Awaiting the Dragon – эзотерическая синт-лента ужасов 29-летнего электронного музыканта из Рима Давиде Риччи, выпущенная на лейбле Heimat Der Katastrophe. В этом релизе представлена уникальная смесь мрачных синтезаторов и элементов Берлинской школы с оттенком нью-эйджа, приглашая слушателей в мир древних тайн и скрытых глубин. «Я считаю, что аналоговые синтезаторы всегда были основными инструментами для электронных музыкантов».
Мне очень понравилось слушать Awaiting the Dragon. Вы действительно можете почувствовать, как он несёт в себе традиции немецкой космической музыки 70-х годов, с одной стороны, и сочетает их со скандинавским dungeon black metal 90-х годов, с другой стороны. Возможно, я уже слишком много рассказываю о своей личной интерпретации вашей музыки. Какой альбом вы хотели создать под названием Awaiting the Dragon? Рассматриваете ли вы эту музыку как дань уважения вашим влияниям: краутроку и (блэк) металлу и панку? Или каждый человек по своей природе становится «губкой», впитывая свои влияния, независимо от того, осознаёт он это или нет?
Прежде всего, я хотел бы поблагодарить вас за то, что вы обратились ко мне и проявили интерес к моему музыкальному проекту. Я очень ценю то, что вы получили удовольствие от прослушивания альбома! Awaiting the Dragon родился из сотрудничества с итальянским лейблом Heimat der Katastrophe, с которым я связался в 2022 году для работы над альбомом The Occult Summoner, dark-ambient альбомом, который отличается от этого по музыкальным темам и подходу к композиции. Когда я начал сочинять Awaiting the Dragon, я находился под сильным влиянием новой берлинской сцены, а также увлекался прослушиванием электронной музыки 70-х годов. С первого трека я решил использовать модульные синтезаторы и клавишные, чтобы воссоздать те культовые звуки. Прослушав весь альбом, я понял, что влияние Dungeon Synth и металлических риффов было неизбежным, потому что эти музыкальные жанры уже давно занимают место в моих плейлистах и на полках. Тем не менее, я никогда не знаю, чего ожидать от своих работ, потому что мои треки в основном записываются в живых импровизациях, под влиянием различных эмоциональных факторов. Обычно я добиваюсь того, чего хочу, но, если трек не получается, он оказывается на одном из моих жёстких дисков, наряду со многими другими.
На своем сайте вы упоминаете Шульце, Ино и Tangerine Dream как свои основные влияния. Почему именно эти музыканты?
Это лишь некоторые из моих любимых исполнителей. Я провожу около две третьих своего дня, слушая музыку и открывая для себя новых исполнителей и альбомы. Я всегда внимательно слушал Шульце, Ино и Tangerine Dream, чтобы понять, как развиваются их звучание и аранжировки. Я прослушал всю дискографию Шульце (включая его параллельные проекты, такие как The Cosmic Jokers и Ash Ra Tempel) много раз, и каждый его альбом выделяется чистой импровизацией. Он сотрудничал с некоторыми из величайших исполнителей сцены, и я глубоко уважаю его работу. Думаю, когда я впервые послушал его, я даже не знал, что такое музыка берлинской школы. Ино способствовал моему открытию амбиент-музыки. Он был одним из первых музыкантов в этом жанре, которого я оценил, великим новатором и знатоком синтезаторов. Я всегда был очарован им, потому что в некоторых своих работах он использует различные акустические инструменты для усиления звука, экспериментируя с различными возможностями и доводя инструменты до предела своих возможностей. Tangerine Dream (Шульце также был с ними на ранних альбомах) сыграли значительную роль в эволюции электронной музыки, подняв её на новый уровень. На мой взгляд, их первые восемь альбомов являются основополагающими в жанре. Эти обширные секвенции переносят слушателя в другое измерение. Я также хочу отметить, что всех этих артистов объединяет опыт создания саундтреков. Писать для кино, на мой взгляд, очень полезно. Зритель или слушатель больше погружается в аудиовизуальный опыт. Можно получить массу удовольствия, играя со звуком и создавая диссонансы между тем, что вы видите, и тем, что вы слышите. Именно поэтому я чувствовал себя в полной гармонии с Heimat der Katastrophe, который создаёт истории, которые можно читать во время прослушивания альбома, позволяя вам открыть своё воображение и создать свои собственные образы.
