Электронный музыкант из района залива Сан-Франциско Рич Бродски, известный также как Atomic Skunk, сплетает амбиентные полевые записи, сочные пэды и органические акустические инструменты с высокотехнологичными арпеджированными синтезаторами, глитчевыми, хаотичными ритмами и навязчивыми мелодиями, создавая уникальный психоделический амбиентный звуковой ландшафт.
Хотя он много лет играл в традиционных западных рок-группах, Рич всегда склонялся к деконструкции традиционных форм. Он изучал незападную музыку, такую как индонезийский гамелан, индийские раги и африканские барабаны, и считает их наряду с амбиент-артистами The Orb и The Future Sound of London, а также легендарным радиошоу Hearts of Space одними из своих самых сильных влияний.
В 2008 году Рич начал сочинять и записывать свою собственную электронную музыку в стиле амбиент, используя удивительное программное обеспечение под названием Ableton Live. Живой нелинейный подход к сочинению музыки открыл мир творческих возможностей, которые привели к появлению первых творений Atomic Skunk. В начале 2009 года Рич выпустил свои первые восемь композиций в качестве Atomic Skunk для своего дебютного альбома Binary Scenes.
В начале 2010 года Рич выпустил продолжение альбома Binary Scenes – плавный, кинематографичный альбом, состоящий из одного трека, под названием Portal. Portal включает семь свежих, оригинальных треков, а также уникальную по красоте кавер-версию классической песни The Grateful Dead «China Doll». После того, как альбом был распродан в течение нескольких недель после выхода, вторая партия компакт-дисков Portal Digipak с оригинальными иллюстрациями польского художника Михала Карча будет доступна позже этой осенью.
Что в первую очередь заинтересовало вас в музыке? Какой инструмент вы выбрали, когда начинали?
Первой пластинкой, которую я купил в детстве, был саундтрек к диснеевской «Книге джунглей». Там много замечательных песен, но я до сих пор помню увертюру, её волшебное и мистическое звучание и то, что она заставляла меня чувствовать. Когда я стал старше, я полюбил The Beatles, затем такие группы, как Led Zeppelin и The Who. Примерно в 15 лет я твёрдо решил стать кем-то вроде Джимми Пейджа и Пита Тауншенда. Отец купил мне акустическую гитару в McCabe's в Санта-Монике, а на следующий год я купил свою первую электрогитару, красивый белый страт с кленовым грифом и Marshall half stack, который был слишком большим и громким для меня, но мне это нравилось, это позволяло мне быть рок-богом в моём собственном гараже в Южной Калифорнии.
Было ли у вас когда-нибудь формальное музыкальное образование? Если нет, считаете ли вы, что это как-то помешало вашей музыкальной карьере?
Я брал уроки игры на гитаре около года, но как только я научился читать аккордовые таблицы и получил достаточно фундаментальных знаний, я предпочёл исследовать и разбираться во всём самостоятельно. Так что это был предел моего формального обучения игре на гитаре. В чём-то я жалею, что не пошёл дальше, но в чём-то, думаю, это позволило мне творить более интуитивно, не чувствуя себя обременённым структурой. Позже в колледже я посещал занятия по мировой музыке, которые помогли расширить мои горизонты и открыли мне глаза и уши для различных способов мышления о музыке.
Расскажите мне о годах, которые вы провели, играя на электрогитаре в рок-группах. Что вы узнали о себе и своей музыке, пока были в дороге, играя концерты по всей стране?
