Биография

Волшебник и мистификатор звуковых визуализаций Phil Thornton записал уже более 20 сольных альбомов, общий тираж которых составил порядка 800 тысяч копий. Его карьера началась в 80-х, когда Phil Thornton выступал в составе группы Expandis, прославившейся своими экспериментами в области электронной музыки.  Уже два первых эмбиентных альбома Торнтона Cloud Sculpting  и Edge Of Dreams попали в ньюэйджевский чарт популярного музыкального издания New Musical Express и сейчас бесспорно считаются классикой жанра.

Важную роль для широкого распространения музыки нью-эйдж сыграло создание Торнтоном музыки к популярной компьютерной игре Dungeons & Dragons. Phil Thornton активно использует как аутентичные инструменты, так и последние достижения современной музыкальной индустрии. Он много сотрудничает с ведущими мировыми исполнителями этнической музыки. Наибольший успех имело сотрудничество Торнтона с признанным музыкантом в жанре world music Хоссамом Рамзи (Hossam Ramzy). Их совместный альбом Immortal Egypt, вышедший в 1999 году, удостоился первого места по итогам присуждения ежегодных наград респектабельным американским журналом New Age Voice.

Как концертный исполнитель, Phil Thornton, много раз участвовал в различных шоу, а также неоднократно появлялся на телевидении, как в Европе, так и в Латинской Америке. Его музыку любят использовать многие радиостанции. Phil Thornton - один из тех исполнителей, коими славится известная английская студия "New World Music", издающая преимущественно нью-эйдж и музыку для целительства и релаксации.

Egypt Unveiled [with Hossam Ramzy] И вновь, место встречи – Каир, Египет. Более чем семнадцатилетнее партнерство Хоссама Рамзи и Фила Торнтона не завершилось с окончанием их знаменитой «египетской» трилогии и было продолжено на новом альбоме, получившем название Egypt Unveiled. Для его в записи в каирской студии Рамзи собрались известные египетские музыканты, каждый из них в совершенстве владеет одним из инструментов, без которых невозможно представить себе музыку этой страны: Абдалла Хелми исполнил партии на флейтах кавале и най, Мосен Аллам играл на аккордеоне, Али Шейкер колотил молоточками по струнам цитры (которая здесь называется ганун). Также большой удачей сами Хоссам и Фил назвали участие Амина Шахина, который играет на очень редком инструменте, который не часто можно услышать даже в традиционной музыке региона – на аргуле, бамбуковом «двойном» кларнете. Egypt Unveiled — гармоничное объединение двух взглядов на Египет, на его историю и современность. Человек, неразрывно связанный с этой культурой по праву рождения, видит ее с определенной, может быть, чуть более приземленной стороны, полностью осознавая все аспекты, влияющие на ее становление. Для западного человека, в роли которого выступает здесь Торнтон, Египет по-прежнему наполнен загадками, геометрия пирамид и их связь с геометрией звездных созвездий, неразгаданные барельефы храмов, боги и фараоны вызывают чувство мистического восторга. Который, впрочем, сдерживает опыт и прагматизм – вот почему Фил, мастер нью-эйджа и world music, здесь хорошо осознает свое место и, скорее, следует на ритмом, рожденным Рамзи, не навязывая свои взгляды и идеи, хотя и не забывая поделиться увиденным и услышанным где-то за пределами страны, в соседних территориях, откуда «по дружбе» перекочевали исконные ритмические конструкции и мелодии. В итоге Egypt Unveiled звучит очень плотно, насыщено и очень живо, каждая композиция – как короткая, но познавательная экскурсия по современному Каиру и по древней Гизе. Неутомимая перкуссия (в которой присутствуют и отголоски магических ритуалов, и суфийский зикр, и радостная суматоха праздников, и тихая поступь жаркой арабской ночи, шепчущая на ухо голосом восточной красавицы, в жилах которой течет кровь Клеопатры), ведет за собой традиционные «переклички» между инструментами, голос каждого из них рассказывает свою историю, которая может доноситься из седой древности, а может быть свидетельницей наших дней. Гитара Торнтона, звук которой иногда плывет куда-то в сторону блюза, а иногда подвергается дисторшену, звучит довольно психоделично и порой даже неистово (Storm Over Giza), придавая музыке «мистериальные» оттенки, в то время, как струнный ансамбль Рамзи превращает бэкграунд композиций в подобие дорогого саундрека, и на этом фоне Египет предстает во всей своей загадочной и обыденной красе, где находится место и для туристических завлекаловок вроде криков и песен уличных торговцев, и для жаркого пустынного ветра, наносящего песок на стены храмов и склоны пирамид. Превосходное продолжение (и, надеюсь, не окончание) легендарной серии двух замечательных музыкантов.

