Биография

Sherry Finzer считает, что музыка может излечивать. Она флейтистка, исполнитель и композитор родом из Феникса. Сотрудничает с Heart Dance Recordings, состоящей из музыкантов, ориентирующихся на исцеляющую музыку. Она специализируется на флейтах – альт, бас и контрабас. На стиль игры Шерри повлияли разные жанры музыки, которые она исполняла, и разнообразие артистов, с которыми она сотрудничала. Создавая музыку для радио или мелодии для дорожных поездок, ее магические тона создаются флейтами, среди которых альты, басовые и контрабасовые флейты.

Некоторые альбомы получили крупные награды: Transformation [with Darin Mahoney] (2013) – One World Music Album of the Year; Sanctuary III – Beyond the Dream (2014) – Best CD January 2015; Flute Flight [with Mark Holland] (2015) – Zone Music Reporter Best Meditation/Relaxation Album; Trialogue [with Darin Mahoney & Will Clipman] (2016) – Zone Music Reporter Best Acoustic Album; Let There Be Light [with Tom Moore] (2017) – Zone Music Reporter Best Relaxation/Meditation Album. Музыка Шерри можно услышать на SXM Spa Channel (68), Pandora, Spotify, Sound Choice Soundscapes, Galaxie Spa Channel, Calm Radio, River of Calm, Journeyscapes, в международных радиопрограммах, на нескольких авиакомпаниях.

Шерри начала играть на флейте в 5-м классе начальной школы в северной части штата Нью-Йорк и сразу же влюбилась в музыку и начала учиться в частном порядке. В течение этих лет Шерри переживала трудные времена, и она нашла свой приют в музыке. К концу второго курса обучения она играла сонаты Баха и Генделя на уровне колледжа. Она продолжила классическую учебу в школе. После перерыва, во время которого Шерри занималась воспитанием двух сыновей, она в мир классической музыки и получила множество наград за исполнительское мастерство, в том числе отбиралась для выступлений на нескольких национальных конвенциях Национальной ассоциации флейты.

Узнав, что ее музыка помогает людям в исцелении, Шерри записала свой первый new age альбом, Sanctuary, и в 2009 году основала свой лейбл Heart Dance Records. В 2015 году она и ее семья переехали в Финикс, штат Аризона, где она нашла новые возможности для выступления с различными музыкантами и в разных жанрах, включая джаз и фламенко. В том же 2015 году ее лейбл начал привлекать артистов с тем же видением, как помочь миру излечиться от стресса, горя, психических и физических заболеваний. С тех пор она записала 10 дисков new age и 6 – в других жанрах.

В арсенал флейт Шерри входят:

• Pearl 14k Maesta C Flute;
• Pearl Contrabass Flute;
• Yamaha Gold Brass Alto Flute;
• Guo New Voice C, Piccolo & Bass Flute;
• Различные флейты коренных американцев.

Дискография

2009 Sanctuary

2011 Sanctuary II – Earth

2013 Transformation [with Darin Mahoney]

2014 Amazing Grace [with Darin Mahoney] [single]

2014 Sanctuary III – Beyond the Dream

2015 Flute Flight [with Mark Holland]

2016 In the Light of Darkness [with Darin Mahoney] [single]

2016 Trialogue [with Darin Mahoney & Will Clipman]

2016 Venus Rising [with Paul Speer] [single]

2016 Whispers from Silence [with Tom Moore]

2017 Let There Be Light [with Tom Moore]

2017 Traveler [with Peter Sheridan]

2018 Acceptance

2018 Evening at Angkor Wat [with Will Clipman] [single]

2018 Kilauea Rain [with Will Clipman] [single]

2018 Mediterranean Meditations [with Chris B. Jacome] [single]

2018 Ondas [with Chris B. Jacome] [single]

2018 Reflections [with Chris B. Jacome] [single]

2018 Sea of Tranquility [with Chris B. Jacome] [single]

2018 Somewhere New [with Mark Holland]

2018 The Beauty Lies Within [with Darin Mahoney] [single]

Majestica [Sherry Finzer & Cass Anawaty]

2016 In the Midst of Stars

2018 Auriga to Orion

Ссылки

https://www.sherryfinzer.com/ – Официальный сайт

Биография

«Становятся тучи цветами неба, когда их целует свет».

Таким эпиграфом из белых стихов Рабиндраната Тагора предваряет свою инструментальную программу в альбоме Solace (2003) композитор и пианист Майкл Хоппи. Англичанин по происхождению, он вот уже долгое время живет в Лос-Анджелесе, сотрудничает с голливудскими киностудиями, параллельно сочиняя музыку в ключе «пронзительного романтизма». По степени мелодического дарования Хоппи часто сравнивают с Вангелисом, Китаро, Жаном-Мишелем Жарром и другими колоссами мировой сцены. Его авторская манера имеет собственный неповторимый почерк, и Solace – отличный повод убедиться в этом.

Michael Hoppe – лауреат премии Grammy за выдающийся мелодический талант. Музыкант и композитор удивительного дарования, с легкостью переливающий душу в звуки флейты, виолончели, фортепьяно, играющий с голосом и тембром столь же легко, как ветер с листьями и солнце – с бликами на воде. Подавляющее большинство композиций слушаются легко и приятно. Малая часть обладает глубиной, подобной глубине музыки Майкла Хоппи. Его музыка никогда не живет в пустоте – она обязательно сцеплена с поэзией, живописью, фотографией; всегда пронизана чувствами, мыслями и воспоминаниями живых и ушедших, делая нашу жизнь богаче и ярче.

Tapestry Для Майкла Хоппи альбом Tapesty, «начинавшийся» как саундтрек к короткометражному фильму Хизер Харлоу Nous Deux Encore, стал своего рода Opus Magnum, работой, отражающей все основные вехи в его творчестве, все важные встречи и достижения. Проживающий в США композитор, кажется, в своих мечтах и воспоминаниях все еще обитает на берегах Туманного Альбиона, атмосферу и жителей которого фиксировал в первой половине двадцатого века его дед, знаменитый фотограф, его работы давно уже стали неотъемлемой частью альбомов Майкла, создающей романтическое, немного старомодное настроение, пронизанное нотками сентиментальности и легкой грусти по ушедшей эпохе и покинувшим нас людям. Это очень поэтическое настроение, которое усиливается от альбома к альбому настоящей магией слова. Для каждой композиции Tapestry поэтесса Тересса Таппоуни сочинила свое стихотворение, вместе с музыкой и изображением образующее единое аудиовизуальное пространство. В этом пространстве Хоппи плетет свой гобелен (они, кажется, снова входят в моду и уже не выглядят старомодными?), нити которого образуют портреты и пейзажи, пронизанные символикой чувств и эпох. Эти нити – все то, что определяло творчество Майкла в последнюю декаду творчества, четкие следы его предыдущих альбомов, поклонники композитора наверняка легко идентифицируют их. Вступительная композиция Prairie Moon, сыгранная Пражским Симфоническим Оркестром, напомнит о грандиозном альбоме Solace, откуда на диск Requiem перебрались духовные гимны, одним из которых является и представленный здесь In Paradisum. Очаровательные Impromptu, Grace и Daydream вызовут в памяти недавний альбом Romances – а если вы с ним не знакомы, как и с другими работами маэстро, я категорически советую вам свести знакомство, возможно, это будет потрясающий музыкальный опыт в вашей жизни. Pastoral, сыгранная на синтезаторе в подражании Вангелису, относится к ранним звуковым пейзажам диска Homeland, а Embers отсылает к предыдущему альбоме Хоппи Nostalgie, записанному с Джо Пауэрсом, виртуозно играющем на губной гармошке. Довольно неожиданно (но в итоге совершенно изумительно и безупречно) звучит Maxie’s Theme from Nous Deux Encore, сыгранная Митсуки Дазаи на японской цитре Кото в обрамлении оркестровой аранжировки. Сама по себе вещь – сугубо «викторианская», но участие «ориентального» инструмента почему-то только усиливает эмоциональный позыв этой прекрасной вещи. Струнное исполнение сочинений Хоппи также традиционно безупречно, Sanctuary (акустическая версия одного из гимнов с Requiem) и Ave Maria не просто «берут за душу» – они переворачивают все, что скопилось в ней, обнажают самые скрытые чувства, пробуждают и раскрывают эмоции, вызывая то очистительные слезы, то легкую и немного грустную улыбку. Если вы только решите начать свое знакомство с музыкой этого артиста – я вам завидую, потому что перед вами откроется грандиозный, безупречный и красивый мир чувственной и изысканной музыки. Если творчество Хоппи вам знакомо не понаслышке – Tapestry тем более идеальный кандидат для долгих прослушиваний тихими вечерами. Шедевр.

Solace [with Prague Symphony Orchestra] Альбом, отмеченный премией ГРЭММИ, демонстрирует обширную гамму творческих возможностей Майкла. Умение работать с крупными формами, мастерство создания звуковых камерных пейзажей – все это сполна представлено в рамках пластинки. Каждое из произведений – своеобразный оттиск воспоминаний. Ставка сделана на искреннее ностальгическое чувство, которое служит основным проводником в богатом эмоциями мире маэстро Хоппи. Открывающий трек This Majestic Land, исполненный Пражским Симфоническим оркестром в торжественно-кинематографических тонах, вдохновлен величественными ландшафтами североамериканского запада; всепокоряющей стихийностью вкупе со строгой красотой веет от столь колоритной пьесы. Следом идет подчеркнуто поэтический номер So You, где в центре внимания щемящие пассажи виолончели от Мартина Тиллманна, деликатно обрамляемые клавишными. Метафизический вечный покой лазоревой неги небес разливается в воздушно-акварельном этюде Romance for Violin & Orchestra (соло на скрипке – Любомир Гавлак). Классическое сопрано Хайди Филдинг как нельзя лучше соответствует печальному настрою реквиема Lachrymosa. Тихая пасторальность сквозит в умиротворяющей композиции Beloved с гармоническими акустическими переборами гитариста Кентона Янгстрема. Редкостным очарованием полнится лиричнейшая оркестровая рапсодия Renouncement, и завораживает легчайшим дыханием весны Jude's Theme – дуэт скрипача Юджина Фодора с мастермайндом Хоппи. Невероятно изящная Nimbus вполне сгодилась бы в качестве звукового ряда к викторианской костюмной мелодраме, а нежно-рефлективная Elegy (For Joan) прекрасно иллюстрирует любовные мечтания юной особы. Религиозно-экстатическим чувством проникнута неторопливая ода Pie Jesu с вокалами уже упомянутой Хайди Филдинг и Дуэйна Бриггса. Обернутая в элегическую ткань бесконечно душевная Farewell воплощает в себе старомодное благородство и дух английских романов прошлого. Эпический финал The Parting наверняка обрадует поклонников Вангелиса, отвечающего здесь не только за фортепианные партии, но и за всю аранжировку в целом. Главное – неземная красота вполне земных ситуаций и переживаний, тонкая лирика и неподдельная чувственность этой музыки, которая дарует душевный покой. С этим Майкл справился, как всегда, на отлично. Один из лучших инструментальных альбомов десятилетия, получивший в дальнейшем не менее достойные продолжения.

Grace Новый альбом композитора Майкла Хоппи отражает не только преемственность поколений его семьи (раньше он черпал вдохновение в фотографиях своего деда, а теперь использует для оформления дисков фото своей дочери, Ребекки), но и преемственность творческих идей. С предыдущим альбомом музыканта, Tapestry, связано и само слово Grace (так называлась финальная композиция), и своего рода желание показать все основные аспекты своего творчества во всей красе, из-за чего диск звучит, конечно, эклектично, зато позволяет в полной мере насладиться всем тем, что и составляет музыку этого талантливого композитора, который просто не может оставить слушателя равнодушным. Собственно, в приступе лени я мог бы скопировать свою же рецензию на Tapestry, но, к счастью, лень легко разбивается о подлинное удовольствие и мощный душевный подъем, который испытываешь во время, и, что немаловажно, значительно позже, прослушивания. К тому же отличия все-таки слышны – так, на новом диске гораздо меньше размашистых «саундтреков», он и звучит более камерно. Ценители Хоппи найдут на Grace несколько композиций, сыгранных виолончелистом Мартином Тиллманом – его участие вроде как и не новость, у музыкантов в активе несколько шикарных совместных альбомов, но все равно, когда Мартин берет в руки виолончель и под аккомпанемент пианино начинает буквально переворачивать вам душу, балансируя на грани искупительной драмы и ласковой нежности. Нет, это надо только слушать. Увлечение ариями, госпелами и хоральными прелюдиями, начавшееся с альбома Requiem, достигает нового витка творческого развития благодаря голосам Целести Говин (уже не раз Хоппи обращался к гимну Ave Maria, но и здесь смог услышать и интерпретировать его на новый, не менее возвышенный лад) и Энди Комптон, чье пение «а капелла» подарило нам чудесную вещь Safe to Port, приближенную более всего к церковным таинствам. Естественно, не обошлось и без клавишных пасторалей, сыгранных на фоне аккуратных оркестровок и синтезаторных облаков – эти вещи вызывают в памяти желтые листы фотоальбомов, заполненные выцветшими, но все еще излучающими сильную и позитивную энергетику фотографиями. А вот Love Overflows выглядит главным сюрпризом альбома – Майкл сам поет здесь старую фолковую песню под акустическую гитару, и голос его «заряжен» теплом старой пластинки. Может быть, следуя заложенной традиции, следующий альбом получит такое название и звучание? И, словно посланием-приветом в альбом юной красавицы викторианской эпохи, звучат композиции-посвящения вроде Song for Haya и Theme for Adele. И эти отсылки к прекрасной эпохе чистоты и красоты, вместе с очаровательным вальсом музыкальной шкатулки Mayfly Waltz буквально отрывает слушателя от реальности, перенося его более чем на век назад, делая его одним из персонажей тех самых фотографий. Подлинный, классический романтизм, лирика узнаваемых с первых же нот мелодий Хоппи, его непринужденная изящность, тепло и красота, идущие от самого сердца. Grace – еще одна работа великого маэстро.