Я играл на гитаре в нескольких различных группах на протяжении восьмидесятых, девяностых и далее. Во время учёбы в школе в Беркли в 80-х годах я играл в популярной местной группе The Vicious Hippies. В 1988 году мы гастролировали по стране с Вэйви Грейви (известным по Вудстоку) в рамках тура Nobody for President. В то время большинство из нас увлекалось Grateful Dead, и, как и Dead, мы любили импровизировать во время концертов. Мы были джембэндом ещё до того, как появилось такое понятие, я, полагаю. Я действительно стал учеником Джерри Гарсиа и его подхода к игре на гитаре и импровизации, посетив буквально сотни концертов Dead и всегда сидя как можно ближе к передней части сцены, чтобы впитать всё это. Одно время я даже играл в кавер-группе Grateful Dead под названием Grapefruit Ed (скажи это быстро). Меня всегда поражало, как Джерри мог попасть в такое пространство во время импровизации, где музыка как будто играла сама по себе, а он был просто сосудом, через который это волшебство осуществлялось. В конце концов, я достиг того момента в своей игре на гитаре, когда я иногда входил в это состояние, и это стало золотым кольцом, к которому я всегда тянулся в музыкальном плане. Я люблю всё, что связано с созданием и исполнением музыки, но попадание в эту зону, где эго ускользает, а музыка создаёт себя сама, – это то место, где мне нравится жить в музыкальном плане. Это становится волшебным, духовным и священным местом.
Итак, вы могли бы сказать, что вы были довольно успешны как гитарист и что у вас была постоянная работа как музыканта в этом жанре? Так что же такого было в электронной музыке, что потянуло вас уйти от того, что вы хорошо делали до этого момента и в чём вы уже были успешны, чтобы исследовать эту новую территорию в электронной музыке?
Примерно в 2004-2005 годах я начал уставать от всей этой сцены с барными группами и хотел сделать перерыв. Я решил попробовать направить часть своей творческой энергии на запись. У меня как раз появился новый Mac Powerbook G4 (ноутбук) с Garageband на нём, и я решил поиграть с записью своей гитары, чтобы посмотреть, что получится. Поэтому я купил дешёвый USB-интерфейс, который позволил бы мне записывать звук с гитары прямо на Mac. К интерфейсу прилагался компакт-диск, на котором было несколько программ для создания гитарных эффектов и бесплатная демоверсия программы под названием Ableton Live. Я начал играть с ней и вскоре подсел. Через некоторое время я обнаружил различные «программные синтезаторы», которые можно было использовать в Live, и я был потрясён качеством звуков. У меня не было MIDI-клавиатуры, но я мог использовать клавиатуру ноутбука для игры на этих программных синтезаторах, и вскоре я уже создавал всевозможные маленькие кусочки электронной музыки с помощью клавиатуры ноутбука и программного обеспечения. То, что я делал, звучало для меня великолепно, но это никуда не годилось. Очень скоро у меня была дюжина полузаконченных треков, но я изо всех сил старался их завершить и не мог найти направление и голос для своей работы.
Так отход от рока был постепенным или вы резко сделали шаг и нырнули в глубокий бассейн?
Это было довольно резко. Я резко свернул от мира ламповых усилителей, пивных бутылок и порванных гитарных струн и с головой окунулся в мир MIDI-контроллеров, DAWS и программных синтезаторов. Я всё ещё люблю играть на электрогитаре в группе и делаю это время от времени, но большинство моих музыкальных усилий в наши дни направлены на электронную сферу.
Хорошо, я должен спросить: откуда взялось название Atomic Skunk и почему вы решили использовать его для своей электронной музыки? И я буду первым, кто признается, что сначала я несколько настороженно отнёсся к этому названию, потому что не был уверен, чего ожидать, и я также буду первым, кто признается, что я был приятно удивлён музыкой, которую я нашёл на Binary Scenes и Portal.
Я не думаю, что когда-нибудь смирюсь с этим названием. Знаете, я всегда стараюсь не воспринимать себя слишком серьёзно, и мне показалось, что в мире амбиента и нью-эйдж музыки этого уже слишком много. Я ещё не определился с музыкальным направлением и думал о других псевдонимах амбиент-музыкантов, которые мне нравились: Aphex Twin, Shpongle, Bluetech и так далее, и решил, что мне нужно что-то, что действительно выделялось бы, что люди не смогли бы забыть, что-то психоделическое и немного возмутительное, что-то вроде более современной версии Strawberry Alarm Clock или что-то в этом роде. Поэтому я перебрал несколько идей и придумал название Atomic Skunk.
