«Композиции задают рамки, а сиюминутное вдохновение раскрывает их, выходит за их пределы, иногда очень неожиданным образом».
Когда вы начали сочинять, и что или кто оказал на вас влияние в самом начале?
В школьные годы я уже писал свои первые небольшие мелодии для нашего джазового квинтета Key. Но только с 2001 года я начал сочинять более крупные произведения для оркестров и ансамблей. Моими ранними увлечениями были такие трубачи, как Фредди Хаббард (First Light), Майлз Дэвис (In a Silent Way), Каунт Бейси, Стэн Кентон, позже Кит Джаррет, Кенни Уилер и фантастический индийский флейтист Харипрасад Чаурасия – всё это помимо Иоганна Себастьяна Баха, Моцарта и, конечно, музыки моего отца, которую я впитал естественным образом.
Для большинства музыкантов проявлению оригинальности сначала предшествует этап обучения и, зачастую, подражания другим. Каким он был для вас? Как бы вы описали своё развитие как музыканта и переход к обретению собственного стиля?
Когда я решал, где учиться, я понял, что европейский язык в искусстве, в музыке и особенно в джазе сильно отличается от американских стилей. Я предпочёл остаться в Германии и найти своё собственное звучание и музыку, в отличие от других, которые охотно подражали американским джазовым стилям. Имея перед глазами образ своего отца, я с ранних лет научился верить в себя и идти своим путём. Как сказал один друг много позже: «Не плыви по течению, но и не против него, а полностью вне его, просто будь собой». Мой учитель игры на джазовой трубе Манфред Шуф и другие в то время также были хорошим примером оригинальности. Мне потребовалось время, чтобы найти своё собственное звучание. Это была настоящая борьба, и прежде чем прийти к этому, вы подражаете другим и пробуете многое. Это нормально.
Каковы были некоторые из наиболее важных творческих проблем в начале композиторской карьеры и как они изменились с течением времени?
Сочинение для меня всегда было и остается радостью. Поскольку я никогда не изучал композицию, мне всегда приходилось разбираться во всём самому, что мне очень нравилось. С помощью инструмента для сочинения музыки Sibelius я стал своим собственным учителем, потому что можно легко прослушать то, что ты только что сочинил, найти ошибки, что-то изменить и таким образом представить, как именно будет звучать музыка. Без этого драгоценного инструмента я бы никогда не написал больших произведений. Сейчас я не уделяю много времени композиции. Сейчас я нахожусь в периоде концертов и семинаров.
Расскажите, пожалуйста, о вашей студии и рабочем пространстве. Каковы были критерии при его обустройстве и как эта среда влияет на творческий процесс? Насколько важны для вас такие факторы, как настроение, эргономика, тактильные ощущения и технологии?
Я не технический специалист. Я работаю на компьютерах Apple, использую Logic для записи и Sibelius для сочинения, я знаю только основы. Но мне этого достаточно. Концентрация, сосредоточенность – это всё, что вам нужно, и несколько хороших идей. Они обычно приходят, как только вы искренне посвящаете себя намеченной работе. В моей студии есть старинное пианино Steinway, которое иногда служит мне местом для медитаций. Так что атмосфера здесь тёплая, а не техническая.
Не могли бы вы рассказать мне о процессе создания композиции на основе одного из ваших произведений, которое вам особенно дорого? С чего вы начинаете работу над новым произведением, например, как вы формируете свои творческие решения и как их дорабатываете?
Мой способ сочинения всегда был интуитивным. Я могу услышать мелодию внутри себя, проверить её на фортепиано, возможно, гармонизировать её и тут же начать сочинять. Из маленького фрагмента могут возникнуть даже большие произведения, как, например, Tanzendes Licht («Танцующий свет») для солирующей трубы, биг-бэнда и струнного оркестра. Это произведение длится более 30 минут, и из первого фортепианного мотива и идеи написать всё в размере 9/8 последовало всё остальное. Как когда я импровизирую на трубе и слышу внутри себя следующую ноту, так и в композиции из одной ситуации развивается следующая. В случае с Tanzendes Licht, которая была написана по заказу Швейцарского джазового оркестра, я также сделал быстрый набросок того, какие инструментальные группы должны играть друг с другом, какие комбинации я хотел бы услышать и сколько должно быть сольных инструментов. Примерно через 4 недели произведение было готово.