Nexus Tribal Настоящий альбом для танца живота! «Моя поездка в Гамбию в начале 2007 года положила начало целой цепи событий, которые в конечном итоге привели к выпуску этого альбома».

---

Интервью

Расскажите, пожалуйста, о вашем пути в музыку, о ваших музыкальных корнях и истоках творчества. Как началась ваша музыкальная карьера? Может быть, семья повлияла на ваш выбор, или вас вдохновила музыка, услышанная в детстве?

Я происхожу из музыкальной семьи: моя сестра играла на органе в местной церкви, брат играл на органе и на гитаре в группе, а мать аккомпанировала на пианино и аккордеоне танцевальной группе. Когда мне было 9 лет, она убедила меня взять аккордеон и присоединиться к группе. К 14 годам я заинтересовался рок-музыкой (The Who, Джимми Хендрикс и т. д.) и начал играть на гитаре, стараясь найти группу, в составе которой я мог бы выступать. Через пару лет после этого, я услышал музыку таких групп и музыкантов, как Genesis, Tomita, Pink Floyd и Gentle Giant. Я просто влюбился в звучание меллотрона (старинный синтезатор, работавший на бумажных лентах) и вскоре научился извлекать похожие звуки почти бесплатно (рапсодия elka с модификациями и старыми гитарными педалями)! К 17 годам я впервые устроился в группу на постоянной основе и последующие три года играл нечто вроде прогрессив-рока, находясь под влиянием упомянутых выше музыкантов. Я научился «выживать» на гастролях и создавать оригинальную музыку вместе со всей группой!

Нам интересна история создания вашего первого альбома и первой группы. Расскажите, пожалуйста, об этом.

К 1980-му году я разочаровался в рок-группах из-за их ограничений и решил создать коллектив нового типа. В результате появилась группа Expandis с участием Джона Уайлда (John Wilde – вокал) и Дейва Миллера (Dave Miller - гитара). С ними обоими я уже играл раньше. Идея была в том, чтобы, сконцентрировавшись на записи музыки, создавать также мощное «живое» шоу. Я тогда все больше интересовался электронной музыкой, и мы решили использовать синтезированные звуки барабана и бас-гитары, что давало возможность сохранить небольшой состав группы и сосредоточить творческую энергию на новых направлениях. Результатом явился вполне открытый и экспериментальный подход. Наши записи изменялись в диапазоне от чистого синтезаторного попа до некоторых очень странных звуковых конструкций. Собрав достаточно материала для альбома, мы записали кассету I'm Not Waving I'm Drowning, которую продавали на выступлениях. Этот альбом позже вышел на студии Underground Music.

Почему вы испытываете такой глубокий интерес к культуре, мифологии, атрибутам и артефактам Египта? Например, ссылки на вашем сайте имеют форму пирамид. Интересно, кстати, узнать о Вашей работе над альбомами Eternal Egypt, Immortal Egypt и Pharaoh.

