Исполнитель звукозаписывающей компании Projekt Records Питер Фиппен – номинант на премию Grammy Award, номинант на премию International Acoustic Music Awards, номинант на премию One World Music Awards, многократный номинант на премию Native American Music Awards и лауреат премии Native American Style Flute Awards 2021 за заслуги перед жанром.
Фиппен – музыкант, специализирующийся на традиционных флейтах со всего мира. В течение последних трёх десятилетий Фиппен изучал историю и технику исполнения на флейтах как древних, так и современных.
Расскажите о вашем отношении к музыке в целом в детстве и о том, как она повлияла на ваше восприятие жизни и как она изменила ваш путь, по которому вы шли в течение многих лет, когда вы достигли совершеннолетия.
Я считаю, что мама была моим первым учителем музыки. Не то чтобы она научила меня играть на чём-то, она научила меня слушать. Я вырос в предгорьях гор Адирондак на севере штата Нью-Йорк, и когда мне было около четырёх или пяти лет, она начала брать меня с собой на пикники в глухие леса. После небольшого обеда на пикнике, состоящего из сэндвича, пакета чипсов, бутылки кока-колы и яблока или апельсина, она спрашивала меня: «Что ты слышишь?» Она не соглашалась на простые ответы, такие как ветер в деревьях или пение птиц. Она хотела, чтобы я слушал глубоко, чтобы услышать то, о чём многие и не подозревают, например, ветер, дующий в высокой траве, или маленький ручеёк в четверти мили от дома. Мне было очень интересно, что она учила меня этому, когда я был так молод. Я не понимал, пока не начал играть на флейте, как сильно повлияли на меня её уроки слушания. Я стала обращать внимание на каждую мелочь. Поэтому я считаю, что мама была моим первым учителем музыки. Моё восприятие музыки изменилось, когда я начал играть с другими музыкантами, задолго до того, как я стал играть на флейте. Меня всегда поражало, как много музыкантов играют и не слушают во время игры. Так что мой путь развивался как слушателя, а затем как музыканта, моим основным инструментом был электрический бас-гитара Fender. Так что нужно было слушать. Вы должны были внимать. Будь то певец, гитарист, пианист, с кем бы вы ни играли, вы должны были слушать. Это была моя основная задача как музыканта на протяжении многих, многих лет.
Когда флейта попала в фокус ваших музыкальных интересов? Что именно во флейте дало вам возможность выразить свои эмоции и музыкальные идеи всему миру?
Я начал играть на флейте в начале марта 1987 года совершенно случайно. Бамбуковая свистулька из Индии была моей первой флейтой. Профессор искусств в Университете Висконсина в О-Клере, Тийт Рейд, услышал, как я играл на этой маленькой свистульке, и на следующий день подарил мне бамбуковую флейту бансури (различные флейты, распространённые в традиционном и классическом музицировании современной Индии. Изготавливаются из стебля бамбука. На инструменте располагается 6-8 отверстий на верхней стороне и одно отверстие на нижней. Различают продольные открытые или свистковые бансури и поперечные концертные бансури. Продольная обычно используется в народной, поперечная – в индийской классической музыке) из Индии и сказал мне: «Питер, если ты собираешься играть на флейте, играй на этой». Вскоре после этого профессор флейты в университете города О-Клер, штат Висконсин, подарил мне бамбуковую сякухати (продольная бамбуковая флейта, пришедшая в Японию из Китая в период Нара. Имеет характерный тембр, который может в значительной мере варьироваться по желанию играющего. Долгое время использовавшийся для медитативной монашеской практики суйдзэн, а также, в силу безыскусности своей конструкции, широко распространённый в крестьянской среде инструмент в наше время находит своё применение в профессиональном и любительском музицировании, является неотъемлемой частью уроков музыки в средней школе в Японии, а также служит для экспериментов в области новейших технологий, нейрохирургии и деконструктивной эпистемологии), профессиональную. Так что теперь у меня было две действительно хорошие флейты, и в этот момент я подумал, что это было бы прекрасным хобби для бас-гитариста. Когда рок-группа, в которой я играл, отправилась в следующее турне после моего открытия