Интервью с Эриком Вёлло, июль 2016 года. Эрик Вёлло (родился в 1961 году) – норвежский композитор и музыкант, гитарист и синтезаторщик. Он работал в различных жанрах музыки. Как сольный исполнитель он наиболее известен своими электронными и амбиентными музыкальными ландшафтами. Эту музыку можно отнести к жанрам space, drone, new age и электронной музыки. Благодаря своим многочисленным альбомам он получил признание за своё уникальное звучание и стиль. Используя гитару в качестве основного инструмента в очень образной и эмоциональной музыке, он строит мост между грандиозными симфоническими пространствами и спокойными, минималистичными и умиротворяющими атмосферами.
Ваш новый альбом посвящён многим символам. Что вдохновило вас на создание альбома?
Мне всегда нравилось мыслить метафорами или символами. Наверное, поэтому я люблю хорошо написанные стихи. Все названия песен и альбомов могут быть метафорами для чего-то другого. Изображения на обложке альбома также очень важны, мы тратим много времени на поиск соответствующих изображений, которые подходят к альбомам. Но я всегда начинаю с музыки, названия и обложки появляются позже. В основном меня вдохновляют звуки и ритмы сами по себе. Мне этого бывает достаточно. Я просто сижу с гитарой или синтезатором и вдохновляюсь определённой комбинацией звуков, тонов или аккордов. После стольких лет я просто делаю это, не слишком задумываясь о процессе. И я не сижу и не жду вдохновения. Я специально не хочу слишком много думать об этих вещах, тогда возникнут ограничения. Думаю, вдохновение – это то, что нужно тренировать, чтобы его достичь. Чтобы войти в правильное состояние ума и уметь улавливать те особые моменты, когда музыка приходит к тебе. Подобно художнику, первые карандашные линии труднее всего нанести на холст. Но через некоторое время, с добавлением новых элементов, произведение начнёт жить своей собственной жизнью. И тогда вам остаётся только следовать за течением.
Какие совместные работы были / есть наиболее интересными и важными для вас и почему?
На протяжении своей карьеры я работал со многими замечательными исполнителями. Музыканты уникальны, имеют свой собственный индивидуальный стиль. Стив Роуч, Иэн Бодди, Байрон Меткалф и многие другие. Идея совместной работы для меня заключается в том, чтобы попытаться достичь чего-то нового, что представляет собой смесь вовлечённых артистов. Отпустить эго и соединить две личности. Все эти проекты были очень разными и все очень интересными и успешными. Я думаю, когда ты работаешь в основном один, как сольный артист, может быть очень плодотворно иногда выходить из своей зоны комфорта. Это всегда продвигает всех участников на шаг вперёд в художественном плане. Но также и на более личном уровне. Великие художники могут вдохновлять не только в музыке.
Могли бы Вы назвать Ваши любимые композиции / альбомы / совместные работы? Идеи, которые пришли в голову?
Мне трудно назвать любимые работы, но, конечно, мне всегда больше всего нравятся мои последние работы. Я очень доволен Blue Radiance и Silent Currents 4. За моей музыкой стоит очень личная идея, это моя страсть и образ жизни для меня. Но я работаю не в вакууме, у меня много поклонников. Я очень благодарен за это, я получаю много писем и положительных отзывов. Это очень вдохновляет меня. Вчера я получил письмо от поклонника из США, он написал, что моя музыка была саундтреком в его жизни на протяжении многих лет! Это вызывает у меня благодарность и уважение, но в то же время я несу определённую ответственность. Музыка может быть очень серьёзной вещью! Я хочу создавать то, что может вдохновлять и поднимать настроение слушателю.
Джон Кейдж доказал, что тишины не существует. Кроме того, звук – это магия. Но что заканчивается, когда исчезает звука?
Пока есть жизнь, есть и звук. Я был в абсолютно мёртвой комнате, акустически обработанной. Но звук всё равно есть. Звуки собственного тела, например, дыхание и удары сердца. На самом деле я лично познакомился с Джоном Кейджем в 1984 году. Он читал лекции в течение недели в Осло. Очень вдохновляюще! Он много говорил об этих идеях, о повседневных звуках, противопоставленных звукам музыкальных инструментов. И о том, как всё связано, и что музыка и звук могут быть одним и тем же.