Serenity [with Harold Moses] Если бы вас попросили выбрать из своей памяти двенадцать фрагментов прошедшего года, по одному на каждый месяц, что бы вы вспомнили первым делом? События планетарного масштаба или первый весенний дождь, заставший так некстати, но подаривший приятное и освежающее после долгой зимы тепло? Поцелуй любимого человека или горечь разлуки с ним, впервые попробованное экзотическое блюдо или день отдыха далеко от дома, на лоне природы, позволивший почувствовать себя свободным от обязательств и тесных стен мегаполиса и ощутить счастье? Воспоминания, конечно, будут самыми разными, но наверняка среди них появятся «универсальные» дни, например, день рождения или канун Рождества, манящий предвкушением светлого таинства. Композитор Майкл Хоппи и виолончелист Гарольд Мозес (оба – музыканты с мировым именем и оба уже успешно сотрудничали вместе на номинированном на премию ГРЭММИ и названном среди «50 лучших нью эйдж альбомов» диске Хоппи Solace) выбрали, очевидно, самые тихие и спокойные дни, и посвятили им совместные композиции, представляющие собой импровизации для синтезаторов и виолончели. Впрочем, насчет импровизации я не совсем уверен – очень уж партии Гарольда звучат в духе работ его напарника, типичные изгибы мелодий и легко узнаваемая романтическая, я бы даже сказал, «викторианская» стилистика Хоппи слышится в каждом из представленных треков. Это, впрочем, только плюс альбома, ибо я исправно утверждаю и буду утверждать, что Хоппи несомненный гений и один из лучших композиторов на данный момент. Придерживаясь этой концепции, дуэт записал очень атмосферный альбом, звучащий, может быть, чуть более минималистично на фоне предыдущих пышно-оркестровых дисков Майкла, но, несомненно, настроение Serenity, дополненное превосходным звуком, когда вибрации музыки пронизывают тело и вызывают сильную эмоциональную отдачу, также придется слушателям по душе. С душой вообще творятся здесь странные вещи: мелодии способны затронуть такие струны в глубинах этой потаенной, но явно существующей на самом деле субстанции, о которых раньше вообще не подозревал. На вас может накатить грусть, ведомая прозрачными и объемными партиями виолончели – и вы даже не поймете, что вызвало это чувство, пока музыка не всколыхнет что-то в глубинах памяти, обнажая события одного из тех дней, о котором идет речь. Может быть, на глаза навернуться слезы – но это будут не слезы горя, а слезы очищения, и, как знать, кому-то они помогут понять, что, несмотря на внешнюю черствость, человек еще может правильно реагировать на эти душевные вибрации. Есть на альбоме, вопреки названию, и достаточно импульсивные вещи, в которых напряженно бьется внутренний нерв, но его присутствие легко списать на отражение в музыке природных стихий. Стихий, отбушевавших потоками ливней и оставивших на обложке этого альбома облака и чуть приглушенный свет. Хоппи великолепен даже здесь, когда от него требуется, казалось бы, просто создание фонового амбиенса, но и тут Маэстро раскрывается как мелодист, создающий нечто эфемерное, необычайно красивое и живое. Мозес – пожалуй, один из лучших виолончелистов, при этом он тонко и четко чувствует настроение музыки Хоппи и передает его в полной мере. Итог – великолепный альбом, на котором разлитое в воздухе спокойствие не мешает, уводя в дремотную негу, а только усиливает чувственное восприятие слушателя, лишенного возможности остаться равнодушным, пока играет Serenity.

Дискография

1984 Misunderstood [with Carlos Franzetti] [soundtrack]

1988 Quiet Storms for Flute & Harp [with Louise Di Tullo & Lou Anne Nell]

1989 Homeland

1996 Simple Pleasures

1993 The Yearning – Romances for Alto Flute [with Tim Wheater]

1997 The Dreamer – Romances for Alto Flute Volume 2 [with Tim Wheater]

1997 The Poet – Romances for Cello [with Martin Tillman]

1998 The Unforgetting Heart

1999 Afterglow [with Martin Tillman & Tim Wheater]

2000 Beloved – A Tribute to the Queen Mother

2001 The Lover – The Love Poetry of Carl Sandburg [with Tim Wheater]

1996 Wind Songs – Flute Improvisations [with Tim Wheater]

2002 Dreams That Cannot Die

2002 The Very Best of

2003 Solace [with Prague Symphony Orchestra]

2006 Requiem

2005 How Do I Love Thee

2007 Romances for Solo Piano

2007 Various Themes

2009 Nostalgie - Romances for Harmonica [with Joe Power]

2010 Angele Dei [with Dwain Briggs]

2010 Far Away – Romances for Koto [with Mitsuki Dazai]

2010 Mewsings – My Life As A Jewish Cat [with Greta Beigel]

2010 Prauers – A Personal Selection

2010 Tapestry

2010 Two Eagles Soaring – 11 Haiku from Wind in the Pages [with Brett Brady]

2012 Café Champagne

2013 Grace

2013 Rarities vol. 1

2014 Serenity – Improvisations for Viola [with Harold Moses]

2014 Timeless – The Classics

2015 Nightingale [with Giuditta]

2018 Amistad [with friends]

Ссылки

http://michaelhoppe.com – Официальный сайт

Биография

Fiona Joy Hawkins, 1964 года рождения, австралийская пианистка и продюсер, работающая в жанре нью-эйдж. Ее дебютный альбом Portrait of a Waterfall занял первое место в хит-параде New Age Reporter (NAR) в 2005 году. Альбом классической музыки Angel Above My Piano был удостоен премии NAR Lifestyle Music Award 2006 года в категории «Лучший альбом клавишной музыки». Фиона является многократной финалисткой премий Musicoz Awards в категориях «Джаз» и «Классическая музыка», а также Los Angeles Music Awards в категории «Нью эйдж/инструментальный амбиент».

Christmas Joy На первый взгляд может показаться, что август не самое подходящее время для «рождественского» альбома. С другой стороны, лето может стать отличным временем для прослушивания данного диска, хотя бы потому, что праздничная суета давно улеглась, ежегодный ворох альбомов, на которых запечатлены разные интерпретации одних и тех же рождественских гимнов, пролетел мимо внимания, оставив в нем место только достойным представителям праздничного жанра. И диск Christmas Joy австралийской исполнительницы Фионы Джой Хокинс – достойный из достойнейших в этом практически необозримом ряду. Почему? Потому, что Фиона нашла новый, и, на мой взгляд, оригинальный подход к гимнам Рождества. Может быть, сказывается то, что Рождество было восемь месяцев назад и привычные Silent Night и Jingle Bells уже немного выветрились из памяти, но, честное слово, если бы мне дали послушать этот альбом на безымянном диске, я бы вряд ли узнал эти навязчивые произведения. Фиона исполняет классику в своей романтичной, чувственной и очень расслабляющей манере (хотя иногда способна пустить на слушателя накрывающую с головой волну эмоций, как в Gliding on a Sleigh), уделяя большое внимание не только передаче светлого праздничного настроения, вызванного чувством сопричастности к великому чуду, но и аранжировкам, которые кому-то могут показаться «неканоническими», но, поверьте, отторжения не вызовут ни у кого. Диджериду в Jingle Bells? Гениальная идея, этнический инструмент вкупе с шелестящей суховатой перкуссией не только не портит звучания, но и придает ему новые полутона, которые помогают найти что-то новое в мелодии, у большинства слушателей вызывающей ассоциации с суетой в супермаркете. Абсолютно уместен не только ангельский кельтский вокал в духе Энии, что кажется совершенно понятным и естественным, но и звучание струнной секции, создающее торжественную, немного мистериальную атмосферу, ожидаемая арфа, на сей раз парагвайская, тоже заняла свое место где-то между земными ландшафтами и небесными замками. Также очень удачно прописан ритм (медленный марш, сопровождающий O Come O Come Emmanuel, одну из самых чувственных композиций альбома, задает торжественное настроение и заставляет себе представлять длинную вереницу людей, несущих горящие свечи по полуночным улочкам), виолончель традиционно и грустит, и радуется, рельефный бас подчеркивает нежное касание пальцами клавиш пианино, а саксофон придает серьезности и заставляет вернуться из мира грез в урбанистические реалии, смягченные и освященные настроением грядущего празднества. Настроение, которое нам всем не мешало бы нести в себе не только зимой, но и на протяжении всего года – может быть, тогда бы все было намного лучше, ярче и добрее. Так что август – хороший месяц, чтобы украсить жаркие дни этой прекрасной музыкой, которая откроет двери в сердце любого человека, даже того, кто скептически относится к рождественским гимнам. Август, сентябрь, май, январь – какая разница, эта музыка воистину всесезонна.

600 Years in a Moment В музыке австралийской исполнительницы Фионы Джой Хокинс всегда было нечто, что отличало ее от работ многих других композиторов, занятых в сфере piano music – прежде всего, это интерес к древним этническим инструментам и фольклорным мотивам, звучание которых передано через призму современной классики и нью-эйджа, оставаясь при этом аутентичным и интересным именно в своей «первозданности». Новый альбом австралийской дивы, 600 Years in a Moment, развивает эти идеи. Рассуждая о глобализации музыки и протягивая лирические нити сквозь времена и культурные различия, Фиона смогла записать диск, который уже один список приглашенных музыкантов, и самые грандиозные моменты, ими созданные, позволяют назвать эпическим и грандиозным, но при этом минуты, проведенные за его прослушиванием, просят признать его еще и самым лиричным и, пожалуй, самым интимным сочинением Хокинс. Отчасти это можно объяснить тем, что играет здесь она на уникальном пианино ручной работы марки The Stuart & Sons — с него можно стряхнуть пыль, но нельзя стряхнуть налет благородства и чистой, умиротворяющей своим прозрачным и сильным звуком изящной старины. От звучания этого пианино и отталкиваются все остальные музыканты – вообще, создается впечатление, что все они приняли приглашение Фионы и обосновались на время в тихом домике, чтобы просто помузицировать, порассуждать о времени, чувствах и природе и оживить подлинное звучание вечности, для которой шесть веков, воистину, равны мимолетному мгновению. Именно «камерность», сумевшая уместить в себя голоса нескольких десятков редких инструментов и эхо нескольких веков, делает 600 Years in a Moment таким уникальным и впечатляющим. Чтобы не быть голословным, перечислю некоторые персоны: продюсерами альбома выступили не нуждающиеся в представлении Уилл Аккерман (он же исполняет гитарные партии) и Корин Нельсен, оркестровки делал известный пианист Филипп Ааберг, Тодд Бостон играл на флейте. Список, сопутствующий имени перкуссиониста Букчулуна Ганбургеда, вообще можно использовать как справочник по редким этническим инструментам, помимо этого впечатляющего набора в записи использованы турецкий уд, диджериду и много чего еще. Как ни странно (учитывая, что Фиона живет в Австралии), музыкальная палитра диска, помимо классического романтизма и воздушного танго, тяготеет к изумрудной зелени бескрайних ирландских полей – кельтика превалирует и в этереальных вокализах, и в лирическом пении скрипки (иногда напоминающем стилистику легендарного дуэта Secret Garden), превращая этот релиз в хороший подарок, в частности, для любителей культуры этой страны. Мы живем в странное время. С одной стороны, у нас есть возможности для глобальной коммуникации – и 600 Years in a Moment служит ярким тому примером. С другой стороны, потоки информации, увеличивающие свой напор с каждым днем, заставляют нас забывать больше, чем запоминать – и музыка Хокинс не забывает напомнить о ярких, но порой утерянных в лабиринтах памяти событиях и эпохах, оставшихся миражами на берегах воображения. Forgiveness, душевный дуэт пианино и деревянной флейты – яркое подтверждение этому. Прекрасно, как всегда.

Дискография

2005 Portrait of a Waterfall

2006 Angel Above My Piano

2007 Ice – Piano Slightly Chilled

2008 Blue Dream

2008 Music for Funerals

2008 Music for Weddings

2008 Music for Sex

2009 Music for Massage

2011 Live at the Q [with The Blue Dream Ensemble]

2011 Christmas Joy

2012 Sensual Journeys

2012 600 Years in a Moment

2016 Signature – Synchronicity

2017 Into the Mist

2018 Story of Ghosts

Ссылки

http://fionajoy.com/ – Официальный сайт

Биография

Niall родился 27-го октября 1972 года в Лутоне, Англия. Начал свое музыкальное образование с 7 лет, осваивая трубу. С тех пор Niall научился играть на блокфлейте, клавишных, гитаре и этнической перкуссии. Параллельно с этим он изучает теорию передовой музыки. В 10 лет Niall посетил звукозаписывающую студию и с тех пор он сильно заинтересовался электроникой и звукозаписью. Он стал приобретать оборудование (синтезаторы и многое другое) для своей домашней студии.