флейты, мой клавишник нашёл старую, сильно потрескавшуюся бамбуковую альтовую флейту в Луисвилле, штат Кентукки. Он купил её за доллар и отдал мне. Она, конечно, не играла, потому что пропускала воздух. На следующей остановке в Сент-Луисе, штат Миссури, я отнёс её в ремонтную мастерскую и мне её починили. Когда я впервые сыграл на этой флейте, у меня в голове загорелась лампочка. Всё, что я хотел выразить, любые эмоции, любые чувства, любые музыкальные идеи, которые приходили мне в голову, были там. Вся песня была в этой бамбуковой трубке. Именно с этой флейты всё и началось. Я стал играть на ней постоянно. Во время гастролей нам приходилось по 8-12 часов ехать в фургоне, во время которых я сидел в задней части фургона и играл на бамбуковой флейте, к большому огорчению моих товарищей по группе. После каждого концерта я играл в отеле, а днём перед саундчеком – при любой возможности я играл на этой старой бамбуковой флейте. Я стал носить эту флейту с собой везде, куда бы я ни пошёл. И до сих пор ношу, она никогда не бывает далеко, хотя сейчас у меня много флейт.
Для вас это была не только музыка, которую вы создавали, когда играли, но вы также потратили значительное количество времени на изучение традиций флейты и многих стилей игры, которые вас также увлекали. Расскажите мне о том, что ваше изучение флейты привнесло в ваше понимание и вашу игру то, чего в противном случае не было бы.
С самого начала я понял, что мне нужно больше узнать о каждой отдельной флейте, которая попадает в мою коллекцию. В период с марта 1987 по март 1988 года мне подарили 40 флейт со всего мира. Я начал думать: «А что я знаю об этих инструментах? Я знаю, как они называются в их культуре». Поэтому я пошёл в библиотеку и начал перебирать книги и пластинки с записями флейт со всего мира. Я старался узнать, как можно больше о каждом из этих инструментов. Сейчас это даже забавно, потому что я сам учился играть на этих инструментах. Говорят, что у вас должен быть учитель, и я с этим согласен. Но, с другой стороны, есть два способа игры: технический и духовный. Поскольку у меня не было учителя, я полагался на библиотечные книги и записи. Я начал запоминать традиционные фольклорные истории инструментов. В этот момент я начал импровизировать, действительно позволяя флейтам играть самим. Я также начал подходить к флейте с точки зрения даосской философии: каждый день что-то отнимается, поэтому если вы можете сказать что-то одной, двумя, тремя или четырьмя нотами; действительно сказать что-то, то это хорошо. Это замедлило мою игру, и я обнаружил, что играю меньше нот. В этот момент я заметил, когда я играл на рок-шоу в качестве бас-гитариста, что чем больше я играл на флейте, тем меньше я играл на бас-гитаре. Так что это стало влиять не только на мою игру на флейте, но и на всё остальное. Над этим я работаю и по сей день. Произнесите это с одной нотой. Скажите это двумя нотами. Моя цель – сыграть что-то запоминающееся, с эмоциями и огромным чувством и никогда не выпендриваться.
Возможно, вы могли бы объяснить некоторые из наиболее доминирующих стилей, которые вы решили интегрировать в свои выступления, как они возникли и почему вы как артист чувствуете родство с ними.
Я думаю, что одним из доминирующих стилей моей музыки является включение природы в мою музыку, что, как я уже упоминал ранее, было уроком, который я получил в юном возрасте, проводя время в горах Адирондак на севере штата Нью-Йорк. Вы слышите вещи в природе и можете слушать стереополе того, что происходит вокруг вас. В каком-то смысле это похоже на объёмный звук, если вы пойдёте в лес, встанете там, закроете глаза и будете слушать. Мне всегда нравилась космическая музыка. Она интересная. Мне нравится называть её так, но сейчас её называют амбиент или нью-эйдж. Я люблю играть музыку на акустических инструментах, это то, что для меня очень важно. С 1975 года я увлекаюсь синтезатором. Но если я могу обойтись без синтезатора и получить тот же самый амбиентный звук, то я всегда пойду этим путём. На данный момент для меня маленький синтезатор бывает очень полезным. Но я боюсь, что он может испортить мою музыку. В то время как бамбуковая флейта всегда будет звучать как бамбуковая флейта.