Итак, на данный момент у нас есть имя – Atomic Skunk. Какие у вас были идеи относительно того, какую музыку вы хотели бы исследовать в этом образе, и стремились ли вы к какому-то определённому жанру, когда начинали создавать свою музыку?
Вначале я просто экспериментировал. Прошло довольно много времени, прежде чем я смог собрать свои идеи воедино настолько, чтобы назвать их законченным треком. Мой жёсткий диск был завален десятками 4-х и 8-ми тактовых лупов, случайными ритмами и странными мелодиями. После 2-3 лет заполнения жёсткого диска этими музыкальными экспериментами и ничего не добившись, я решил попробовать пойти в другом направлении и попытаться создать что-то более созерцательное и космическое, без битов, что-то более соответствующее той музыке, которую я слышал на Hearts of Space, радиошоу амбиент/космической музыки, которое я слушал и полюбил за эти годы. Мне нравилось то, что я слышал от таких исполнителей, как Стив Роач, Китаро, Стив Хилладж, Роберт Рич и других, но я всегда думал, что это исключительная сфера деятельности эзотерических музыкантов со стойками и стеллажами клавишных инструментов и путаницей коммутационных кабелей, у которых есть свои секретные студии звукозаписи, спрятанные где-то в горах. Я никогда не думал, что сам могу создавать подобную музыку. Я не играл на клавишных… У меня даже не было клавиатуры! Потом я вспомнил, что некоторое время назад видел очень крутую MIDI-гитару под названием iGuitar, и у меня в голове загорелась лампочка. Я мог бы использовать что-то подобное для управления этими программными синтезаторами, с которыми я играл, и, возможно, сделать немного настоящей музыки для разнообразия. Так что я купил iGuitar в Сан-Франциско, сел и попытался написать что-то, что звучало бы так, как будто это могло быть на Hearts of Space. Через несколько дней я написал свой первый законченный трек Chronoswamp, который стал открывающим треком моего дебютного альбома Binary Scenes.
Расскажите мне о программе Ableton Live, которую вы использовали, и почему она помогла вам реализовать вашу музыку, когда вы начали сочинять и записывать песни, которые стали альбомом Binary Scenes.
Ableton Live – это невероятное программное обеспечение, которое буквально изменило моё представление о музыке. Отличие Live в том, что помимо традиционного подхода к записи с помощью секвенсора/горизонтальной временной шкалы, в нем есть так называемый Session View, который является музыкальным эквивалентом палитры художника. Я могу закинуть в него любую музыкальную идею, которую в Live называют «клипом», а затем подстроить и аранжировать её. Так, здесь может храниться гитарный луп из 4-х тактов, которую я записываю, а также барабанный грув и 20-минутная полевая запись звуков леса. Всё, что я записываю в него или перетаскиваю с жёсткого диска, немедленно начинает зацикливаться, так что я могу импровизировать и создавать дополнительные клипы. При этом мне не нужно думать об аранжировке или структуре. Это полностью нелинейный подход к созданию музыки. Он также основан на импровизации, поэтому я могу погрузиться в ту же зону, в которой я нахожусь, когда играю на гитаре вживую, и творить из этого же пространства. Теперь, когда у меня есть все эти кусочки музыки на этой, так сказать, палитре, я могу перемещать их в самых разных комбинациях. Так, я могу прослушать гитарный луп, который я записал вместе с партией виолончели, записанной мной, и зациклить их обе на фоне арпеджированной линии синтезатора. Я могу добавлять и удалять клипы и комбинировать их, как угодно. Это очень похоже на игру с музыкальным Лего или строительными блоками. Если вы когда-нибудь видели, как маленький ребёнок берет кучу Лего или блоков и просто начинает что-то строить, не имея никакого предварительного представления о том, что из этого может получиться, тогда вы можете получить некоторое представление о том, как эта часть творческого процесса работает для меня. Дети будут дорабатывать свои творения, добавляя и убирая детали и достраивая их до тех пор, пока это не станет для них законченным «произведением». Вот в таком состоянии я и нахожусь во время этого процесса – по сути, я маленький ребёнок без присмотра взрослых. Сочетание импровизационных элементов и этого процесса «построения блоков» даёт мне почти неземную творческую свободу, подобной которой я никогда не испытывал. Как только все строительные блоки находятся на месте, и я понимаю, что это меня зацепило, я могу переключиться на свой левое полушарие и нажать большую кнопку записи в верхней части интерфейса Live и записать всё в их традиционный, основанный на времени вид секвенсора. Затем нужно много настраивать, добавлять эффекты, редактировать и так далее, чтобы получить готовый трек. Но путешествие от первого вдохновения до полностью реализованной музыкальной композиции приносит мне огромное удовлетворение. Ableton Live открыл для меня двери, о существовании которых я даже не подозревал.