Страсть к созданию музыки вскоре превзошла размер свободной спальни в доме родителей и ему пришлось оборудовать свою студию в старом доме, где Niall и стал писать музыку для производственных компаний и заниматься различными музыкальными проектами – записи музыки для хоров, оркестров и различных музыкальных групп. Там, где в его альбомах требуются естественные звуки, есть гром, шум реки, треск огня, пение птиц и т.д. Niall сам записал их, побывав в различных местах по всему миру. Некоторые из этих записей теперь доступны в серии Ultimate Natural Sounds.

На своих альбомах Niall исполняет большинство музыкальных партий. Его музыка используется в художественных и документальных фильмах, а также звучит по радио во всем мире. Он работает в стиле, сочетающем этнические мотивы, chill out и new age. Niall очень духовный человек, придерживающийся вегетарианской диеты. Он нравятся прогулке на природе и по пляжам. Он ценит красоту, которая вдохновляет его творчество.

Reiki River За время своего существования музыка, предназначенная для сопровождения сеансов рейки, успела сформироваться в самостоятельный жанр музыкальной культуры нью-эйдж со своими характерными особенностями, оформленными стараниями таких мастеров, как Дейтер, Терри Олдфилд, Ллевеллин (кстати, он продюсировал диск Reiki River, в звучании которого можно расслышать характерные черты его работ) и других. Это почти всегда очень медленная инструментальная музыка, предельно расслабленная и медитативная, содержащая звуки природы и разделенная на четкие временные отрезки, границы которых обозначают колокольчики, предназначенные для того, чтобы мастер рейки, проводящий сеанс, вовремя закончил одну его часть и перешел к следующей. Как следствие, такой музыки стало слишком много и зачастую звучать она стала слишком одинаково, быстро перейдя для более взыскательной аудитории в разряд «прикладной». Это применимо к творчеству многих, но всегда находятся мастера, способные очаровать и заворожить слушателя, даже находясь в строгих жанровых рамках. Альбом Reiki River стал вторым в дискографии английского композитора Ниалла. Первый его релиз был посвящен традиционной музыке индейцев, и этот интерес проявлен и здесь – Ниалл использует деревянную флейту с севера американского континента, звучание которой хорошо известно ценителям этнической и инструментальной музыки. С ее помощью автор создает короткие (по пять минут каждая) композиции, построенные вокруг утонченных, красивых мелодий, в которых пение флейты дополняет акустическая гитара, клавишные инструменты, электронные эффекты и сэмплы женского вокала. При этом в звучании духового инструмента слышны и тонкие оттенки более характерного для рейки-процедур восточного колорита. Каждая из двенадцати композиций – это маленькое чудо, постепенно развивающееся из нескольких нот в тонкое, гармоничное полотно, основой которого выступает атмосферный амбиентный фон, по которому музыкант «рисует» свои музыкальные картины, вдохновляясь звуками природы (с помощью которых слушатель способен в своем воображении перенестись на берег тихо журчащей реки) и тонким звоном колокольчиков, которые нежно раскачивает ветер. Музыка Ниалла не просто расслабляет или настраивает на сеанс, она дарит радость от встречи с чем-то невыразимо прекрасным и простым, будь то лучик солнечного света, отраженный в воде, или веселое пение птиц. Соответственно, слушать Reiki River можно и нужно не только в практических целях, но и «для души». Истинный шедевр жанра.

Tibet – Spiritual Journey’s of the World Из путешествий люди привозят сувениры – экзотические предметы или безделушки, отражающие историю и культуру посещенной страны, способные по прошествии времени напомнить бликом магнитика на двери холодильника о приятном и познавательном странствии. Английский музыкант Ниалл наверняка тоже привез для друзей сувениры, когда вернулся из Тибета, но, что гораздо более важно для нас, простых слушателей, глубоко в душе он сохранил свои и только свои, тем и бесценные, впечатления от этого загадочного места, которые и раскрыл перед нами благодаря музыке. Есть жанровые клише, к которым прибегают композиторы, сочиняя произведения «по мотивам» тибетской культуры. Это должна быть загадочная музыка, далекая от праздных тем, замешанная, как правило, на атмосфере храмовых церемоний, горловом пении и звучании легко узнаваемого уже каждым поклонником нью-эйджа набора инструментов, от китайских гуслей до местных горнов и флейт. Ниалл же пошел немного другим путем. Шесть его композиций – это шесть зарисовок простой жизни высокогорной страны, в которой есть место не только величию гор, чистоте воздуха и загадочной силе, притягивающей к себе искателей тайн мироздания. Конечно, выполненный в духе Китаро масштабный трек Welcome to Tibet расскажет об этом, выступив в качестве проникновенного, возвышенного саундтрека, в котором мощь симфонического оркестра подпитывает энергетику хора, яркие мелодии, сыгранные на стыке восточных гармоний и европейской традиции, разносятся по склонам гор дуновениями пронизывающего ветра. Мощно и ярко, перед глазами так и встают столь привычные, но, увы, доступные только в воображении пейзажи. Однако прогулки с Ниаллом по Тибету – это еще и экскурсии в далекие от туристических маршрутов буддийские храмы, темные углы которых заполнены клубами благовоний, это и встреча нового дня в гуще зеленых садов, звенящих от птичьего крика, это и медитации на берегу звонкого ручья, бегущего с гор. Ритмичный звон перкуссии, собранной из множества колокольчиков, неторопливые переборы струн, раскиданные эхом голоса флейт, в этой музыке есть моменты силы и минуты раздумий, восторг и грусть, в том числе и меланхоличное обращение к теме оккупации Тибета, раскрытой в Bell of Hope, вслед за которой, однако, на залитой солнцем площади сотни людей радостно споют свою песню мира под искрящийся аккомпанемент древних ритмов и современных мелодий. Финал альбома закономерен – массовая медитация Om Mani Padme Hum, своего рода гимн вечности и иллюзорности всего сущего, эхо которого еще долго будет доноситься до нас сквозь расстояние. Tibet Ниалла – отличный повод мысленно вернуться в эту страну даже для тех, кто считает, что эта тема вычерпана многими музыкантами и не может породить ничего нового и интересного. Еще как может. Яркий, динамичный, трогательный, созерцательный альбом, дарящий самые светлые чувства и заряжающий энергией.

Native American Nights Благодаря красивейшей обложке диск Ниалла Native American Nights привлекает внимание безо всякой рекламы и ознакомительных сэмплов и сопроводительных текстов. Конечно, тем людям, которые знакомы с творчеством английского музыканта, быстро превратившегося в одну из ярких звезд new age музыки, ничего этого и не нужно, они и так знают, что их ждет прекрасная музыка, но, согласитесь, красивую вещь всегда приятно взять в руки, и это ощущение благотворно влияет на восприятие материала. Рассыпанные по небу щедрой рукой волшебницы звезды освещают одинокий костер посреди прерии. Трещат сгорающие ветки, на склоне холма воют волки, стрекочут цикады. Одинокий странник начинает тихо играть на деревянной флейте, мягкие волны мелодии убаюкивают, уносят в мир грез, и скоро сквозь марево теплого воздуха, подымающегося от костра, начинают проступать очертания духов предков, откликнувшихся на этот древний зов. Фигуры индейцев образуют вокруг огня круг, начинают петь свои древние песни-заклинания, следуя в своем движении за гипнотическим ритмом обтянутого кожей буйвола бубна. Затем старый шаман выходит вперед и начинает рассказывать забытые истории, а все садятся возле него, внимательно улавливая каждое слово. Об этом, как мне кажется, повествует Blackfoot Fire, и об этом подхватывает рассказ Night Hawk Wing, когда парящие орлы рассекают крыльями ночное небо, скользя под потоками проливного дождя и слушая раскаты грома. «Заклинатели дождя», характерная индейская перкуссия и различные трещотки, легкий гипнотический ритм, акустическая гитара, деревянные флейты американских индейцев и ниспадающая пелена электронных эффектов – Ниалл при помощи всего этого рисует яркие пейзажи и узнаваемые образы, с кинематографической точностью проецируя их перед внутренним взором слушателя. Не забывает он в очередной раз доказать свой талант в создании красивых и эмоциональных мелодий, как те, что соткали в Keepers of the Night немного грустное и пронзительно-трогательное звуковое полотно. Bright Star, обитель Богов и место, куда уходят души, окончившие свой земной путь, призывает своих детей ярким светом, и гости, посетившие ночную стоянку своих детей этой ночью, медленно уходят в небо, оставляя за собой эхо своих голосов, песен, шагов. Очень красивый, тихий и лиричный альбом, в котором энергетика традиционной индейской музыки прекрасно сочетаются с современными музыкальными традициями.

Power Animals Индейцы верят, что у каждого человека есть покровитель среди животных, обретение которого позволяет установить гармонию с окружающим миром, открыть свою истинную сущность, обрести новые знания. В городских условиях нам сделать нечто подобное крайне затруднительно, приходится выбирать между голубями, собаками, кошками и гораздо менее симпатичными грызунами, брать которых в свои духовные покровители захочет далеко не каждый. Тем не менее, эти древние знания, двигавшие жизнью и духовным ростом сотен поколений коренных американцев, все еще живут и находят своих приверженцев. Одним из них стал Ниалл, о котором уже не раз упоминалось на этих страницах, но, видит бог, я бы хотел писать о его музыке постоянно, настолько она хороша. Возвращаясь в мир своих первых альбомов, посвященных индейской мифологии, традициям и образу жизни, Ниалл создает блистательную работу на стыке world music/new age, которую можно поставить в один ряд с «тематическими работами» таких мастеров, как Мэдвин Гудалл и Оливер Шанти. Непростая задача – сочинить музыку, отображающую силу животных, которых можно найти на необъятных просторах американского севера, была реализована на отлично. И пусть многие вокальные и инструментальные сэмплы, которые Ниалл использовал в процессе, изрядно затерты (объясняется это копанием в библиотеках Spectrasonics, к которым не раз обращались классики жанра), общей картины это не портит. Флейты, горн, акустическая гитара, синтезатор и кожаные бубны вместе с многочисленной этнической перкуссией (множеством бубенчиков и других предметов, подвешенных на веревке, которую постоянно трясут) помогают артисту каждый раз извлекать новые мелодии и ритмы, слушая которые, мы представляем себе особенности, присущие тем или иным животным. Лошадь – это скорость, ветер, ощущение свободы, легкость, и музыка тоже летит вперед, размашистая, возвышенная и образная, как саундтрек к дорогому фильму. Волк – это склоны ночных холмов, далекий вой, медитации на луну и необузданная сила, быстрый бросок вперед и победа. Орел – это непередаваемое чувство легкости, парения в голубом небе, музыка легка и атмосферна, а нежные мелодии флейты подобны потокам воздуха, по которым скользит гордая птица. Медведь – это сила охотника, ритмичный, трансовый ритуал у костра, призыв к владыке леса дать людям пройти по древним тропам и добыть еды. Самая экспрессивная вещь на альбоме, после которой мы словно окунемся в залитые солнцем глубины горных ручьев, легкая и журчащая музыка скользит, словно отблески солнца на поверхности воды и чешуе лосося. Слушая Power Animals, постарайтесь понять, какая композиция вам ближе всего, это поможет установить связь, духовную и неразрывную, с тем животным, которое станет вашим персональным тотемом. Или просто слушайте музыку – она определенно заслуживает звания «шедевра», за последние годы индейская традиция взрастила не так много произведений, которые звучали бы лучше и вызывали бы больше эмоций, чем этот альбом.

Calling My Angels Вообще-то английский композитор Ниалл прославился музыкой, берущей начало в мире американских индейцев, их легенд, тотемов, духов предков и целительных практик, но это неожиданное обращение к небесным сферам, предпринятое при помощи Ллевеллина и певицы Джулианы (чей ангельский вокал давно уже стал каноническим), подняло творчество молодого мастера на новый уровень. Причем слово «подняло» в отношении Calling My Angels можно использовать как в переносном смысле, так и в буквальном. Эта музыка помогает буквально воспарить ввысь, в ней нет ни одной грубой или разрушающей восторженное очарование ноты, способной напомнить о мире «грубых» физических форм, который нам предстоит покинуть примерно на пятьдесят минут. Стандарты «небесной», «ангельской» музыки были заложены достаточно давно – если говорить не только применительно к new age, то истоки этих духоподъемных произведений следует искать еще в хоральных прелюдиях и гимнах И.С. Баха. Ниалл знает и помнит об этом, вот откуда в From Heaven to Earth появляются электронные вариации звучания величественного органа, а ангелы поют восторженную песнь, летая в лучах божественного света, который легко можно увидеть и почувствовать. Умеет Ниалл и затронуть тайные струны души, добавляя чуть больше эмоциональности в My Angels Guard My Day, заставляющей сердце замирать в ожидании катарсиса. Любимые духовые инструменты композитора, труба и флейта, не занимают здесь лидирующих мест, спетые ими мелодии растворяются в очень медленном, невесомом потоке звуков. Большое внимание уделяется пению небесных созданий (хвалящих Бога и, одновременно, наблюдающих за своими подопечными, блуждающими в потемках незнания по Земле), а также привлекаются грегорианские хоралы – одним словом, делается все, чтобы итог был как можно более гармоничным и обходился без тени фальши. Получился настоящий шедевр, маяк, направляющий мысли в нужном направлении и привлекающий своей неземной благостью ангелов, присутствие которых во время прослушивания ощущаешь как никогда близко. Можете использовать этот альбом как музыкальное сопровождение для медитации, сеанса визуализации, а можете предложить его послушать перед сном своему ребенку в качестве колыбельной. Пусть ангелы-хранители покажут ему безмятежные, добрые и яркие сны.