На вашем сайте есть впечатляющие фотографии многих флейт, на которых вы играли. Не могли бы Вы объяснить нашим читателям характеристики некоторых из этих флейт, почему Вы выбираете ту или иную флейту для конкретного выступления или для того, чтобы вызвать определённое настроение у слушателей?
У меня скромная коллекция флейт для мирового флейтиста. У каждой из них своё предназначение. Каждая будет вызывать разные чувства или эмоции. Некоторые из них предназначены для игры очень нежной, мягкой и мечтательной, а некоторые – для игры резкой, грубой и необработанной. Я обнаружил, что мне нравится играть на старинных глиняных окаринах в качестве призрачных голосов на заднем плане произведений. Каждая бамбуковая или деревянная флейта имеет свой собственный голос. У них у всех свои особенности, и они могут застать вас врасплох. Мне не нравится думать или контролировать то, что я играю. Мне нравится позволять музыке развиваться.
Какие мотивы побудили вас поделиться своей музыкой с публикой либо с помощью живых выступлений, либо с помощью компакт-дисков или цифровых загрузок?
Сначала я был бас-гитаристом/певцом/автором песен. Я хотел оставить что-то после себя. Искусство длится долго, жизнь коротка. Так что эти ранние записи без флейты стали капсулами времени, в которых я находился в тот или иной момент времени. Очень интересно просматривать мой каталог материалов и оглядываться назад. Произошло много изменений. Когда появилась бамбуковая флейта, я понял, что именно эти записи я хочу оставить после себя больше всего. Потому что, не говоря ни слова, можно вызвать столько эмоций, и эта музыка гораздо более естественна.
Вы не только исполняете свою музыку вживую, но и проводите время, обучая других в учебном заведении через презентации или семинары, которые вам спонсируют люди. Расскажите мне о том, что делает эти возможности особенными для вас и что вы пытаетесь донести до слушателей о вашей музыке и истории флейт, на которых вы играете.
Мне очень повезло работать с учениками начальной, средней, старшей школы и колледжа благодаря исполнительнице Элле Дженкинс, которую я встретил совершенно случайно. Меня попросили забрать её и отвезти на выступление здесь, в Висконсине. Её выступление было организовано для учителей музыки начальных классов в Университете штата Висконсин Меномони U-W Stout. Перед её выступлением мне посчастливилось позавтракать с Эллой, и, конечно, у меня было несколько флейт в футляре, и она спросила меня, что в футляре. Я открыл его, и она сказала, что я должен сыграть для неё что-нибудь. Я играл, пока она ела свой завтрак. Во время её выступления я стою за кулисами, и она объявляет своей аудитории со всего северного Среднего Запада, что встретила нового друга, который играет на бамбуковой флейте, и приглашает меня присоединиться к ней на пару песен, что я и сделал. Примерно через две недели после этого мне начали звонить по поводу школьных выступлений. И здесь то, чем я занимался в самом начале, сослужило мне хорошую службу. В дело вступил устное народное творчество и флейты. Вы рассказываете фольклорные истории, а потом играете. То, что я пытаюсь передать студентам, – это радость музыки. Вы можете играть на слух? В этом нет ничего плохого. Должны ли вы учить ноты и играть, читая музыку по слуху? Да, это тоже можно делать. Здесь нет правильного или неправильного пути. Радость от музыки вы можете подарить себе и другим. Стиль музыки не имеет значения. Если вы любите играть космическую музыку, отлично. Если вы любите играть рок-н-ролл – отлично. Если вы любите играть кантри – замечательно. Если вы любите играть классическую музыку – отлично. Как я уже сказал, стиль музыки не имеет значения. Я просто хотел показать своим слушателям, как сильно я люблю музыку и как много она значит для меня, в надежде, что это может подтолкнуть кого-то из слушателей пойти по аналогичному пути.