Судя по всему, вы произвели настоящий фурор своим первым диском и собрали отличную прессу. Каковы были ваши мысли перед выпуском вашей музыки о том, как она может быть принята, и каковы были ваши чувства после выпуска, когда вы начали получать положительные отзывы о своей музыке?
По правде говоря, я вообще не собирался выпускать альбом. После окончания работы над Chronoswamp я наконец-то смог закончить трек, поэтому я нашёл несколько онлайн-сервисов, которые позволяют загружать музыку для прослушивания и комментирования. К моему изумлению, люди, похоже, действительно любили то, что я делал. Я создал ещё несколько треков, загрузил их и продолжил получать действительно положительные и восторженные комментарии. В конце концов я закончил около 8 треков, и мне пришло в голову, что этого достаточно для альбома. Поэтому я создал для него обложку, назвал его Binary Scenes и загрузил на сайт Bandcamp. Bandcamp позволяет вам продавать вашу музыку в виде цифровых загрузок, но он также позволяет вам раздавать бесплатную 128K MP3 версию вашей музыки для скачивания, если вы хотите. Поэтому я решил поступить именно так. Я разместил ссылку в Twitter и Facebook, и за несколько дней альбом скачали несколько сотен человек. Я начал получать всевозможные невероятно позитивные и замечательные комментарии от людей в Twitter, которые действительно ободряли меня и заставляли чувствовать, что, возможно, я что-то задумал. Очень скоро альбом начал появляться в различных музыкальных блогах с действительно положительными отзывами. Затем я получил письмо от Джона Дилиберто, автора журнала Billboard и продюсера популярного радиошоу амбиентной музыки под названием Echoes. Он прочитал несколько рецензий в блогах, послушал треки и захотел включить их в своё радиошоу. В то время у меня даже не было компакт-диска, чтобы послать ему, поэтому я отправил ему ссылку для скачивания, и через несколько дней треки с моего альбома звучали на Echoes. Я вообще не ожидал, что смогу записать альбом, и вдруг моя музыка зазвучала на национальном радиошоу, люди покупали диск и писали о нём в блогах. Я был очень взволнован, если не сказать больше. В конце концов, моя музыка прозвучала и на Hearts of Space, что очень много для меня значит.
Как артист, насколько серьёзно вы воспринимаете негативные отзывы о вашей музыке?
Никто не любит негативные отзывы. Мне повезло, что почти вся пресса, которую я получил за Binary Scenes, была восторженно положительной. Я думаю, что всегда нужно учитывать источник и стараться не принимать всё близко к сердцу. Не всем может нравиться всё, что вы делаете.
Можно с уверенностью сказать, что ваш первый альбом оправдал ваши ожидания. Когда вы начали работу над следующим альбомом, который выйдет в марте 2010 года под названием Portal, и какие уроки вы собирались применить к этому альбому, что вы узнали, когда выпустили свой первый альбом, в плане распространения информации о вашей музыке?
Я подождал несколько месяцев после релиза, а затем снова начал писать. Я склонен позволять всему развиваться органично, поэтому я не считал это «началом работы» над новым альбомом как таковым, а просто вернулся в творческий режим. Я многому научился на маркетинге Binary Scenes в плане социальных медиа и использования вирусной природы Интернета, так что эти факторы снова будут играть огромную роль.
После выхода вашего первого релиза, какие цели вы ставили перед собой в плане музыки, которую вы хотели исследовать для Portal, и куда вы хотели пойти, чего не сделали в первый раз?