Что является и что не является Звуковым искусством?
Все звуки, которыми манипулируют для представления чего-то в определённом контексте, могут быть искусством, я думаю. Звуки дорожного движения с оживлённой улицы Нью-Йорка – это не искусство, пока вы не используете эти звуки в среде, где вы выражаете себя в концепции. Я очень люблю современное искусство, хорошим примером может служить Bull's Head Пикассо, скульптура 1942 года, сделанная из велосипедного сиденья и руля. Или Fountain Марселя Дюшана. Представление этих обычных элементов на стене в художественной галерее превращает их в художественное выражение.
Что Вы думаете о взаимоотношениях между старым искусством и компьютерным искусством? Совместимы ли они?
Компьютер – очень мощная штука, но это всего лишь инструмент. Я использую его как инструмент. И у него есть проблемы, как и у всех других инструментов. Если говорить об аналоговых и цифровых студийных технологиях, то я использую и те, и другие. Это часть моего арсенала «оружия». И все мои миксы сейчас проходят через аналоговый суммирующий микшер для получения тёплого открытого звука. Но я люблю цифровое звучание, по-прежнему используя некоторые из настоящих цифровых синтезаторов девяностых годов для получения резкого и точного звука. Сейчас много шумихи вокруг этих вещей. Я просто пользуюсь своими ушами, использую всё, что необходимо. Если говорить о традиционной акустической народной музыке и современной компьютерной, то, на мой взгляд, различий не так много. В основном все различия лежат на поверхности. Типы звуков, аранжировки и так далее. Внутренний дух и композиционные формы не изменились. И самое главное, не изменились причины для художественного выражения. Работая с этнической музыкой со всего мира, я многому научился, и это помогло мне лучше осознать эти базовые основы музыки.
Что вы думаете о тысячах неофолк / индастриал / амбиент / трибал / электроакустик / авангард и так далее групп / проектов? Это своего рода тренд или просто тенденция к улучшению музыки?
Эта тенденция – то, что происходит уже давно. Со времени революции MIDI в 80-х годах электронные инструменты стали более доступными для рядового музыканта. Теперь каждый может делать достаточно хорошие записи в своей спальне. Это хорошо. Но это можно рассматривать и как плохое явление. Теперь сложнее сделать что-то индивидуальное и уникальное. И рынок переполнен релизами разного качества. Но с другой стороны, чем больше музыки создаётся, тем больше шансов найти действительно новую и новаторскую хорошую музыку! В этих жанрах также больше внимания уделяется экспериментам с музыкальными формами, которые выходят за рамки традиционного поп-музыки и рока. Группы или исполнители, использующие новые технологии, как правило, более экспериментальны и свободны в процессе сочинения, чем обычные рок- или поп-группы. Это приводит к появлению множества новых интересных музыкальных форм, использующих различные подходы.
Что Вы знаете о Литве? Каких литовских и зарубежных музыкантов Вы цените больше всего?
Я слышал много новой классической музыки из стран Балтии, особенно хоровой. В частности, из Эстонии. Такие композиторы, как Рене Эспере, Тынис Мяги и, конечно, Арво Пярт. Кажется, что из-за периода СССР музыка этих стран превратилась в нечто особенное и уникальное. На неё не так сильно повлиял жёсткий модернизм, как на композиторов в Западной Европе. Я ничего не знаю о рок- и поп-музыке или электронной музыке в этих странах.
Вы мультиинструменталист. Что Вы думаете о полевых записях?
У меня есть большая библиотека звуков, которые я записал сам, используя свой маленький портативный диктофон. Я всегда беру его с собой. Я записывал самые разные звуки – от звуков природы до шумной городской атмосферы. Работая со студийной электронной музыкой, иногда бывает полезно добавить некоторые из этих звуков. Чтобы как бы вывести звуковой ландшафт за пределы студийных стен. Чтобы создать впечатление определённого места или пространства. Как и во всей моей музыке, идея места – очень важная вещь. Если музыка или искусство не перемещают меня в определённое место, мне это не очень интересно. Нужно чувство присутствия где-то. Идея о том, что музыка может отправить вас в другие места.
Спасибо.
Mindaugas Peleckis
6 июля 2016 года