Считаете ли вы время, которое вы тратите на изучение флейты и различных стилей, важной частью вашего роста как музыканта/композитора? Будет ли это стремление к знаниям всегда оставаться одной из граней вашей музыкальной сущности?
Совершенно точно. Изучение флейт, обучение игре на них и знакомство с их различными формами со всего мира – это бесконечное знание. Это влияет не только на мою игру на флейте, но и на всю остальную музыку, которую я играю в любом жанре.
Есть ли заметные различия или сходства между тем, как наши предки сочиняли и исполняли музыку на флейтах, по сравнению с тем, как вы или ваши современники подходили к композициям, созданным здесь, в 21 веке?
Да, различия есть. Если вы хотите поговорить о коренных народах Северной Америки, мы знаем, что их флейтовая музыка была основана на вокальной традиции. Флейта коренных народов Северной Америки была привнесена в вокальную традицию в культурах равнин. Здесь исполнялась песня, флейта играла её, а затем песня снова исполнялась вокалистом. Всё это делал один человек. Одним из самых глубоких флейтистов, продолжающих эту традицию, является Кевин Лок (лакота и анишнабе). В последнее время некоторые песни, исполняемые как на флейте коренных народов, так и на современной флейте в стиле коренных американцев, берут своё начало в вокальной традиции коренных народов Северной Америки, проживающих на территории США. Конечно, в Европе музыку нотировали и играли. Мне бы хотелось думать, что были импровизаторы, которые просто играли свободно, и известно, что многие каденции к концертам и другим жанрам в тот период были импровизационными, причём эти каденции были вызовом для творчества и виртуозности. Затем мы возвращаемся в прошлое, когда ещё не было письменных свидетельств того, что происходило в музыкальном плане. Это тот период времени, который меня интересует, – период античности. Чем занимались люди в районе Four Corners на американском Юго-Западе? Чем занимались маори в Новой Зеландии в то время, когда не было нотных записей? У нас есть образцы их инструментов, но никто не знает, как и на чём они играли. Я не технический флейтист; скорее, я духовный флейтист. Конечно, чем больше техники у музыканта, тем больше он может забыть о ней. Тогда импровизирующий музыкант может войти в резонанс. Мне бы хотелось думать, что в древности были исполнители, которые так играли, но мы просто не знаем. Многие из моих современников и сочиняют, и импровизируют. Поэтому я не вижу причин, по которым это не происходило бы и в древности.
Вы выступали на одной сцене с выдающимися музыкантами, которые также известны своей способностью вызывать сильные эмоции при игре на флейте. Чувствуете ли вы связь с этими музыкантами, потому что вы делитесь чем-то, что может понять только тот, кто играет на флейте?
Я выступал на одной сцене со многими великими музыкантами. Некоторые из них были флейтистами. Некоторые – нет. Связь происходит в музыке в определённый момент. Были моменты, когда да, я чувствовал, что происходит что-то волшебное. Были моменты, когда я чувствовал, что ничего волшебного не произошло. Звучало ли это плохо? Нет. Но что звучало лучше, так это когда волшебство действительно происходило, и все играли нечто, и это нечто становилось чем-то – если в этом есть какой-то смысл. Это та часть игры в музыку, которую я люблю. На сцене могут играть великие музыканты с громкими именами, и всё равно получается ерунда. Или вы можете играть с великими музыкантами, выходить на сцену, и все будут в восторге. Все вместе. И тогда происходит волшебство. Со мной случалось и то, и другое.
Расскажите о том, как вы продвигаетесь вперёд, когда у вас появляется достаточно нового материала для создания альбома? Что это за проект, и нравится ли он вам после того, как вы много раз проходили через этот процесс за последние 3 десятилетия?