Angelic Reiki [with Juliana] Один из видных мастеров английского нью-эйджа на своем очередном альбоме удачно объединил несколько тем, которые доминируют в издательской политике лейбла Paradise Music – это рейки и ангелы. Здесь соблюдены важные параметры, определяющие принадлежность музыки к практическим занятиям по древней системе лечения – колокольчиков не слышно, но продолжительность треков примерно одинакова и примерно равно пяти минутам, что позволяет использовать их во время проведения сеансов. Но на самом деле это не сугубо прикладная музыка, а та музыка, которую просто хочется слушать и которой хочется наслаждаться. Происходит это не без помощи Джулианы, супруги известного композитора Ллевеллина и признанной «ангельской» вокалистки, чьи по-женски нежные и возвышенные вокализы обладают удивительной энергетикой, связывающей слушателя с созданиями высших сфер. Композиции Angelic Reiki звучат одновременно мягко, расслабленно и очень величественно, порой от исходящей от них волн энергии непросто усидеть на месте, пребывать в пассивном «ничегонеделании» в то время, как душа, растревоженная (в хорошем смысле) яркими мелодиями и нежными полутонами, буквально рвется наружу, навстречу яркому свету. Ниалла привычно воспринимать в роли виртуозного флейтиста, но здесь он чуть меньше времени уделяет своему любимому инструменту (звучащему в нужные моменты все также божественно прекрасно) и демонстрирует свои «мультиинструментальные» таланты, извлекая концентрированную нежность и нерушимое спокойствие из клавишных, добавляя чуть больше эмоций с помощью струнных, успокаивая теплыми переливами гитарных струн. Тут же, на освещенном вечным светом полупрозрачном амбиентом фоне разворачиваются одиночные вокализы и целые хоралы, в то время, как Ниалл, следуя канонам хорошего саундтрека, аккуратно распределяет заряды духоподъемной оркестровой мощи, не оставляющие равнодушными никого из слушателей, которые привычно услышат здесь яркие отсылки к традиционным кельтским мотивам, может быть, вспомнят какие-то из ранних работ мастера (в частности, этот альбом можно принять за продолжение Calling My Angels, судя по всему, ангелы откликнулись на его зов), но самое главное – получат настоящее наслаждение от чудесной, воодушевляющей музыки. Неважно, будете ли вы присутствовать на сеансе рейки или же просто делить самый лучший момент вашей жизни вместе с самым близким человеком.

Total Serenity В полном соответствии с названием, на альбоме английского мультиинструменталиста Ниалла Total Serenity есть все, чтобы это абсолютное спокойствие обеспечить. Прославившись серией замечательных релизов для лейбла Paradise Music, в сольное издательское плавание Ниалл отправляется все с тем же внушительным багажом: на диске, условно разделенном на три «зоны для медитации» (короткой, средней и продолжительной по времени, в зависимости от вашего опыта и настроя) звучат красивые и располагающие к полному расслаблению партии флейты, следуя почти что в кругосветном путешествии за чередой привычных «нью эйджевых» образов и символов. Мы услышим, как под шум проливного ливня, в ночи возносят свои молитвы индейские шаманы, как в тишине цветущих буддийских садов монахи поют мантры, энергия которых, долетая до небес, пробуждает ангелов и прочих высших сущностей, чьи голоса летят на Землю в ответном послании мира. В кафедральной, величественной тишине бескрайних тропических лесов, звенящих от бесконечного крика птиц и лесных обитателей, открываются тропы в иные миры, в просторы галактик, спирали которых раскручиваются в извечном вращении силой вашего воображения. Ветер качает колокольчики, звон гонгов наполняет пространство очистительными вибрациями, гитара и скрипка душевно о чем-то говорят между собой, а характерные для Ниалла глобальные, «саундтрековые» аранжировки придают созданному им миру звуков величие и силу. Мелодии сливаются в реки, и они, насыщаясь горными ручьями Непала, узкими ручейками бесконечных прерий, бурными водами Азии, несут жизнь, тепло и свет, наполняя собой безграничный океан ваших душ. Ниалл – один из мастеров музыки для медитации и релаксации, он мастер, точно знающий, какие элементы нужно сплавить воедино, чтобы получить настоящий шедевр, такой, как Total Serenity.

Дискография

2007 Spirit of the Shaman

2008 Calling My Angels

2008 Reiki River

2008 Ultimate Natural Sounds – Birdsong by the Stream

2008 Ultimate Natural Sounds – Calming Seas

2008 Ultimate Natural Sounds – Gentle River

2008 Ultimate Natural Sounds – Inspiring Thunderstorm

2008 Ultimate Natural Sounds – Soothing Windchimes

2008 Ultimate Natural Sounds – Tibetan Healing Sounds

2008 Ultimate Natural Sounds – Tranquil Birdsong

2009 Power Animals [with Llewellyn]

2010 Native American Nights

2011 Tibet – Spiritual Journey’s of the World [with Juliana]

2012 Angelic Reiki [with Juliana]

2013 Angel Healing [with Llewellyn]

2013 Musica Para Reiki [with Llewellyn]

2013 Native American Flute

2013 Reiki Healing Music

2013 Reiki Music [with Llewellyn]

2014 Espíritu Del Chaman – Musica Americana Nativa – Musica Continua Sin Interrupcion

Ссылки

https://www.niallmusic.com/ – Официальный сайт

Биография

Jia Peng Fang родился в 1958 году в городе Джамс, в провинции Хелонг Джиланг в Китае и получил свой первый erhu в возрасте восьми лет в 1965 году, как раз, когда началась Культурная Революция. Джамс – город приблизительно в тридцати часах езды поездом из Пекина, расположенный близко к российской границе, не был исключением из числа других городов, попавших под разрушительные действия, вызванные Культурной Революцией. И факт то, что Jia случайно наткнулся на erhu, в результате его вербовки в Маоистскую Пропагандистскую Корпорацию.

В шестнадцать лет его брат помог ему поехать в Пекин, чтобы учиться у музыкантов профессионалов erhu. Тогда в Китае, людям не разрешали просто менять свой статус, и для кого-то в деревне не было возможным переехать жить в город. От 16 до 18 лет Jia не мог регулярно получать своей порции пищи, но посвящал себя практике на erhu изо дня в день. Он был настроен стать профессионалом по игре на erhu.

Однажды ему повезло – его пригласили аккомпанировать учителю, у которого он учился. Однако в день экзамена при поступлении в Морской эстрадный оркестр, случилось страшное землетрясение Karasan и экзамен был отменен, разрушив надежду Jia на дальнейшее будущее. Приблизительно полгода спустя, по предписанию руководства Культурной Революции, он был возвращен в свой город Джамс, чтобы трудиться на сельскохозяйственных угодьях.

После того, как Культурная Революция прошла, и страна успокоилась, к нему пришло письмо. Это было предложение от прежнего учителя, предлагающего ему поступить в академию музыки. После возвращения в Пекин он был выбран из числа более чем пятисот претендентов, чтобы сдавать экзамены в Центральную Академию музыки. Ревизор при экспертизе, владелец концерта китайского Центрального Оркестра Народной музыки, настоятельно попросил руководство дать возможность Jia для выступление в их оркестре. Он устроил регистрацию Jia в городе и удостоверился, что ему заплатят за его расходы на проживание. Вот так внезапно Jia начал жизнь настоящего профессионального музыканта на erhu.

Jia занялся восстановлением традиционных искусств, которые отрицались Культурной Революцией, поскольку он продолжал свои поучительные выступления, как солист erhu и затем как концертмейстер оркестра. Тогда в 1988 году, чтобы искать новые возможности для его музыки, он уехал в Японию с одним чемоданом в одной руке и его erhu в другом.

Он провел много времени за обучением, пока не познакомился с музыкантом Katsuhisa Hattori. Hattori влюбился в талант Jia и тоны erhu и пригласил его принять участие в записи своего альбома и выступать на концертах, таким образом расширяя мир музыкальных выступлений Jia. Peng Fang поступил в Master of Arts Degree Program in Music в Токийском Университете Искусств.

В 1997 году его блестящая совместная работа с оркестром в Зале Carnegie в Нью-Йорке укрепила его положение в мире музыки. Также в июне 1998 году он выпустил свой дебютный альбом Rivera на лейбле Pacific Moon, который смешивал Западную музыку с китайским народным инструментом. Высокое качество работы дало ему огромное признание в Японии и за границей, а так же стало его первым коммерческим успехом.

В 1999 году концепция была развита с другом альбоме Rainbow, опять под маркой Pacific Moon. Этот диск оказался еще более успешным, чем первый альбом, и в Японии и за границей. Третий альбом от Pacific Moon, Faraway…, был выпущен в январе 2001 году.

Теперь Jia учит играть на erhu более сотни студентов. Продолжает работать в жанрах джаза, классики, делает саундтреки для кино, выступает на живых концертах, записывает новые альбомы, показывая бесконечные потенциалы своей музыки.

Что такое эрху?

Эрху (erhu, кит. «эр» – два, «ху» – смычковый) – китайский смычковый двухструнный музыкальный инструмент. Состоит из деревянного шестигранного резонатора с декой (мембраной из змеиной кожи). Струны, высоко поднятые над длинной шейкой, соединены с ней металлической скобкой с одной стороны, а с другой стороны опираются на подставку, закрепленную на деке. При игре эрху держат вертикально, поставив на колено. Пальцами левой руки нажимают на струны (не прижимая их к шейке) и продавливают их, добиваясь поперечного вибрато. Волос смычка во время игры натягивают пальцами правой руки, а сам смычок продевают между двумя струнами. Тембр напоминает фальцетное пение.

Тетиву смычка во время игры музыкант натягивает пальцами правой руки, а сам смычок закреплен между двумя струнами, составляя с эрху единое целое. При игре пальцами левой руки используется поперечное вибрато, когда струна как будто бы продавливается вниз – чему способствует сама конструкция круглого грифа, над которым укреплены струны. Навечно связанный со струнами смычок довольно трудно «канифолить», но китайские музыканты нашли выход – на верхнюю часть деревянного цилиндрического резонатора капают расплавленную канифоль, о которую (когда она застынет) «канифолят» смычок.

Дискография

1998 River

1999 Rainbow

2001 Faraway

2003 Roman

2004 Lovers

2006 Holiday

2006 Moonlight

2006 Sho

2007 Erhu – Best

2007 Memories

2007 Nocturne

2009 Friends

2010 Tomorrow

2011 Seasons

2014 Glitter

Ссылки

https://myspace.com/jiapengfang – Профиль артиста

https://worldmusiccentral.org/2018/04/12/artist-profiles-jia-peng-fang/ – Еще один профиль артиста

Биография

Единственная группа на планете, добившаяся успеха в комбинировании различных жанров рок-музыки с динамичной мощью и красотой классической музыки. Они абсолютные мастера своего дела. Их достижения на протяжении более чем тридцати лет творческой деятельности делают их уникальными, их творчество стоит особняком в мире прогрессивной музыки. По звучанию это не просто симфоник-прог в общепринятом понимании термина, а подлинно оркестровый рок, оригинальный и самобытный, обязанный своим рождением выдающейся личности – Роберту Джону Годфри, виртуозному органисту и одному из лучших композиторов Великобритании.

The Enid: Мелодии летних звезд

Прежде, чем начать рассказ об одной из самых уникальных команд на мировой арт-роковой сцене, следует остановиться вот на каком моменте. Ведущие музыкальные издания и сайты формально причисляют группу к разряду «симфонический прогрессив». Вроде бы, верно. Но в той же категории фигурируют Yes, Genesis, Gentle Giant, Camel и многие другие титаны, чьи имена на слуху у каждого уважающего себя меломана. Ни в коей мере не умаляя заслуг общепризнанных монстров 70-х (да и 90-х тоже), я все-таки позволю себе заметить, что композиционно-исполнительский уровень The Enid подразумевает их обособленность от сонма остальных коллективов. По звучанию это не просто симфоник-прог в общепринятом понимании термина, а подлинно оркестровый рок, оригинальный и самобытный, обязанный своим рождением выдающейся личности – Роберту Джону Годфри, виртуозному органисту и одному из лучших композиторов Великобритании.

Прелюдия

Роберт Джон Годфри явился миру 30 июля 1947 года. Взросление доблестного уроженца графства Кент проходило далеко не безоблачно. Бурный темперамент вкупе с несносным характером – причина, по которой в 1959 году Роба определили в общественную школу-интернат для трудных подростков в поместье Финчден (Finchden), расположенном в довольно болотистой местности. В отличие от большинства подобных заведений, здесь царили не жестокость и рукоприкладство, а чуткость, любовь и творчество. Тому немало способствовал заведующий школой Джордж Лиуард (George Lyward), по признанию маэстро, «величайший человек, которого я когда-либо знал».

Именно здесь у юного Годфри обнаружился талант пианиста. Поначалу уроки фортепиано мало привлекали Роберта. Он лихо наяривал на клавишных мелодию национального гимна, однако дальше этого дело не шло. Куда больше вдохновляли юношу мощные тембры органа под сводами местной церкви, посещаемой воспитанниками интерната по воскресным дням.