Я заинтересовался пирамидами задолго до того, как узнал что-либо о современном Египте. Меня всегда интриговали истории о том, что такая форма может улавливать энергию. Этот интерес привел меня к открытию того, что тетраэдр (трехмерная пирамида с равными гранями и углами) – это не то же самое, что форма египетских пирамид. Однако эта форма – сильнейшая из возможных, где все силовые линии сходятся в центре! Эта форма и представлена на сайте. Она остается для меня огромным источником вдохновения через использование в направленной медитации и визуализациях. Первое, что меня действительно вдохновило в Египте – это музыка! Я и раньше интересовался историями о древнем Египте и пирамидах, но, услышав такую музыку, как Songs From The Victorious City Энн Дадли (Anne Dudley) и Джеза Коулмана (Jaz Coleman), а также Passion Питера Гэбриэла, я стал настоящим фанатом. В этой музыке так много уникальных звуков! Используемые в ней гаммы могут создать настроение, уносящее тебя за пределы минора или блюза в богатое и совершенно незнакомое звуковое пространство.  Когда я смог пожить в Каире во время записи альбома Immortal Egypt, я просто-таки влюбился в народ и культуру Египта.

Расскажите о вашем сотрудничестве с Хоссамом Рамзи (Hossam Ramzy). Как вы пришли к идее совместной работы над «Бессмертным Египтом»? Мы знаем из описания альбома, что Хоссам Рамзи – известный музыкант, работавший с Rolling Stones, Page & Plant, а также с Peter Gabriel.

Хоссам записывался у Джеймса Ашера (James Asher), и когда я работал в студии Джеймса в Лондоне, его имя всплыло в разговоре. В результате Джеймс представил меня Хоссаму. Вначале я предложил ему просто сыграть кое-что для меня, но когда мы собрались, чтобы это обсудить, идея писать музыку вместе нам понравилась больше! Хоссам проводил тогда мировое турне, и, работая с ним над альбомом Eternal Egypt, я вдохновился концепцией альбома Pharaoh. Это оказалась менее «египетская» музыка. Этот альбом вышел первым и стал хорошим предисловием к «Вечному Египту». Через пару лет нам предоставили достаточное финансирование для записи продолжения «Вечного Египта», в результате появился «Бессмертный Египет», который, я думаю, стал самым смелым моим совместным проектом в жанре world music.

С какими музыкантами вы сотрудничаете? В частности, сотрудничаете ли вы (и дружите ли) с музыкантами New World Music? Есть ли вообще среди музыкантов у вас друзья, и планируете ли вы какие-либо совместные проекты в ближайшем будущем? Кто ваши любимые музыканты?

Лучше всего из музыкантов компании New World Music я знаю Ашу (Asha), мы вместе работали над большинством его альбомов, иногда в моей студии, иногда в студиях Джеймса Ашера или Энтони Филипса (Anthony Phillips) – бывшего гитариста группы Genesis. Я также записал два альбома со Стивеном Крэггом (Steven Cragg), Initiation и Tibetan Horn. Пару лет назад меня пригласили в качестве исполнителя на «просто релаксационный» фестиваль в Амстердаме, где я имел случай встретиться с музыкантами New World Music: Филипом Чапменом (Philip Chapman), Сержем Доу (Serge Douw) и Стюартом Джонсом (Stuart Jones), а также многими другими музыкантами со всей Европы, включая великолепный ансамбль исполнителей на диджериду из Берлина Circular Breathing. Я поддерживаю контакты с большинством музыкантов New World Music с помощью электронной почты и телефона, но, поскольку концертные выступления стали очень редки, большинство моих знакомых предпочитает работать в своих студиях. Я много лет участвовал в работе одной брайтонской группы Mandragora качестве продюсера, и иногда играл в ней на синтезаторе. Участникам группы нравится влияние стиля world на их музыку, и они стали для меня важным источником новых контактов. Когда я могу присоединиться к ним на концертах, вдохновение усиливается еще больше, потому что они, в свою очередь, влияют и на меня. Сейчас Mandragora как раз начала новый проект под названием Organic Audio, вдохновленный этническими записями студии Питера Гэбриэла Real World. Это возможность для экзотических музыкантов из южной Англии пообщаться и поработать совместно. Я собираюсь участвовать в развитии этого проекта в ближайшие месяцы. Мои любимые музыканты New World Music – это, пожалуй, Medwyn Goodall, Стюарт Джонс, Terry Oldfield, Аша и Джеймс Ашер.

