Я творческий человек с музыкальным образованием. Я выступал, продюсировал, сочинял и записывал музыку по всему миру в самых разных жанрах и проектах. Я использую свой творческий и жизненный опыт, чтобы помочь другим людям добиться перемен и максимально реализовать свой потенциал.
Музыка – окно в мою душу.
Я помню дождливый день в отеле, когда я отдыхал со своей семьёй в возрасте 9 лет. Кто-то поставил песню на музыкальный автомат, и мой мир изменился навсегда. Give me Love Джорджа Харрисона – первая религиозная песня, которую я услышал, и момент, когда моя душа представилась аватару, в котором я живу на Земле. Около 40 лет спустя и после дикого путешествия через поп-музыку, рок, соул, электронику, амбиент-саундскейпы, коммерческие саундтреки и звуковое исцеление я вернулся к глубокому чувству цели через религиозную музыку. Музыка обладает поразительной силой изменять душевное состояние и бытие её получателя, и каждый раз, когда я обманываю себя, полагая, что нашёл её место отдыха, центр или вершину, она удивляет меня ещё больше своей способностью объединять души, менять настроение и атмосферу и создавать пространство для масштабных изменений восприятия. Мне очень повезло, что я получил этот дар.
Почему вы предпочитаете музыку, а не живопись или другие виды творчества? Что именно в музыке позволяет Вам получить доступ к внутренним составляющим Вашей сущности?
Когда я был совсем маленьким, я рисовал картинки огромных кораблей. Папа приходил домой с бумагой для компьютерного принтера, похожей на огромные туалетные рулоны, и я разворачивал один из них примерно до шести футов, а затем рисовал огромный корабль. Я до сих пор рисую! Писать тоже было в моих силах, но обесценивающая и довольно жестокая учительница сбила мой пыл, обвинив меня в копировании стихотворения, которое я написал, когда мне было около 8 лет! Я вернул свою страсть к писательству после того, как впервые выполнил The Artists Way for the First Time (Сейчас я делаю это уже 5-ый раз!). В 7 лет у меня появилась первая гитара, и, по словам моей мамы, это помогло мне выйти из своей скорлупы. Меня окружала музыка, так как мой отец был и остаётся большим энтузиастом. Мне повезло, что в раннем возрасте я узнал о The Beatles, Дэйве Брубеке и Дебюсси. Я обнаружил, что у меня прекрасная музыкальная память. Я могу спеть 7-ю симфонию Бетховена от начала до конца по памяти. Что-то в том пространстве, в которое меня приводила музыка, когда я играл и слушал, не давало мне покоя. Это всё ещё мой первый вид искусства, но я много пишу, много фотографирую и рассматриваю творчество как состояние души. Работа в сфере мультимедиа в Австралии в течение 4-х лет научила меня этому.
Какие виды музыки в вашем прошлом произвели на вас такое впечатление, что вы почувствовали, что сами хотели бы пойти по музыкальному пути?
Ну, это пошлый ответ для британца, но просмотр фильма Help & Hard Days Night, с музыкой The Beatles по телевизору открыл во мне интерес к популярной культуре, который я никогда и не терял. Тот факт, что они превратились из одетых в костюмы подростков-попстеров и так сильно эволюционировали за 7 или 8 лет пребывания на публике, показал мне, что музыка и артисты могут быть прогрессивными. Отец поощрял меня уроками игры на гитаре, когда мне было 12, и снова, когда мне было 15, но его позиция была такова: «Делай то, что ты любишь, неважно, что это такое, не важно, что это, если ты любишь это, делай это». Это была отличная позиция, но он очень сомневался, что я пойду по этому пути до конца. Он видел свободу, которую хотел дать мне, но не мог приравнять её к карьере или призванию. В школе у меня также было несколько вдохновляющих учителей, которые поощряли и давали мне возможность заниматься творчеством, выступать, а в 16 лет – сочинять. Заведующий музыкальной частью привёл меня в свой кабинет и сказал: «Если ты хочешь заниматься музыкой, тебе нужно начать прямо сейчас, в этом году мы ставим спектакль «Король Лир» для школьной постановки… как мюзикл… в будущем… на воображаемой планете…, и ты пишешь музыку». Это было вдохновляющее руководство. Он наделил меня полномочиями и доверился мне, и я сделал это. Спектакль имел успех, и мы отметили его записью всех песен на студии в Богноре на юге Англии. Это был 1978 год. Мне было 15/16 лет, я написал мюзикл и записал альбом.