Все изменилось, когда Роб увидел в действии Джорджа Харвуда, молодого выпускника поместья Финчден, состоявшего в штате его сотрудников и мечтавшего о карьере концертирующего пианиста. Тот блестяще справлялся с самыми виртуозными пьесами Шопена и Листа, повергая сердца слушателей в священный трепет. Другими образцами к подражанию стали частый посетитель школы польский пианист Андре (Анджей) Чайковский и семнадцатилетний интеллектуал Барнаби, лучший из музыкантов интерната. А уж когда Годфри, переключая ТВ-каналы, наткнулся на вдохновенное исполнение 3-го концерта Рахманинова, подсознательная тяга к клавишным дала себя знать. Роберт стал заниматься как одержимый. Пресловутой «ложкой дегтя» по-прежнему оставалось неумение дисциплинировать разум, а потому всякому методическому заучиванию Годфри предпочитал импровизацию.

И еще один примечательный факт из биографии маэстро: огромное впечатление произвела на паренька запись второго фортепианного концерта Брамса в исполнении Святослава Рихтера. «Я по-настоящему влюбился в это. Здесь было все, что мне так нравилось: мощь – драматизм – эмоции – глубина...». С этого момента, по согласованию с руководством школы и окружным начальством, Роберт стал изучать основы теории и техники игры с отдельно приглашенным педагогом – преподавателем Королевского музыкального колледжа, слушателем которого Р. Дж. Годфри сделался в 1963 году.

Во второй половине 60-х Годфри посещает занятия в Королевской академии музыки в Лондоне. Кажется, все идет превосходно. И тут, как гром средь ясного неба, – знаменитое «лето любви». К всеобщим любимцам Beatles прибавились харизматичный виртуоз Джими Хендрикс и яркие экспериментаторы Pink Floyd. Энергия рока оттесняет консерваторию на задний план.

В нарождающейся волне прогрессивной рок-музыки Роберт Годфри освоился быстро и легко. Случай сводит его с ансамблем Barclay James Harvest, и в августе 1969 года он работает в студии Престон Хауз над симфоническими аранжировками произведений группы. Под его руководством трудятся классические музыканты, участники оркестра The New Symphonia, чье название будет увековечено в 1974 году на обложке альбома арт-рокеров Caravan.

В 1971 году, расставшись с BJH, Годфри некоторое время выступает в составе группы Siddhartha. Знакомство с Тони Стрэттон-Смитом, главой лейбла Charisma, оборачивается контрактом на запись сольного альбома. И в 1972 году Роберт вплотную приступает к работе над собственным первенцем.

Fall of Hyperion увидел свет в 1974 году. Навеянный поэзией Китса, этот альбом, по сути, заложил основу стилистики будущих The Enid. К работе над симфонической поэмой Роберт привлек вокалиста Кристофера Льюиса (автор лирики), бас-гитариста Нейла Тейтлоу, гитариста Джима Скотта, перкуссионистов Тристана Фрая (позднее – в Sky) и Ронни МакКри, органиста Найджела Мортона. «Падение Гиперона» своего рода апофеоз классической мысли. Обилие впечатляющих фортепианных пассажей (порою вполне в манере Рахманинова), детальная проработка композиционных планов, масштабные клавишные оркестровки, высокий полет духа, наконец.

Консерваторское образование «идейного центра» пластинки сквозит в каждом мелодическом нюансе. И слушая, как-то забываешь о ритм-секции, электрогитаре, певце Льюисе, чей вокал недурен в верхнем регистре (в среднем же довольно посредственен). Объемная фигура мастермайнда ансамбля затмевает собою всех. Это его бенефис, и Годфри неудержим. Сорок минут демонстрации виртуозного владения чистым фоно с лихвой окупают годы отсутствия подобного самовыражения в рядах The Enid (там оно ни к чему). Рисунок любой из представленных пьес самостоятелен, вариантов для сравнения нет. Поистине величава завершающая The Daemon of the World с ее эпическим размахом, напластованием саунд-эффектов, внезапно врывающимся «голосом» настоящего соборного органа. Долго расточать похвалы не буду, и выскажу мнение: с музыкальной точки зрения альбом безупречен, одна из сверкающих вершин оркестрового прога. Высший пилотаж.

Остается лишь добавить, что «Падение Гиперона» композитор Годфри посвятил памяти Джорджа Обри Лиуарда, основателя школы в Финчдене, скончавшегося в 1973 году.

Эта нежданная смерть поставила точку в истории поместья; официальная версия – недостаток финансирования школы. В качестве прощального подарка для всех воспитанников интерната неутомимый Годфри организовал концертное мероприятие под названием «Поиски Святого Грааля». Активными помощниками Роберта в этом деле выступили два питомца Финчдена – Стивен Стюарт и Фрэнсис Ликериш. За плечами лондонца Стюарта были годы занятий скрипкой и уроки классической гитары. Ликериш также имел опыт в деле обращения с 6- и 12-струнными инструментами, а вдобавок играл на флейте. Вот с этими-то молодыми людьми Р. Дж. Годфри и замыслил сколотить рок-ансамбль. Шел июнь 1973 года.

Under the Summer Stars

Новичков взял под свою опеку добрый друг всех прогрессив-рокеров Туманного Альбиона Тони Стрэттон-Смит. Дебютный альбом, над материалом которого кропотливо трудились Годфри сотоварищи, замышлялся как продукт лейбла Charisma. На репетиционной стадии к трио подключились вокалист Питер Робертс, бас-гитарист (по совместительству трубач и клавишник) Глен Толлет и ударник Дэйв Стори. Работа кипела, но в праздничную декаду нового 1975 года случилась трагедия: певец Робертс свел счеты с жизнью. Оправившись от столь внезапного подвоха судьбы, Годфри принял историческое решение: «Отныне будем функционировать в качестве инструментального коллектива, ибо Питера заменить некем».

Однако на том неприятности не закончились. Когда альбом был фактически завершен, лейбл отказался издавать его, мотивируя сие отсутствием необходимых средств. Что и говорить, ситуация отчаянная. Надо отдать должное Роберту, он не спасовал и тут. После годичной волокиты, улаживания различных юридических и финансовых аспектов In the Region of the Summer Stars выпустила независимая контора BUK Records. Несколько слов о самом релизе.

Записанный в течение зимы-весны 1975 года, дебютный альбом The Enid – безусловный шедевр мирового симфонического прогрессива. От последующих творений команды он отличается прежде всего плотным, местами тяжелым рОковым звуком. Но главное, конечно же, музыка. Инструменталисты постарались на славу, совместив романтическую возвышенность и нежность клавишных этюдов, в которых чувствуются влияния Форе, Малера, Рахманинова и Дебюсси, с оркестровой мощью и замечательными сдвоенными гитарными партиями, придающими особый шарм всей пластинке в целом. Кстати, любопытный момент, изначально In the Region of the Summer Stars, концепция которого зиждилась на символике отдельных карт из колоды Таро, должен был называться Voyage of the Acolyte, но из-за возникших проблем, связанных с переходом под крыло BUK Records, право на заглавие осталось за шефами Charisma. А идею подарили Стиву Хэкетту, в результате именно так нарекшему свое детище.

Изданный на CD в 2001 году альбом содержит перезаписанную в 1984 году (в связи с недоступностью руководителю ансамбля Р. Дж. Годфри оригинальных мастер-лент) оцифрованную версию пластинки. В качестве бонусов прилагаются два трека, исполненные в 1976 году: The Judgement (переработанный вариант композиции The Last Day, основанной на мотиве реквиема Dies Irae из латинской мессы; эту мелодию также можно услышать на альбоме Nexus небезызвестных арт-рокеров Argent) и удивительно светлая In the Region of the Summer Stars, пленяющая своим сказочным колоритом.

В 1977 году BUK Records реализовала еще две версии альбома, различающиеся оформлением, а в качестве сингла-приманки руководство лейбла выбрало The Lovers / In the Region of Summer Stars. Запись получила распространение в среде лондонского рок-андеграунда (особенно успешно пластинка покупалась завсегдатаями знаменитого клуба Marquee). И когда дело дошло до живых представлений, The Enid с блеском продемонстрировали, на что способен их рок-оркестр без всякого намека на студийные ухищрения. Не иначе как триумфальным можно назвать выступления команды на традиционном Reading Festival, где музыканты шесть раз (!) вызывались на бис. Правда, Роберту и Ко поначалу изрядно досаждали проблемы с менеджментом, но в конце концов эти «издержки производства» удалось разрешить.

К моменту записи второго альбома в стане The Enid обозначилась легкая ротация кадров. Покинувший группу мультиинструменталист Толлет был заменен Чарли Элстоном. Впрочем, ненадолго. Бедняга Элстон, хоть тресни, не мог запомнить возложенных на него дополнительных клавишных партий, а потому вскоре вакантное место занял Уильям Гилмор (впоследствии – клавишник и ведущий композитор симфо-проговой формации Craft, записавшей единственную пластинку в 1984 году). Бас-гитаристом команды после небольшой перетасовки стал Терри Пэк.

Осенью 1977 года не поддавшиеся панк-атаке меломаны всея Англии пополнили коллекции винила воистину чудесным альбомом, каковым явился Aerie Faerie Nonsense. Как и предшественник, этот симфонический рок-шедевр также основывался на единой концепции – средневековой истории о похождениях бравого рыцаря Роланда. Жемчужиной диска можно считать состоящий из 4-х частей эпик Fand, отныне сделавшийся своеобразной «визиткой» группы. Идею этой внушительной композиции Р. Дж. Годфри почерпнул из симфонической поэмы The Garden of Fand (1916 года) сэра Арнольда Бакса (1883-1953 гг.).

Возросшее мастерство наиболее молодых участников ансамбля позволило выкристаллизоваться специфическому саунду The Enid, на долгие годы вперед определившему лицо коллектива. Его отличительные черты – изобретательные, правдоподобно звучащие оркестровые партии, которые Роберт выстраивал с помощью различных клавишных синтезаторов типа Korg Oberheim, ARP Odyssey и др., а также парящие гитары Стивена и Фрэнсиса, тонко гармонизирующие полифоническое великолепие, создаваемое лидером The Enid. Замечу, что в дуэте Стюарт-Ликериш первый со временем занял ведущую роль (хотя техника игры, основанная на оригинальной «артистической» манере звукоизвлечения, у обоих родственна). Впрочем, не будем умалять заслуг его коллеги и друга, поскольку все наиболее значительные композиции альбома были сочинены равноправным авторским трио (Г.-С.-Л.), а к прологу эпической Fand Ликериш даже написал небольшой стихотворный этюд.

Так или иначе, изысканное неоклассическое пиршество, ожидающее слушателя при знакомстве с Aerie Faerie Nonsense, обязано своим появлением всем членам группы. Попутно стоит обозначить один маленький нюанс: на компакт-диске, изданном в 2002 году лейблом Inner Sanctum, вместо оригинальной версии поэмы представлены две более поздние – 30-минутная образца 85-го, перезаписанная тандемом Годфри-Стюарт, и 25-минутная, исполненная в 1999 году Робертом при помощи новых участников The Enid – гитариста Гранта Джеймисона, ударника Криса Норта и бас-гитариста Макса Рида. Объясняется камуфлет все теми же проблемами с менеджментом и невозможностью заполучить мастер-ленту с искомой записью.

Благодаря стабильному успеху Aerie Faerie Nonsense дела у группы налаживаются. По результатам опроса читателей музыкального издания Sounds, ансамбль Роберта Дж. Годфри признается наиболее новаторским и многообещающим. И весьма забавным (если не парадоксальным) с высот дня сегодняшнего мнится факт появления у The Enid поклонников в панк-сообществе. Что ж, и на старуху бывает проруха.

Ближе к зиме 1978 года коллектив во главе с менеджером Терри Кингом перебрался в стены звукозаписывающей компании PYE Records. Под эгидой данного лейбла в 1979 году было издано третье творение The Enid с несерьезным названием Touch Me. К конгломерату Годфри-Стюарт-Ликериш-Гилмор-Пэк-Стори добавился гостевой участник – духовик Тони Фрир, отвечающий за гобой и английский рожок. Таким образом, и без того насыщенная до предела звуковая палитра ансамбля засверкала новыми бликами. Несмотря на предоставленное музыкантам роскошное записывающее оборудование, работа над альбомом складывалась непросто, поскольку боссы PYE Records требовали от Роберта программы, сопоставимой по уровню с Aerie Faerie Nonsense, а то и превосходящей ее.

До шедевра Touch Me все же не дотянул. Твердые пять баллов без плюса. Пластинка демонстрирует определенную зрелость и возросшие композиторские амбиции основных инструменталистов. К сочинению музыки вплотную подключился Уилл Гилмор, соавтор (наряду с Годфри и Ликеришем) открывающей альбом бодрой Humoresque, не менее резвой Gallavant с ее бесподобными симфоническими наслоениями и феерическими пассажами в духе классиков венской школы, а также заключительной части полупсиходелического (новинка!) опуса Albion Fair, где Годфри сталкивает лбами пространную образность космоса с оркестровой конкретикой и прогрессивными рок-элементами. Релиз определенно получился, однако воздушной легкости предыдущего magnum opus на сей раз не наблюдалось.

В течение весны 1979 года группа ведет активную концертную деятельность. Живые выступления The Enid неизменно собирают многотысячные аудитории. В марте команда дает несколько представлений в прославленном лондонском зале Hammersmith Odeon, а телевидение BBC транслирует совершаемое там псевдо-оркестровое безобразие. Лавину симфонических звуков Годфри воссоздает на сцене при помощи Тони Фрира, Мартина Уоллиса, а также Мэттью Мэннинга, прошедшего выучку у филиппинских лекарей-хилеров (позднее Роберт поможет записать ему несколько альбомов с музыкой для релаксации), и некоего Дина, чья фамилия затерялась в анналах истории.