Мне очень нравится проходить через этот процесс каждый раз, когда я иду в студию записываться. С каждой новой записью я узнаю всё больше и больше. Когда нужно придумать новый материал, поскольку сейчас я импровизирую 99,9% всего, материала всегда достаточно. Музыка всегда есть и ждёт, когда её сыграют. Самое сложное – это решить, какова концепция и как её реализовать, сохранив при этом аутентичность и правдивость. Затем, как носитель информации, принять правильные решения и не думать об этом слишком много; скорее, почувствовать это. И, наконец, иметь сердце и дисциплину, чтобы пойти в студию, играть и просто знать, когда ты закончил. Другими словами, знать, что это настолько хорошо, насколько ты есть сейчас, и уметь жить с этим. Это так просто.
Недавно вы выпустили новый альбом на Projekt Records под названием Into the Ancient. Прежде всего, как вы связали себя с Сэмом Розенталем? На первый взгляд это не тот стиль альбомов, который я привык ожидать от Projekt на протяжении многих лет.
Я узнал о Projekt Records, когда записывался с Байроном Меткалфом. Я обратился к Сэму Розенталю, когда у меня появилась концепция новой пластинки. Я чувствовал, что этот проект отличается от всего, что они делали, но я также чувствовал, что он отличается от всего, что я делал в прошлом, потому что я фокусируюсь на старинных инструментах и музейных копиях. Я чувствовал, что мне нужно сломать свой шаблон и сделать что-то другое. Это включало в себя чистый инстинкт и мою лучшую догадку о том, как играли на этих флейтах в древности. Я всегда нахожусь в поиске. И да, когда я сказал Байрону Меткалфу, что выпускаю альбом через Projekt. Его точные слова были: «Ты не похож ни на что на их лейбле». Это может быть хорошо, а может быть и плохо. Я доволен Into the Ancient и тем, что из этого получилось. Я выделил себе три часа в день в течение трёх дней в студии и действительно не торопился. Я поручил своему коллеге, Ивару Лунде-младшему, классическому композитору из Норвегии, придумать синтезаторные партии для поддержки флейты. Я не хотел использовать никаких современных инструментов с функцией автоматической настройки. Я хотел, чтобы флейты были сами по себе. Я хотел, чтобы эти старые исторические тембры оставили в покое, и мы это сделали.
Расскажите мне о названии нового релиза Into the Ancient. Что оно означает для вас, и какое послание это название доносит до потенциальных слушателей о том, что они обнаружат, когда возьмут в руки свою копию?
Для меня название Into the Ancient – это путешествие в прошлое, когда музыка играет сама по себе с темпераментом этих старинных и музейных копий флейт в полной мере в надежде, что, когда кто-то будет слушать или скачивать копию, он почувствует, что это происходит из другого места во времени, а не здесь и сейчас. Это была моя надежда.
Над этим релизом вы работали с Иваром Лунде-младшим. Приятно ли вам работать с кем-то над подобным проектом, а не в одиночку? Что каждый из вас привнёс в музыку, из которой состоит этот альбом, или как вы подошли к его записи?
Очень приятно работать с Иваром Лунде-младшим. Мы с ним работаем вместе уже 15 или 16 лет над разными проектами. Мы ведём большие споры о классическом и народном искусстве, и это очень интересно. Я хочу звучать как пещерный человек. Он хочет звучать как классический композитор. Поэтому хорошо иметь такого музыкального партнёра. В такой ситуации я прихожу и играю от души, направляю всё, что витает в воздухе вокруг меня, вот и всё. Затем я говорю: «Хорошо, увидимся через несколько дней», и Ивар делает то, что у него получается лучше всего – сочиняет. Это то, что я хочу, чтобы он делал. Я вовсе не хочу подавлять его творчество. Into the Ancient – это альбом Ивара в той же степени, что и мой.
