Биография

Philip Aaberg (Филипп Ааберг) (родился 8 апреля 1949 г.) – американский пианист, клавишник и композитор. Он получил международное признание благодаря серии успешных фортепианных записей изданных на Windham Hill Records. Хотя образование у Aaberg классическое, его музыка включает в себя как классическую музыку, так и элементы джаза, рока, и нью эйдж музыки. Хотя самые известные из его работ это фортепианные соло, у него не менее известны и популярны джазовые мелодии. Его произведения отличает «строгая техника игры, с использованием разнообразных стилей, и красочный композиционный стиль».

Ранние годы.

Philip Aaberg родился в Гавре, штат Монтана в 1949 году и вырос в городе Честер, штат Монтана. В возрасте 14 лет, он выступал с местными группами на танцах в Честере. Aaberg изучал музыку в Гарвардском университете Леонард Бернстайн стипендию. После получения степени бакалавра гуманитарных наук в области музыки, он переехал в Окленд, штат Калифорния и играл в блюзовых клубах в течение нескольких лет. Кроме того, он гастролировал и записывался в качестве члена группы Элвин в то время пользовавшейся наибольшей популярностью, и с ними в 1976 году записал заглавную песню группы Struttin' My Stuff.

Сотрудничество с Windham Hill.

В 1985 году Aaberg подписал контракт с Windham Hill Records и выпустил весьма известный сольный альбом High Plains, который продемонстрировал его технику и уникальные возможности, как пианиста, так и композитора. Он продолжил работу с лейблом и записал еще пять сольных альбомов: Cinema, Field Notes, Live from Montana, Christmas и Blue West. В течение последних 20 лет Aaberg регулярно появляется на сборниках Windham Hill, участвуя в различных совместных проектах.

Aaberg выступал с оркестром Boston Pops и появился на музыкальном фестивале Marlboro Chamber. Как приглашенный артист, он записался более чем на 200 альбомах в PBS's All-American Jazz, которая принесла ему номинацию на премию Эмми. Он выступал с Peter Gabriel и Doobie Brothers.

Sweetgrass Music.

В 2000 году Aaberg создает свой собственный лейбл, Sweetgrass Music, на котором с тех пор он стал записывать свою музыку, которая «связывает самую разную аудиторию со всех уголков Запада». На протяжении всей своей карьеры, Aaberg записывал музыку, которая отражает жизнь его родной фермы в Монтане, родной культуры преображаясь в «музыкальной концепции» и через музыку, словно рисуя звуковой портрет своего родного штата».

Дискография

1985 High Plains

1986 The Shape of the Land [with Michael Hedges & William Ackerman]

1987 Morning Walk [with Metamora]

1988 Out of the Frame

1989 Upright

1990 Meridian [with Bernie Krause]

1992 Cinema

1995 A Wild Christmas [with Bernie Krause]

1998 A Christmas Heritage [with New Grange]

1999 New Grange [with New Grange]

2000 Field Notes

2000 Live from Montana

2001 Tasting the Wine Country [with The Mike Marshall Quintet]

2002 Christmas

2005 Blue West

2008 CrossTime [with Darol Anger]

2009 Three Part Invention [with Tracy Silverman & Eugene Friesen]

2010 Raven [with Kristina Stykos]

2013 High Plains Christmas

Ссылки

https://sweetgrassmusic.com/ – Официальный сайт

Биография

Ричард Стивен Бурмер (англ. Richard Steven Burmer, родился 19 сентября 1955 г. в г. Owosso – умер 9 сентября 2006 г. в г. Saginaw, США) – американский композитор, инженер, звукорежиссер и музыкант. Его работа с электронной музыкой в сочетании с разными музыкальными стилями и инструментами со всего мира сформировала свой собственный уникальный стиль и запоминающийся звук.

Дискография

1984 Mosaic

1987 Bhakti Point

1987 Western Spaces [with Steve Roach & Kevin Braheny]

1988 Across the View

1990 On the Third Extreme

1992 Invention

1995 Shining by the River - Collections Volume 1

1996 Treasures of the Saints

Ссылки

http://www.richardburmer.com/ – Официальный сайт

Биография

Дэвид Невью (англ. David Nevue, родился в 1965 году в США, в городе Норт Бенд (North Bend), штата Орегон) – американский композитор и пианист. Дэвид начал заниматься игре на фортепиано в возрасте 12 лет. Его любимыми классическими композиторами являются Шопен, Дебюсси, Лист, Равель, Рахманинов. Помимо музыки, Дэвид любит автомобильные гонки, боулинг, футбол и прогулки в лесу. Он женат и имеет двух детей.

Определяющее влияние на творчество Дэвида оказала музыка Джорджа Винстона. Примечательно, что в юности Дэвид совсем не задумывался о карьере пианиста. Его главной страстью была рок-музыка всевозможных стилей и направлений. Фортепианная музыка ассоциировалась у Дэвида исключительно с классикой, к которой он никогда не чувствовал ни влечения, ни интереса. Все изменило знакомство с музыкой Джорджа Винстона, которую постоянно крутил сосед Дэвида по комнате во время обучения в колледже.

Альбом Overcome посвящен отцу пианиста, который был миссионером в Кении и Уганде. Имя альбома Overcome – Преодоление по задумке композитора служит двойным символом: некто может быть побежден этим павшим, изломанным миром или выбрать путь преодоления и победить его. «Я молюсь», – говорит музыкант, – «чтобы этот альбом стал поддержкой для всех, кто чувствует себя разбитым под грузом текущего мига. Пусть эта музыка перенесет вас от мест боли и тревог в места мира и покоя, от злости к смирению, от смущения духа к определенности».

Open Sky Скалистые горы на горизонте, залитые теплым летним светом, шум травы и ветра, бесконечно огромное голубое небо. Ощущение полного единства с окружающим миром, когда в сильнейшем душевном порыве хочется широко раскинуть руки и объять необъятное. Это и есть ощущение абсолютной свободы, не какого-то пресловутого гражданского права всех и каждого, а той свободы, которая заложена в нас самой природой, и к которой мы подсознательно стремимся каждый миг своей жизни. Как эту свободу можно воплотить, какие формы придать ей, чтобы сделать понятной и близкой каждому? Ну, в музыкальном плане это неплохо удалось сделать американскому композитору Дэвиду Неву. Его четырнадцатый по счету альбом Open Sky можно представить как собрание идеальных композиций, в которых свобода выражена с помощью простых и красивых мелодий, сыгранных на пианино. Принадлежа к выдающиеся когорте американских пианистов, Дэвид давно выработал свой уникальный стиль, который делает каждую встречу с его музыкой желанной – вот и сейчас он приглашает слушателей в настоящее путешествие, в простой летний день, события которого не изменят вашу жизнь, но позволят привнести в нее что-то светлое, позитивное и важное, пусть и не всегда заметное с первого взгляда. Но стоит только прислушаться, и в этих картинах-импровизациях (тринадцать авторских работ Неву, сочиненных им на протяжении нескольких десятилетий и четыре его взгляда на нетленную «классику» вроде Scarborough Fair) Дэвида оживут мимолетные моменты тишины и счастья, секунды простого бытия, которыми хочется наслаждаться: здесь вспорхнут из высокой травы стрекозы и бабочки, устраивая свой яркий, радужный танец, здесь широко раскинуться воды безымянной реки, переходить которую придется по узкому броду, замирая, почти как в детстве, от восторга, когда ног коснутся холодные, что-то тихо шепчущие волны. Здесь, в мире Open Sky, ярко вспыхнет первый луч заката и широко раскинуться послеобеденные тени, здесь тишину наступающего вечера огласит далекий гром, отразившийся от стен векового каньона, и быстрые клавиши под пальцами мастера пропоют звонкую песню теплого летнего дождя. Так просто, скажете вы? Да, так просто и понятно этот автор рассказывает о гармонии, неподдельном счастье, выраженном в единстве с окружающим миром, и о свободе, которая позволяет взглянуть на все вокруг немного под другим углом. Очень красивый, волнующий ожиданием неминуемого чуда и эмоционально богатый альбом, звуковая живопись, оживающая с каждым новым аккордом яркими пейзажами перед вашими глазами.

Дискография

1992 The Tower

1995 While the Trees Sleep

1997 The Last Waking Moment

1999 The Vigil

2001 Whisperings

2001 Postcards from Germany

2003 O Come Emmanuel

2004 Sweet Dreams & Starlight

2005 Overcome

2007 Adoration - Solo Piano Hymns

2009 Revelation - Solo Piano for Prayer & Worship

2011 A Delicate Joy

2012 Awakenings - The Best of 2001-2010

2013 Open Sky

2015 Winding Down

Ссылки

http://www.davidnevue.com/ – Официальный сайт

Биография

Kevin Wood – музыкант, работающий в стиле Нью Эйдж. Вырос в США. Мама – школьный преподаватель, а отец – профессор религии. «Находясь в поисках более глубокого смысла жизни и более глубокого духовного понимания, я был пленен музыкой таких стилей как Native American, New Age, World Music», – говорит Кевин.

На самом деле музыка Кевина – это вышитая на канве картина. Если основу-канву представляет музыка в стиле Нью Эйдж, то вплетения нитей – это великолепное сочетание и музыки коренных американцев, и Грегорианского пения, и наикрасивейшей игры на пианино.

Занимаясь с 6 лет на классическом фортепиано и ударных, основное влияние на его стиль оказала традиционно структурированная музыка. «Я согласен со Steven-ом Halpern, который говорил о музыке Нью Эйдж, что большая ее часть основана «на гармонии и созвучии, нежели на диссонансе», таким образом, она дает нам ощущение равновесия, мира и гармонии со всем миром», – говорит Кевин.

Альбом Вуда Kindred (2008), дебют которого состоялся в центре медитационного обучения Депака Чопры – Seduction of Spirit (Техас), показывает, как взаимодействуют друг с другом классика и World Music. Этот альбом следовал за его диском 2006 года Sacred.

Совершенствование его стиля, и привязанность к жанру World Music, было продиктовано тем, что во время записи этих альбомов Кевин путешествовал по юго-востоку Америки, будучи гостем во многих индейских племенах. Для него было огромной честью, когда местные индейцы исполнили свои песни специально для записи альбомов.

«Откровенного говоря, чем больше индейской музыки вплетено в мою музыку, тем больше смысла она обретает. В альбоме Sacred, сочетая Грегорианское пение с традиционными индейскими песнями, я объединил два совершенно разных, но в равной степени духовных, стиля. Я чувствовал «призыв» к развитию и объединению этих параллелей. Полагаю, что вместе они уживаются».

Дискография

2002 Harmonic Oasis

2002 Scenic Listening

2006 Sacred

2008 Kindred

Ссылки

http://www.sceniclistening.com/index.html – Официальный сайт

Биография

Paul Avgerinos (родился 21 ноября 1957 года в Норуолк, штат Коннектикут), американский композитор, исполнитель и продюсер Нью Эйдж музыки, также пишет музыку в жанрах ambient, space, world, world fusion, electronic. У Avgerinos есть своя студия Единорог в Реддинге, штат Коннектикут, которая производит широкий спектр музыки для кино, телевидения, рекламы и альбомов разных жанров.

Paul окончил консерваторию Пибоди при университете Джона Хопкинса в 1981 году по классу контрабаса. Он играл в оркестрах Италии, Гонконге и Венесуэле и гастролировал с Шарлем Азнавуром и Бадди Ричем, прежде чем открыть свою студию звукозаписи в 1985 году, студию Единорог.

Большинство мелодий Avgerinos это смесь акустических и электронных инструментов. Известный своим звуковым дизайном, Avgerinos также играет на скрипке, виолончели, гитаре, клавишных и поет на своих записях. Вдохновленный Enya, Tangerine Dream, Vangelis, Avgerinos часто использует романтический и импрессионистичный методы, когда сочиняет свои мелодии.