Я определённо хотел быть немного более авантюрным. Одним из главных преимуществ самостоятельной работы является то, что у меня есть 100% полная и абсолютная творческая свобода. Так что если я хочу 7-минутное дроун-вступление к треку или 65 секунд шума леса и птиц, никто не может меня остановить! Я практически свободен исследовать всё, куда бы меня ни привела муза. Я всегда хотел попробовать сделать кавер на песню Grateful Dead, поскольку Dead оказали на меня огромное влияние в музыкальном и творческом плане, поэтому я сделал версию Atomic Skunk одной из их классических песен China Doll, которой я очень доволен. Я также всегда хотел сделать альбом из одного трека, где каждая композиция перетекает в следующую, и примерно на половине пути написания композиций для Portal я понял, что это может быть именно такой альбом.
Существует ли преемственность в музыке, составляющей Portal, и если да, то какие нити переплетаются между песнями, делая их частью единого целого, которым является Portal?
Забавно, но изначально я не ставил перед собой цель, чтобы все эти песни слились воедино так, как они представлены на альбоме, но примерно на половине пути написания музыки начала вырисовываться нить или повествование. Я обнаружил эти точки входа и выхода в начале и в конце каждого трека, которые подсказали мне, каким образом все эти песни могут быть соединены вместе, как некий пазл. Альбом в целом – это своего рода одиссея, которая ведёт вас из леса в джунгли, к океану, болоту, пустыне, космосу, а затем снова в лес. В музыке и полевых записях представлено множество элементов, которые наводят на мысль о повествовании и тематике всех треков, но я оставляю это на усмотрение отдельного слушателя.
В ваших пресс-релизах о Binary Scenes говорится, что вы написали, аранжировали, спродюсировали и смикшировали эту работу. Применимо ли то же самое к Portal? Как вы сохраняете объективность в отношении своей музыки на всех различных этапах её создания, чтобы в конце процесса получился наилучший конечный продукт? Приходится ли вам во время процесса создания музыки прибегать к посторонней помощи, чтобы не сбиться с правильного пути?
Страшновато, да? Да, я сделал то же самое для Portal. Я делаю всё, кроме мастеринга. После многих лет игры в группах и необходимости голосовать практически за каждое творческое решение, это действительно освобождает (хотя и немного пугает), просто взять на себя полный контроль и делать всё самому. И когда я говорю «делать всё сам», я имею в виду всё, включая создание веб-сайта, маркетинг и даже обработку заказов и рассылку компакт-дисков. Что касается музыки, то сейчас я разработал рабочий процесс, в котором я пишу, настраиваю и аранжирую трек до того момента, когда я могу сделать черновой микс. Затем я загружаю его на Soundcloud – это онлайн-сервис, который позволяет загружать музыку и делиться ею с другими. Затем я отправлю твит людям, которые следят за мной в Twitter, со ссылкой на черновой микс. Таким образом, я мгновенно получаю вклад более чем 20 000 человек, а это мои постоянные слушатели и поклонники, так почему бы не получить их вклад? Самое приятное в Soundcloud то, что он позволяет кому-то оставить комментарий к треку вдоль фактической временной шкалы трека, так что кто-то может написать: «Мне нравится, как он переходит в следующий раздел» или «Может быть, стоит сделать на один повтор этой части меньше», и комментарии всплывают по мере прослушивания трека, так что это очень полезно в этом плане. Затем остаётся только понять, что делать с комментариями и как использовать их наиболее эффективно в интересах музыки. Единственная часть процесса, с которой мне не очень комфортно, – это мастеринг. Именно здесь я чувствую, что хочу передать его объективному, нейтральному человеку; кому-то, кто обладает определённым опытом в этой сфере и действительно знает, что делает, чтобы убедиться, что всё находится на должном уровне и звучит слаженно. Я работал с джентльменом по имени Тарекит над Portal и Binary Scenes, и он проделал потрясающую работу.