Почему вы предпочли работать с аналоговыми синтезаторами на этом альбоме? Придаёт ли это музыке «ретро-нотку», на ваш взгляд?
Создание ощущения ретро было одной из моих целей. Около десяти лет я занимаюсь международной дистрибуцией синтезаторов, модульных синтезаторов и других аналоговых и цифровых инструментов. На протяжении всего этого времени я внимательно наблюдал за эволюцией музыкального производства с помощью этих инструментов, а также имел возможность тестировать и сравнивать их. Благодаря этому опыту я понял, что аналоговые инструменты необходимы для создания несовершенного и неповторяющегося звука, отражающего человеческую природу. Когда я использую модульные синтезаторы, мне приходится создавать «патч» с помощью кабелей, по сути, направляя ток от одного модуля к другому, чтобы создать нужный мне звук. Этот процесс, наряду с физическим поворотом ручек и взаимодействием с аппаратурой для создания музыки, включает в себя работу с электрическими токами. Я считаю, что благодаря такому практическому подходу аналоговые синтезаторы всегда были основными инструментами для электронных музыкантов. То, что я, как и многие другие музыканты, делаю сегодня, включает в себя тактильное взаимодействие с оборудованием, которое несёт в себе все причуды и недостатки, присущие аналоговым технологиям.
Это «ретрофутуристическая» музыка – музыка, которая в прошлом считалась футуристической?
Я считаю, что термин «ретрофутуристическая» несколько сложен для определения. Мы живём в эпоху, когда многие музыканты смешивают жанры, чтобы создать что-то новое, часто объединяя элементы, которые раньше не могли сосуществовать. Я не очень умею классифицировать музыку, особенно когда в ней присутствует множество влияний. Это становится ещё сложнее, когда мне приходится классифицировать свою собственную музыку… Если бы мне пришлось наклеить ярлык на музыку Awaiting the Dragon, я бы назвал её электронной, берлинской школой, амбиентом и синтезаторной, которые явно черпают вдохновение из истории, созданной Heimat der Katastrophe, сопровождающей выход альбома.
«Я просто обожаю крутить ручки»
Как вы думаете, будет ли ваша музыка звучать по-другому, когда вы будете «крутить ручки», а не «смотреть на экран»?
Для меня это другой подход. Дело не только в том, чтобы крутить ручки, а в том, чтобы использовать электрический ток в качестве генератора звука (особенно если речь идёт о полностью аналоговых инструментах). Когда вы крутите ручки, вы вносите изменения в электронную схему, взаимодействуя с чем-то, что резонирует с нашей собственной природой. В конце концов, мы состоим из электричества – наш мозг работает через электрические соединения, позволяя нам воспринимать мир, двигаться, общаться и многое другое. Поэтому для меня создание музыки таким способом кажется более глубоким. Если вы создаёте музыку, «глядя на экран», у вас может быть другой взгляд, но он может быть не менее глубоким. Иногда я использую плагины или цифровые синтезаторы, но для меня это не то же самое чувство. Действительно ли это звучит по-другому? Я не знаю точно. Я просто люблю «крутить ручки». С новейшими технологиями бывает сложно отличить цифровые инструменты от аналоговых или определить, сыграно ли что-то вживую или запрограммировано. Но вот в чём дело: окружающий шум или помехи от аналоговых машин – вы можете получить это только одним способом… ха-ха.
Проводите ли вы различие между «высоким искусством» и «низким искусством»? Между академической стороной (экспериментальной) электронной музыки и самодельными экспериментами музыкантов-самоучек, как, например, в нью-эйдже или (раннем) блэк-металле?