Garden of Delight Ритм этого альбома – это мягкая и чуть слышная поступь человека, гуляющего по дорожкам роскошного сада. Сада, разбитого по приказу турецкого султана или правителя древнего Вавилона, где хозяин мог бы уединиться от государственных проблем и отдохнуть, вдыхая аромат цветов, слушая райских птиц, тихий плеск ручья и песни своих наложниц, плетущих нить волшебных историй, дабы угодить своему господину, пребывающему в приятной неге. Слушая Garden of Delight Пола Авгериноса, автора нью-эйджевых альбомов, завоевавших большинство жанровых премий и призов, слушатель легко может представить себя на месте этого султана. На обложке альбома по-хорошему должно было стоять наравне два имени – вместе с Полом этот материал создавал знаменитый турецкий музыкант Омар Фарук Текбилек, мастер игры на суфийской флейте Най и других этнических инструментах, вроде многострунной багламы. Пока Пол выстраивает мелодичные линии гитар (двенадцатиструнный инструмент и гитара с нейлоновыми струнами), украшая их плывущими текстурами безладового баса и эффектно заполняя бэкграунд электронными атмосферами, Омар играет на флейте, которая любого может заставить плакать, смеяться и искренне сопереживать. Здесь, впрочем, Най (и другие духовые инструменты, вносящие в повествование ориентальные голоса, в том числе и бамбуковая бансури, на которой играет не менее знаменитый Стив Горн) не стремится вызвать слишком уж сильные эмоции, ее задача прямо противоположна: приласкать, убаюкать, создать комфортные условия для медитации и полуденной дремы, во время которой мир сонных грез наполнят ласкающие слух голоса любимых женщин, ангельские напевы и древние сутры, доносящиеся из-за стен господского сада. Честно говоря, Текбилек в какой-то момент полностью занимает пространство альбома, начиная с великолепной Lily of the Valley, и доведя его до финала, который не сразу предполагает возвращение из этой восточной сказки в реальность. Арабские песни в исполнении Малики Зарры, ставшей в этот час полуденного отдыха новой Шахерезадой, еще долго будут ласкать слух, как и птичьи разговоры, шепот ветра в ветвях и мелодичное позвякивание колокольчиков. Уход от реальности и праздное безделье? Вовсе нет, один из лучших способов отдохнуть и набраться новых сил, дав полную волю своей фантазии. Одиннадцать превосходных, достойных подлинного восхищения звуковых пейзажей с легкой атмосферой таинственности, присущей ближневосточной музыке.

Дискография

1985 Celestial Voyage

1986 Island Sanctuary

1986 Tropical Paradise

1987 Sensual Storm

198 Balancing Spheres

1988 Maya – The Great Katun

1992 Muse of the Round Sky

2001 Sky of Grace

2001 Words Touch

2005 Maya

2005 Phos Hilaron

2006 Gnosis

2007 Garden of Delight [with Omar Faruk Teklibek]

2007 Gratitude Joy [with Anand Anugrah]

2009 Love

2010 Law of Attraction

2012 Lovers

2013 Meditate

2013 Relax

2013 Yoga

2014 Bhakti

2015 Grace

2016 Amma - Devotional Songs to the Divine Mother

Ссылки

http://www.roundskymusic.com/ – Официальный сайт

Биография

Francis Rimbert – клавишник и композитор, родился в 3 октября 1953 года в Val D'Oise (Франция). С 5-ти лет он начал играть на фортепиано, а позже на аккордеоне. В возрасте 7-ми лет он начал играть на фисгармонии в церкви. Учился в Парижской консерватории (Париж, Франция), но классическую музыку не любил. В возрасте 14 лет он собрал свою первую группу, которую ему вскоре пришлось оставить. Позже он основал FanChris вместе с исполнителем и композитором народных песен.

В 1978 году он начал работать в музыкальном магазине в Париже, специализирующемся на синтезаторах, где он начал учиться играть на этих синтезаторах. А когда его босс предложил ему записать альбом Bionic Orchestra – так началась его сольная карьера и, он ушел из FanChris. Несколько позже он встретил Жан-Мишеля Жарра, которому аккомпанировал на многих «живых» выступлениях. Также участвовал в записи альбома Aero.

У него имеется собственная звукозаписывающая компания C.Zen Prod.

Интервью

Жизнь – неиссякаемый источник вдохновения!

Кто они? Кому-то они покажутся простыми музыкантами, на подыгрыше у Жарра, кто-то видит в них самодостаточных композиторов, но можно взглянуть и иначе: Франция до сих пор гордится и славится мушкетерами, пусть они теперь и не носят голубых коротких плащей, не прижимают к себе клинки шпаг, да и шляпы с плюмажем давно вышли из моды, но они есть, ибо сохранилась мода на братство – Жарр, Римбер, и Перье уже около тридцати лет связаны дружбой, и служением прекрасной даме, – Ее Величеству, Музыке. К нашей беседе в кругу этой дружной компании, увы, не смог подключиться сам мсье Жарр, однако его присутствие легко ощутимо во всей атмосфере этого дружеского разговора.

Первым вопросом мне хотелось бы коснуться вашего дня сегодняшнего, как самобытных, но все же в чем-то похожих современных французских композиторов. Насколько сложно иметь свои сольные проекты, и в то же самое время составлять органично слаженный коллектив-команду Жарра?

Dominique Perrier: Сложно и то, и другое.

Francis Rimbert: По гороскопу я Весы, поэтому главное – это… равновесие!

Не возникает ли у вас порой дилеммы принять участие в новом проекте Жана-Мишеля или предпочесть, скажем, это время для записи своего альбома? Если не секрет, как часто перед вами вставал подобный выбор, хотя логично предположить, что вы, как старые друзья, моментально находите компромисс – чья муза завтра выходит на работу?

Доминик Перье: Я получаю удовольствие и в том, и в другом случае.

Франсис Римбер: Проекты ЖМЖ никогда не появляются неожиданно! И мне никогда не приходилось выбирать между его проектами и своими. Если же такое случится, я отдам предпочтение тому из них, который ближе мне по духу.

Как вы оказались в команде Жарра, и были вы до вашего сотрудничества знакомы между собой?

Доминик Перье: Да, 30 лет назад я играл в группе Christophe (исполнители песни Les Mots Blues), мы записывались на Ferber Studios (очень старая студия в Париже, существует и по сей день), я играл на фортепьяно! А ЖМЖ писал лирическую музыку. Я часто выступал в России и странах Азии, играл на рояле и в барах, и в составе оркестра. Мне нравится сочинять музыку и аранжировки для других известных исполнителей.

Франсис Римбер: Со мной связался Michel Geiss и предложил принять участие в первом концерте ЖМЖ в Париже (на Площади Согласия). В то время я выступал сольно, с большим количеством синтезаторов. И работал с аналоговым звуком.

Уже около четверти века как вы сотрудничаете с господином Жаром, и, наверное, вашей командой пережито за это время столько всего, что вы, скорее всего, стали прислушиваться к замечаниям друг друга. Мой интерес вызывает именно кухня – часто ли Жан-Мишель внимает вам, или необходимость слаженности команды не допускает выхода за рамки субординации? Допустимы ли в вашем коллективе профессиональные споры, и если да, то как скоро вы приходите к согласию?

Доминик Перье: Нет, мы настолько прекрасно друг друга знаем, что и речи не может быть о проявлении эго, только море позитива.

Франсис Римбер: За все эти годы я сумел некоторым образом познакомиться с натурой ЖМЖ. Поэтому я понимаю его задумки и то, в каком направлении нужно работать. Между нами совсем нет вражды. Если я чувствую, что проект мне не по душе, я просто не участвую в нем. К счастью, такое случается крайне редко.

Дерзкий вопрос: как вам идея Жарра возродить звучание аналоговых синтезаторов на концертах, а самим выступлениям придать формат шоу в закрытых залах?

Доминик Перье: Так гораздо больше эмоций – интимная и теплая атмосфера – на публику производит впечатление неизгладимое, очень волнующее.

Франсис Римбер: Отличная идея! У этих старичков, как их называет ЖМЖ, более естественный и глубокий звук, другой уровень динамики, нежели у большинства клавишных, появившихся за последние 10 лет.

Музыка Жарра всегда узнаваема, но ее концепции постоянно меняются. Иногда, даже столь резко, что можно говорить о революции. Ваши личные музыкальные идеи подвержены подобным тенденциям, шагая от техно до симфонизма, и назад? Или они более консервативны, конечно же, в лучшем смысле этого слова?

Доминик Перье: Воздержусь от ответа.

Франсис Римбер: Я пишу музыку по-другому. ЖМЖ сразу сочиняет за синтезатором, тогда как большинство моих композиций написано за роялем, а уже потом сделаны переложения для электронных синтезаторов. Но у меня нет предрассудков в этой области. И когда внутри у меня рождается мелодия, неважно, что за инструмент передо мной.

Если не секрет, чем, в основном, навеяны ваши композиции, и как вам обоим удается, прибывая все время в системе координат творчества Жана-Мишеля, тем не менее, иметь сугубо свое видение музыки, как композиторов, а не просто клавишников маэстро Жарра.

Доминик Перье: Мне нравится творить вместе с Франсисом и Мишелем, мы восхищаемся друг другом. Несложно понять, почему.

Франсис Римбер: Жизнь – неиссякаемый источник вдохновения. Но я до сих пор не знаю, откуда берутся эти маленькие искорки, которые неожиданно загораются во мне и заставляют пальцы ложиться на клавиатуру. Когда я работаю с ЖМЖ, я работаю в его стилистике и получаю от этого удовольствие. На одной чаше весов лежит мое «Я», но и другая чаша весов не остается пустой. Я достаточно понятно объясняю?

Благодарю Вас, вполне. С другой стороны, вы являетесь тремя отлично понимающими друг друга авторами своей музыки. Если честно, не приходила ли вам мысль соединить идеи каждого в своеобразном эксперименте, который мог бы называться «Команда Аэро»?

Доминик Перье: Нет, и в голову не приходило.

Франсис Римбер: Действительно интересная идея. Вам следует обсудить это с ЖМЖ.

Должен признаться, всякий раз просматривая видео концертов Жана-Мишеля, я включаю замедленный просмотр, как только взгляд камеры касается игры кого-то из вас, поскольку исполнение вами сложнейших пассажей композиций Жарра напоминает балет, только на клавишах! Уверен, что у каждого из вас есть свои излюбленные музыкальные партии – было бы очень интересно узнать из каких мелодий они?

Доминик Перье: Я люблю гитарные пассажи – они такие зажигательные.

Франсис Римбер: Для того чтобы сделать игру слаженной, и избежать технических накладок при исполнении, в ходе работы мы пытаемся распределить между собой функции, исходя из наших способностей (например, у Домино есть особые таланты), инструментов, на которых мы играем. А остальное – долгая работа и увлекательные репетиции, чтобы все наши пассажи были четко выверены и слажены.

И, наконец, что вы можете сказать, господа, о своих собственных музыкальных планах. Какие альбомы, или, может быть, концерты нас ждут? Кажется, вы недавно возродили проект Space Art?

Доминик Перье: Абсолютно верно. Выкладываем музыку на My Space. Спамим понемногу и ладно.

Франсис Римбер: Сам я начал писать новую музыку, стараюсь запечатлеть в ней вдохновение, которое не зависит от моды, стиля или коммерческого успеха и при этом я всегда пытаюсь забыть все то, что уже успел сделать до этого, чтобы найти ту новизну и непредвзятость, какая бывает в детстве. Воистину сложная задача!

Конечно, невозможно обойти вопрос о мировом туре Жарра, который продолжается уже второй год – он действительно охватит все континенты и большинство стран, при этом полностью исключая из своей концепции суперконцерты под открытым небом, привычные для композитора Жарра и его поклонников? Войдет ли в этот список Россия, культурное пространство которой в нынешний год как никогда открыто искусству Франции?

Доминик Перье: У меня пока нет будущих расписаний тура.

Франсис Римбер: Я буду рад вернуться в Россию, потому что обожаю эту страну; я также крайне неравнодушен к славянской душе, традициям, музыке и очарованию русских женщин, которых лично я считаю самыми красивыми на нашей маленькой планете.

Благодарю вас, Доминик и Франсис, за подаренную интересную беседу, позволившую увидеть вас и ваше творчество столь полно. Успехов вам и всего наилучшего.

Спасибо, Игорь.

Spaseba Bolchoie.

С любовью из Франции, Доминик Перье и Франсис Римбер.

11.03.2013 года, Игорь Киселев.

Дискография

1979 Bionic Orchestra

1980 Sponsor Spots [with Jean-Pierre Savelli]

1980 Passing Shot [with Jean-Pierre Savelli]

1980 Synthesizer

1982 Duty Free [with Jean-Pierre Savelli]

1982 FR2 [with Frederick Rousseau]

1983 Synthesizer II

1984 Synthesizer III – Gym-music

1984 Compilation Jingles

1986 Electric Feeling (Synthesizer IV)

1987 Keyboard Songs

1988 Digital Faith

1989 A.L.I.V.E

1991 Scenario

1994 Payuta [soundtrack]

1996 TIM 7 [soundtrack]

2005 Double Face

2006 Mecanique du Temps

2006 Sound of Vintage Volume 1 [compilation]

2007 Snap Shots

2007 Sound of Vintage Volume 2 [compilation]

Ссылки

http://rimbertblog.com/ – Официальный сайт

Биография

David Sylvian принадлежит к числу тех творческих хамелеонов, которые, проходя в течение жизни ряд перерождений, каждый свой новый образ преподносят как единственно возможный и идеально выражающий их суть. Возглавляя свою первую команду Japan, Сильвиан прошел эволюцию от глэм-рокера до романтического декадента и мастера эмбиента. В своих сольных исканиях он находил общий язык с музыкантами разных национальностей и направлений, сотрудничал с традиционалистами и авангардистами, джазменами, радикальными рокерами и хоровыми коллективами. Даже свою вокальную манеру несколько раз кардинально видоизменял, так что теперь ему под силу спеть все – от «попсы» до «самых до окраин».