У вас была возможность работать вместе со знаменитыми музыкантами и группами. Могли бы вы припомнить какие-нибудь интересные или забавные эпизоды этой работы? Какое сотрудничество оказалось наиболее ценным для вас?

У меня остались великолепные воспоминания от фестиваля Pink Pop в Голландии, где я играл на синтезаторе для Шинед О'Коннор перед 80-тысячной аудиторией. Когда она играла сольную версию Troy, атмосфера была электрической, чтобы не сказать больше! Одной из самых странных работ, которыми мне приходилось заниматься в качестве музыканта, была игра на клавишных для популярной в семидесятые годы группы Bay Сity Rollers. Это было намного позже их звездного часа, тогда они называли себя New Rollers. Выступления обычно проходили в университетах или ночных клубах, буквально набитых фанатами! Однажды я здорово перепугался, когда аудитория, на 90% состоявшая из ненормальных, стала штурмовать сцену, намереваясь разнести ансамбль на куски! Нам пришлось убегать через раздевалку и окно туалета! Также мне очень приятно вспоминать о варьете «искусства выступления», когда Артур Браун появлялся на сцене вместе с группой Mandragora и порождал мощную энергию, объединяя аудиторию, или об импровизации с Титом Эспиндолой (Tete Espindola) на семинаре в Бразилии, где аудитория (около 1200 человек) выглядела очень удивленной тем, что музыка оказалась несколько более «экспериментальной», чем они ожидали!

Расскажите о вашем интересе к культуре Тибета и о работе над альбомом Tibetan Horn. Какое место этот альбом занимает в Вашей дискографии? Намерены ли вы сделать что-то еще в этом направлении?

Поработав со Стивеном Крэггом над альбомом «Посвящение», я был вдохновлен открывавшимися возможностями в музыке. Поскольку мы оба стремились к полномасштабному сотрудничеству, а он приобрел в брайтонской лавочке тибетский горн, это стало для нас естественной отправной точкой. Большой интерес Стивена к тибетской культуре привел к созданию в этом альбоме различных музыкальных образов. Мы использовали тщательно отобранные записи поющих монахов, звуков ударных и игры на табле. Таким образом, альбом делался по частям, из которых потом собиралось единое целое. В конце концов, это заняло два года работы! Мы не упускали ничего в поисках правильного звучания музыки. Я особенно неравнодушен к альбомам с тематикой «путешествия», а этот альбом – мой любимый. Стивен теперь снова путешествует (ему надоела паршивая английская погода!), так что если я буду делать продолжение «Тибетского горна», мне, видимо, придется работать одному.

После египетского цикла вы обратились к теме мифов и легенд кельтской цивилизации и создали альбом Solstice. Расскажите, пожалуйста, почему вы затронули эту тему, и как протекала ваша работа над этим альбомом?