Как ваше изучение незападной музыки (индонезийский гамелан, индийские раги и африканские барабаны) повлияло и сформировало то, что вы создали с Binary Scenes и вашим предстоящим релизом Portal?
Я изучал яванский гамелан во время учёбы в Калифорнийском университете в Беркли и даже выступал в составе их ансамбля гамелан. Мне нравятся звуки и текстуры инструментов гамелана, и есть некий поток, особенно в яванской музыке, в отличие от балийского гамелана, который звучит так, как будто время замедляется. Это очень психоделично, и мне нравится использовать эти текстуры и пытаться привнести эту сущность в свою музыку. Я также посещал несколько занятий по индийской музыке в Беркли, познакомился с музыкой Али Акбар Хана и влюбился в неё. Он был одним из моих любимых музыкантов всех времён, и его импровизационный стиль, как и стиль Джерри Гарсиа, оказал на меня глубокое влияние. Большая часть электронной музыки, которую я пишу, повторяет форму индийской раги, с медленной, продолжительной, немерной «вступительной» частью, похожей на «алап» (вступительная часть типичного североиндийского классического исполнения. Это форма мелодической импровизации, которая вводит и развивает рагу), а затем нарастающей до какого-то ритмического крещендо, прежде чем снова опуститься в плавающее/бесплотное пространство.
Вы особо отметили The Orb, The Future Sound of London и, конечно же, почтенное радиошоу Hearts of Space как одни из самых сильных ваших влияний. Как вам, как артисту, удаётся впитывать всё это, а затем выливать обратно в нечто уникальное и лично ваше?
Существует широкий спектр музыки, подпадающей под широкую категорию «амбиент», которую я так или иначе использую. Сюда входит музыка таких исполнителей, как Kitaro, Jonn Serrie, Steve Roach, Robert Rich, с одной стороны, The Orb, Aphex Twin, Future Sound of London, с другой стороны, и целый ряд более «современных» исполнителей, таких как Bluetech, Moby, BT, Shpongle и многие другие. Многое из этой музыки я впервые услышал на Hearts of Space. Всё это вместе взятое составляет, наверное, около трети моих влияний. Я также опираюсь на такие группы прогрессивного рока, как Yes, Genesis и Pink Floyd, на мировую музыку и классические рок-группы, такие как The Grateful Dead, The Beatles и даже Frank Zappa. Так что я пишу то, что пишу, и создаю то, что создаю, со всеми этими влияниями, крутящимися в моей голове. На самом деле нет никаких сознательных усилий, чтобы звучать как The Orb или Стив Роуч или что-то ещё. Я просто создаю то, что резонирует со мной, и все музыканты, и артисты, которые повлияли на меня, влияют на то, что я делаю, и проявляются в той или иной форме.
Как жизнь в Сан-Франциско повлияла на стиль музыки, которую вы создаёте?
У Сан-Франциско такое богатое музыкальное наследие, ведь именно здесь зародилась вся эпоха хиппи и психоделики 60-х годов. Я полюбил всю эту музыку, от The Grateful Dead до Jefferson Airplane, Santana и так далее, и так далее. На самом деле, я думаю, что вы можете проследить линию от многих современных исполнителей амбиента, нью-эйджа и космической музыки к этим классическим психоделическим группам. Такие группы, как The Dead, Джими Хендрикс, The Doors и другие, были первыми, кто действительно вывел популярную музыку из 3-минутного формата «радио-дружественного сингла» и исследовал длительные, расширяющие сознание психоделические музыкальные одиссеи. Популярная музыка никогда не была прежней, и амбиент-музыка во многом продолжает ту же традицию. Я нашёл свою любовь к амбиенту и космической музыке через этих классических психоделических пионеров.
Какие идеи вы почерпнули из Dark Side of the Moon группы Pink Floyd или Adventures Beyond the Ultraworld группы Orb при создании Portal?