Восьмилетняя история британской группы Japan – это стремительный взлет от малоприметных новичков глэм-рока до популярных исполнителей яркого, стильного синт-попа. Порождение туманного Лондона, команда в младенчестве представляла собой квинтет. В 1974 году под знаменами Japan объединились: автор песен и вокалист Дэвид Сильвиан, бас-гитарист Мик Карн (Mick Karn), клавишник Ричард Барбьери (Richard Barbieri), барабанщик Стив Джансен (Steve Jansen), брат Сильвиана, и гитарист Роб Дин (Rob Dean). Народ был молодой и малоопытный. Главному идеологу Дэвиду Сильвиану, которого еще недавно все знали как Дэвида Алана Бэтта (David Alan Batt) едва исполнилось 16. В поисках собственного голоса и имиджа группа подражала модным тогда глэм-рокерам New York Dolls и Дэвиду Боуи. Красивый и гибкий вокал Дэвида Сильвиана и его манера пения напоминали Брайана Ферри (Bryan Ferry), отчего сравнения Japan с Roxy Music были в порядке нормы.

Контракта с германской компанией Ariola-Hansa Records команда добилась не обычным методом бомбардировки лейбла демо-кассетами, а выиграв конкурс, проводившийся Ariola-Hansa. К этому времени, а дело было в 1977 году, Japan обзавелись уже весьма объемистым репертуаром и смогли выдать на-гора сразу два лонг-плея. Обе пластинки, Adolescent Sex и Obscure Alternatives, не произвели впечатления ни на родине, ни в Америке, зато всколыхнули меломанов Японии. Название обязывало. Изданный через два года альбом Quiet Life отличался гораздо более утонченным, аккуратным саундом. Промо-сингл I Second That Emotion, кавер-версия Смоки Робинсона (Smokey Robinson), наиболее полно отразил изменения саунда, смягчившегося и потеплевшего. Эволюция продолжалась.

Четвертый лонг-плей Gentlemen Take Polaroids (1980) обнаружил интерес музыкантов к широкому спектру стилей, их неравнодушие даже к довольно экзотическим веяниям времени. Диск 1981 года Tin Drum записывался уже без гитариста Роба Дина, что никак не отразилось на его качестве. Даже наоборот, группа превзошла все ожидания, смело ступив на экспериментальную почву и выйдя далеко за пределы традиционной поп-музыки. Japan привнесли в звучание множество новых оттенков – от фанка до ближневосточных мотивов. Сингл Ghosts (финалист Тор 3) сводил с ума британскую публику.

Tin Drum, этот громогласный «Жестяной барабан», оказался лебединой песней Japan. Смутное недовольство участников друг другом достигло крайней точки, когда девушка Мика Карна ушла к Дэвиду Сильвиану. В 1982 году группа Japan перестала существовать. Музыканты быстро сориентировались и нашли применение своим талантам. Все они остались в музыкальном бизнесе, работая сольно или в других группах, иногда записываясь по старой памяти вместе. Самым везучим в карьерном отношении оказался Дэвид Сильвиан, да у него имелось и больше оснований для успеха. По сути, поворотной точкой в биографии Сильвиана стало уже появление композиции Ghosts. Все написанное раньше, по его словам, он рассматривал как более или менее удачные ремесленные поделки, и только с этой песней он впервые ощутил себя творцом, выразившим нечто глубоко личное, единственное в своем роде.

Настал тот момент, когда пригодились «японские» корни группы. В начале 1983 года японский композитор Ryuichi Sakamoto, участвовавший в некоторых студийных сессиях Japan, предложил Сильвиану написать и исполнить вокальные партии для саундтрека, над которым он тогда работал. Звуковая дорожка к фильму Merry Christmas, Mr. Lawrence в целом оказалась довольно удачной и принесла композитору несколько наград. Не подкачал и Сильвиан. Написанная им тема Forbidden Colours сделала его имя известным далеко за пределами Великобритании. Сотрудничество с Сакамото, мастером аранжировки, многому научило Сильвиана.

Летом 1983 года в Берлине начал выкристаллизовываться сольный дебют Дэвида Сильвиана Brilliant Trees, который появился в продаже через год. Среди студийных соавторов значились Рюичи Сакамото и очень необычный музыкант, басист Holger Czukay вместе со своей авангардной рок-командой Can. Позднее к ним присоединились два джазовых трубача и экс-коллеги по Japan – Стив Джансен и Ричард Барбьери. Лонг-плей Brilliant Trees с его насыщенными, новаторскими аранжировками, с сильными поэтическими текстами не подвел автора. Расхваленный британской прессой, он стартовал в английском поп-чарте сразу с четвертой строки.

Отдыхая от праведных студийных трудов, Дэвид Сильвиан вернулся к давнему увлечению визуальными искусствами. Он скомпоновал книгу собственных фотоснимков и фотоколлажей Perspectives: Polaroids. Она вышла небольшим тиражом в 1985 году. Следующим проектом стало документальное видео, в свободной форме рассказывающее о фотовыставке, проходившей в Токио. К фильму понадобился саундтрек, который музыкант и записал в соавторстве с Сакамото и Стивом Джансеном, а в студийных сессиях к ним присоединился Болгарский женский хор и еще ряд европейских и японских музыкантов. Диск получил название Preparations for the Journey и тоже вышел в 1985 году.

Параллельно своим чередом продвигалась подготовка второго сольника Сильвиана Gone to Earth, обнародованного в конце 1985 года. В процессе записи музыкант привлек двух гитаристов, Билла Нельсона (Bill Nelson) и Роберта Фриппа (Robert Fripp) из группы King Crimson, ключевые фигуры в кристаллизации прогрессивного рока. Гитаристам было, где развернуться – из 17 треков на этом двойном альбоме десять были инструментальными. Британская музыкальная пресса встретила альбом Gone to Earth с большим энтузиазмом.

Следующие полтора года были в жизни Дэвида Сильвиана очень плодотворным периодом. Из всей массы написанных композиций он скомпоновал альбом Secrets of the Beehive, который отличался очень искренними, образными, глубокими текстами и виртуозными аранжировками. Большую часть песен Сильвиан оркестрировал для акустических инструментов – струнных, деревянных и медных духовых. По традиции, в студии подобралась на зависть сильная команда. На этот раз ему аккомпанировали Danny Thompson на двойном басу, Phil Palmer на акустической гитаре, Mark Isham на трубе и другие музыканты. В том же 1987-м году поклонники смогли узнать артиста и совсем с другой стороны – как литератора. Дэвид Сильвиан выпустил в свет поэтический сборник Trophies: The Lyrics of David Sylvian.

Конец 80-х – тревожный период в жизни Дэвида Сильвиана. Он не любит вспоминать это время. «После Secrets of the Beehive музыка отошла для меня на второй план, – признавался артист. – Как-то сразу навалилось столько проблем. Надо было разобраться в личной жизни». Вместо сольных альбомов он отдает теперь предпочтение совместным проектам с коллегами по цеху, участвует в их альбомах и новых начинаниях; записывает инструментальные импровизации вместе с бывшими участниками авангардной группы Can и Маркусом Штокгаузеном (Markus Stockhausen), сыном известного композитора-модерниста. Этими сессиями Сильвиан руководит наравне с Холгером Шукаем. Подготовленный двумя композиторами материал лег в основу альбомов Plight & Premonition и Flux + Mutability. А вот в гастрольные туры Сильвиан предпочитал ездить со своей сольной программой. Тур 1988 года In Praise of Shamans, в котором артиста сопровождали семь бэк-музыкантов, прошел по 80 городам, расположенным на разных континентах. В 1989 году вышел бокс-сет из пяти компакт-дисков Weatherbox, охватывавший основной объем сольного каталога Дэвида Сильвиана. Для раскрутки этого издания музыкант выпустил сингл, иронично названный Pop Song, расцвеченный рояльными импровизациями Джона Тейлора (John Taylor).

Спустя год вместе с художником Расселом Миллзом (Russell Mills) Сильвиан подготовил для экспозиции в Токио полижанровую инсталляцию: скульптура, звук и свет. Саундтрек Ember Glance: The Permanence of Memory, сопровождавший инсталляцию, был издан в 1990 году. Между тем, прошло уже семь лет с момента роспуска Japan. Сильвиану казалось, что пора бы уже забыть о былых распрях и тряхнуть стариной, в частности, попробовать поимпровизировать вместе. Все экс-участники Japan поддержали эту идею. Хотя сессии стартовали еще в конце 1989 года, из-за финансовых трудностей альбом Rain Tree Crow вышел только в 1991 году. Сводил и продюсировал запись сам Сильвиан, который, по его словам, очень гордится этой работой. Однако именно он настоял на том, чтобы вновь собранный коллектив переименовался в Rain Tree Crow.

В декабре 1991 года Сильвиан загорелся желанием перезаписать на свой лад одну их новых вещей Сакамото Tainai Kaiki, придумав для нее текст. Озвучить новый вариант композиции он доверил гитаристу Биллу Фриселлу (Bill Frisell) и вокалистке и поэтессе Ingrid Chavez, тогдашней протеже Принца (Prince). Знакомство с Ингрид имело для него исторические последствия: через два месяца после первой встречи Дэвид Сильвиан и Ингрид Чавес стали мужем и женой. Семейная жизнь не сделала артиста домоседом. Напротив, он испытывает новый прилив сил и вдохновения. Возобновленный творческий союз с гитаристом Робертом Фриппом оказался плодотворным во всех смыслах. Дело не ограничилось концертными турне по Японии и Италии. В 1993 году Фрипп и Сильвиан записали совместный студийный альбом The First Day. Еще один дружеский тур музыканты предприняли в 1994 году, на этот раз в сопровождении бэк-группы из пяти человек. Концертник по итогам гастролей получил название Damage: Live.

Хотя о выступлениях с Фриппом Сильвиан всегда вспоминал с большой теплотой, следующий концертный забег он предпринимает в одиночестве. Это короткий тур имел для музыканта огромное значение. Он аккомпанировал себе на акустической гитаре или клавишах и, оставаясь с залом одни на один, с каждым днем (как признавался позднее) укреплялся в собственных силах. И все-таки оставался какой-то барьер, мешавший артисту с головой уйти в студийную работу. Сразу по возвращении из тура Дэвид решил заняться своим новым альбомом (а его последний сольный релиз Secrets of the Beehive вышел уже восемь лет назад), однако чтобы довести запись до логического конца, ему понадобилось еще четыре года. И дело было не только в перфекционизме музыканта.

«В моей жизни произошло много изменений, – рассказывал он. – Я женился, переехал в Штаты, у нас с Ингрид родилось двое детей. Кроме того, нам хотелось переосмыслить свою жизнь, и мы много общались с нашими духовными учителями». Отвлекали артиста от музыки и его литературные занятия и увлечение компьютерными технологиями. Однако с привлечением старых друзей (Сакамото, Фриселла, Джансена) на последнем этапе дело пошло быстрее. Лонг-плей Dead Bees on а Cake, охватывавший джаз и амбиент, хард-рок и ритм-н-блюз, был опубликован в 1999 году. Чрезвычайно скрупулезное отношение музыканта к материалу оплатилось сторицей. Критики единодушно называли Dead Bees on а Cake лучшей записью за всю карьеру Сильвиана. Хотя коммерческие успехи альбома были невелики, сингл I Surrender засветился в британском Тор 40.

Пока поклонники приветствовали достойное возвращение музыканта в строй, Сильвиан уже окунулся в осуществление другой идеи. Ему предстояло придумать звуковое сопровождение для своей видеоинсталляции в японском стиле. Фактурный амбиентный саунд воссоздавал довольно мрачную атмосферу. Эту запись, названную Approaching Silence, артист успел опубликовать еще до конца 1999 года. В 2000-м году появилась компиляция лучших треков Everything & Nothing" на двух дисках. Релиз подвел итоговую черту под двадцатилетним сотрудничеством с лейблом Virgin Records.