Языческие корни «Солнцестояния» не следует путать с еще более древней и фундаментальной традицией почитания бесконечных годового и солнечного циклов. Празднование самого длинного и короткого дней года представляется мне самым естественным способом выказать почтение этой чудесной, живой и дышащей планете. Мои собственные ощущения во время солнцестояния в Стоунхендже говорят мне, что этот монумент остается фокусом для той по-прежнему существующей духовности, для празднования которой он был создан. Тот факт, что сейчас это событие отмечается неформальным образом, представляется мне очень обнадеживающим. Хоть я и считаю нескольких убежденных язычников и друидов своими близкими друзьями, ни они, ни я сам не считают себя язычником или друидом. Но что у нас действительно общего – это представление о живой планете и необходимости празднования ее красоты и силы. Сейчас, когда я говорю эти слова, я смотрю на церемониальную драпировку на стене студии. Ее подарили моему деду в знак признания его шестнадцатилетнего служения местной общине друидов (или иначе – общине Викторианского возрождения). Хотя я не очень хорошо знал деда, факт его участия в священных ритуалах способствовал моему интересу к празднику Солнцестояния уже в очень юном возрасте. Мой первый опыт «живого» исполнения оригинального материала относится к свободным фестивалям середины 70-х. В то время праздник Солнцестояния в Стоунхендже был вершиной моего музыкального года. Подобным образом я участвовал в Льюисском боевом и ритуальных кострах в конце 60-х. Эти мероприятия связаны со многими местными традициями, но связь с кельтским праздником Самхайн (Samhain), как мне кажется, просто лежит на поверхности! В моей повседневной жизни мою любовь к природе постоянно поддерживает то, что меня окружает, – когда я гуляю со своим датским догом по местному пляжу, среди деревьев и болот, и, кроме того, у меня есть странное обыкновение гадать по звездам!

Мы не можем не спросить вас об альбоме Alien Encounter, который, возможно, является самым загадочным в вашей дискографии. Как вам удалось создать такие загадочные звуки? Испытываете ли вы интерес к паранормальным явлениям, инопланетянам, НЛО и загадкам космоса? Вообще, интересуют ли вас какие-либо духовные техники и практики? Пожалуйста, расскажите нам об этом.

Все это меня очень интересует, в особенности наука и астрономия. Для меня более чем достаточно пытаться осознать, что значит E=mc2, что уж говорить о «тайнах». Хоть я и поклонник хорошей научной фантастики, мне кажется, что большинство утверждений о паранормальном трудно принять всерьез! Думаю, верно, что чем больше мы узнаем о Вселенной, тем больше вопросов возникает. Но когда люди утверждают нечто вроде того, что Земля была создана 6000 лет назад, а ископаемые - это уловка Бога, чтобы проверить нашу веру – думаю, это очень трудно принять всерьез. Что касается духовных техник, я бы сказал, что они очень интересны, и я испытываю огромное уважение к людям, избравшим духовный путь, но любая вера, требующая слепого подчинения лидеру – не для меня! Я практикую свои собственные техники медитации и визуализации (способствующие расслаблению и творчеству), такие, как вышеупомянутая визуализация тетраэдра, но не могу сказать, как это соотносится с какими-либо особыми формальными техниками. Когда меня впервые попросили записать альбом «Встреча с Внеземным Разумом», я думал, что это окажется легким проектом! В конце концов, я не впервые сталкивался с этой темой. Однако когда я приступил к работе, оказалось, что имеется множество тонкостей, требующих внимания. Я особенно доволен некоторыми эффектами, которые я научился получать; например, мне говорили, что «щелкающие» звуки находятся знакомыми людьми, имеющими опыт в этой области! Искать звуки «иного мира», не обращаясь к клише или особым трюкам – это было вызовом, если не сказать больше! Однако в одном месте я использовал речь, пущенную задом наперед! (Это была запись моего семилетнего сына, который говорил о «наблюдении небес».) Вся первая половина альбома содержит «поток», который у меня, как слушателя, вызывает воспоминания о некоем «внутреннем путешествии», являющемся для меня постоянным источником вдохновения. Третья композиция – Аnother Вlue Light – была построена на сэмпле, взятом из одноименной композиции альбома Expandis: The Complete Home Expandis, написанной Дэйвом Миллером. Оригинал – это очень запоминающаяся баллада, вполне позитивная, хотя в ней говорится о потере умершего друга или возлюбленной. Помню, я играл эту песню на концертах, и при этом выделялось столько энергии, что было едва возможно продолжать! Сильные эмоции просто выплескивались на поверхность! И в возникавшей атмосфере каким-то образом преодолевались все чувства утраты. К счастью, часть этих эмоций преобразовывалась в позитивное чувство надежды, что мы не одиноки.