Я всегда изучал звук и продолжаю изучать его для своей работы в качестве звукорежиссёра. Я получил диплом звукорежиссёра в 20 лет, но продюсированием музыки и получением практического опыта занимался с 14 лет. Учитывая этот опыт, у меня есть чёткое понимание того, что значит создавать экспериментальную музыку. На мой взгляд, если вы хотите экспериментировать, вам нужно знать свой инструмент вдоль и поперёк. Экспериментирование подразумевает отход от условностей и создание чего-то, чего ещё не существует. Однако для этого нужно знать, что такое условности, и владеть традиционным подходом к своему инструменту, чтобы иметь возможность нарушать правила. Впрочем, это зависит от многих факторов. Если речь идёт о жанрах металл или панк, то это совсем другая история. Здесь больше зависит от того, что вы хотите донести до слушателя. Например, панк-движение было направлено на то, чтобы отвергнуть все формы контроля, будь то социальные нормы, средства массовой информации или религиозные организации. Точно так же норвежский блэк-металл в некоторых контекстах был реакцией против распространения христианства в их культуре. Я люблю все жанры, но особенно ценю самые экстремальные из них, потому что они не стесняются смотреть правде в глаза. Эти жанры поддерживают свободу самовыражения. В конечном счёте, важно то, что вы что-то доносите, а не то, как вы это делаете. Я думаю, что человек, делающий амбиент-музыку, может быть панком, если он подходит к этому с правильным настроем.
Вы создаёте и выпускаете музыку уже около десяти лет (я полагаю). Как, по вашему мнению, изменилась и развилась ваша музыка за это время?
Я довольно критично отношусь к своей работе. Если я послушаю, что я делал в прошлом, то увижу, что я изменился и развился, но я не уверен, в отрицательную или положительную сторону. Мне не нравится идти по прямой линии, я предпочитаю исследовать разные пути. Каждый мой альбом имеет уникальную концепцию и даёт разные результаты. Мне нравится всё менять и экспериментировать с чем-то новым. Как я уже говорил, каждый раз, когда я пишу трек, на меня влияют окружающая обстановка и моё эмоциональное состояние в тот момент. То, что я создал за эти годы, отражает моменты моей личной жизни, охватывая как взлёты, так и падения. В моих треках вы можете найти частичку того, кем я был и кем являюсь сегодня.
Как вы пришли «в музыку»? И как вы попали в электронную музыку? В какой момент вы начали относиться к музыке «серьёзно», и когда вы поняли, что музыка для вас больше, чем «просто хобби»? Почему вы решили изучать звукозапись и микширование?
Я не помню, когда впервые занялся музыкой – такое ощущение, что она всегда была частью меня, присутствовала во всех моментах моей жизни. Я действительно не помню первый альбом, который я послушал. Я просто знаю, что, когда я слушаю музыку, всё вокруг словно исчезает. Я начал заниматься музыкой в 13 лет, выступая в качестве диджея на небольших частных вечеринках в маленьком городке, где я вырос (Бриндизи, Апулия, Италия). Именно тогда я начал покупать музыку и оборудование для живых выступлений. После нескольких выступлений мне захотелось пойти дальше, и я поступил на звукорежиссёрский факультет в Турине (Италия), чтобы изучить детали звука – что это такое, как он достигает наших ушей и как он влияет на наши эмоции. Затем я начал работать в профессиональной аудиоиндустрии в Риме, где познакомился со многими экспертами и сотрудничал с некоторыми из самых известных музыкантов на римской электронной сцене. Сочинение музыки всегда было моей конечной целью. Я не очень хорошо умею выражать свои мысли словами (в этом интервью я, наверное, несколько раз противоречил сам себе), поэтому я всегда чувствовал необходимость писать музыку, чтобы передать то, что внутри меня – то, что я никогда не смогу выразить простыми словами. Я не считаю то, что я делаю, работой; это чистая страсть и радость. Дело не в том, чтобы зарабатывать деньги, а в том, чтобы вызывать эмоции у слушателей. Я хочу, чтобы они испытывали те же эмоции, которые испытывал я, сочиняя или слушая свои треки. Я хочу сделать их день лучше, как это было для меня, когда я впервые слушал такие альбомы, как Klaus Schulze – Timewind (1975) или Wongraven – Fjelltronen (1995), и это лишь некоторые из них. В настоящее время я получаю зарплату, работая звукорежиссёром. Превращение сочинительства в работу иногда пугает меня. Я боюсь, что чистота, несовершенство и спонтанность, которые я ощущаю во время игры, могут исчезнуть. Но я не слишком беспокоюсь об этом; пока у меня есть возможность играть и выпускать свою музыку, я спокоен за себя. В конечном итоге я благодарен всем, кто верил в меня и поддерживал до сих пор. Без их поддержки я, возможно, не нашёл бы в себе решимости создать Awaiting The Dragon. Давайте сохраним музыку живой!
Йори Брюнинкс
6 мая 2024 года