«Есть только одно ограничение, которого я придерживаюсь: после трёх дней работы над треком без каких-либо результатов или возможности увидеть структуру в будущем, я удаляю весь проект и начинаю заново».
Когда вы начали писать и продюсировать музыку – и что или кто были вашими первыми увлечениями и влияниями? Что именно в музыке и / или звуке привлекло вас?
Когда я был подростком, я работал с клавишными Yamaha и делал первые попытки записать свои собственные треки на плёнку под влиянием музыки того времени (Jan Hammer, Paul Hardcastle, New Order, Vangelis, Depeche Mode и все яркие группы 80-х). Именно электронное звучание очаровало меня с самого начала. Спустя много кассет (включая множество «странных» попыток создания микстейпов) я почувствовал, что технологический прогресс ещё не готов к тому, чтобы я его использовал. Вместо этого я начал слушать музыку очень интенсивно, тратя кучу денег на коллекционирование всевозможных 12-дюймовых винилов и пластинок и CD моих любимых исполнителей. Это случилось в 2009 году, когда семейные обстоятельства вышли из-под контроля. Тогда смерть впервые вошла в мою жизнь. Внутренний позыв к созданию собственной музыки (который всё ещё был) стал способом справиться с чувством отчаяния и печали. Благодаря тому, что электронные музыкальные программы стали довольно простыми в использовании (на вашем компьютере), я начал сочинять. Может быть, именно поэтому в основе моих песен лежит такой мрак…
Для большинства музыкантов проявлению оригинальности сначала предшествует этап обучения и, зачастую, подражания другим. Каким он был для вас? Как бы вы описали своё развитие как музыканта и переход к обретению собственного стиля? Какова взаимосвязь между копированием, обучением и собственным творчеством?
Я никогда не собирался копировать стиль какого-либо артиста, так как это не создаст чего-то нового. Звучать как кто-то другой – это хорошо, но уже есть кто-то с таким стилем. Так какой смысл копировать его звучание? Всем будет всё равно. В 80-е годы я слушал много музыки – поп, лёгкую музыку, электронную музыку и саундтреки, и я думаю, что то, как Вангелис использовал технологию, невольно научило меня тому, как я использую звуки в наши дни. Его сочетание электронных и классических элементов было для меня новаторским. До сих пор Chariots of Fire и Bladerunner являются одними из лучших примеров саундтреков, созданных с использованием электронных инструментов. Кроме того, большое влияние на меня оказало прослушивание музыки Яна Хаммера к фильму Miami Vice. Именно там я понял, как важно создать чёткий и простой ритм как основу для хорошей песни. Поэтому я переиграл дома множество хитов того времени, чтобы узнать, как они были сделаны, в чем их секрет и какие инструменты заставляли их звучать так волшебно (что было трудно обнаружить во времена, когда не было Интернета). Эти попытки так и не стали достоянием общественности, поскольку были лишь моим способом понять электронную музыку. Но позже – и это звучит немного парадоксально – я написал несколько кавер-версий! Я большой поклонник немецкого исполнителя Шиллера, и у меня было намерение переделать некоторые из его песен по-своему (поскольку у меня никогда не было возможности получить от него несколько композиций для ремиксов). Написание этих каверов многому научило меня в плане структуры песен: как начать, какие эффекты подходят, как использовать эти эффекты экономно, чтобы не отвлекаться от идеи песни… Весь этот опыт помог мне создать свой стиль – свою музыкальную идентичность.
Каковы были ваши основные композиционные и продюсерские проблемы в начале и как они изменились со временем?
Ну, в самом начале… Я начинал со старого компьютера под управлением Windows XP с небольшими аппаратными ресурсами. Я работал в своей комнате (в то время суток, когда все остальные уже спали). Чтобы написать трек, мне приходилось быть очень терпеливым. 10 дорожек для проекта – это всё, что мог выдержать этот ПК. Мне приходилось экспортировать дорожки в wave файл, открывать новый проект, импортировать wave файл и добавлять ещё 9 дорожек, и так далее… так что в те времена на то, чтобы закончить трек, уходило много времени. Думаю, эти ограничения сформировали мой экономный способ создания музыки, когда я использовал только те ресурсы, которые мне действительно были нужны, в как можно меньшем количестве дорожек. И всё же это основной принцип для меня, хотя сейчас у меня гораздо больше ресурсов, и поэтому я могу создавать огромные проекты – но зачем?