Дэвид Сильвиан откровенно радовался своей независимости. Теперь у артиста было время заняться вещами, которые он давно откладывал. Во-первых, Сильвиан подготовил сборник своих лучших инструментальных композиций за последние 20 лет Camphor, необходимое дополнение к компиляции Everything & Nothing. Во-вторых, сделал ремикс-версию совместного концертного альбома, записанного в 1993 году вместе с Фриппом, Damage. Новый вариант Damage: Live вышел в 2002 году. Ну и, наконец, Сильвиан написал несколько песен и спродюсировал новый альбом своей жены Ингрид.

Чтобы вернуться в строй и обнародовать свои новые наработки, артист, уже привыкший к свободе, основал собственный лейбл Samadhi Sound, на котором и опубликовал в 2003 году лонг-плей Blemish. Восемь отобранных для этого экспериментального альбома треков – это слепок оголенной, страдающей, отчаявшейся души. Половину песен Дэвид Сильвиан исполняет под аккомпанемент собственной гитары и клавиш, в остальных к нему присоединяются гитаристы Derek Bailey или Christian Fennesz. Название альбома (в переводе на русский «Позорное пятно») можно извинить мрачным чувством юмора автора. А его успех, хотя, пожалуй, и в довольно узких кругах, приписать самобытному таланту Сильвиана и его высокой требовательности к себе.

Nine Horses – музыкальный проект певца и инструменталиста Дэвида Сильвиана, его брата – барабанщика Стива Янсена и музыканта, автора электронных композиций Бернта Фридмана.
Коллектив выпустил первый альбом Snow Borne Sorrow в октябре 2005 года. В записи альбома приняли участие норвежский трубач Арве Хенриксен, шведская певица Стина Норденстам и японский композитор, клавишник Рюичи Сакамото. В декабре 2006 года – январе 2007 вышел мини-альбом Money for All, в который вошли две новые композиции, Money for All и Get the Hell Out, а также ремиксы композиций с первого альбома коллектива.

Интервью

Отшельник.

Дэвид Сильвиан начал свою карьеру как поэт, композитор и вокалист группы Japan, одной из самых оригинальных и недооцененных британских команд конца 70-х – начала 80-х годов. Сам он в какой-то мере повторил судьбу группы, так и оставшись для большинства людей элитарным и загадочным музыкантом, чьи творения подвластны умам и сердцам редких интеллектуалов. Сочиняя поп-музыку высшего качества, он сумел в своих экспериментах дойти до музыкального экспрессионизма, родоначальниками которого считаются Roger Waters и Peter Hammill, а также успешно сотрудничать с самыми яркими представителями мировой сцены – Элтоном Джоном (Elton John), Робертом Фриппом (Robert Fripp) и многими другими. Предлагаем вашему вниманию интервью, в котором Сильвиан раскрывает истинные причины распада Japan и рассказывает о своих новых музыкальных открытиях.

Мистер Сильвиан, по прошествии стольких лет, как Вы считаете: сильно ли музыка Japan повлияла на современные группы?

Это один из вопросов, на которые я, вероятно, никогда не смогу ответить. Я не слушаю радио и не смотрю телевизор, поэтому не в курсе того, что происходит сейчас в шоу-бизнесе. Правда, иногда я покупаю в супермаркете пару CD, но это чаще всего альбомы старых исполнителей. Поэтому мне сложно найти в современной музыке своих продолжателей. Хотя, конечно, я знаю людей, которые считают, что Japan многое сделали для современной музыки.

Но то, что создали Japan, было не просто интересной музыкальной идеей. Это был почти прорыв.

Я так не думаю. Для того времени мы были достаточно прогрессивными, но не гениальными. А по поводу так называемого прорыва я вам сейчас все объясню. Основным композитором в группе был я, тогда мне почему-то хотелось скрыть от мира свои мысли и чувства, и музыка показалась мне удачной возможностью зашифровать свои идеи. Но в итоге это ни к чему не привело. Я не мог отделаться от мысли, что моим песням чего-то не хватает. И вдруг в один прекрасный момент меня осенило: надо выплескивать эмоции, а не держать их в себе! Вот тогда мне действительно понравилось то, что я делал. Поэтому то, что Вы называете прорывом, для меня являлось естественным выплеском эмоций.

Но это, судя по всему, не так уж легко Вам далось?

Конечно. Все мы, так или иначе, пережили время сомнений и неуверенности, успеха и ошибок. Но это как раз и закалило нас, научило работать над собой и постоянно совершенствоваться. Поэтому в итоге Japan смогли добиться успеха. Ведь главное в шоу-бизнесе – наделать побольше шума. Одни эпатируют публику своим имиджем или поступками, а нам удалось произвести сенсацию своей музыкой.

Одни считают, что музыка Japan была своего рода реакцией, направленной против панка, другие, наоборот, полагают, что вы многое сделали для развития панковской эстетики. А как думаете Вы?

Мы сразу же дали всем понять, что не из тех музыкантов, которые купили инструменты и начали играть только потому, что думают, будто умеют это делать. Таким образом, мы изначально не следовали панковской эстетике и никогда к этому не стремились. Наша музыка была реакцией на очень многие явления и события того времени, и даже на лейбл, с которым мы подписали контракт. Я был шокирован, когда понял, что на самом деле менеджеры рекорд-компаний не любят музыку и видят в ней лишь один из способов зарабатывания денег. Поэтому хотелось растормошить их и доказать, что музыка это не только бизнес.

Вас часто называют поп-музыкантом. Вы согласны с таким мнением?

Да. Хотя я изучал разные музыкальные направления, но все-таки мне до сих пор гораздо комфортнее работать в рамках поп-музыки, в которой заложены безграничные возможности. Мне нравится осознавать себя поп-музыкантом, которого иногда заносит в другие направления.

А что Вы считаете своим личным достижением?

Безусловно, Ghosts. Это моя первая настоящая песня. Тогда я был потрясен, насколько она получилась искренней, незагроможденной и ясной. Мне это помогло поверить в то, что я могу быть самостоятельным музыкантом и работать без группы.

Большинство людей решили, что вы сошли с ума, когда заявили о распаде Japan. Ведь вы тогда были так популярны.

Распад был неизбежен. Поверьте, для нас это было не трудное решение, а закономерное стечение обстоятельств. Когда мы только создали группу, то хорошо ладили друг с другом, несмотря на то, что по-разному смотрели на жизнь. Но как только Japan стали частью шоу-бизнеса, все пошло прахом. Я до сих пор не могу представить, что мы все вместе возвращаемся в студию. Это невозможно. Мы уже не сможем работать как раньше.

Это было смелое решение.

Наверное. Я всегда уважал людей, которые, принимая решения, следуют своей интуиции, зову сердца. И стараюсь поступать так же. Тогда я считал, что лучше не доводить дело до скандала. По-моему, я оказался прав. Несмотря на то, что мы были популярны, наше творчество медленно заходило в тупик. Лейбл потихоньку загонял нас в определенные рамки и контролировал работу в студии. А я ничего не могу делать по принуждению, мне нужна свобода. Поэтому я принял решение уйти.

А концерты не давали вам необходимой свободы?

Я ненавидел живые выступления и на сцене чувствовал себя неуютно. И это, кстати, также сыграло свою роль в распаде. Я хотел свести количество концертов к минимуму, а ребята, наоборот, настаивали на постоянных гастролях. И это рождало частые конфликты. Но я ничуть не жалею о том, что когда-то связал свою жизнь с Japan. Эта группа стала для меня своего рода платформой для начала сольной карьеры. А ее успех воспитал во мне стремление к качеству и профессионализму.

Скажите, а когда точно распалась группа и как это происходило?

Это произошло во время нашего предпоследнего турне в поддержку альбома Tin Drum. Именно тогда я понял, что все должен окончательно решить для себя. Но как выяснилось, к тому времени уже был запланирован тур на следующий год, и мы были связаны по рукам и ногам контрактными обязательствами. Поэтому ничего не оставалось делать, как продолжать давать интервью на телевидении и радио, улыбаться на пресс-конференциях и выступать на концертах. И никто даже не подозревал о том, что группа уже разваливалась и нас связывают лишь формальные обязательства. Правда, как ни странно, последний тур прошел намного удачнее и легче предыдущего. Если во время Tin Drum между нами были напряженные отношения, то, отправляясь в свой прощальный тур, мы уже четко знали, что это наши последние концерты, и поэтому каждый выкладывался на сто процентов.

С сольной карьерой Вы обрели творческую свободу. Не означает ли это, что Вы просто выжидали подходящего момента, и Ваше пребывание группе было вынужденной необходимостью?

Нет, я никогда ничего не просчитываю заранее. Покинуть группу меня побудила личная причина, которая ничего общего не имела с тем, что происходило в группе. Наоборот, в Japan меня многое устраивало. Мы чувствовали себя аутсайдерами, и я был счастлив, что мы не принимаем участие, в общей игре. Уверен, никто не думал, что в итоге все так закончится.

Вы причислили Japan к аутсайдерам, хотя группа занимала далеко не последнее место на сцене и оказывала заметное влияние на формирование музыкального вкуса.

Возможно. Но я точно знаю, что мы не перевернули представление о музыке как таковой. И то, что мне удалась сделать в Japan, не внушает мне особой гордости. Хотя несколько интересных идей для аранжировок мы все-таки придумали.

Japan была очень популярна в Японии.

Есть несколько причин, благодаря которым мы стали популярны в Японии, и я не думаю, что это произошло только из-за названия. Наоборот, я прекрасно помню, как рекорд-компания, впервые услышав его, просила нас поменять Jараn на более удачное. Менеджмент был уверен, что под таким названием мы не сможем быть успешными в разных странах. Однако вскоре им пришлось изменить свое мнение.

Есть ли группы или музыканты, которые повлияли на Вашу музыку?

Ответ можно найти на пластинках Japan и в моих сольных работах. Я никогда не скрывал, кто является моим кумиром, и вы легко сможете узнать об этом, послушав любой альбом.

Оказывают ли на Вас влияние кино и другие виды искусства?

Да, со временем искусство все, больше и больше влияет на меня. Сначала важную роль в моей жизни играло кино, для меня оно было окном в другой мир. А интерес к рисованию или, скажем, балету во мне пробудился гораздо позднее. Это дает мне возможность отдохнуть и вдохновляет на новые песни.

В начале 80-х началась эра видео. Насколько это было важно для вас?

В Japan никто особенно не интересовался видео. Ведь это было только началом. И, если честно, мне до сих пор не особенно интересны видеоклипы. Для меня музыка имеет столько визуальных аспектов, что видеоряд сам по себе создается в голове. И я не люблю, когда мои собственные впечатления сужают рамками клипа. Только пару раз мне понравились мысли клипмейкеров, в которых Я увидел четкое отражение чувств, заложенных в песне. Но не более того.

Когда Вы впервые встретились с Ryuichi Sakamoto?

Мы встретились в 1979 или 1980 году в Японии. Он брал у Japan интервью для какого-то журнала. Я уже был наслышан о его работах, и мы скоро стали добрыми друзьями, быстро распустив слух, что собираемся работать вместе. Так оно в итоге и оказалось. Мы совместно написали песню для предпоследнего альбома Japan, и результат всем понравился. Особенно мне. Ведь Я всегда стремился найти достойного соавтора, которого, к сожалению, не было в Japan. Сакамото открыл для меня столько неизвестного в музыке, и я до сих пор горжусь, что сотрудничал с таким музыкантом. Как только мы начинали работать, я тут же переносился в другое измерение. Я и Ричи одинаково думали, говорили на одном языке, любили одну и ту же музыку и никогда не ругались. Это была идеальная работа!

Он сыграл важную роль в Вашем музыкальном образовании и мировоззрении?

Не совсем так. Мы просто учились друг у друга. Он помог в тот момент, когда я окончательно решил уйти из группы, еще не знал, что буду делать дальше.

Когда альбом Brilliant Trees стал пользоваться бешеным успехом, Вы полностью были удовлетворены своей сольной карьерой?

Для меня Brilliant Trees – это авантюра. Я достаточно погрузился в работу над этим альбомом, привлек к записи целую группу музыкантов, к которым отношусь с большим уважением, и постоянно находился в поиске новых идеи и направлений. Чем это могло закончиться, я тогда не знал.

Как Вы совмещаете работу над сольными альбомами с совместными проектами?

