-пум, пум-пум); шуршание велосипедных шин; мягкое звучание окружающей среды во время езды на велосипеде; «жидкие» и аэродинамические звуки – словом,  разные. А потом мы все это крутили и находили хорошие комбинации.

Про велосипеды я наслышан. Вы занимаетесь велосипедным спортом последние 22 года. Неужели, это увлечение настолько серьезно?

На самом деле, это очень похоже на музыку, и помимо нее, велосипедный спорт – наше главное увлечение. По-моему, их многое сближает: например, гармония человека и технологии; тела и технологии. При езде на велосипеде ты словно слит с машиной и всегда движешься вперед, а если остановишься – упадешь. Так и в музыке: отсутствие движения вперед или остановка в музыкальном творчестве – это неизбежное падение. И вообще, наше увлечение вполне естественно. Мы живем в 20 км от Голландии, а в этой стране велосипедная культура очень развита. Да и наш район Западной Германии как раз велосипедная зона – ими пользуются очень много людей: студенты и школьники; люди, которые ездят на велосипедах на работу. Все это очень способствует сохранению экологии.

Ну и последний вопрос. Бытует мнение, что сейчас электронная музыка находится в тупике. Вы с этим согласны?

Я думаю, что электронная музыка только началась. Это настоящая музыка и это – музыка будущего.

14.06.2006 года

Дискография

1970 Kraftwerk

1970 Tone Float

1971 K4 [bootleg]

1972 Kraftwerk 2

1971 Live - Germany, Munich [bootleg]

1973 Kohoutek-Kometenmelodie

1973 Ralf & Florian

1974 Autobahn

1975 Fairfield Halls, Croydon, UK

1975 Kometenmelodie 3 [bootleg]

1975 Radio-Activity

1975 Radio-Aktivitat

1976 Paradiso 2CD

1977 Trans-Europe Express

1977 Trans Europa Express [German]

1977 Trans-Europe Express [single]

1978 Die Mensch-Maschine

1978 The Man-Machine

1979 Electro Kinetic

1981 Captain Video, Paris, France

1981 Computertour - Muziekcentrum Vredenburg, Utrecht, Nederland [bootleg]

1981 Computerwelt

1981 Computer World

1981 Hyper Cerebral Machine - Live in Firence

1981 Mini Calculateur

1981 Numbers [live]

1982 Techno Pop [German]

1983 Tour De France [single]

1986 Autobahn [remaster]

1986 Computerwelt [remaster]

1986 Electric Cafe

1986 Electric Cafe [German]

1986 Radio-Aktivitat [remaster]

1986 The Telephone Call [single]

1987 Electric Cafe [remaster]

1989 The Man Machine [remaster]

1989 Trans-Europe Express [remaster]

1990 Trans-Europe Express [single]

1991 Die Roboter

1991 Dynamo Deutschland 2CD

1991 Kling und Klang - Live a Milano

1991 Olympia Paris 2CD

1991 Radioactivity [single]

1991 Singles 2CD

1991 The Mix

1991 The Mix [German]

1991 The Robots

1991-Traffic Jam On Autobahn 2CD

1992 Showroom Dummies

1992 The Model

1992 Virtu ex Machina

1995 Toccata Electronica

1997 Robotronik Ubermensch

1997 Schone Neue Welt [Re-Mix, Re-Model]

1998 The Warfield Theater Soundboard 2CD

1999 Tour de France [remix]

1999 Ultra Rare Tracks

2000 Expo 2000

2000 The Very Best

2001 Der Cheap

2000 Expo Remixes

2002 An Atelier 2CD

2003 Tour De France

2004 Aerodynamik

2004 Aerodynamik-Expo 2000 Remix

2004 Aktivitat-In-Rom 2CD

2004 Ultra Rare Trax vol. 2

2005 Minimum-Maximum 2CD

2005 Minimum-Maximum 2CD [German]

2007 Aerodynamik + La Forme - Remixed by Hot Chip [remixes]

2008 Greatest Hits 2CD

2009 Der Katalog 8CD

2009 The Catalogue 8CD

2009 The Catalogue [Promo Sampler]

2013 Akasaka Blitz, Tokyo 2CD

2013 Live @ London (Autobahn) 2CD

2013 Live @ London (Tour de France) 2CD

2013 Live @ The Turbine Room - Tate Modern - London 2CD

2013 Live in Dusseldorf @ Grabbe Halle 11.01 - Autobahn

2013 Live in Dusseldorf @ Grabbe Halle 12.01 - Radioaktivitat

2013 Man-Nature-Technology

2014-Live at Los Angeles, CA 2CD [bootleg]

Organization

1970 Tone Float

1971 Var

Ссылки

http://www.kraftwerk.de/ - Официальный сайт

Энциклопедия
Просмотров: 8509

Биография

Patrick Kosmos начинает свою музыкальную карьеру в середине 1970-х годов. Тогда впервые были сделаны попытки смешать традиционную восточную музыку со звуками, полученными на синтезаторе. Его мелодии открывали новые грани, создавая неведомые ранее сочетания, звук рождался из звука. Его первый альбом получил самую высокую оценку во многих странах мира. Свои альбомы он пишет вдохновленный старинными преданиями о друидах и необычными рассказами о лекарской силе шаманов. Слушая его музыку, видишь ночь, полную звезд, загадочное северное сияние, погружаешься в атмосферу загадки и таинственности.

И вспоминаешь давнюю легенду: вечный источник жизни был погружен в мертвый сон космической ночи, и потому ничего не было. Не было света, потому что огонь души еще не разгорелся. Не было времени, потому что изменения еще не начались. Не было вещей, потому что формы еще не появились. Не было движения, потому что было нечему двигаться. Не было противоположностей, потому что нечего было сравнивать. Источник, появившийся ниоткуда, едва заметный, неизменный, неподвижный. Но нечто было рядом и разбудило его. Нечто нереальное, нескончаемое, неосознанное – космическая музыка.

Последний альбом The Healing Breath это нечто потрясающее. Это музыка, от которой замирает дыхание. Этот альбом хорошо иллюстрирует новые черты в творчестве Patrick’a. Совместное творчество Patrick’a Kosmos’a и Klaus’a Schulze’a производит глубокое впечатление. Его альбом Cosmic Resonance вышел тиражом в 600.000 экземпляров. Он выступал более чем с 250 международными концертами. Он выпустил более 40 альбомов, работал вместе с такими известными музыкантами как: Peter Gabriel, David Silvian, Enigma, Brian Eno, Ryuchi Sakamoto и многими, многими другими. Где бы и когда бы Patrick Kosmos ни исполнял свои произведения, будь то старая церковь, кафедральный собор, замок или руины он всегда играет от всей души.

Дискография

1991 Cosmic Resonance

1991 Planet News

1991 Comet's Tale (The Best Of Patrick Kosmos – vol. III)

1993 Virtual Reality

1999 Trance Neutral Zone

2001 The Healing Breath

2004 Spiritual Dream

Ссылки

http://www.patrickkosmos.com/ - Официальный сайт

Популярные исполнители

Популярные статьи

Популярные рецензии

Please publish modules in offcanvas position.