В августе-сентябре того же года Enidовцы заперлись в студии и приступили к сотворению очередного нетленного альбома. Но перед этим мастермайнду ансамбля пришлось срочно искать замену невесть куда сгинувшему бас-гитаристу Пэку. На освободившееся место ввели Мартина Рассела, помимо прочего обладающего клавишными талантами. С ударными также случилась заминка, и здесь на помощь пришел Робби Добсон.

Six Pieces (1980) явился предпоследним релизом The Enid, выпущенным под маркой лейбла PYE Records (последним стал сборник Rhapsody in Rock, изданный в 1980 году, когда в отношениях директоров PYE и членов группы была поставлена точка). Впервые к процессу сотворения композиций подключились все музыканты состава. Отсюда некоторая эклектичность материала. Наработки прошлых лет и достигнутая некогда инструментальная спаянность были принесены в жертву, а вот чему, не очень-то ясно.

В центре открывающей диск Punch & Judy Man, сочиненной Гилмором и Годфри, идея единства противоположностей. На звуковом уровне это выражалось в контрастном соотношении напористых агрессивно-скоростных пассажей Уильяма и нежнейших этюдов Роберта. Своеобразная дуэль органистов при поддержке команды инструменталистов-болельщиков заканчивалась полнейшим перемирием. Номер Once She Was, принадлежащий перу дуэта Рассел-Годфри, в основе своей имел традиционную мелодию Scarborough Fayre. Воздушная оркестровая композиция, в которой явственно различим английский средневековый привкус, под занавес обретала тяжеловесность, покрывалась броней доспехов, до конца, впрочем, не маскирующих почти детские любопытство и задор. Бравурная и несколько суматошная The Ring Master с кучей ритмических сбивок и разнокалиберных мотивационных ходов – результат коллективного труда Рассела-Годфри-Гилмора-Добсона. Окрашенная в возвышенные тона Sanctus, написанная клавишным трио, послужила своеобразным трамплином для Гилмора и Рассела, от которого они оттолкнутся позднее в рамках собственного проекта Craft.

Что касается композиторских талантов ветеранов-основателей Стюарта и Ликериша, то первый сумел раскрыться на Hall of the Mirrors, где в качестве рассказчика выступает острое жало гитары, обрамленное оркестровыми кружевами, а Фрэнсис проявил себя на треке The Dreamer, доведенном до ума Робертом Годфри и Робби Добсоном. Здесь хаотичное, психоделического свойства intro перетекает в размеренный романтизм: фортепиано, синтезаторы, выпуклый бас и, конечно же, плавные гитарные партии. Несмотря на привлекательность отдельных вещей, особая магия, свойственная концептуальным шедеврам The Enid второй половины 70-х, улетучилась в неизвестном направлении.

За выпуском альбома последовало затяжное турне, по завершении коего Фрэнсис Ликериш и Уильям Гилмор (оба – по семейным обстоятельствам) покинули группу. Неумолимый рок-кризис 80-х перешел в открытое наступление. И сложно было устоять пред его агрессивным натиском.

Elephants Never Die

Новое десятилетие пагубно отразилось на судьбе The Enid: братство единомышленников распалось на части и фактически перестало существовать. В 1981 году Годфри и Стюарт удалились из Лондона в сельскую местность, а точнее на ферму Claret Hall в Суффолке, и спустя некоторое время организовали здесь звукозаписывающую студию The Lodge. Друзья-совладельцы полностью отдались своему новому детищу: в качестве звукоинженеров и сессионных музыкантов они приступили к работе с клиентами, в числе которых фигурировали певицы Ким Уайлд и Мэри Уилсон.

В 1982 году Томми Вэнс, ведущий Friday Rock Show (Radio 1), запустил в эфир 19-минутную версию симфонической поэмы Fand, записанную тремя годами ранее на выступлении группы в Hammersmith Odeon, сопроводив таким комментарием: «На мой взгляд, Роберт Джон Годфри один из величайших композиторов нашей страны за всю ее историю…». Подавляющее большинство радиослушателей поддержало мнение ди-джея.

Не возьмусь утверждать, что именно это событие явилось толчком к реформации, однако факт остается фактом: в 1983 году Годфри с верным напарником Стюартом возрождают The Enid. На каком-то этапе к репетициям присоединился клавишник/бас-гитарист Мартин Рассел, внесший лепту в сочинение композиции Jessica. Но вскоре он покинул коллектив окончательно, двинув стопы в сторону основанного Уиллом Гилмором прог-ансамбля Craft. Посему свой первый «независимый» альбом группа записывала в составе трио: Р. Дж. Годфри – клавишные, вокал, Стивен Стюарт – гитара, бас, вокал, Крис Норт – ударные, перкуссия.

Something Wicked This Way Comes (1983) открыл новую веху в биографии The Enid. Полноформатные симфонии, рассчитанные на интеллектуального слушателя, уступили место песенным номерам. Хотя, справедливости ради, отмечу, что оркестровый принцип сотворения мелодий никуда не исчез. Годфри и Стюарт вышли на тропу эксперимента, скрещивая различные музыкальные стили и жанры в причудливых вариациях. Сквозной концепцией пластинки стали размышления на тему незащищенности человечества пред лицом ядерной угрозы. Начало альбома – вычурная симфоническая психоделия Raindown с разномастными звуковыми эффектами и непривычным вокалом Роберта, подкрашенным вокализом Стивена. В красивейшем инструментальном опусе Jessica легкая фолковая мелодика плавно трансформируется в изысканный неоклассический рисунок, отсылающий к временам In the Region of the Summer Stars. And Then There Were None воспринимается как песенка из гипотетического мюзикла, очаровывая шикарным распределением голосовых партий, исполненных с необходимой толикой драматизма.

В сдержанно-меланхоличной Evensong Годфри мастерски синтезирует соло на «трубе» в дуэте с гитарой Стюарта и оркестровым сопровождением. Этот, несомненно, один из лучших инструментальных этюдов за всю историю группы, получает логическое продолжение в не менее классном номере Bright Star, где симфонические ингредиенты соседствуют с элементами спейс-рока. Song for Europe заключает в себе маршевые структуры с тяжеленными риффами, гудящими фанфарами и сметающими все живое ударными. Финальная 10-минутная Something Wicked… открывается мягким джазовым фоно и блюзовой гитарой, а далее следуют вокальные экзерсисы обоих сочинителей, хард, симфо, романтический балладный антураж и неуловимо знакомое нечто, так часто присущее рок-операм. Достойное завершение альбома, вполне способного претендовать на звание музыкального шедевра 80-х (CD-издание 2002 года украшено гордым подзаголовком 20th century masterworks).

Яркая саунд-палитра и превосходная мелодика Something Wicked… сделали пластинку крупнейшим коммерческим достижением ансамбля. В течение года The Enid дают 156 представлений по всей Великобритании, у группы появляется фан-клуб. Поймав наконец-таки фортуну за хвост, компаньоны издают двойной концертный Live at Hammersmith, включающий треки с выступлений The Enid образца 1979 года.

В 1984 году на собственном лейбле The Stand Годфри и Стюарт выпускают перезаписанный вариант дебютного In the Region of the Summer Stars. А поздней осенью на прилавках музыкальных магазинов появляется шестой по счету студийный альбом команды под названием The Spell. На очередном программном релизе маэстро воплотил свое видение смены сезонов. «Времена года» Р. Дж. Годфри озвучил при помощи Стивена Стюарта, бас-гитариста Глина Эванса и старого знакомого – ударника Дэйва Стори.

Winter – тревожное оркестровое интро получает неожиданно мощное развитие. Чародей клавиатуры Роберт погружает слушателя в океан настроений, образов и соцветий: журчание арфы, размашистая симфоническая поступь, наслоения псевдо-струнных. При этом хитрюга Годфри умудряется оставаться приверженцем пронзительного лиризма, смело прокладывающего дорогу сквозь самые мрачные уголки звукового пейзажа. Spring – к действиям органиста подключаются другие участники. Звонкое акустическое треньканье гитары Стюарта невесомым эхом кружится подле основной мелодической линии, выводимой мастермайндом The Enid. Вальсовый проигрыш – и снова ритмичный калейдоскоп разнообразных шумовых эффектов, потусторонних отголосков и мечтательно настроенных клавишных. Удивительная композиция, чем-то напоминающая отдельные сочинения Г. Свиридова.

Summer изначально подается как фортепианный этюд с легкой атмосферной подсветкой. Роберт еще раз убедительно доказывает свою состоятельность в деле написания романтической классики. Но вот трубят фанфары и в ход вступают вокальные резервы маэстро, производящие странное мультяшное впечатление. В структуре «Лета» переплетаются такие несовместимые, на первый взгляд, музыкальные течения, как ритмы регги, «белый» блюз-рок и европейская сонатная традиция. Легкомыслие солнечных дней разрушает Autumn, где наметившаяся оркестровая напряженность транскрибируется в почти вангелисовскую воздушность. Несуетную сказочную нежность вновь закрывают тучи, призванные развеять иллюзию счастливого финала. И все же сквозь непогоду и хмурь прорастают мажорные ноты, внушая: будет лучше. Outro.

Ритмично-истеричный номер Elephants Never Die наряду с поп-психоделической составляющей несет в себе латиноамериканский колорит. Незамысловатая инструментовка, дурашливый текст и невесть зачем вплетенный в музыкальный ряд фрагмент уже знакомой мессы Dies Irae. Закрывает альбом The Sentimental Side of Mrs. James, изначально предназначавшаяся друзьям Роберта в качестве музыкального подарка на свадьбу. Слова добавились позже, когда молодое семейство потеряло ребенка. Досочиненная при помощи Стюарта, эта печальная баллада стала своеобразным трибьютом.

С выходом пластинки The Enid разворачивают активную концертную деятельность. Выступления группы привлекают не только меломанов-интеллектуалов, но и телевизионную бригаду BBC, что наглядно демонстрирует DVD Something Wicked This Way Comes: The Enid at Home & On Stage (2004).

Диск содержит материал, отснятый английским ТВ в 1984 году. Два музыкальных представления: на ферме Claret Hall – задворках звукозаписывающей студии The Enid и традиционном рок-фестивале Glastonbury, проходящем в Стоунхендже. Основу первого концерта составили композиции с альбома Something Wicked This Way Comes (исключение – открывающая шоу эпическая Fand с волшебного Aerie Faerie Nonsense). Могучий потенциал Enidовцев раскрывается здесь во всей красе. Что касается выступления в Стоунхендже, то, помимо трех вещей с уже упомянутого Something Wicked…, оно включает песенку Summer с альбома The Spell и, на радость всем поклонникам коллектива, аж четыре композиции с дебютного In the Region of Summer Stars. На закуску маэстро отчебучивает что-то совсем из ряда вон выходящее: под рок-н-ролльные раскаты тяжеловес Годфри прыгает по сцене, горланя бессмертный хит Чипа Тейлора Wild Thing, заводя публику и себя заодно. В общем, такое лучше увидеть самим.

За период 1984-85 гг. лейбл The Stand реализует два лимитированных издания, предназначенных членам фан-клуба (на них включены несколько треков, не вошедших в официальные альбомы The Enid), а также выпускает отдельной пластинкой новую версию симфонического опуса Fand.

В октябре 1985 года Годфри и Стюарт приступили к работе над очередным диском. Salome (1986) – своего рода infant terrible в дискографии коллектива. Записанный при поддержке ударников Стори и Норта, альбом основывался на концепции известной ветхозаветной истории о коварной капризнице Саломее. Три продолжительных эпических трека явили слушателю другую ипостась The Enid.

Лирическая поэма Р. Дж. Годфри O Salome несла в себе танцевальные ритмы в духе «new wave» с минималистским синтезаторным обрамлением, незначительными симфоническими фишками и непривычно низким вокалом Стюарта, напоминающим по своей подаче David Gahan из Depeche Mode. Предельно ровная ритмика, без сбивок и развития. Абсолютно ничего от рока, и уж тем более – от прогрессива. Sheets of Blue – эдакий оркестровый нью-эйдж. Влияние музыки ambient, расслабленные джазовые гармонии. Реминисценции с прежними The Enid прорываются лишь в редких гитарных вспышках Стивена и неоклассических нюансах клавишных Роберта. Заключительная трилогия Dance Music (The Change – The Jack – Flames of Power) подобна хамелеону. В первой части отрешенный голос Годфри шаманит на фоне дробного ритма (своеобразный вариант пляски дервиша), а после кульминационного стихийного взрыва ethereal voice маэстро неспешно реет в нежном оркестровом пространстве. Особенно хочется выделить поразительно отточенное и целостное симфоническое звучание, достигнутое в этом фрагменте.

Осенью того же года Salome был представлен в качестве музыки к современному балету на сцене лондонского Hammersmith Odeon, после чего команду Роберта Годфри в эфире Radio 1 нарекли «самой культовой европейской группой». В ноябре 1988 года The Enid дали пару успешных концертов в London Dominion Theatre, где тандему Годфри-Стюарт аккомпанировали Найалл Фельдман (бас), Дэмиен Риздон (ударные, перкуссия), Трой Донокли (духовые), Джеральдина Коннор (вокал) и Роберт Перри (клавишные); результатом выступления стала пластинка Final Noise (1989). А затем Стивен Стюарт принял решение покинуть The Enid, чтобы целиком сосредоточиться на карьере студийного звукорежиссера. В истории коллектива наступил «ледниковый период», однако никто из участников ансамбля и не думал порывать с музыкой. Годфри и Стюарт продолжили сотрудничество в рамках одноименного (точнее, однофамильного) проекта.