Каковы ваши дальнейшие творческие планы, с какими направлениями они связаны?

Я задумал новый альбом для New World Music под рабочим названием Dreams. Это тема, которая меня интересует уже много лет. Надеюсь, что этот новый альбом будет выпущен в формате CD-ROM и будет содержать полезную информацию для людей, которые хотят исследовать значение своих снов. Аша обучался терапии сновидений (dream therapy), и за те годы, что мы работали вместе в студии, я заразился его интересом к этому предмету и изучил достаточно, чтобы начать свой новый проект. Я также работаю с Симоном Уильямсом (Simon Williams) из группы Mandragora над проектом «Органическое аудио», который уже стал очень интересен; он подвергся новым музыкальным влияниям, например, на нем сведены вместе восточноевропейская скрипка и турецкий саз (saz).

Расскажите о музыкальных инструментах, которые вы обычно используете в своей работе. Где вы записываете свои альбомы? Каковы ваши любимые инструменты?

Когда я записываю музыку, больше всего работы требует аранжировка и структура. Собственно исполнение может занять сравнительно мало времени, включая импровизацию ближе к концу процесса. На этой стадии я считаю самыми мощными выразительными средствами свою e-bow-гитару, хороший синтезаторный звук и один из своих магнитофонов. Трудно выделить какой-то один инструмент как самый важный, потому что я склонен использовать всю студию как один инструмент – в частности, когда вся аппаратура подключена к MIDI-интерфейсу! При записи в моей домашней студии может использоваться в высшей степени экспериментальный подход – я могу перемонтировать большую часть студии, чтобы добиться нужного звука или эффекта! Компьютер позволяет мне использовать некоторые интересные техники – например, «зернистый ресинтез» (granular resynthesis) – оффлайновый процесс, выполняемый маленькой программой под названием ThOnk, которую я нашел в Интернете. А вообще мой подход к студийной работе развивается в течение многих лет! Значительным этапом явилось построение системы MIDI. Ее центром является компьютер Mac 8600/250 с Korg-wavestation, работающий как «ведущий» синтезатор (а также хороший источник звука, так как он еще и обеспечивает отличное управление через манипуляторы – джойстик, педали, регуляторы и т. д.) На разных этапах процесса записи различные MIDI-инструменты играют важную роль. В начале процесса записи я обычно использую синтезатор Korg M1r expander – удобный источник звуков фортепиано, струнных и гитары. Потом добавляются «живые» акустические инструменты, такие как recorder/флейта и 12-струнная гитара, а также используются сэмплер Akai и синтезатор-wavestation для более специфических звуков. Иногда, при работе с определенным инструментом, эта формула может измениться – например, когда я использую флейту диджериду, которую можно записать вначале, чтобы задать ритм или настроение. Я поклонник аналоговых синтезаторов, Кorg ms20/50/sq10 был моим неизменным любимцем последние 20 лет или около того. Это такая открытая система и я так хорошо ее знаю, что я не могу себе представить работу без нее! Тем не менее, он не так важен для большинства моих альбомов, как система MIDI! Однако я все еще использую его в большинстве своих записей, так, что он остается очень важной частью студии. Что касается моих любимых – я бы сказал, что это Moog Source синтезатор, создающий настроение – мне нравится его тон, и гитара Hoyer flying v (она была со мной с самого начала, и я до сих пор много ей пользуюсь!).

На Вашем сайте представлен длинный список Ваших видеопроектов, а также проектов, в создании которых Вы принимали участие. Пожалуйста, расскажите об этом подробнее. Какие видеопрограммы Вы считаете самыми важными? Каковы Ваши будущие планы в этом отношении?