Какой была ваша первая студия? Как и по каким причинам с годами менялся ваш набор оборудования, и что на данный момент является для вас наиболее важным?
Прошлое:
ПК с Windows XP (4 ГБ ОЗУ и один жёсткий диск на 500 МБ). Никакой внешней звуковой карты – приходилось использовать встроенный звуковой чип. Небольшой 17-дюймовый монитор. Никаких студийных колонок (дешёвые наушники, в которых приходится прекращать работу каждые 30 минут, чтобы не оглохнуть). Никакого профессионального музыкального программного обеспечения – кроме старой версии Magix Musikmaker. Несколько бесплатных VST-инструментов, таких как TS 808 (эмуляция TR808) или фантастические синтезаторы Alpha-Ray и Etheral Padz.
Настоящее:
Рабочая станция Fujitsu (ОС: Win10, 32 ГБ ОЗУ, 4x жёстких диска по 1 ТБ). Внешняя FireWire звуковая карта (Behringer FCA1616). Монитор управления звуком (Behringer Control2USB). Управление DAW / плагинами (Novation Zero SL MK II). Miditech MIDIface 4x4, синтезатор Korg M1, синтезатор Korg Poly 800, синтезатор Roland Juno 106, синтезатор Korg Kaossilator, синтезатор Yamaha QY 10, DAW Magix Samplitude Pro X 3 Suite, Native Instruments Komplete 10, Alchemy, Spectrasonics. Более 200 бесплатных инструментов, некоторые из которых я использую со «старых добрых времён».
Я думаю, каждый музыкант постоянно ищет новые инструменты, чтобы улучшить свой способ создания музыки. Я предпочитаю использовать виртуальные синтезаторы (они прекрасно звучат и не требуют места для настройки), но также я люблю свой Roland за его тёплые предустановленные звуки, которые можно легко адаптировать. Мне трудно сказать, какой из моих инструментов я предпочитаю больше всего. Alchemy (который теперь доступен только для пользователей Mac) – это тоже фантастический инструмент, который я использую почти в каждой работе. Но, честно говоря, Samplitude – моя самая важная программа. Ни одна другая DAW не обладает такой гибкостью, когда нужно подготовить место для вашего трека. Кроме того, они предоставляют множество высококлассных плагинов. Я пробовал Ableton, Reaper и FL и вернулся к Samplitude!
Как вы используете технологии? С точки зрения механизма обратной связи между технологиями и творчеством, в чём преуспевают люди, а в чём – машины?
Машина хороша лишь настолько, насколько хороши люди, создающие и использующие её для достижения определённой цели. Работа с синтезаторами и компьютерами не означает, что эти машины пишут песни; они лишь создают звук. Именно человек подбирает эти звуки и создаёт из них что-то. Результат будет разным в зависимости от его навыков. Но в итоге именно человек, а не машина, пишет трек. Хорошо запрограммированный алгоритм плагина может помочь вам создать желаемый звук. Он может поддержать вас на вашем пути, а лучшие запрограммированные инструменты (хард и софт) могут вдохновить вас и поднять ваше производство на уровень, о который вы и не мечтали (я думаю, это основной принцип, который можно использовать в любой области технологий).
Инструменты производства, от инструментов до сложных программных сред, вносят свой вклад в композиторский процесс. Как это проявляется в вашей работе? Можете ли вы описать соавторство между вами и вашими инструментами?