Без особых трудностей. Так получается, что один проект очень органично дополняет другой. Если, к примеру, на моем альбоме я лишь намекал на какую-нибудь тему, то в совместном пpoeкте она находила свое интересное продолжение. Это очень удобно, особенно когда у тебя много идей, которые просто невозможно включить в один альбом. На Brilliant Trees я записал пару треков с Холгером Чукаем (Holger Czukay) и Джоном Хасселом (John Hassel). Мне захотелось продолжить сотрудничество с ними, поэтому я пригласил их для работы над Words with the Shaman. Практически сразу после этого вместе с Робертом Фриппом я начал записывать Gone to Earth и работал до тех пор, пока результат полностью не удовлетворил меня. Фрипп, как мне показалось, остался доволен и предложил мне работать вместе и в будущем. Что впоследствии и произошло.

Вы являетесь поклонником King Crimson?

И да, и нет. Мой самый любимый альбом King Crimson Discipline. А вот с тем, что записывала группа до него, я абсолютно не знаком.

Вы до сих пор считаете себя аутсайдером?

Я просто нахожусь в стороне от любых модных течений, – я не хочу от кого-то или чего-то зависеть. Быть в стороне – это естественное для меня состояние, часть моей натуры. Не думайте, что мне хочется держаться особняком. Просто я не умею по-другому. Как-то заметил, что до тех пор, пока я не играю в какой-либо группе, все в моей жизни идет хорошо. Стоит же мне к кому-то присоединиться, начинаются проблемы. Работа в коллективе никогда не приносила мне творческого удовлетворения, да и окружающим со мной не всегда было легко.

Почему же тогда в конце 80-х годов Вы вдруг собрались вместе с бывшими участниками Japan в проекте Rain Tree Crow?

Когда я работал с Холджером, он показал мне различные способы написания музыки и текста, и мне захотелось испытать их самому. Для этого и был задуман Rain Tree Crow. Помню, мы отправились в одну студию, которая находилась на юге Франции, и несколько недель просто импровизировали. Это было самое продуктивное время в моей жизни. Никогда до этого я не чувствовал в себе столько потенциала, а дело-то было всего лишь в полном раскрепощении мыслей. Благодаря Холджеру я понял это.

Не было ли идеи вместе с Rain Tree Crow создать второй Japan?

Ну, мы знали, что нас воспринимают, прежде всего, как участников группы Japan, хотя это было уже совсем не так. У нас была разная философия, взгляды на жизнь и подход к работе. Поэтому мы даже не обсуждали: называться нам Japan или нет. Такой группы уже не существовало. Каждый из нас занимался совсем другим делом.

Рекорд-компания сожалела, что вы не стали вновь называться Japan?

Они были в курсе ситуации и знали, что по-другому быть не может. Мы морально подготовили их к этому.

Вы думаете, возможно вновь воссоединить группу, хотя бы в варианте Rain Tree Crow?

Сейчас мне это кажется маловероятным, но в жизни нельзя все предугадать, поэтому я допускаю, что такое может произойти. Со своим братом я дружу, но мои отношения с другими музыкантами Japan находятся в дрейфующем состоянии: мы не ругаемся, но и не общаемся. Бывает, встречаемся где-нибудь в ресторане, болтаем о жизни и о своих планах, но представить, что мы вновь собрались в студии и постоянно находимся вместе – выше моих сил. Я не уверен, что мы сможем вернуть прежнее уважение и доверие друг к другу.

А что Стив делал все это время?

Он работал с Миком и Ричардом (Mick Karn и Richard Barbieri) и даже записал материал на целый альбом. Кроме этого, он сотрудничал с несколькими японскими музыкантами и сделал пару коммерческих проектов. Но подробностей я не знаю.

Кто к кому чаще обращается?

Стив очень открытый и великодушный человек, который всегда рад обсудить любое предложение, и сам не скупится на них. Еще давно он сказал мне: «Если тебе понадобится поддержка и помощь – дай мне знать». Поэтому у меня есть на кого положиться.

Почему Вы переехали в Штаты, и не собираетесь ли Вы возвращаться обратно?

Я начал чувствовать клаустрофобию, живя в Лондоне, и решил уехать из этого города и, желательно, из Европы. Пока я раздумывал, куда бы мне поехать, на одной из вечеринок встретил свою будущую жену. Она из Миннеаполиса, и как-то само собой получилось, что мы перебрались в Штаты. Мы много путешествовали по Америке, побывали в разных городах, прежде чем нашли то место, в котором нам захотелось бы остаться жить. Им оказался родной для моей жены Миннеаполис. И за 10 лет я ни разу и не пожалел о том, что уехал из Англии.

Но сейчас Вы живете в Калифорнии. Почему Вы перебрались на юг?

По многим причинам. Но, прежде всего – холодный климат. Зима погружала меня в депрессию. Мне же очень нравится побережье, теплый океан. Это рождает во мне положительные эмоции.

Перемена климата каким-то образом отразилась на Вашей музыке?

Не могу сказать точно. Когда я переехал в Калифорнию, то написал практически половину Dead Bees on a Cake. Поэтому проследить, как климат влияет на творческий процесс, так и не смог.

Кстати, на Dead Bees on a Cake часто возникают образы света и облаков. Вам так нравится природа?

Даже живя в Миннеаполисе с его суровым климатом, я не переставал восхищаться местными красотами. Там действительно очень красиво, а воздух обладает каким-то особым свечением. Облака даже зимой остаются кристально чистыми и голубыми. А какие там весной грозы! Когда ты живешь в деревне или в небольшом городке, то автоматически начинаешь контактировать с природой. Просто пройтись по полю и подышать чистым воздухом – невероятное удовольствие! И даже после нашего переезда в Калифорнию, мы некоторое время жили вдали от цивилизации в маленькой хижине на холмах Hana. Это было прекрасное время. Горный воздух очищает не только легкие, но и мозги. Именно в таких местах рождаются настоящие стихи и музыка.

Именно тогда Вы почувствовали, что можете записать новый альбом?

Нет, задолго до этих событий. Просто у меня было столько дел: сначала запись с Робертом, потом в моей жизни появилась Ингрид, затем я начал строить собственную студию, занимался семьей. Так что работа на время была отложена. Но когда я вернулся к своим черновым записям, то удивился: почти все мне понравилось. Я лишь выкинул слабые куски в некоторых местах и вставил новые фрагменты. Благо, теперь у меня под рукой есть компьютер, иначе процесс записи Dead Bees... затянулся бы на годы. Хотя, если честно, эти компьютерные штучки мне не по душе, ничто не сможет заменить работу в студии с живыми музыкантами и инструментами.

Бывает так, что даже при наличии всех условий в студии, Вам не удается полностью выразить свою идею?

Я изучаю все нюансы песни до того, как переступаю порог студии. На запись я прихожу уже полностью подготовленным. Мне не нравится, когда человек в студии начинает делать разные упражнения для голоса, распеваться. Это занимает слишком много времени. Надо учиться уважать работу и интересы других людей.

Будучи автором текстов, аранжировщиком и мультиинструменталистом в одном лице, как Вам удается чувствовать, что Вы движетесь в правильном направлении?

Для меня не принципиально – брать на себя все эти функции. Просто я могу быть и тем и другим. Пока я работал один – многому научился. Эти знания помогают мне контролировать работу. Теперь я не могу даже представить себе, что кто-то будет руководить мной, что я могу отдать свой проект в руки других людей. Однажды у меня уже был печальный опыт: я записал демо и пригласил опытных музыкантов. Однако мне было сложно объяснить им, что я хочу услышать на альбоме. В итоге мне пришлось самому сыграть все партии.

Вы записываете партии, используя сэмплы или только настоящие инструменты?

Я использую сэмплы, пересэмплирую наработки других музыкантов, изменяю некоторые из них, чтобы они сочетались с общим звучанием альбома. В этом мне помогает компьютер, который дает значительную свободу в действиях и мыслях. Но, конечно, приоритетом для меня остаются инструменты. Я всегда использую много гитар, электрическое пианино, синтезаторы и так далее.

Как Вы выбираете музыкантов для студийной работы?

По-разному. С некоторыми я работал раньше, многие сами шлют мне свои записи, например Marc Ribot. Главный критерий для меня – это хороший музыкант с большим творческим потенциалом. Причем я не ставлю перед собой цель – приглашать для работы только известных профессиональных музыкантов. У них есть большой «минус» – они не могут постоянно работать на концертах. В такой ситуации я оказался, когда выпустил Brilliant Trees и собрался поехать в промо-тур. Поэтому я всегда тщательно выбираю состав.

Складывается впечатление, что все Ваши альбомы глубоко концептуальные.

Не совсем. Мне не нравятся концептуальные альбомы. Мои песни – это отражение настоящей жизни. Пожалуй, это единственная моя концепция.

Хорошо, а как Вы тогда придумываете название, например Dead Bees On A Cake?

Не обязательно относиться ко всему серьезно. Вы, наверное, послушав меня, решили, что я очень глубокомысленно ко всему отношусь и стараюсь во все вкладывать особый смысл. Для меня, к примеру, в этом названии заложено много юмора и нет никакой философии.

Ваша музыка сочетает множество стилей – от блюза и джаза до индийских мотивов. Как Вам удается смешивать их?

Я слушаю много разной музыки, поэтому все это рано или поздно появляется на моих альбомах. Мне действительно не важны стилистические различия треков. Мне важно, чтобы песни были созвучны друг другу.

Когда то Вы признались, что работа над альбомом является для Вас настоящим испытанием?

Возможно, раньше так и было. Сейчас же я нахожу в создании альбома большое удовольствие. Сожалею только об одном: многого не успеваю сделать.

Ваше имя окутано неким ореолом таинственности. Вам так важно поддерживать этот загадочный образ?

Есть актеры, которые принципиально не участвуют в ток-шоу. Они не хотят раскрывать свой подлинный внутренний мир, который возможно, прямо противоположен тому образу, который был создан ими в кино. Так и я, стараюсь держать дистанцию и представать перед людьми, прежде всего, как музыкант, а не человек.

За эти годы Вы проявили себя не только как музыкант, но и как заметный деятель искусства.

Это естественно. Если я не пишу песен, не работаю в студии, я сажусь со своей дочерью и начинаю рисовать. Это хорошая терапия для души.

Могут ли Ваши поклонники надеяться на концерты?

Не знаю, пока все в плане. Сейчас у меня даже нет своей группы.

По прошествии стольких лет, как Вы сейчас воспринимаете музыку 80-х?

Не знаю, что сказать. Восьмидесятые – моя эпоха, и я буду постоянно слушать эту музыку, даже через сто лет.

Вы испытываете ностальгию по ушедшим временам?

Нет, абсолютно.

А с чем тогда связан недавний выпуск сборников Everything & Nothing и Camphor. Не кажется ли Вам, что период переиздания старых песен немного затянулся?

Нет ничего страшного в том, что люди услышат еще раз свои любимые песни, да еще и в другом варианте. Я тщательно отбирал песни для Camphor, в который в итоге включены композиции, записанные в сотрудничестве с Холгером Чукаем, Робертом Фриппом, Биллом Heльсоном (Вill NеIsоп), Шри Маа (Shree Маа) и Rain Tree Crow. Первоначально планировалось, что основой альбома станут изданные или отобранные «куски» из длинных инструментальных композиций, которых у меня накопилось достаточно за 18 лет. Но такая работа меня не очень вдохновляла, поэтому я решил сделать своеобразные ремиксы, которые и использовал для сборника.

Чем Вы планируете заниматься в будущем?

Знаете, жизнь достаточно интересная штука и сама подсказывает, чем мне заняться. Возможно, я что-то запишу в ближайшем будущем, и, может быть, со мной в студии будет работать моя жена. Мы с ней уже хорошо спелись.

И Вы будете продолжать искать новые идеи?

Без этого я потеряю смысл не только в моей работе, но и в жизни. Не знаю, как у других, но у меня все построено на этом. Главное, я не потерял интерес к музыке, к самому себе, я чувствую жизнь и надеюсь, что это ощущение еще долго не покинет меня.

31.07.2007 года, Анастасия Бахметьева

Интервью 2

Шаг в сторону

Кажется, что каждый яркий музыкант должен обладать страстью, харизмой, что к его царственному сиянию люди должны слетаться, словно мотыльки на огонь или, в данном случае, как пчелы на мед. Но оказалось, что это не так. David Sylvian – это такой интробуддист, которого, видимо, мало волнует публика и слава. Его холодный, почти бесстрастный голос погружает в сон. Он не только музыкант, но и настоящий гипнотизер.

Дэвид, Вы назвали свой тур World Is Everything – что вы хотели этим сказать?