На всякий случай, если читатели не знакомы с вашей работой до сих пор, может быть, вы могли бы дать им краткий курс «Кто такой Мэтт Колдрик и что он сделал до сих пор».
В 1982 году я бросил школу, после 3-х месяцев обучения в музыкальном колледже я бросил учёбу и уехал жить в Испанию, чтобы выступать перед туристами. В 1984-1989 годах (приблизительно) играл в кавер-группе и начал писать и записывать свои собственные (поп) песни. В 1990-2000 годах жил и работал в Лондоне как сессионный музыкант, держал небольшую студию в подвале, делая демо- и мастер-версии для инди-хип-хоп- и рэп-исполнителей – в итоге получил шанс спродюсировать трек для Betty Boo на её платиновом альбоме Boomaina. Это открыло двери для сессионной работы больше, чем для продюсирования, и привело к игре на гитаре на втором альбоме Gabrielles, с которым мы затем гастролировали по всему миру. После этого Gabrielles выиграла Britpop. В 1992-2000 годах – параллельно я начал записывать трансовые альбомы с Диком Тревором под довольно дурацким названием The Green Nuns of the Revolution (The Nuns). Играли на многих фестивалях по всему миру. Узнал много нового о продюсировании. В 2000 году написал Музыку для занятой головы и основал звукозаписывающий лейбл Absolute Ambient. В 2000-2007 годах сочинял и продюсировал музыку для телевидения и компьютерных игр. В 2009-2014 переехал в Австралию, работал в сфере коммуникационного дизайна/мультимедиа. В 2015 году переехал в Новую Зеландию… теперь исследую новое место.
Что привлекло вас в амбиент-музыке?
Усталость… ха-ха-ха. Мы (The Nuns) гастролировали в Австралии в 1999 году и попали в аварию. Для меня это было духовное пробуждение. Я был в некотором роде увлечён транс-музыкой, и мне нужно было идти своим путём. После аварии я провёл 3 недели в Квинстауне, чтобы восстановиться, и прошёл несколько сеансов Рейки у местного шамана, который продолжал сводить меня с ума своим взглядом на энергетику. Я был настолько узко мыслящий в своём взгляде на реальность, а он предложил мне другой способ видеть вещи. Я покинул Квинстаун с очень чётким видением того, как использовать музыку не только для развлечения. Я видел, как транс-музыка может «переносить» людей на танцпол, и понял, что, если вы можете возбуждать людей через энергию музыки, вы также можете изменять энергию и поведение людей другими способами, например, исцелять или изменять сознание. Я создал свою собственную студию на заёмные средства, переехал на год к родителям, чтобы перегруппироваться, и начал изучать вибрационное исцеление, исцеление звуком и аспекты эзотерической музыкальной терапии. Музыка очень быстро стала совсем другим и более мощным инструментом. Пребывание на транс-сцене открыто мне множество другой экспериментальной и в основном андеграундной электронной музыки. Ambient Dub развился из трансовой сцены, и люди, создававшие его, слушали Ино, Гарольда Бадда и других.
Чем отличается сочинение амбиент-музыки от других жанров, в которых вы можете писать музыку?
Отличный вопрос! Важен настрой. Во многих отношениях это больше похоже на импрессионизм. Это текстурное путешествие, и я стремлюсь заблудиться в этом путешествии в процессе творчества. Это как отправиться в путешествие по неизвестному морю. Работа с Ishq (Мэттом Хиллером) стала для меня важным шагом. Мы согласовывали тему, Мэтт создавал абстрактные волновые формы и звуки, указывающие на то, что мы решили, и отправлял их мне по почте на диске. Затем я следовал своего рода подходу Джексона Поллака, бросая краски (его образцы) на стену (страницу Logic Arrange) в случайном порядке. Я нажимал кнопку воспроизведения и смотрел, какие звуковые коллизии сработали, а затем фокусировался на них. Я люблю аранжировать идеи – мне нравится повествование, путешествие и случайность рассеивания звуков и попадания в игру.