Что лично вы черпаете из космоса электронной музыки и цифровых инструментов продюсирования, если вообще что-то черпаете, что вдохновляет вас в повседневной практике? Насколько вы видите потенциал для взаимного творческого обогащения между ними?
Об этом вы должны спросить моего брата Саймона, который в настоящее время полностью посвящает себя созданию звука. Он просто потрясающий! Сам я использую электронику в основном на некоторых концертах – или на записях, как, например, с Маурицио Мартушелло (псевдоним Martux_m (ATLAS EP)), а – используя эффекты, которые мне нравятся с семидесятых, такие как задержки и гармонизация трубы, играя на миди-клавиатуре левой рукой, нажимая аккорды для каждой ноты или мелодии, в то время как правой рукой я играю на трубе. Я использую отдельную программу, созданную на основе Max MSP, которую для меня запрограммировал друг.
Как вы видите связь между тембром и композицией?
Тембр – это моя ежедневная борьба, поиск правильного звука на моих духовых инструментах. Я пристрастился к этому постоянному поиску. То же самое относится и к электронике. Мой поиск правильного звука распространяется и на электронику. Что касается композиции? Особый звук может вдохновить меня на сочинение. Как я уже сказал, в основном я работаю интуитивно…
Время – это переменная, которая редко обсуждается в контексте современной композиции. Не могли бы вы немного рассказать о своем взгляде на время в композиции и о том, какую роль оно играет в вашей работе?
Возможно, вы переоцениваете мой интеллектуальный подход к композиции. Я не похож на своего отца. Он, наверное, мог бы написать книгу по вашему вопросу. И если вы немного поищете, он давал очень правильные и чёткие ответы на этот вопрос. Для меня каждая композиция – это самостоятельный организм, она должна ощущаться целостной, округлой, естественной. Мне нравятся длительные разработки и длинные формы, возможно, потому, что я привык к ним благодаря иногда очень продолжительным работам моего отца. Смотрите мой диск Electric Treasures – 2 сета по 45 минут из живого концерта, каждый – без перерыва.
Что для вас значат импровизация и композиция и каковы, на ваш взгляд, их достоинства?
Если коротко: они дополняют друг друга. С 2001 года я сочетаю композицию и импровизацию почти во всех своих сочинениях. Послушайте мой новый альбом Alba на ECM, который только что вышел. Это хороший пример того, как переплетаются композиция и импровизация. Композиции задают рамки, а сиюминутное вдохновение раскрывает их, выходит за их пределы, иногда очень неожиданным образом – как вчера вечером на совместном концерте с Флорианом Вебером в Будапеште. Мы сыграли вещи совершенно по-новому – возможно, потому, что их слушали Петер Эётвёс и Дьёрдь Куртаг, какая честь и радость…
Считаете ли вы важным, чтобы публика могла понять процессы и идеи, лежащие в основе произведения, только на основе музыки? Если да, то как вы делаете их прозрачными?
Ещё один вопрос к моему отцу… Он проводил много времени, анализируя свои произведения для своих студентов, для «музыковедов» и для своей аудитории. Его мысли, расчёты и архитектура, лежащие в основе каждого произведения, были удивительны, это само по себе искусство. Что касается моей музыки, то я удовлетворён, когда музыка говорит со слушателем, когда она достигает его сердца. Это очень важно для меня. Некоторые люди просто слушают и чувствуют, другие начинают анализировать… но до сих пор никто не пришёл ко мне и не попросил проанализировать одну из моих партитур. В то время как в случае с моим отцом весь музыкальный мир смотрел на его новые работы, особенно в ранние годы, в Дармштадте на знаменитых Ferienkurse (летних курсах), или позже в Кюртене, где он жил и преподавал каждое лето.
Сейчас, когда всё больше и больше музыкантов творят, что это значит для вас как для артиста с точки зрения оригинальности? В каких областях вы видите наибольший потенциал для оригинальности, и кто из артистов и сообществ вдохновляет вас в этом отношении?
Сложные вопросы для меня… Я просто следую за своим собственным вдохновением. Для меня очевидно, что 99 % музыки, создаваемой сегодня, я не могу ни услышать, ни понять. Это очень жаль, но в сутках всего 24 часа, и, если вы играете, преподаёте, путешествуете и имеете семью, остается мало времени для общения и прослушивания всей фантастической музыки вокруг.