Это просто дань окружающему миру. На материальном уровне мы понимаем, насколько сильно мы влияем на природу. На духовном, философском уровне мы так и не постигли того, что нас окружает – нам еще предстоит много работать над этим. Назвав тур подобным образом, я, собственно, стремился признать этот факт. Название отражает и мое личное настроение: этот тур для меня последний, и я хочу это отпраздновать, посмотреть сейчас на все, что я сделал за эти годы.

Если для Вас важно состояние окружающей среды, принимаете ли Вы участие в каких-либо акциях по ее спасению, или ваша деятельность ограничена музыкой?

Да, я занимаюсь только музыкой. Я считаю, что это само по себе – уже акция. Для меня это определенная связь с природой на духовном уровне; я думаю, это будет производить свой эффект. Мы снова возвращаемся к духовному аспекту проблемы – важно то, как каждый из нас смотрит на жизнь и взаимодействует со всем, что вокруг.

Не могли бы Вы рассказать, над чем вы сейчас работаете?

Запись альбома Blemish дала мне мощный творческий толчок, у меня была масса идей, которые я начал было воплощать, но побочные проекты, над которыми я начал работать, несколько сбили меня с пути. Сейчас я возвращаюсь к тому, что хотел сделать тогда, ищу новые формы для своей музыки. Это долгий процесс, потому что все завязано на инсайте, на открытии, нужно очень осторожно работать с идеями и воплощать их в том виде, в котором я их представлял. Это очень эмоциональная, волнующая работа.

Ваши композиции с Blemish не очень-то легки для восприятия. Почему вы пошли на, своего рода, риск?

Моя задача как музыканта – найти свое пространство. Я очень много лет работал с одними и теми же музыкальными формами и чувствовал себя неплохо, пока не дошел до того, что стал повторяться. Появилась необходимость двигаться дальше. Я не знал, какое направление приобретут мои изыскания, но сам процесс меня захватил. Я понимаю и принимаю то, что материал с Blemish не был принят широкой аудиторией. Публика знала меня с другой стороны, мои ранние работы строились на традиционных схемах. Я должен был сломать эту модель, сделать резкое движение в сторону.

В этом туре Вы будете выступать в больших клубах. Значит ли это, что ваша программа будет составлена из хитов?

Я бы так не сказал. В нее будут включены яркие композиции со всех альбомов. Это последний раз, когда я буду исполнять свой старый материал, и этот подтекст, конечно, будет ощутим.

Ваш новый материал также основан на «пчелиной» концепции?

Нет. Ты можешь проанализировать материал после того, как он сделан, можешь проанализировать до, но никак не во время. Но сам процесс интуитивен, внезапен, никакой концепции в свою музыку я не вкладываю.

Публика очень ценит Ваши работы с Робертом Фриппом (Robert Fripp) и Холгером Шукаем (Holger Czukay), оба они выступали в России с концертами. Возможно ли когда-нибудь увидеть вас здесь выступающими вместе? И вообще, общаетесь ли вы до сих пор?

Вряд ли я хотел бы сделать что-то подобное тому, что мы с Робертом записали в начале 90-х. Я бы не назвал нашу совместную с ним работу достижением для себя, она также не очень хорошо вписывалась в контекст живого выступления. Роберт приходил один раз на запись Nine Horses, но мой опыт оказался не таким вдохновляющим, как я рассчитывал. Роберт – прекрасный музыкант и продюсер, но сейчас я не могу взять от него самое лучшее. Точно так же я не вижу себя в будущем, работающим над совместным проектом с Холгером.

Многие группы после многих лет перерыва воссоединяются вновь. Возможно ли для Вас возобновление работы со своим бывшим многострадальным коллективом?

Сейчас – нет.

04.10.2007 год, Анна Никитина

Дискография

1984 Brilliant Trees

1985 Alchemy – An Index of Possibilities

1985 World with the Shaman [with Jon Hassell, Steve Jansen & Holger Czukay]

1986 Buoy [with Mick Karn]

1986 Gone to Earth

1987 Secrets of the Beehive

1988 In Praise of Shamans

1988 Plight & Premonition [with Holger Czukay]

1989 Flux + Mutability [with Holger Czukay]

1989 Pop Song [single]

1989 Weatherbox 5CD

1991 Brilliant Trees – Words with the Shaman

1991 Rain Tree Crow [with Steve Jansen, Richard Barbieri & Mick Karn]

1993 Jean the Birdman 2CD [with Robert Fripp] [single]

1992 The First Day [with Robert Fripp]

1993 Darshan [with Robert Fripp]

1994 A New Dream [with Robert Fripp]

1994 Damage [with Robert Fripp]

1994 Kings – Second Chapter [with Robert Fripp]

1995 Slow Fire

1999 Approaching Silence

1999 Dead Bees On a Cake

1999 Godman [maxi single]

1999 I Surrender 2CD

2000 Everything & Nothing 2CD

2001 Damage [with Robert Fripp] [reissue]

2001 Everything & Nothing Tour 01

2001 Promise (The Rarities) 2CD

2002 Camphor 2CD

2002 Live in Avalon Night Club 2CD

2003 Alchemy An Index of Possibilities [remastered]

2003 Blemish

2003 Brilliant Trees [remastered]

2003 Cirque Royal, Brussels

2003 Gone to Earth 2CD [remastered]

2003 World Citizen [with Ryuichi Sakamoto]

2005 Out in the Sticks [with Burnt Friedman & Jaki Liebezeit]

2005 The Good Son vs The Only Daughter - Blemish Remixes

2005 The Road to Graceland 2CD [with Robert Fripp]

2006 Rain Tree Crow [with Steve Jansen, Richard Barbieri & Mick Karn] [remastered]

2006 Secret of the Beehive [remastered]

2007 Naoshima – When Loud Weather Buffeted

2007 The World is Everything Tour – Live at the Cigale, Paris

2009 Amplified Gesture

2009 Manafon

2010 Sleepwalkers

2011 Died in the Wool – Manafon Variations 2CD

2012 A Victim of Stars: 1982-2012

2012 Wandermude [with Stephan Mathieu]

2014 There’s a Light That Enters Houses with No Other House in Sight [with Franz Wright & Christian Fennesz]

Nine Horses

2005 Snow Borne Sorrow

2007 Money for All

Ссылки

http://www.davidsylvian.com/ – Официальный сайт

Биография

Музыка всегда занимала центральное место в жизни Пола. Он заинтересовался игрой на гитаре в школе, когда ему было 11 лет, но, кроме этого, он никогда не получал никакого формального музыкального образования, предпочитая, чтобы его стиль и талант развивались самостоятельно. Страсть к сочинению и записи музыки он открыл в Сингапуре, когда его отец дал ему доступ к инструментам и четырёхдорожечному магнитофону.

Эволюция музыки Пола в сторону инструментального стиля нью-эйдж началась после того, как он открыл для себя диск Мэдвина Гудалла Clan. Этот эмоциональный и трогательный диск пронизан страстью к жанру и служит постоянным источником вдохновения. В 2003 году он написал свои первые четыре альбома (Astral Doorways, Walking Across Heaven, Devas – Nature Spirits и Legend of the White Horse) в стиле нью-эйдж, основанные на рассказах и поэмах. Именно благодаря выдающемуся качеству его работ он вскоре был признан (теми, кому посчастливилось услышать его музыку) артистом высокого уровня.

В 2012 году, после двухлетнего перерыва, Силлс появился вновь сразу с двумя новыми альбомами – Meridian и White Light, которые продемонстрировали дальнейший прогресс его музыкального стиля, который, с одной стороны, моментально опознаётся слушателями его альбомов, а с другой приобрёл черты мелодичной электронной space-музыки, так часто связываемую с его новым лейблом AD-music (четыре альбома Силлса были выпущены Медвином Гудаллом на домашнем лейбле MG-music).

Astral Doorways Нежное, но завораживающее произведение, под которое можно расслабиться, но при этом дать волю своему воображению. Пол станет артистом, на которого стоит обратить внимание, поскольку его музыка обладает редким мелодическим качеством и даром напевать те несколько нот, которые вы обнаруживаете спустя несколько дней, задаваясь вопросом, что же это такое вы напеваете. Его музыка проникает в ваш разум. Настоятельно рекомендуется!!!

Walking Across Heaven Вдохновлённый историями из загробной жизни. Есть люди, которые пережили физическую смерть и увидели, что находится за гранью этой жизни, их встречали ушедшие близкие, которые возрождались, чтобы рассказать о том, чему они были свидетелями. Существуют также медиумы и экстрасенсы, обладающие способностью проникать в мир духов. Этот диск основан на таких рассказах и в музыкальном отношении является отражением другого мира, существующего за пределами нашего. Музыка удивительно образная и вдохновляющая, с чувством покоя, удивления и, прежде всего, посланием любви и надежды.

Legend of the White Horse Прокатитесь с ветерком, затеряйтесь в лесах, полях и реках вместе с легендой о белом коне.

Devas – Nature Spirits Слово deva происходит из санскрита и означает «существо яркого света». Оно используется для обозначения нефизического существа. В своих астральных сферах дэвы заняты тем, что создают и исцеляют наш природный мир.

Towards Enlightenment Пол Силлс возвращается с лучшим на сегодняшний день альбомом! Драматическое продолжение альбома Walking Across Heaven.

Дискография

2006 Openland

2007 Astral Doorways

2008 Walking Across Heaven

2011 Legend of the White Horse

2013 A Sketchbook of Summer

2013 Devas – Nature's Spirits

2013 Meridian

2013 Towards Enlightenment

2013 White Light

2014 Eternal Now

2014 Memories from Sleep

2015 Awake & Dreaming

2015 The Best of

2016 Devas 2 – Ocean Spirits

2016 Night Spa

2016 While Angels Sleep

2017 Electric Storm

2017 Turquoise Tides [single]

2018 Aniem

2018 Universe Within

2018 Within Parallels

2019 Postcards from a Dream

2020 Silent Ocean

2023 Pulse

Ссылки

https://medwyngoodall.com/paul-sills – Официальный сайт

Биография

Thomas Fanger – участник дуэта Mind-Flux, также в 1979 году участвовал в фестивале Klangmeile (Берлин).

Analog Overdose 4+ Неожиданно очень красивая по саунду вещь. Сделана в звуке раннего Tangerine Dream с элементами новизны и признаками новой берлинской школы. Секвенсорика. Два эпика по 20-25 минут. В первую очередь работа похожа на один из лучших дримовских бутлегов Reims Cathedral (1974), есть намеки на Rubycon (1975) и Encore (1977). На счет вторичности работы можно спорить. С одной стороны явная ориентация на прогэлектронную классику с явно заимствованным саундом. С другой стороны есть некоторый эффект новизны и есть признак таланта (что с ретроградами происходит достаточно редко) – вещь заводит.

Analog Overdose 2 2Cd К сожалению эта работа ожидания, заложенные в именах авторов, не оправдала. CD1. Звук у диска мягкий и приятный, но в целом работа скучновата. Иногда звуковыми вкраплениями диск напоминает Moodawn (Klaus Schulze, 1976). Есть эстетические отсылки к Tangerine Dream разных лет, в основном второй половины 70-х. CD2. Первый трек – тревожно-пассионарное мелотронное море. Эстетика 3-го трека второго диска: мелотронный амбиент. Интересно, что этот трек по своей структуре, развитию и возможно отдаленно по фактуре, но не по саунду напоминает En attendant Cousteau (Jean Michel Jarre). Так как успеха Cousteau он не повторяет, второй диск также все-таки скучноват.

Stromschlag В целом альбом достаточно скучен. Но есть и удачи. В первую очередь 23-х минутный трек See You Later in Bozeman. Отдаленно и фрагментарно трек напоминает кое-что из OST отечественного мультфильма «Тайна третьей планеты» c его несколько детским наивным space-music. Эти элементы реализуются на фоне мейнстримного берлинского секвенсорного пульса с традиционным мелотронным звуком. В западном электронном прогрессиве аналогов настроению «Тайны третьей планеты» мне подобрать не удалось. Разве что столь же очаровательно по-детски наивны некоторые Oxygen-ы Jean-Michelle Jarre (в частности 5-й и 3-й). Трек Gallatin Field из рецензируемого альбома отчасти продолжает успех See You Later... (Vangelis, 1980). Из списка неудач: первый трек, Wild Joes, сделан в техно-эмбиенте. Это слышно не по биту, а по окрасу звука. Очень близок к нему Bestiary Robert-а Richa. Однако если Ричу удалась некая относительно новаторская атмосфера и креатив, здесь получился лишь только стереотип. Это не привлекательно и не интересно. А учитывая, что этот саунд лет 20 как лезет отовсюду в уши, он скорее портит альбом.