Считаете ли вы, что Into the Ancient открыл для вас новую территорию в том, как вы исполняли и создавали сборник своих песен? Каким образом вы вышли за рамки того, как обычно подходите к созданию нового альбома?
Into the Ancient для меня был отступлением от моих привычных представлений. Мы с Иваром говорили об этом, и он считал, что мне не следует поднимать эту тему. Но об этом нужно говорить. Многие из моих современников зациклены на западной мелодике. Я люблю блюзовые (пониженные третья и седьмая ступени мажорного лада, использование которых создаёт характерное блюзовое звучание) и вибрирующие ноты, поэтому я просто позволяю им жить. Пусть они будут. Добавляйте их. Чувство или вибрация – вот что самое важное. В этом смысле для меня это было небольшое отступление, потому что я чувствовал, что рискую. Либо альбом будет успешным из-за этого, либо не будет успешным по этой же самой причине. Люди услышат или заметят разницу? Я не уверен.
Могли бы вы сказать, что ваша музыка содержит духовный компонент или, по крайней мере, позволяет слушателю использовать её в медитативной обстановке как способ успокоиться и сконцентрироваться?
Эта музыка только духовная. Я позволяю моменту разворачиваться и никогда не контролирую его. То, что я играю, очень просто. Мне нравится говорить, что то, что я играю, – это ничто. Я играю в тот момент, когда мне позволено играть. Надеюсь, другие найдут это приятным, интересным и медитативным.
На протяжении многих лет вы были номинированы и получали награды. Позволяют ли вам эти признания, независимо от того, выиграли вы или нет, увидеть, что ваша музыка оказала влияние на тысячи людей за эти годы? Что она действительно изменила музыкальный ландшафт, особенно в том, что касается признания флейтовой музыки.
Для меня, конечно, большая честь быть номинированным на награды. Я благодарен. Я бы делал это в любом случае, потому что я играю музыку, чтобы жить. Это у меня в крови. Это то, кем я являюсь. Я всегда удивляюсь, когда меня номинируют на награду. Я думаю, как это случилось? Что я сделал? Я просто был самим собой, следовал своему воображению. Мне повезло, что меня окружают музыканты и соавторы, которые намного лучше меня, и я думаю, что любой умный музыкант окружит себя людьми, которые лучше его.
Сохранилась ли у вас любовь к музыке после стольких лет, и по-прежнему ли вы получаете удовольствие от того, что она является неотъемлемой частью вашей жизни?
Ответом на этот вопрос будет «да», поскольку музыка – это моя жизнь, и она всегда была рядом. Она была единственной константой в моей жизни. Хотя жанр и форма могут меняться время от времени, в конечном счёте, это всё музыка.
Есть ли что-то ещё, что вы хотели бы добавить о своей музыке или, возможно, что-то, чего я не затронул, но вы хотели бы сказать об этом.
Прежде всего, хочу сказать спасибо Ambient Visions за предоставленную мне возможность поговорить о моей музыке и моей новой записи Into the Ancient на Projekt Records. Это значит для меня больше, чем вы можете предположить. Кит Джарретт сказал: «Музыку нельзя выразить словами», и он прав. Я просто музыкант, который занимается музыкой с 1968 года. И я всегда остаюсь студентом. Если я хочу что-то сказать, то это то, что я ещё не закончил. Если я могу поделиться этим с миром благодаря доброй поддержке таких людей, как Сэм Розенталь, Роберт Дойл, Хелен Маррс, Байрон Меткалф, Брайан Ридингер, Рахби Кроуфорд, Арья Кастинен, Виктория Шумейкер, Ивар Лунде-младший и многих других, то я искренне благодарен и польщён, если люди находят время послушать то, что проходит через мои инструменты.
Большое спасибо за то, что нашли время, чтобы дать читателям Ambient Visions возможность взглянуть на ваше отношение к музыке и на то, как музыка влияла на вашу жизнь на протяжении многих лет. Мы ценим ваш музыкальный талант и надеемся, что ещё много лет будем слышать ваши композиции и импровизации.