Поп-музыка, рок и большинство мейнстримной музыки – это довольно прямолинейное развлечение. Мне кажется, что амбиент-музыка глубже этого и часто связана с исполнителем и слушателем на гораздо более личном уровне, чем обычное развлечение. Не могли бы вы прокомментировать это наблюдение как композитор?
Ну, это во многом зависит от намерений и образа мыслей. Я клянусь, что лучшая музыка, которую я делаю, проходит через меня, но не является моей. Я – канал. Иногда присутствует интеллектуальный фактор, но это для того, чтобы направить корабль в нужную сторону, прежде чем мы отправимся в плавание. То есть, используя тему, например, «время» или элементы. Затем речь идёт о потоке и ощущениях. Я часто описываю то, как я создаю амбиент-музыку, как путешествие на поезде с постоянно меняющимся ландшафтом. Понятие путешествия очень важно. Мы, как правило, не работаем с запоминающимися мелодиями, чтобы попасть в радио- или телерекламу. И мы не ориентируемся на звёзд. Я не хотел, чтобы моё имя значилось на Music for a Busy Head или Elemental Journey. Я хотел, чтобы они были не обо мне и Мэтте Хиллере, а о темах. Пространство и время являются важными факторами – амбиентная музыка играет с нашим восприятием того и другого, и мне нравится это чувство «как я здесь оказался?», когда вы доходите до конца длинного произведения. Если вы создаете 3-минутный поп- или рок-сингл, то здесь нужно работать с совершенно другими параметрами, то же самое касается и написания картины. Это более ориентированные на продукт процессы, и они очень отличаются от более снисходительного мира амбиента. Амбиент-музыка менее ограничена и менее связана с культурой эго, личности и рынка! Амбиент-музыка предлагает, по крайней мере, мне, более длительное и глубокое путешествие во внутренние сферы слушателей.
Вы выпускали свою амбиент-музыку на собственном лейбле ещё в 90-х годах, но уже некоторое время она не издаётся. Расскажите мне о вашем лейбле, о том, чего вы хотели добиться с его помощью и о вашей музыке?
Я основал Absolute ambient в 1998/99 годах, в основном из-за разочарования в лейблах New Age в Великобритании и ответа, который я получил, когда искал сделку для Music for a Busy Head. Это был подход кустарного производства и исследование независимости, которую Интернет предлагал музыкантам. У меня была хорошая электронная дистрибуция, я получал разумное освещение и эфир на специализированных шоу и хотел расширить лейбл после выхода Conscious Pilot. Но неожиданно появился испанский лейбл с таким же названием, и я решил (очень глупо) защитить свой европейский лейбл торговой маркой. Затем ни с того ни с сего транснациональный алкогольный бренд пригрозил мне судом за нарушение их торговой марки. Я выдержал судебную битву около 18 месяцев и получил внесудебное соглашение о ребрендинге, но эта битва сломила меня на всех уровнях. Это уничтожило мою любовь к музыке и любое желание работать в музыкальной индустрии, и я покинул Англию, чтобы работать в Австралии. Меня до сих пор удивляет, что крупный корпоративный игрок даже не удосужился привлечь к ответственности сольного амбиент-артиста из-за названия крошечного лейбла. Возможно, они были в каких-то отношениях с испанским лейблом. Я понятия не имею, так ли это было на самом деле, но это стало очень грязным делом и сломило мою волю. Хороший урок! В целом, процесс управления лейблом увёл меня далеко от того музыканта, которым я себя считал. Я писал телевизионную и компьютерную музыку, чтобы оплачивать счета, и амбиентную музыку для личного удовольствия и самовыражения, но где-то эти миры переплелись, и всё шоу рухнуло.
Pink Lizard Music переиздаёт некоторые из ваших старых альбомов. Как это произошло и почему вы решили переиздать их именно сейчас?
Я познакомился с Трис Тейлор в программе Digital Horizons, спонсируемой правительством Великобритании. Это был вдохновляющий способ подготовки малого бизнеса к цифровой конвергенции в 2012 году. Мы с Трисом сдружились, и когда он создал PLM, я почувствовал, что могу доверить ему переиздание. Речь шла и идёт о том, чтобы сделать каталог вновь доступным, а на личном уровне – о том, чтобы вернуть себе утраченные силы и позиции. Трис прекрасно понимает трудности независимого выпуска музыки и является командным игроком, который укрепляет доброжелательность и устойчивость артистов в условиях радикально меняющегося ландшафта музыкального бизнеса.