Analog Overdose 0.9 Три достаточно условно и с натяжкой интересных трека: Rendezvous Im Theater, The Trees Turn Tangerine (Live), Electronic Mirrors Part 3. Новых находок нет, свежего креатива тоже по минимуму. Строго по рецепту выполненная работа, скучно.

Analog Overdose - The Ricochet Dream Edition 2CD Начало альбома (весь трек Electronic Mirrors CH. II-IV) очень красивый шумовой коллаж: взрывающиеся сверхновые, аккрецирующие на черные дыры облака пыли, сверхмощные осцилляции гравитационных и электромагнитных полей вблизи космических катастроф. Трек вполне повторяет успехи шумовых коллажей Radio Massacre International: Send-Off, Raw Cane Approach (альбом Republic, 1996), Quarry (альбом Lost in Space CD4, 2006) и других. Далее, трек Encore, работа переходит в мистический мелотронный саунд. Подобной таинственности Tangerine Dream добивались на Atem и Phaedra, создавая впечатления первой разведки на открываемой планете. Первая половина Encore вполне близка к успехам Tangerine Dream, дримолюбов она вполне может очаровать. Завершается альбом умиротворенным электронным пейзажем в саунде целого ряда работ Берлинской школы 80-х годов, несколько в нью-эйджевом духе (Iohannes Schmoelling, Harald Grosskopf, Robert Schroeder, некоторые работы Bernd Kistenmacher). Пейзаж, кстати, сдержанный, северный, как и многие работы перечисленных авторов. Самый финал, песня китов, возвращает к впечатлениям инопланетной жизни. Отличный альбом в духе тем космической романтики дальнего космоса и исследований границ космической ойкумены раннего Tangerine Dream (альбомы Zeit, Atem, Phaedra, Rubycon, Ricochet, Encore). Второй диск в основном секвенсорная музыка. Аналоги настроений Liquid Tape 5 можно найти в 80-х годах у Tangerine Dream, в их работах сделанных в эстетике музыкальных пейзажных зарисовок пустынь. В Liquid Tape 5 также есть намеки на Pinnacles (Edgar Froese, 1983). Настроения задели слабо. Более интересен трек 10 P.M. At Bad Sulza. Здесь есть эффектные гулы, мелотроны и красивый секвенсорный пульс. В целом же второй диск альбома явно слабее первого.

Дискография

1995 Fanger & Siebert [with Jan Siebert]

1995 Floating Analogics [with Jan Siebert]

1995 Saeurebotti - Klerasol [with Jan Siebert]

1997 Script [with Michael Kersten]

1999 Interkosmos [with Michael Kersten]

2000 Splashdown [with Michael Kersten]

2001 Analog Overdose [with Mario Schonwalder & Lutz Ulbrich]

2002 Electronic Mirrors – Live in Berlin 2002 2CD [with Mario Schonwalder]

2003 Analog Overdose 2 2CD [with Mario Schonwalder]

2003 Analog Overdose 3 [with Mario Schonwalder & Klaus Hoffmann-Hoock]

2004 Analog Overdose – The Ricochet Dream Edition 2CD [with Mario Schonwalder]

2005 Parlez-Vous Electronique?

2006 Analog Overdose 0.9 [with Mario Schonwalder]

2007 Analog Overdose 4 2CD [with Mario Schonwalder]

2007 Analog Overdose 4+ [with Mario Schonwalder]

2008 Elektrik Massage [with Michael Kersten]

2008 Stromschlag [with Mario Schonwalder]

2009 Elektrik Cowboys [with Mario Schonwalder & Rainbow Serpent]

2012 Analog Overdose – In the Applebaum Nebula [with Mario Schonwalder]

2012 Analog Overdose – The Road Movie [with Mario Schonwalder]

2013 Earshot [with Mario Schonwalder & Cosmic Hoffmann]

2013 Entspannung Pur – Pure Relaxation – Wonderfull Healing & Chill Out Music [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2013 Mopho Me Babe Remixes [with Mario Schonwalder & Cosmic Hoffmann]

2014 Analog Overdose 5 [with Mario Schonwalder & Lutz Graf-Ulbrich]

2014 Analog Overdose 5.1 [with Mario Schonwalder]

2016 Analog Overdose - The Pool Concert [with Mario Schonwalder]

DVD

2013 Entspannung Pur – Pure Relaxation – Wonderfull Healing & Chill Out Music [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

Ссылки

http://www.starflux.de/ – Официальный сайт

Биография

Phil Coulter (родился 19 февраля 1942 года) – ирландский музыкант, автор песен и продюсер из Дерри, Северная Ирландия. Его музыкальная карьера охватывает почти четыре десятилетия, и его альбомы являются самыми продаваемыми в Ирландии. В октябре 2009 года в Дерри композитор был награждён золотым знаком Британской академии авторов песен, композиторов и музыкантов (BASCA).

На счету Коултера 23 платиновых диска, 39 золотых дисков, 52 серебряных диска, две премии Гран-при Евровидения; пять премий Ivor Novello, в том числе «Автор песен года»; три премии Американского общества композиторов, авторов и издателей; номинация на премию Grammy; премия Meteor, Национальная премия в области развлечений и Rose d'Or d'Antibes.

Начало

Моё рождение 19 февраля 1942 года было чем-то вроде разочарования. Хотя родители праздновали моё появление на свет, как четвёртого ребёнка и третьего сына, моё появление осталось совершенно незамеченным для внешнего мира. Справедливости ради следует отметить, что в то время было несколько отвлекающих факторов, главным из которых была Вторая мировая война, охватившая всю Европу.

Я вырос в Дерри, Северная Ирландия, в эпоху бомбоубежищ и пайковых книжек. Всё приходилось покупать по талонам – от предметов первой необходимости, таких как одежда, чай и сахар, до предметов роскоши, таких как пирожные и шоколад. Последняя категория в нашей семье не представляла особой трудности. Мы всё равно никогда не смогли бы их себе позволить! У меня было два старших брата, старшая сестра и младшая, с разницей в год или около того между каждым из нас.

Мой отец был полицейским, одним из немногих католических констеблей в Королевской полиции Ольстера, и мы жили в простом доме с террасой на две стороны.

Самым ценным и дорогим предметом мебели было пианино Challen. Наш дом всегда был полон музыки.

Мой отец был родом из Странгфорда в графстве Даун. Он играл на скрипке. А моя мать, которая была из Белфаста, из Маркета, играла на пианино. Они не были особенно хороши, но это не имело значения. Они наслаждались каждой нотой. И от них я научился этой любви к игре и чистой радости от музыки.

И казалось, что если в округе и был повод для вечеринки, то только у Коултеров.

Образование

Я учился в колледже Сент-Коламб в Дерри. Там были очень сильные академические традиции, и акцент делался на достижениях. Это был твой билет оттуда, твой билет к лучшему.

Наверное, они что-то сделали правильно, потому что среди других выпускников этого места примерно в то время были Брайан Фрил (драматург), Шеймус Хини (лауреат Нобелевской премии по поэзии), Шеймус Дин (писатель и профессор английского языка в Нотр-Даме) и Джон Хьюм (лауреат Нобелевской премии мира).

Было несколько человек из Сент-Коламбса, которые получали Государственные стипендии. Я думаю, что они присуждались, возможно, двадцати лучшим местам на севере Ирландии на выпускных экзаменах, и, как вы можете себе представить, за них шла острая борьба. Для Сент-Коламбса, католического колледжа, полного детей из рабочего класса, получавших стипендии, было предметом особой гордости, что они могут соревноваться с лучшими из «шикарных», более привилегированных заведений. Поэтому существовала своеобразная традиция: если ты удостаивался Государственной стипендии, ты приходил и просил свободный день для всей школы. Слух пронёсся по школе, казалось, что все ученики собрались у входа. Я подошёл и попросил главу школы о свободном дне.

И хотя существовала эта давно установившаяся традиция, он как бы раздумывал и размышлял об этом, сказал: «Ну, я не знаю», потом: «Ладно, ладно, Коултер… полагаю, вам лучше сообщить им об этом!»

И я вышел на верхнюю площадку лестницы, а внизу собралась вся школа, и я просто сказал: «ДА!» И по сей день я помню все глаза и лица. И это ощущение, что я местный герой, было таким пьянящим. Оно никогда не покидало меня.

Через несколько недель после начала первого семестра обучения музыке в Университете Куинс, Белфаст, я создал свою собственную группу, и с этого момента моя судьба была предрешена.

Я проводил свои дни увлечённо слушая Палестрину и играя полифонию конца 16 века, а ночи – ещё более увлекаясь Фэтсом Домино и играя рок-н-ролл начала 60-х годов.

К последнему курсу университета я уже написал пару хитов в Ирландии, и в 1964 году для меня существовало только одно место на планете – ЛОНДОН!

Лондон в эпоху зажигательных шестидесятых

Лондон середины 60-х годов был самым интересным местом на земле. Я получил работу аранжировщика / автора песен в музыкальном издательстве на Денмарк-стрит, лондонской аллее Тин Пэн, и мне это нравилось. Правда, первые несколько месяцев были довольно разочаровывающими. Вместо аранжировки партитур для всех ведущих звёзд, как я себе представлял, я делал сэндвичи для всех офисных девушек!

Через несколько лет я объединился с немного сумасшедшим шотландцем по имени Билл Мартин, и мы присоединились к прославленной группе уличных дуэтов авторов песен – Роджер Гринуэй и Роджер Кук, Лес Рид и Барри Мейсон, Митч Мюррей и Питер Калландер, Альберт Хаммонд и Майк Хэзлвуд.

Чтобы пополнить денежный поток, я также подрабатывал пианистом и работал в студии или на сцене со всеми – от Вана Моррисона и Тома Джонса до Джерри Ли Льюиса и The Rolling Stones. Жизнь была иногда неспокойной, но никогда не скучной.

В течение нескольких лет мы написали наш первый крупный хит Puppet On A String, который выиграл конкурс песни Евровидение в Великобритании в 1967 году. В дальнейшем песня стала огромным международным хитом, набрав более 100 версий. В следующем году мы были близки к тому, чтобы сделать дубль с песней Congratulations Клиффа Ричарда. Мы не победили, но у нас был ещё один огромный мировой хит.

Между этими двумя песнями мы продали более десяти миллионов записей. Теперь мы были в деле!

Сенсационные семидесятые

Следующие 15 лет были для нас прекрасным приключением. Не каждая песня, которую мы писали, становилась хитом. Не каждый проект был победителем. Но у нас было больше, чем просто успех, и мы чертовски много смеялись.

В 1970 году мы продолжили нашу невероятную удачу на конкурсе песни Eurovision и одержали ещё одну победу – песню All Kinds of Everything, исполненную Даной, представлявшей Ирландию, которая также была родом из Дерри, что сделало меня немного героем дома, а моих маму и папу – звёздами нашей улицы!

В тот год страна была охвачена футбольной лихорадкой. Это был год World Cup, и Англия, как действующий чемпион, отправлялась в Мексику, чтобы защитить свой титул. Нам пришла в голову идея записать сингл и альбом вместе с игроками. Сегодня, когда футбольные альбомы стали нормой, трудно поверить, что тогда это считалось совершенно безумной идеей! Тем не менее, мы упорствовали, и в тот самый день, когда команда улетала, и альбом, и сингл Back Home заняли первое место в чартах.

Мы просто не понимали, что мы затеяли!

Ричард Харрис, который был крупной кинозвездой, стал неожиданным хитом с блестящей и сложной семиминутной песней McArthur Park. По любым стандартам это была поп-классика, но Харрис вернулся к съёмкам фильмов.

Мы с Харрисом часто выпивали в одном и том же пабе в Челси, The Queens Elm, популярном среди ирландских эмигрантов. Мы подружились, и я уговорил его вернуться в студию и снова записываться. Результатом стал хитовый сингл и альбом под названием My Boy. После этого мы восемь недель гастролировали по США. Я мало что помню об этом туре, а о том, что я помню, вы не захотите слушать. Поверьте, мне.

У нас были дикие времена вне сцены и незабываемые моменты на сцене, включая концерт с London Symphony Orchestra. Но Харрис снова вернулся к съёмкам фильмов.

Это был настоящий бонус и одно из самых острых ощущений в моей жизни, когда два года спустя песня My Boy стала международным хитом для Элвиса Пресли.

В начале семидесятых появилось новое явление – Teenybopper, и звукозаписывающие компании осознали, что дети, которые покупали синглы, были на десять лет моложе, чем раньше!

Мы начали искать группу, которая могла бы стать хорошим проводником для наших песен. Неожиданно мы получили звонок от Дика Лихи, который руководил Bell Records. У него была группа, в которую он верил, но ей очень нужны были песни и продюсирование. Это была группа The Bay City Rollers, и родилась небольшая индустрия.