The Seed & The Sower (1988) – одна из самых путанных глав в истории The Enid. Многие почитатели группы до сих пор не решили: считать ли его номерным релизом в дискографии любимой банды (первое издание на CD было украшено типично Enidовой «шапкой»), либо рассматривать как прощальный акт взаимодействия двух основных направляющих – композиторского тандема Годфри—Стюарт? Единственный, не вызывающий разногласий момент заключается в том, что сюжетная канва диска базируется на одноименной книге Лоренса ван дер Поста.

В музыкальном же отношении мы имеем совершенно несвойственный для эпохи поздних восьмидесятых продукт. Зрелый, богатый оттенками, поразительно красивый и глубокий симфонический арт. И если первая вещь Chaldean Crossing с незатейливыми для такого аналогового мастодонта, как Р.Дж. Годфри, синтезаторными переливами, еще навевает мысли о помеси «новой волны» с элементами нью-эйдж, то далее наступает невыразимый словами момент блаженного просветления.

Галерея совершенно ирреальных в своем великолепии образов, которые после монотонного эксперимента в виде пластинки Salome (1986) иначе как чудом не назовешь. Роберт выдал нечто, граничащее с гениальностью. Поиски оптимальной звуковой формы для воплощения заданной концепции увенчались балансом меж тонкой, бесконечно изящной атмосферной игрой и полифонической оркестровой мощью. Берущие за душу партии духовых от Троя Донокли (позднее работал в команде Iona), маленькие перкуссионные хитрости Дэмьена Риздона, ну, и конечно, знакомая гитара Стивена Стюарта – ближайшего сподвижника/соавтора маэстро Годфри. В сравнении с лучшими программами The Enid периода 70-х The Seed & The Sower выглядит ничуть не слабее, а, быть может, более убедительно и ярко. Верные поклонники коллектива удостоились по-настоящему королевского подарка.

Что касается 19-минутного бонуса Reverberations, то его как раз уместно будет поставить в ряд с упомянутым выше Salome. Астральная псевдо-оркестровая соло-медитация Роберта Годфри несет на себе печать минимализма. Слушать ее небезынтересно, но после феерического содержимого главной альбомной части сильного эффекта данная эпическая тема не производит.

Помимо этого перу творческого дуэта принадлежат сюита Joined by the Heart, в которой, наряду с изящными оркестровками и астрально-авангардными веяниями, отразилось увлечение Стива так называемой biological Earth-music (различные части этой композиции присутствуют в виде бонус-треков на CD-версиях альбомов Touch Me и Six Pieces). Оба музыканта участвовали в работе над диском Electric Gypsies гитариста/вокалиста Bernie Torme. Стюарт сотрудничал с Katrina And The Waves, New Model Army, Christian Death и Conflict. Р. Дж. Годфри занимался самыми разными сайд-проектами: от записи альбомов в стиле «нью-эйдж» до консультирования нашего именитого соотечественника Алексея Рыбникова в период его европейских гастролей с рок-оперой «Юнона и Авось».

В 1989 году Роберт ликвидировал студию в Суффолке и перевел ее в Нортхэмптоншир. Здесь в сферу внимания Годфри попали несколько молодых ребят, работавших как в жанре танцевальной, так и альтернативной музыки. Взаимодействие с юными дарованиями посеяло в душе маэстро робкую надежду на возможную реанимацию The Enid (не лишним будет упомянуть, что один из студентов Роберта делал acid house ремиксы классических треков команды). В 1991 году с несколькими подопечными он организовал группу Come September, записавшую мини-альбом Half An Hour in the Jungle и вскоре благополучно распавшуюся. Последовал год раздумий, за который мистер Годфри успел сотворить клавишно-оркестровые аранжировки для EP As I Die дэт-металлеров Paradise Lost.

1993 год ознаменовал воскрешение легенды. Время было выбрано удачно: прогрессив-рок переживал второе рождение. Состав The Enid теперь выглядел следующим образом: Роберт Годфри (клавишные), Ник Мэй (гитара), Гари Мендел (бас) и Уэйн Кокс (ударные). В процессе студийной работы над новым альбомом были привлечены дополнительные силы в лице бас-гитариста и певца Макса Рида, а также ударника Стива Хьюза.

Tripping the Light Fantastic (1994) – восьмая позиция в дискографии уникального ансамбля, если не считать многочисленных компиляций и концертных программ. Что имеем? Прежде всего, отказ от песенной структуры. Вокализ, обработанный с помощью chorus-эффекта, содержится лишь в Ultraviolet Cat, где легкая задумчивость на танцевальном фоне соседствует с «текучей» мелодикой клавишных и плавной гитарой, этническими вставками и моментами chill-out music. Приятная трансовая вещица, со вкусом аранжированная мастером своего дела. Little Shiners – неторопливый вальс, идеально подходит к уютной беседе при свечах. В Gateway пафосная оркестровая бравада ударной мощью обрушивается на успевшего расслабиться слушателя. Отдельное спасибо гитаристу Нику Мэю, чья манера солирования в данной композиции напоминает о Дэйве Гилморе.

Tripping the Light Fantastic – резвые пробежки синтезированных флейты и струнных. Оркестр Р. Дж. Годфри за компанию с группой выводит яркий и привлекательный рисунок, в чем-то перекликающийся с творчеством латвийцев Зодиак. Но окончательное пробуждение старых добрых The Enid наступает в Freelance Human. Романтика и тревога, спаянные воедино. Многослойный симфонический пирог с великолепным крещендо на пике эмоций. Dark Hydraulic – космизмы пульсирующей электроники с оркестровыми обертонами и темным колоритом. А в довершение картины – The Biscuit Game – лучший опус на диске, выдержанный в традициях ранних альбомов, по окончании которого, повысив уровень громкости, можно услышать урок английского языка для испаноговорящего населения.

Спустя четыре года на свет появился White Goddess. В составе музыкантов произошли перемены. Теперь вместе с Робертом играли гитаристы Грант Джеймисон и Макс Рид (по совместительству – бас-гитара и хоровые партии) плюс ударник-ветеран Дэйв Стори. «Белая богиня» – наиболее цельная и зрелая из поздних работ группы. Романтическая классика Р. Дж. Годфри, выраженная посредством рок-инструментария. Никакого заигрывания с дискотечными ритмами, крайне серьезный и ответственный подход к сочинению каждого из треков, названия которых говорят сами за себя: Prelude, Fantasy, Riguardon, Sarabande, Waltz, Ballade, Gavotte, Chaconne, Gigue, Nocturne. Как и в «золотую» эру The Enid, имеют место объемный оркестровый звук (даже не верится, что все это великолепие достигается при помощи синтезаторов) и «парящая» гитара Гранта Джеймисона, практически неотличимая по манере и технике исполнения от оной у Стивена Стюарта. Возвышенное настроение, воздушная легкость мелодий, несмотря на внушительное и плотное звучание. Волшебная симфоническая поэма в 10 частях.

Вслед за выпуском диска состоялись успешные выступления The Enid на различных сценических площадках английской столицы. Лондон рукоплескал как нетленным шедеврам из наследия команды, так и новым вещам. В 1999 году лейбл HTD издал компиляцию Tears of the Sun, приуроченную к 25-летнему юбилею коллектива. Воодушевленный Годфри вновь занялся процессом сочинения композиций, на сей раз к сольному диску. Legend for Piano & Orchestra, по замыслу создателя, фортепианный концерт, основанный на темах с классических альбомов группы.

История продолжается.

God, save the Enid.

Автор: Sergei Uvaroff, март 2006 года

Оригинал здесь

Дискография

1976 In the Region of the Summer Stars

1976 In the Region of the Summer Stars [vinyl rip]

1977 Aerie Faerie Nonsense

1979 Touch Me

1980 Live at the Hexagon, Reading 2CD [live]

1980 Six Pieces

1983 Live at Hammersmith vol. 1 & 2 2CD [live]

1983 Something Wicked This Way Comes

1984 The Stand Volume 1 [live]

1985 Fand [live]

1985 The Spell

1985 The Stand Volume 2 – Members One of Another

1986 Liverpool Live [live]

1986 Salome

1988 The Seed and the Sower

1989 Final Noise [live]

1994 Tripping the Light Fantastic

1995 Sundialer

1996 Anarchy On 45 – Complete Singles Collection 2CD

1997 White Goddess

1999 Tears of the Sun

2001 In the Region of the Summer Stars [reissue]

2006 Aerie Faerie Nonsense [reissue]

2006 Sheets of Blue. An Anthology 1975-2004 2CD

2007 The Stand 2CD

2009 Arise and Shine

2009 Six Pieces [remastered]

2010 Aerie Faerie Nonsense [remastered]

2010 In the Region of the Summer Stars [remastered]

2010 Journey's End

2010 Something Wicked This Way Comes [remastered]

2011 Arise & Shine Volume 2 – Risen

2011 Touch Me [remastered]

2011 Live at King George's Hall Blackburn 2010 [live]

2011 Live at Town Hall, Birmingham 2CD [live]

2012 Arise & Shine Volume 3 – Shining

2012 Invicta

2012 Journey's End [remastered]

2012 Live with the City of Birmingham Symphony Orchestra & The Warickshire County Youth Choirs 2CD [live]

2014 First Light

2014 The Enid en Concert a Crescendo [live]

2015 The Bridge

2016 Dust

2017 Live at the Citadel [live]

2017 Resurgency

Robert John Godfrey

1974 Fall of Hyperion

2013 The Art of Melody

Ссылки

http://www.theenid.co.uk/ – Официальный сайт

https://www.theenidi.org/ – Официальный сайт

http://robertjohngodfrey.org/ – Официальный сайт Robert John Godfrey

Биография

Дэвид Торн родился 26 мая 1953 года в Эмитивилле, штат Нью-Йорк, США. Он получил формальное джазовое образование и, по его словам, с раннего возраста находился под влиянием минималиста Терри Райли. Был организатором и участником немалого количества рок-групп и джаз-роковых коллективов (наиболее успешный из его личных проектов – состав под названием Everyman Band).

Будучи сильнейшим инструменталистом, Торн с самого начала своей карьеры проявляет интерес не столько к технике, сколько к технологии получения звука. Со временем его работы в этой области привели к тому, что многие издания перестали считать его гитаристом; теперь его характеризовали как текстуриста (или звукового дизайнера). Торн много работает с компьютером и создаёт звуки, по сравнению с которыми, по словам критиков, «космическая музыка Pink Floyd звучит наподобие детской дудки». Его звуковые текстуры предлагаются желающим для использования – как безвозмездно, так и на коммерческой основе (выпущено несколько авторских дисков такого рода). Сейчас Торн популярен в среде людей, занимающихся полностью компьютерным производством музыки; его текстуры, сэмплы и прочие разработки в области компьютерной генерации звука широко рекламируются, приобретаются, используются. Дело дошло до того, что в некоторых работах он использует имя SplatterCell, подчеркивая разницу между Дэвидом Торном образца двадцать первого века и Дэвидом Торном двадцатилетней давности. Термин cell, используемый довольно часто, введен им самим и обозначает строительный блок для музыки.

Сам Торн сейчас определяет свою музыку как высокомерный ambient. Аmbient (в буквальном переводе «окружающий, омывающий») – уже устоявшееся название определенного стиля, весьма мало связанного с ЕСМ. Ему нравится конфликт между звуками гипнотизирующими и звуками, которые похожи на «атакующих гигантских комаров прямо из преисподней».

Торн экспериментировал и с неэлектронными способами получения нового звучания. Одна из его фирменных находок – использование для записи крохотной каморки, размеры которой не позволяют ни установить нормальных звуковых мониторов, ни отстроить звук в классическом понимании этого слова. Барабаны в любом случае оказываются настолько близко к остальным инструментам, что возбуждают любые микрофоны, резонируют с гитарными струнами и так далее. Сама студия, по выражению Торна, поет.

Сольная карьера Торна началась под маркой ЕСМ Records. Он записал здесь два своих первых альбома – Best Laid Plans и Cloud About Mercury. В сравнении с остальным сольным материалом музыканта (особенно в сравнении с самыми поздними работами) эти альбомы выглядят довольно необычно. В них еще нет экспериментов над звуком; в них, пожалуй, чувствуется явное влияние Манфреда Айхера, придающего работам некую цельность, осмысленность, монолитность в классическом смысле слова.

С годами работы Торна эволюционировали так же, как и он сам. Они теряли конкретность и понятность (которые и раньше были им присущи постольку, поскольку эти понятия вообще применимы к музыке, издававшейся на ЕСМ), но приобретали все большую оригинальность. Критики начали даже сравнивать музыку Торна со знаменитыми «звуковыми ландшафтами» Роберта Фриппа, и в чем-то они правы. Но гитарист, разумеется, никому не подражает. Впрочем, это довольно сложно в той музыке, которую он исполняет. Он просто развивается.

Так или иначе, ЕСМ быстро стала компанией, не подходящей для реализации такой музыки. Торн время от времени появлялся на альбомах ЕСМ, выпущенных другими исполнителями (в частности, он играет на альбоме Яна Гарбарека It’s Ok to Listen to the Gray Voice), но его музыка все больше выходила из сферы ЕСМ.

Последовали работы с Биллом Брафордом, Тони Левином и другими, менее известными, рок-авангардистами. Для обозначения новой музыки был предложен термин нео-фьюжн, который не прижился по той причине, что при единстве взглядов сама музыка оказывалась чересчур разнообразной. Термин же «авангард» показался критикам слишком широким и расплывчатым.