Я наслаждался прослушиванием Music for a Busy Head vol. 1 в течение последних нескольких дней и хотел, чтобы вы объяснили нашим читателям структуру музыки и её значение для слушателя, когда он будет проходить через все 7 пьес этого альбома.
Ну, прежде всего, альбом был моим собственным лекарством. Моя голова – это творческая машина, которая схватится за что угодно и превратит это во что-то другое, часто без приглашения! После 4-х лет интенсивных трансовых концертов и поп-индустрии мне нужен был внутренний покой и пространство. Благодаря неформальному изучению звука и вибрационного исцеления я понял, что история музыки как инструмента исцеления существует до всех других способов использования музыки. Я хотел использовать это наследие. Каждый трек посвящён каждой из чакр (энергетических колёс) тела. Музыка призвана замедлить метаболизм и перенести вас в полумир между бодрствованием и сном, где тело может само себя исцелить. Это способ отключить механизм борьбы или бегства. Я использовал определённые гармонические интервалы и ритмические циклы, чтобы вызвать тонкий вид гипноза. Его часто используют в массаже и других процедурах, несколько человек родили, слушая его, и многие люди используют его при проблемах со сном. Я получаю огромное личное удовлетворение, когда слышу отзывы о его использовании и эффективности.
Осознают ли люди потенциальную способность музыки играть целительную роль в жизни тех слушателей, которые осознают эту способность и используют её?
Судя по реакции на Music for a Busy Head, я бы сказал, что осознание растёт. Когда вы смотрите на то, какое значение музыка имеет, например, в йоге, вы понимаете, что музыка использовалась в качестве энергетического инструмента на протяжении тысяч лет. Это удивительное средство, и, цитируя слова одного свами, с которым я познакомился в этом году, можно сказать следующее: «Музыка – это просто самый быстрый способ обойти ум». Её целительный потенциал скрыт, и я говорю это потому, что, как и многие потоки эзотерических знаний, которые были открыты за последние 50 лет или около того, мудрость использования музыки заложена в человечестве культурно и генетически. Это мост к вибрациям природного мира на Земле и прямая линия к музыке Сфер. Сейчас происходит огромный сдвиг в осознании корпоративной матрицы, в которой живёт западный развитый мир! Возможно, частью этого сдвига является осознание потенциала музыки как энергетического инструмента. На прошлой неделе я увидел сообщение в Facebook о студентах, которые изобрели огнетушитель, тушащий пламя с помощью звука. Это отличная метафора элементарной силы музыки и звука.
Рады ли вы тому, что ваши старые альбомы возвращаются в тираж? Будут ли они доступны в потоковом формате или на потоковых сервисах, таких как Spotify? Что вы думаете о потоковой музыке в сравнении с продажами физических CD?
Да, я счастлив, но больше по личным причинам. Дело точно не в деньгах. Мы изучаем все форматы. Вам, наверное, стоит поговорить об этом с Трисом – потоковое вещание и продажи сейчас на первом плане. В долларовом выражении нам (музыкантам) всё хуже от стриминга, но с точки зрения воздействия – это здорово. То, на чём мы сейчас находимся, похоже, является симптомом распространения платформ и каналов для прослушивания или покупки контента. Мир производства вот-вот испытает то, что музыка испытала несколько лет назад благодаря 3D-принтеру. В конечном счёте, линии напряжения определяются битвой за «владение» Интернетом, как будто это недвижимость на Хай-стрит. Меня бы назвали луддитом, если бы я сказал, что до CD (винила) или до MP3 всё было лучше, но культура изменилась. Сейчас мы живём в мультимедийной реальности, и музыка всего лишь компонент в мире, где всё меньше внимания и всё больше визуальной ориентации.
Ранее мы говорили о других свойствах музыки, которые люди не всегда признают. Расскажите мне о религиозных аспектах музыки, которые вы исследуете вместе с Aarti Jadu?