Как авторы и продюсеры мы продали миллионы пластинок с Remember, Shang-A-Lang, Summer Love Sensation, All of Me Loves All of You, у нас были пластинки номер один в США с синглом Saturday Night и альбомом Rollin, и мы с трепетом наблюдали, как Roller Mania стала всемирным увлечением, пронесённым от Южной Америки до Дальнего Востока. Счастливые дни!

Наша тинейджерская машина продолжала выдавать хиты. У нас было пять хитов в первой десятке с группой Kenny (Heart of Stone, Give It Me Now, The Bump, Fancy Pants, Julie Anne), и огромный номер один Forever & Ever для Slik с участием Midge Ure, которые продолжили свою карьеру, включая Ultravox и Band Aid.

Примерно в это время мне позвонил менеджер Slik из Глазго. Он пытался убедить меня принять участие в другом проекте, которым он руководил. Он описал его как шотландского народного певца, который играл на банджо, рассказывал несколько приколов и был просто немного сумасшедшим. Весь этот набор показался мне очень плохой идеей, и я сказал: «Спасибо, но не надо!» Однако он оказался очень убедительным человеком и уговорил меня поехать в Шотландию, чтобы услышать это выступление. Как же я рад, что передумал, потому что этот артист имел огромный мировой успех и, что ещё важнее, стал одним из моих самых близких друзей. Как его зовут? Билли Коннолли!

Ирландские корни

В окружении всего этого безумия я смог сохранить рассудок, работая на несколько более спокойных просторах ирландской народной музыки. У меня всегда была страсть к ирландской музыке, и я полагаю, что мой коммерческий успех означал, что я мог побаловать себя, работая с некоторыми из лучших исполнителей.

Если музыка тинибопперов была хороша для моего банковского баланса, то ирландская музыка была хороша для моей души!

В начале семидесятых я выпустил три новаторских альбома с Planxty (в составе Liam O'Flynn, Donal Lunny, Andy Irvine и Christy Moore) Они оказали огромное влияние на ирландскую музыку, и даже сегодня в музыке Riverdance есть сильные следы Planxty.

Как автор песен я чувствовал, что у меня есть шанс писать песни более содержательные, работая в этой идиоме, и действительно, некоторые из моих личных любимых песен относятся к этому времени.

Например, именно во время трёхлетнего периода продюсирования Dubliners я написал песни Scorn Not His Simplicity и The Town I Loved So Well, которые были представлены миру уникальным голосом Люка Келли.

Я также прекрасно провёл время, выпуская несколько очень успешных пластинок с The Furey Brothers. Sweet Sixteen, возможно, был их самым большим хитом, но я особенно привязан к их версиям моих песен The Old Man и Steal.

Спокойствие

Несомненно, именно моя страсть к ирландской музыке натолкнула меня на мысль о том, что однажды я смогу записать инструментальный альбом моих любимых ирландских мелодий.

Такая возможность наконец-то представилась в 1984 году. Я расстался со своим многолетним партнёром Биллом Мартином и решил посвятить себя проектам, которыми хотел заняться в течение многих лет. Одним из них оказался альбом под названием Classic Tranquility.

Я взял несколько замечательных мелодий, на которых я вырос, и сделал для них аранжировки и оркестровки, которые я считал свежими, сохраняя при этом простую красоту мелодий. Затем я записал их, используя мою излюбленную ритм-секцию и струнные, в моей любимой современной студии.

Я был доволен результатом и надеялся, что люди разделят моё удовольствие от музыки. Я был уверен в качестве альбома, но ничто не могло подготовить меня к невероятной реакции. Он просто взлетел!

За несколько месяцев он стал самым продаваемым альбомом в Ирландии – мы даже обогнали Папу Римского!

Я понял, что попал в точку с этой комбинацией, и это было так приятно и так волнующе – иметь хитовый альбом в качестве исполнителя!

Я не мог дождаться возвращения в студию, чтобы посмотреть, сможем ли мы повторить этот процесс, что отнюдь не было предрешено. К моему огромному облегчению, Sea of Tranquility обошёл Classic и занял второе место среди ирландских бестселлеров всех времён! Казалось, у меня началась новая карьера!

Отправляйся в путь, Джек

Пятнадцать лет и столько же альбомов спустя, я могу оглянуться на это приключение, иногда с недоверием, но всегда с любовью и благодарностью.

Максимумы были потрясающими:

Турне по США от побережья до побережья.

Четыре аншлага в Карнеги-холле.

Выступления перед королевским командованием от Японии до Финляндии.

Три личных приглашения от президента США выступить в Белом доме.

Выступление перед 600 000 зрителей на Капитолийском холме в Вашингтоне с Национальным симфоническим оркестром.

Марш во главе парада в честь Дня Святого Патрика в Нью-Йорке с мэром Джулиани.

Запись и гастроли с Джеймсом Голуэем.

Совместное выступление с Грегори Пеком в соборе Святого Патрика.

Воспоминания такие яркие, такие особенные, заветные и никогда не забываемые.

Песни и продюсирование

После Winter's Crossing я взял некоторое время перерыва в выступлениях, чтобы создать пару очень интересных проектов. Один из них, с ирландской виртуозкой фортепиано Алисон Худ, представлял собой современные аранжировки музыки самого влиятельного классического композитора Ирландии Джона Филда.

Второй дал мне возможность поработать со старым другом и уроженцем Дерри Рома Дауни. (Touched by An Angel). На альбоме, названном Healing Angel, Рома произносит слова старых кельтских молитв и слова мудрости в сопровождении оригинальной музыки, которую я написал. Альбом попал в чарт BillBoard New Age и теперь стал чем-то вроде предмета коллекционирования.

2000 год был особенно памятен тем, что мой альбом Highland Cathedral был номинирован на Grammy. Несмотря на то, что альбом получил очень хорошие отзывы и сразу после выхода попал в чарт, номинация пришла неожиданно и совершенно ошеломила меня!

После почти 40 лет работы в качестве сценариста / продюсера было так волнительно получить признание как исполнитель. Церемония вручения премии в Лос-Анджелесе и общение с другими номинантами Grammy – это воспоминания, которые я всегда буду бережно хранить.

Я осмелюсь сказать, что именно это признание придало мне смелости продолжить работу над альбомом, который был очень рефлексивным и глубоко личным.

Из всех моих альбомов Lake of Shadows, вероятно, является тем, которым я больше всего горжусь. Озеро, о котором идёт речь, – Lough Swilly, в Донеголе. Любопытно, но говорят, что именно здесь некий морской капитан по имени Джон Ньютон написал Amazing Grace, попав в безопасное место на берегу озера во время бушующего шторма в Северной Атлантике. Здесь также происходили некоторые важные события в истории Ирландии, включая бегство графов в 1607 году и пленение Вульфа Тоуна во время Великого восстания в 1798 году.

Это место глубоко вплетено в мою собственную жизнь. Оно было местом самых счастливых моментов в моей жизни, когда я играл и плавал там со своими братьями и сёстрами во время летних каникул, и самых трагических, когда в двух разных случаях я потерял моего брата Брайана и мою юную сестру Сид, они утонули.

Мне повезло, что я смог позвать пару чрезвычайно талантливых друзей, Liam Neeson и Sinead O'Connor, для участия в этом альбоме. Это стоит проверить.

Мой следующий проект, The Songs I Love So Well, опять же, был чем-то другим – полностью вокальным альбомом, где я пел свои собственные песни. Наши первые концерты были полностью инструментальными, но постепенно, в ответ на многочисленные просьбы, я начал вводить несколько вокальных композиций, пока этот ингредиент не стал очень важной частью наших выступлений.

Люди стали спрашивать, где можно найти мои вокальные версии песен The Town I Loved So Well, The Old Man или Steal Away. Другие спрашивали, где можно достать слова и музыку. Поэтому мы решили убить двух зайцев одним выстрелом и выпустили альбом и нотный фолиант The Songs I Love So Well.

Текущие проекты

Новое Тысячелетие

Отметив рубеж веков номинацией на премию Grammy, вскоре после этого мы столкнулись с совершенно новыми проблемами.

В 2003 году RTE, наш национальный телеканал, пригласил меня вести собственное шоу Coulter & Company. Это шоу длилось три сезона, было чертовски весёлым и позволило мне принять участие в программе, в которой участвовали мои друзья и музыкальные герои, от Джона Прайна до Альберта Хаммонда, от Нэнси Гриффит до доктора Хука, от Ральфа МакТелла до группы Dubliners.

Пыль едва успела осесть на этом проекте, как я с головой окунулся в работу над созданием новой группы Celtic Thunder. Я даже придумал название во время сильного шторма, когда мы записывались в моей любимой студии в Гленс оф Антрим. Начиная с кастинговых прослушиваний и заканчивая написанием всего оригинального материала, выбором репертуара и исполнением обязанностей музыкального руководителя, в студии и на гастролях, в течение четырёх лет это был мой приоритет номер один. Это была тяжёлая работа, но я получил огромное удовлетворение, наблюдая за её огромным успехом по всей США.

Это стало феноменом. Первые шесть Special были рекордными. Все они заняли высокие места в Billboard World Music Charts, а большинство из них были сертифицированы как дважды платиновые. Это было большое приключение и достижение, которым я безмерно горжусь.

Вот краткий обзор выдающихся событий в последующие годы.

2009

За выдающиеся достижения Британская академия авторов песен, композиторов и авторов вручила мне высшую награду – Золотой Знак.

2010

Передача An Irish Christmas, которую я вёл и снимал на месте, с участием Ромы Дауни, Мойи Бреннан, Джин Батлер, Фрэнка МакКурта.

2011

Heartland, композиторский привет Celtic Thunder, CD, выпущенный на Shanachie Records.

2012

Irish Repertory Theatre, вне Бродвея в Нью-Йорке, в течение пяти недель ставил моё шоу The Songs I Love So Well, получившее большое признание критиков.

2013

Дерри назван городом культуры Великобритании. Мне поручают сочинить новый гимн Дерри. A Bright, Brand New Day. Выступаю с двумя распроданными концертами с симфоническим оркестром Ольстера. Круг почёта в родном городе!

2014

Турне по США от побережья до побережья, кульминацией которого стало триумфальное возвращение в Carnegie Hall, вызвавшее овации при полном зале, включая президента Клинтона.

2015

Выпуск диска Echoes of Home с выступлениями Пола Брэди, Финбара Фьюри и Билли Коннолли.

2016

Награждён почётной докторской степенью Ирландско-американского университета.

2017

Национальный рецензент называет моё One Man Show «чистым золотом», что побуждает меня выпустить альбом и начать одноименное турне по всей стране.

2018

Открытый университет присуждает мне почётную докторскую степень (уже пятую!).

2019

Gill Books публикует мои мемуары Bruised, Never Broken. В первую же неделю они занимают третье место в моём местном книжном магазине!

2020

Появляется COVID, и все ставки сделаны. Подбадриваемый молодыми членами моей команды, я беру социальные сети за рога, проводя 22 недели Lockdown Lounge каждую субботу и выкладывая пару видео каждую неделю.

Спрос только растёт, пока, благодаря нашему последнему материалу Scorn Not His Simplicity с участием Райана Хеннесси, мы набрали более четверти миллиона просмотров. Счастливые дни.

Вперед И Вверх!

Дискография

1983 Classic Tranquility

1984 Sea of Tranquility

1984 Tranquility

1985 Irish Reflections

1985 Magic Touch

1985 Peace & Tranquility

1985 Phil Coulter's Ireland

1985 The Magic of Phil Coulter

1986 Serenity

1987 Phil Coulter's Christmas

1988 Forgotten Dreams

1989 Words & Music

1990 Dreams of Scotland

1990 Scottish Tranquility

1992 A Touch of Tranquility

1993 Recollections

1993 The Magic of Phil Coulter 2CD

1994 American Tranquility

1994 The Essential Collection

1996 Celtic Horizons

1996 Celtic Tranquility

1997 Celtic Collections

1997 Legends [with James Galway]

1998 Winter's Crossing [with James Galway]

1999 Healing Angel

1999 Local Heroes

1999 Tranquility Gold – The Very Best of

2000 Highland Cathedral

2001 Lake of Shadows

2002 A Song for Ireland

2003 Coulter & Company

2004 Classic Country

2003 The Songs I Love So Well

2006 Classic Serenity

2006 Timeless Tranquility

2009 Total Tranquallity

2010 The Legend

2011 Heartland

2011 Reflections

2014 Echoes of Home

2019 Return to Tranquility

Ссылки

http://www.philcoulter.com/ – Официальный сайт