Как бы вы определили термин «интерпретация»? Насколько важно для вас тесное сотрудничество с артистами, исполняющими ваши произведения?
Моя музыка редко исполняется другими. Большинство композиций я пишу с участием себя и близких друзей, иногда оркестров, которым я могу объяснить своё видение. Сначала всё должно быть сыграно правильно, так, как задумано, а потом уже исполнитель может проявить свободу. Но допускать вольности в интерпретации до того, как удастся сыграть произведение правильно, опасно. Я говорю это на основе своего многолетнего опыта интерпретации классической и современной музыки, в основном моего отца. При нём тесная связь между композитором и интерпретатором была крайне важна.
Эффект произведения зависит не только от игры музыкантов, но и от места, в котором оно исполняется. Как вы видите связь между местом и звуком? Насколько, по вашему мнению, нынешняя система концертных залов подходит для вашей музыки – или для современной музыки в целом?
Я научился адаптироваться ко всем видам мест и ситуаций. Каждый раз музыка формируется под воздействием вибрации зала, а также атмосферы, которую создают окружающие тебя люди – организаторы, техники, а затем и публика. Например, с Тарой Боуман в нашем дуэте Moving Sounds мы чаще всего исполняем интуитивную музыку в церквях или помещениях с хорошей и реверберирующей естественной акустикой. Там наша музыка действительно создаётся во взаимодействии с помещением. Мы играем с помещением. Как правило, хорошие концертные промоутеры сегодня очень внимательно относятся к музыке, которую они планируют, и тщательно подбирают музыкантов и места для выступлений. Я думаю, что здесь мы видим большой прогресс. Мальчиком я был свидетелем того, как мой отец выступал в немецком павильоне выставки EXPO '70 в Осаке, Япония. Музыка моего отца исполнялась шесть часов каждый день в течение шести месяцев. Я пробыл там месяц. В сферическом зале было 49 колонок под, вокруг и над слушателями. Мой отец вместе с архитектором спроектировал этот зал. Это было потрясающее звуковое пространство, с тех пор я никогда не испытывал ничего подобного. Создание современных концертных залов с хорошей акустикой стало высоким искусством. Например, в венгерском городе Печ относительно новый концертный зал обладает превосходной акустикой. Когда я стоял на сцене вместе с моим другом, гитаристом Ференцем Снетбергером, и брал ноту, мой инструмент звучал как никогда раньше. Я смог играть без усилий. Будапештский музыкальный центр – это также очень хороший пример того, как музыканты создали целый дом с различными залами, помещениями для записи, репетиций и многого другого, на самом высоком уровне того, что возможно сегодня.
Каков ваш взгляд на роль и функцию музыки, а также на (например, политические, социальные и творческие) задачи композиторов сегодня – и как вы пытаетесь достичь этих целей в своём творчестве?
Я не сторонник политики. Я верю, что каждый человек должен жить в гармонии со своим внутренним миром. Тогда у нас не будет ни войн, ни коллективной борьбы. Жизнь в гармонии с самим собой также подразумевает гармонию со всеми существами вокруг вас, а также с матерью-природой (хотя это трудно, когда вы сидите в самолёте и знаете, что загрязняете воздух, как я сейчас). Когда каждый человек, и это касается и музыкантов, следует своему внутреннему зову, создаётся музыка, которая служит всему миру. Потому что мы все связаны, даже если ментально мы этого не знаем, но энергетически и в сознании мы связаны. Лично мне нравится делать музыку, которая приводит слушателя к самому себе, дарит покой, уравновешивает все энергии.
Есть ли у вас музыкальное видение, которое вы не смогли реализовать по техническим или финансовым причинам, или представление о том, какой может быть сама музыка за пределами её нынешней формы?
Я мечтаю о том, чтобы слушатель пробудился или, по крайней мере, вдохновился, пусть даже всего одной нотой. Но все мы разные, и только те, кто находится в резонансе с самим собой, смогут почувствовать более глубокий уровень музыки. Но это по-прежнему мой идеал: уметь играть так, чтобы слушатель преображался. В этом истинный смысл музыки с момента её зарождения. Музыка для духовного подъёма. Но большинство людей (просто) хотят, чтобы их развлекали или возбуждали. Я хотел бы основать центр звуковых исследований в области музыки и духовного обучения через музыку. Я ещё не нашёл подходящего места и ресурсов… Всему своё время, как уже было сказано…
Tobias Fischer
2016 год