Не обращая внимания на попытки критиков систематизировать его творчество, в 1993 году музыкант построил в Беарсвилле, где он живет и поныне, собственную студию звукозаписи Cell Labs и перенес сюда почти всю свою деятельность. Студия, переоборудованная из старого гаража, побудила трудоголика Торна работать еще активнее.

Перед тем как я построил эту студию, меня интересовала идея работы с аудиоданными теми же методами, которыми люди работают с MIDI. Когда появилась возможность делать это экономически приемлемыми средствами, я был уже готов.

По результатам опроса читателей авторитетного журнала Guitar Player, проводившегося в 1994 году, Дэвид Торн был признан лучшим гитаристом года в экспериментальной номинации. В 1997 читатели вновь отдали предпочтение ему. Едва ли не лучшее пояснение к этим титулам – слова самого гитариста, сказанные об альбоме 1995 года.

Разработанные им текстуры и сэмплы активно пошли в дело. Список одних только художественных фильмов, в которых они были использованы самим Торном или другими композиторами, включает более пятидесяти наименований. Сериалы, телепередачи и прочее в эту своеобразную видео-дискографию не включаются, хотя сам Торн говорит, что именно сериалы – главный катализатор для творческого развития композитора и музыканта. Интересно, что здесь он чуть ли не дословно повторяет слова известного клавишника Яна Гаммера.

Среди фильмов, разумеется, попадаются и явные однодневки, однако некоторые из них едва ли будут быстро забыты. Так, лента Тема: убийство, выполненная в манере «нового журнализма», получила 6 высших и вторых наград на престижных кинофестивалях в США и Европе. Здесь Торн выступал в роли композитора и инструменталиста.

Довольно давно Торн перестал быть просто гитаристом. Помимо электроники всех мыслимых форм и видов, его арсенал включает разнообразные струнные инструменты, среди которых уд (арабская лютня), мандолины, японские струнные инструменты и т.п. Отдельный разговор – его самостоятельно сконструированные аналоговые и цифровые устройства. Около пятнадцати лет назад Торн стал первым, кто ввел в обиход так называемые loop-инструменты – то есть мультипликаторы живого звука, записанных партий и бог знает чего еще, позволяющие получать на выходе звучание, даже для самого исполнителя, как правило, предсказуемое в лучшем случае лишь наполовину.

Это звучит потрясающе, но один из наиболее самобытных гитаристов мировой музыки и непревзойденный звуковой дизайнер абсолютно глух на одно ухо! Как говорит сам Торн, он слышит только монофонический звук и иногда консультируется с абсолютно случайными людьми по поводу того, достаточно ли сбалансированы в стереозвуке его произведения.

Дискография

1984 Best Laid Plans

1987 Cloud About Mercury

1990 Door X

1995 Diving Into the World [with Bebo Baldan]

1995 Earthbeat [with Bebo Baldan]

1995 Tripping – Over – God

1996 The White Rim of Heaven [with Brian Gingrich]

1996 What Means Solid, Traveller?

1998 Forever Sharp & Vivid [with Chris Massey & David Castiglione]

1998 GTR OBLQ [with Vernon Reid & Elliott Sharp]

1998 The David Torn Collection

2000 SPLaTTeRCeLL: Oah

2000 SPLaTTeRCeLL: ReMiKSiS- AH

2001 Have We Told You All You'd Thought to Know [with Robert Creeley, Chris Massey, Steve Swallow & David Cast]

2007 Prezens

2011 Levin Torn White [with Tony Levin & Alan White]

2015 Only Sky

Ссылки

http://www.davidtorn.net/ – Официальный сайт

Биография

Примерно до 1996-го года карьера музыканта из Калифорнии Скотта Огаста (Scott August) развивалась вполне стандартно. Детство в музыкальной семье. Увлечение Beatles, а затем Yes и King Crimson. Учеба в университете, занятия электронной музыкой. Успешная карьера в сфере сочинения музыки для кино, ТВ и рекламных роликов. Но в конце 90-х Скотт знакомится с бытом и культурой индейцев пуэбло в штате Нью-Мексико, открывает для себя их музыку и влюбляется в звучание индейской флейты.

Скотт начинает играть на флейте и за последние десять лет упорного труда становится подлинным виртуозом индейской флейты, обладателем многочисленных наград для исполнителей музыки коренных жителей Америки, записывает три успешнейших альбома. С 2004 года Огаст начинает изучать флейту анасази (Культура Анасази – доисторическая индейская культура, существовавшая на территории современного региона на юго-западе США, известного как «Четыре угла» (штаты Колорадо, Юта, Аризона, Нью-Мексико)), на которой предположительно играли предки индейцев пуэбло (Пуэбло (от исп. pueblo – 1) народ, 2) селение) – группа индейских народов Юго-Запада США) еще тысячу лет назад.

Эта флейта звучит в его четвертом альбоме Lost Canyons. Помимо знаменитого аризонского Гранд Каньона, на западе США есть множество других, редко посещаемых, зачастую изрытых пещерами со следами культуры живших здесь некогда людей. Эти «Потерянные каньоны» и стали темой новой работы Скотта.

Lost Canyons Пьесы альбома словно воссоздают один день из проходившей в слиянии с природой жизни давних обитателей этих мест. Открывает диск Morning Star, завершает Evening Star, а между ними музыкальные зарисовки здешних пейзажей (Desert Skies, Raven Dance, Swallows & Nighthawks, Thermal, Thunder On the Mesa, Twilight Canyon и т.д.). Музыку альбома нельзя назвать «индейской», нет, это авторский проект, Scott широко использует в нем инструменты разных народов мира, от индонезийских до африканских, строит композиции по привычным нашему уху канонам. Но над всем этим царит глуховатый, суровый, немножко грустный, но чрезвычайно притягательный звук индейской флейты. Скотт, используя один из древнейших инструментов, ведет нас с собой в необычное путешествие во времени, ведет туда, где воздух был чище, а небеса глубже.

Оригинал здесь.

Дискография

2001 Distant Spirits

2003 Sacred Dreams

2005 New Fire

2007 Lost Canyons

2010 Radiant Sky

2012 Hidden Journey

Ссылки

http://www.cedarmesa.com/ – Официальный сайт

Биография

Marcome (произносится Mar-ko-may) – канадская певица и поэтесса. Одаренная чистым голосом, она смешивает лирику с уникальным бессловесным языком, который наводит мосты между слушателем и вселенной. Marcome смешивает различные мировые музыкальные стили, добавляя в них элементы джаза и классический вокал, создавая новый жанр мировой музыки. Marcome сама пишет музыку и тексты. Она клавишник, программист и звукоинженер, а также опытный перкуссионист.

После окончания аспирантуры в области торговли и коммуникаций Marcome работала в театре: писала музыку и работала со звуком. Через некоторое время она ушла из театра в музыкальную индустрию. Ее впечатляющий профессиональный музыкальный опыт и опыт работы в качестве звукорежиссера позволили ей сотрудничать с известными музыкантами и продюсерами. Это источник ее музыкального вдохновения и артистизма. Marcome сотрудничала с такими музыкантами, как Diana Krall, Cecilia Bartoli, Le Cirque du Soleil, Branford Marsalis, Sir George Martin, Tom Waits, Daniel Lanois, Pat Metheny и Yes.

Дебютный альбом Marcome под названием Seven Seas был выпущен в Канаде, США, Европе, Азии и на Ближнем Востоке в 1996 году и получил признание критиков. Seven Seas кроме вокала включает в себя клавишные, басовые и традиционные этнические ударные инструменты. Seven Seas это спокойствие для беспокойного ума, это исцеляющий сладкий бальзам для сердец и душ. 11 песен альбома – это сборник уникальных историй, отражающих личное развитие исполнительницы и важность не разделения естественного и духовного миров. Они – открытие чего-то большего, великой силы, которая существует вокруг нас, и которая так же «спит» в каждом из нас. Взгляните вглубь себя под сказочную музыку Marcome, и вы обнаружите неведомую красоту гармонии мира.

Marcome, хоть и медленно, но продолжает писать новые композиции для того, что в конечном итоге стать новым альбомом под названием River of Soul. Годы, которые разделяют Seven Seas и River of Soul, позволили музыканту созреть и эволюционировать как эмоционально, так и духовно. Сила Маркоме заключается в ее способности соткать и создать разноцветные звуки с сильными мелодиями. В этом альбом River of Soul очень преуспевает. Это запись, наполнена интимностью и приправлена самоанализом. Это было задумано кинематографически, это – праздник, как для глаз, так и для ушей. Добро пожаловать в River of Soul, путешествие, заполненное духовностью, воображением, чувствительностью и сюрреалистическим чувством бытия. В данном альбоме слышны изящные звуки гитары, сложные перкуссии добавляют отличительные штрихи и ритмы к общему звуку. River Of Soul – это альбом, в котором многие люди обнаружат глубокую внутреннюю связь.

Первый сингл и музыкальное видео под названием River Of Soul задает тон, освобождает внутреннюю магию и призывает: «Приезжайте и купайтесь в реке, дайте водам радовать вашу жизнь!»

Дискография

1996 Seven Seas

2006 River of Soul

2009 River of Life Remixed

2009 Arabica Remixed

2010 Twitter Me Some Love

2009 Yeku Remixed EP

2013 Pace’s Lullaby Single Radio

2013 Zen Voices – Meditation Chants

2014 Ougainatso

2017 Love Prayer One Hour – Meditation Chant

2018 Peace in My Heart

2018 Baila

Ссылки

http://marcome.com/ – Официальный сайт

Биография

Moonbooter – немецкий музыкальный проект музыканта, композитора и продюсера Бернда Шоля из Эйфеля на реке Олеф (Германия).

Музыкальный стиль Moonbooter – это смесь танцевальной и расслабляющей электронной музыки. При этом Бернд Шоль смешивает множество разных стилей друг с другом, создавая трансоподобный звук, который также включает элементы из классической и берлинской электронной музыки.

Бернд начал программировать с появлением первого доступного ПК, Commodore C-64. Так у него появилась коллекция ритмов и музыкальных произведений записанных на ПК. Так продолжалось на протяжении многих лет и это стало фундаментальной частью его музыкальной жизни и работы.

Уже в 80-х годах он создал первые инструментальные пьесы в стиле New Age в сочетании с элементами House и Acid. На него оказали значительное влияние такие музыканты, как Жан Мишель Жарр, с одной стороны, и группы, такие как Depeche Mode, с другой. Бернд стал давать  живые выступления и концерты. В начале 90-х его музыка была в основном подвержена влиянию транса и техно, он успешно выпускал миксы, которые транслировались по радио. Кстати, Шоль работал ди-джеем. Первый CD-альбом Tek-No/ew-Age был написан в 1994 году, но так и не был выпущен.

В 2005 году на лейбле SynGate был выпущен первый альбом Бернда, под названием Teralogica, который можно рассматривать как смесь традиционной электронной музыки, New Age и Pop-музыки. Далее последовали еще два альбома Devided и Orbit Number 2 и DVD-издание альбома Orbit Number 2 в объемном звучании и исторические и современные снимки космического пространства из 5-ти десятилетий NASA в качестве визуального дополнения.

Также в 2005 году прошел первый концерт под названием Moonbooter 2004 на открытом фестивале SynGate для электронной музыки в Burg Satzvey. Затем последовали другие успешные концерты, в том числе в Gasometer Oberhausen, Electronic Circus Projekt, Planetenmodell Hagen Projekt, Planetarium Bochum и Forum Maximum des Rex-Theaters Wuppertal.

В то же время Бернд начал свою работу в качестве автора для различных музыкальных журналов. Он регулярно пишет обзоры, учебники, интервью и проводит семинары в области ПК и музыки.

В апреле 2007 года Бернд Шоль основал свой собственный лейбл MellowJet Records, на котором стали издаваться именитые музыканты, такие как Wellenfeld, Bernd Kistenmacher, Harald Grosskopf, Uwe Reckzeh, Elektrohandel, Exposed, Erez Yaary, MaEasy, Faber, Back to the Moon, Rene Splinter и Carboneids.

Бернда Шоля (Moonbooter) не следует путать с электронным музыкантом Берндом Шоллем из Флерсхайма-на-Майне. Они просто однофамильцы!

Дискография

2004 Teralogica

2005 Devided

2006 Orbit Number 2

2006 Orbit Number 2 – The DVD

2006 Satzvey Castle 2006 [with Erik Seifert, Wellenfeld, Valleyforge, Stockman, Harald Nies & Rolf Becker]

2007 Under Control

2008 Lunatic Voyage

2008 Lunatic Voyage – The DVD

2008 Faster

2009 Cosmoclimax

2009 Fast Reflections

2010 Climb Up Set 1

2010 World of Apes 1

2011 Climb Up Set 3

2011 Cosmologica

2011 World of Apes 2

2012 Cosmophonica

2012 Elected Pieces 2004-2011

2013 Heiter Bis Wolkig [with Weedekind]

2013 Zeitenwende

2014 Still Alive

2014 Cosmoromantics

2015 Live Eins

2015 Live Zwei

2015 Live Drei

2015 Live Munster 2015[with Wellenfeid]

2015 The Wave

2015 Live Vier

2016 Cosmoharmonics

2016 Live Munster 2016 [with Otarion]

2017 Schwarzmond

2017 EVIL 17NL

2018 Cosmosonic

Ссылки

http://www.moonbooter.de/ – Официальный сайт