Ну, сейчас я собираюсь использовать слово на букву «д». Духовность неизбежна в музыке. Она присуща ей исторически и в момент прослушивания или исполнения. То, что я испытываю с Aarti, когда мы играем, – это парадоксальное сочетание полного присутствия и полного освобождения. Все песни возникли из спонтанных джемов на традиционные бхаджаны. Сила мелодии и слов верна (в основном) санскритскому происхождению, где слова являются энергетическими стимулами. Это происходит из совсем другого менталитета. Мы пытаемся создать опыт, который не отстоит на миллион миль от намерений, стоящих за Music for a Busy Head, но он живой и не обязательно «исцеляющий», возможно, это больше медитация. Мне нравится видеть, как разные люди выглядят и чувствуют себя после концерта. Как гитарист, я проверил свои плохие привычки работать по клик-треку (серия звуковых сигналов, используемых для синхронизации звукозаписей, иногда для синхронизации с движущимся изображением). Когда мы играем, это один голос и одна гитара. Мне нравится связанный с этим риск. Я помню, как мой друг и коллега Нил Коули решил отказаться от компьютерно-ориентированной музыки и создать очень успешное джазовое трио. Это было смело. Он убрал ограничения и отдал дань основным ценностям музыкальной импровизации и дисциплинированной динамики… Живые выступления! Идея посвящения музыки древняя и возникла раньше, чем музыка для развлечения. Я не зацикливаюсь на смысле песен – преданность заключается в создании энергетического момента и выходе за пределы ограничений сознания ума и эго. Не так-то просто, скажу я вам!
На протяжении всей истории музыка ассоциировалась с посвящениями и ритуалами. Что вас привлекает в написании и исполнении такой музыки?
Хороший и сложный вопрос! Если говорить простым языком, то это своего рода зрелость. С возрастом начинаешь видеть дальше менее тонкие способы создания и использования музыки. Легко стать циничным, но я пытаюсь заменить этот цинизм, предлагая что-то более чистое или, возможно, исходящее из места большей целостности. Как я уже говорил, это наследие.
Оказывает ли эта музыка на вас как на исполнителя такое же влияние, как и на слушателя?
Когда я переехал в Мельбурн, я углубился в практику йоги, и в то время, когда у меня не было сил слушать музыку (после битвы за торговую марку), киртан и йогические песнопения дали мне возможность вернуться к выступлениям с минимальным риском и минимальными последствиями. Мне пришлось пройти через огромную адаптацию, и мне до сих пор приходится прилагать усилия, чтобы не позволить маленькому ребёнку-исполнителю во мне искать внимания через реакцию аудитории, но мне нравится, когда люди испытывают сдвиг, а потом хлопают после этого! Когда вы выступаете на концерте, посвящённом религиозной или духовной музыке, будь то киртан, бхаджан или что-то ещё, вы ведёте себя с аудиторией совсем по-другому. На вас также лежит ответственность за сохранение пространства. Вы являетесь своего рода лидером, а это требует эго. По этой причине я должен воспринимать это по-другому, но цель – единый опыт, где границы между аудиторией и исполнителем снижены настолько, насколько это возможно. Дэвид Бирн однажды описал свой лучший опыт на концертах, когда каждый в здании на мгновение теряет своё эго и испытывает чувство коллективного освобождения. Я понимаю это.
Как далеко вы продвинулись в работе над этим проектом и когда он может быть доступен публике?
Проект готов на 75% – надеемся выпустить его в марте/весной 2016 года – интересно исследовать, сколько можно добавить к оригинальным дублям (или не добавить). Перед записью мы сыграли каждое произведение всего 2-3 раза, и эта неизвестность – огромная часть его силы. По словам удивительного Би Джей Коула (BJ Cole – британский гитарист на педальной слайд-гитаре (слайд-гитара консольного типа с педалями и коленными рычагами, которые изменяют высоту звука определённых струн, позволяя воспроизводить более разнообразную и сложную музыку, чем на более ранних видах слайд-гитар. Как и другие слайд-гитары, она может воспроизводить неограниченное количество глиссандо (скользящих нот) и глубоких вибрато, чем схожа с человеческим голосом. Педальная слайд-гитара чаще всего ассоциируется с американским кантри и гавайской музыкой)), «всегда есть что-то, что можно открыть, когда играешь». Невозможность зафиксировать идею – это часть боли и удовольствия от создания такой музыки.
Это была познавательная беседа, и я хочу поблагодарить вас за то, что вы нашли время поговорить со мной и дать читателям Ambient Visions некоторое представление о вашей музыке. Желаю вам больших успехов с вашим следующим проектом, который выйдет в 2016 году, и со всем, к чему вы приложите свои мысли и сердце после этого.