Я просто помешан на таких альбомах: альбомы из одного трека, концептуальные альбомы, расширенные треки, которые продолжаются 30-45 минут – я просто обожаю все эти вещи. Dark Side of the Moon, вероятно, самый известный альбом из одного трека всех времён, а затем The Orb, Future Sound of London и другие создали подобные, но менее известные альбомы. Я всегда хотел сделать альбом, в котором я мог бы переплести все треки вместе с музыкой и звуковыми эффектами, как в Dark Side of the Moon, и я увидел, что Portal – это моя возможность. В музыке Portal вы услышите записи окружающей среды/природных полей, звуковые эффекты, немного атмосферы средневосточного рынка, даже сказочное повествование для The Waltz of the Frog Prince. Диззи Гиллеспи однажды сказал: «Меня мало волнует музыка. Что мне нравится, так это звуки», и я чувствую то же самое. В конце концов, это всё просто звук, сплетённый воедино. Я попытался бросить все эти ингредиенты в большую кастрюлю, перемешать их, добавить немного специй и, надеюсь, приготовить какое-нибудь приятное в звуковом отношении блюдо.
В дополнение к упаковке вы получаете полноцветное художественное оформление от Михала Карча. Как вы познакомились и как именно вы передаёте идеи вашей музыки через изображения, украшающие обложки CD?
Я прочёсывал Интернет в поисках изображений, которые, по моему мнению, могли бы подойти для обложки Portal. Я наткнулся на обложку альбома, которую Михал сделал для Стива Роуча, и это привело меня на его сайт. Михал – совершенно невероятный художник, который работает из своей студии в Варшаве, Польша. Я подумал, что мог бы лицензировать некоторые из его работ, но он настоял на создании новых оригинальных иллюстраций на основе музыки для Portal. Я отправлял ему треки по мере их завершения, и он интуитивно создавал свои работы, слушая мою музыку. Я дал ему несколько общих идей по электронной почте о том, каким должен быть мир, но он действительно воплотил суть того, что я делал музыкально, и создал потрясающее визуальное представление этого.
Для вас, как для инди-артиста, стремящегося продвигать свою музыку, Интернет должен быть благословением. Нравится ли вам общение с поклонниками и другими музыкантами, которое сопровождает вашу музыку в Интернете, и как это помогает вам распространять информацию о том, что вы делаете?
Сейчас действительно захватывающее время для независимых музыкантов. Артисту больше не нужен рекорд-лейбл, чтобы продвигать и распространять свою собственную музыку. Сейчас у меня довольно много подписчиков в Twitter и Facebook, а также свой собственный список рассылки, и я действительно стараюсь использовать всю вирусную природу Интернета и социальных медиа настолько, насколько это возможно. Если у меня есть новости, может быть, новый трек или новый CD, я могу просто разместить ссылку на него на этих сайтах, и все мои последователи, поклонники и потенциальные поклонники узнают об этом и смогут распространить это вирусным способом через пересылку по электронной почте, повторные твиты и социальные сети. Это прекрасная вещь. Я также могу поддерживать близкие отношения с поклонниками таким образом, и это придаёт реальную ценность отношениям между артистом и поклонником. Я думаю, что весь ландшафт индустрии звукозаписи/музыки меняется, и баланс сил переходит в руки отдельных артистов. Это очень интересно, и мне не терпится увидеть, что произойдёт в ближайшие несколько лет.
Какие-нибудь заключительные мысли о вашей музыке или о предстоящем выходе альбома Portal 20 марта?
Portal – это музыкальная одиссея, своего рода странное и удивительное путешествие, которое отражает суть моих музыкальных, творческих и духовных влияний. Я надеюсь, что слушатели погрузятся в этот мир и найдут что-то уникальное и волшебное, что найдёт отклик в них самих. Альбом будет выпущен ограниченным тиражом в виде 6-панельного CD Digipak 20 марта 2010 года (в день весеннего равноденствия) на сайте atomicskunk.com. Предварительные заказы с немедленной цифровой загрузкой доступны уже сейчас. Альбом также будет доступен для цифрового скачивания на iTunes и Amazon 20 марта 2010 года.
Спасибо, что нашли время поговорить с Ambient Visions о вашей музыке и вашем новом релизе Portal. Я надеюсь, что ваш последний релиз будет иметь такой же успех, как и первый. Берегите себя.