Идея песни всё ещё рождается в моей голове под влиянием сюжета, картины, песни, книги, фильма или чего-то ещё. Когда идея достаточно сильна (некоторые исчезают в течение нескольких мгновений и не могут удержаться до тех пор, пока я не войду в студию), я в основном начинаю со звука фортепиано, чтобы записать идею мелодии. Для меня фортепиано – это очень чистый и уникальный звук, и чаще всего это лучший способ начать трек. В конечном итоге это не обязательно должен быть звук фортепиано – может оказаться, что гитара или искажённый, фазированный синтезаторный звук лучше соответствует первоначальной идее. Но эти изменения происходят в определенное время почти автоматически: именно песня подсказывает мне, как двигаться дальше. Да, я знаю, что это звучит странно, но это лучший способ объяснить то, что я называю эффектом «чистого потока» при работе над треками. Есть только одно ограничение, которое я сохраняю: После трёх дней работы над треком без каких-либо результатов или возможности увидеть структуру, я удаляю весь проект и начинаю всё сначала.
Сотрудничество может принимать различные формы. Какую роль они играют в вашем подходе, и какие способы взаимодействия с другими творческими личностями вы предпочитаете, например, обмен файлами, джемы или просто обсуждение идей?
Я люблю сотрудничать. Это лучший способ улучшить свои навыки, усовершенствовать методы работы и, самое главное, снова стать скромным человеком. Чем дольше вы работаете над собственными треками и получаете положительные отзывы, тем больше вы рискуете превратиться в хвастуна, который считает себя лучшим в мире (поклоняйтесь мне!!). Конечно, сначала нужно поговорить с партнёром – проверить, открыт ли он для ваших идей и достаточно ли вы открыты наоборот. Работать вместе всегда означает сочетать лучшее из обоих миров. Иногда вашему партнёру есть что сказать, иногда – ваша очередь. Это то, с чем вы должны уметь справляться. В прошлом у меня было много совместных работ, и большинство из них были замечательными. Лучший пример фантастического сотрудничества – моя работа с Марком Доррикоттом. Это британский клавишник с джазовыми корнями, он играет мелодии в такой мечтательной манере, что даже прослушивание одного из его треков навевает мне новые идеи. Наше сотрудничество было для меня одной из лучших работ в прошлом. Марк очень открыт, всегда прислушивается к моим аргументам и даёт мне пространство, необходимое для развития идей. В свою очередь, я всегда намерен дать Марку необходимое пространство для его замечательных выступлений в наших треках и внимательно слушаю все комментарии, которые он делает, когда рецензирует трек.
Не могли бы вы рассказать нам об одном дне из вашей жизни, начиная с возможных утренних занятий и заканчивая работой? Есть ли у вас определённый график? Как музыка и другие аспекты вашей жизни влияют друг на друга – вы разделяете их или стараетесь, чтобы они органично сочетались?
У меня нет строго фиксированного графика, но в течение недели я стараюсь работать над своими треками ежедневно – в основном, начиная с раннего вечера (7 вечера) и заканчивая открытым временем (чаще всего в час ночи). Я стараюсь организовать своё время так, чтобы успевать проводить время с семьёй, заниматься работой и сочинять музыку. Так что в основном распорядок дня выглядит следующим образом:
- 7 утра – на работу;
- 4-5 вечера – возвращение с работы;
- 5-7 вечера – время для семьи;
- 7 вечера – 1 час ночи – музыка.
Это не всегда так, но большую часть времени я стараюсь работать именно так. Выходные проходят по-другому – почти хаотично, если нет планов заняться чем-то с семьёй, то, скорее всего, я весь день просижу в студии. Также бывают дни, когда я вообще не захожу в студию. Очень часто, когда я заканчиваю проект, мне нужно немного отдохнуть от него. Но через несколько дней мне приходится возвращаться…
Не могли бы вы описать свой творческий процесс на примере произведения или альбома, который вам особенно дорог? Откуда приходили идеи, как они трансформировались в вашем сознании, с чего вы начинали и как дорабатывали эти начинания в законченное произведение искусства?
Для моего текущего проекта Ecclesia я зашёл в собор моего родного города Грац и погулял там (впечатлённый тем, как была построена эта церковь), чтобы найти вдохновение для песен или тем, связанных с этим зданием. Во время прогулки я обнаружил на одной из огромных колонн небольшое деревянное распятие и римское число двенадцать, стоящее рядом с ним. Это был символ двенадцатой станции в Библии, где умер Иисус. Пока я смотрел на него, у меня родилась идея песни Hora Tenebrarum (The Dark Hour), в которой я размышлял о том, испытывал ли Иисус страх или гнев в момент своей смерти. Жалел ли он о своей жизни и своих решениях, которые привели его к этому моменту? Думаю, у каждого из нас были или будут похожие мысли, когда мы достигнем этого момента.
Существует множество описаний идеального состояния души для творчества. Каково оно для вас? Что поддерживает это идеальное состояние ума, а что отвлекает? Существуют ли стратегии, позволяющие легче войти в это состояние?
Пример с Hora Tenebrarum – это типичная для меня ситуация, когда у меня появляется идея для песни. Для меня непредсказуемо, когда вдохновение посылает мне идею. Проблема скорее в том, чтобы удержать эту идею в голове достаточно долго для того, чтобы написать музыку в студии. У меня нет определённой стратегии, я просто стараюсь ходить с открытым сердцем, смотреть и слушать всех и всё, что я вижу и встречаю. Ладно, в конце концов, это и есть моя стратегия в некотором смысле…
Как связаны живое выступление и написание музыки в студии? Чего лично вы достигаете и что извлекаете из каждого опыта? Как вы видите связь между импровизацией и композицией в этом отношении?
Я никогда раньше не играл вживую, но я думаю, что это следующий уровень, которого я хочу достичь. Я понимаю, что игра вживую не имеет ничего общего с полностью контролируемой работой в студии. Это вызов, где ты получаешь новые навыки, которые в дальнейшем можно использовать в работе в студии. Поэтому я с нетерпением жду возможности представить свою музыку публике.
Как вы видите связь между «звуковыми» аспектами музыки и «композиционными»? Как вы работаете со звуком и тембром, чтобы удовлетворить определённые производственные идеи, и каким образом определённые звуки уже могут приобретать композиционные качества?
Для меня очень важен определённый звук, потому что этот звук может нести в себе идею всего трека. Играя мелодию с различными звуками, можно получить новый звук – неожиданный и определённый тембр, который важен для идеи трека. Так что этот процесс плавления различных звуков характерен для моих треков. Иногда я случайно создаю нужное настроение, иногда выбираю определённые известные звуки и смешиваю их до тех пор, пока не нахожу нужную смесь.
Наше чувство слуха имеет интригующие связи с другими органами чувств. Каковы, по вашему мнению, наиболее вдохновляющие совпадения между различными органами чувств и что они говорят нам о том, как работают наши органы чувств? Что происходит со звуком на его внешних границах?
Когда я в первый раз слушал «Молдау» Сметаны, я увидел перед собой эту реку, текущую через сельскую местность. Это была чистая магия. До сих пор я спрашиваю себя, как кто-то мог сочинить такую замечательную мелодию, которая так прекрасно описывает сельскую местность. Я думаю, что наши чувства связаны между собой – и если затронуть одно из них, то оно повлияет и на все остальные: Слушая спокойную мелодию, вы тоже успокаиваетесь, начинаете медленно дышать и так далее… Находясь в таком настроении, вы смотрите на мир по-другому; вы отпускаете свой разум – и всё это начинается со слушания музыки.
Искусство может быть целью само по себе, но оно также может напрямую влиять на повседневную жизнь, играть социальную и политическую роль и приводить к более активному участию. Можете ли вы описать свой подход к искусству и к тому, чтобы быть художником?
Считаю ли я себя художник ом? Не знаю… никогда об этом не задумывался. Своей музыкой я пытаюсь рассказывать истории, так что если такой подход подходит художник у, то я могу называть себя художник ом. Композиция и живопись – это одно и то же: если художник использует разные цвета, чтобы передать настроение, рисуя сцену, то я выбираю особые звуки и эффекты, чтобы описать историю в музыке – это мой подход.
В каком-то смысле замечательно, что мы вступили в XXI век, а базовая концепция музыки всё ещё остается нетронутой. Есть ли у вас видение музыки, представление о том, какой она могла бы быть за пределами своей нынешней формы?
Глядя на то, как сейчас относятся к музыке, я беспокоюсь, будет ли в будущем место для творчества. Но я надеюсь, что пока есть люди, которые хотят рассказать историю, будут существовать способы и места, где артисты смогут представить свои произведения искусства.
Tobias Fischer
2017 год