Большая часть видео и кино, где звучит моя музыка — это либо съемки моих концертных выступлений, либо проекты, в которых я не принимал непосредственного участия. Частичное использование композиции Rainbow Chant из альбома While the Green Man Sleeps в фильме Glastonbury the Movie (Кино Глэстонбэри) было лучшим до сих пор примером использования моей музыке в фильме! Это документальный фильм, описывающий некоммерческие аспекты знаменитого фестиваля, а та конкретная сцена – толпы, встречающие рассвет второго дня фестиваля. С нарастанием музыки толпа начинает танцевать, празднуя восход солнца. Еще один мой любимый пример – концерт Expandis, записанный для японской аудитории компанией Toshiba, явившийся визиткой (showcase) анонимных «электронных» шоу 80-х под названием Heat Wave at the Fridge – хорошая запись хорошего концерта! Недавно мне доверили написать музыку для документального фильма о медицине и целительстве американских индейцев (он скоро будет показан по телевидению в США); получилось хорошо, и я закончил этот проект с мыслью сделать еще что-нибудь в этом направлении. Думаю, чтобы создать подходящий видеоряд для моей музыки, я должен быть более непосредственно вовлечен в этот процесс, а пока получается наудачу! К счастью, с развитием технологии это становится все дешевле, поэтому надеюсь, что скоро я смогу заняться осуществлением этого давнего намерения.

Интересно узнать о работе над созданием Вашего веб-сайта. Кто помогал Вам в этом, и каковы Ваши связанные с этим впечатления и планы?

Последние несколько лет я искал подходящего веб-дизайнера. Интернет – это вдохновляющий новый посредник, который позволит мне развивать мои идеи гораздо дальше, чем позволила бы прежняя ситуация. И когда я уже почти утратил надежду найти нужного человека, появился Нейл Леси (Neil Leacy). Нейл – профессиональный графический дизайнер, работающий под именем Muras. Он какое-то время искал меня – ему нужна была моя помощь, чтобы понять мой концертный альбом Forever Dream, а поскольку он начинал заниматься веб-дизайном, вскоре стало ясно, что мы будем работать вместе. Мы все еще до сих пор не встречались лично! Но за время работы над сайтом мы хорошо узнали друг друга, общаясь по электронной почте и по телефону! И оказалось, что мы сонастроены в отношении идей и дизайна сайта.  Я игрался с картинками в Photoshop с тех пор, как приобрел компьютер «Макинтош» четыре года назад (это в некотором смысле очень похоже на манипуляции со звуками в студии!), так что я мог посылать Нейлу текстуры и изображения, чтобы дело завертелось. Никто из нас не понимал, какую огромную работу мы начали! Первоначально планировалось 5 или 6 страниц, а теперь, похоже, что будет скорее 60! Сайт в его текущем виде в основном посвящен новостям, детальной информации о моих различных музыкальных проектах и полной дискографии. В следующие несколько месяцев я буду развивать «расширяемую» часть сайта в сторону более интерактивного и открытого интерфейса, а также добавлю больше специальных версий своей музыки в формате mp3.

Считаете ли Вы себя музыкантом new age, и как бы Вы охарактеризовали музыку new age?

Думаю, это зависит от того, что понимать под музыкой new age! Я – музыкант, создающий альбомы для компании New World Music, и я чувствую глубокую симпатию к другим артистам, чья музыка предназначена воздействовать на сознание (особенно если она способствует духовному подъему) или быть вспомогательным средством для визуализаций и нетрадиционной терапии. Если бы мне нужно было дать собственное определение музыки new age, я бы, пожалуй, действительно сказал, что это – музыка, созданная, чтобы позитивно влиять на сознание! Я, однако, более чем счастлив, если люди просто получают удовольствие, слушая мою музыку!

Любите ли Вы путешествовать? Какие страны и места Вы больше всего любите посещать? Что Вы можете рассказать о своих концертных турах? Каковы ваши планы в этом отношении?

Да, Вы правы, я люблю путешествовать! Особенно когда это связано с выступлениями перед новой аудиторией. У меня было два турне по Бразилии (я играл свою собственную музыку), где я был ошеломлен энтузиазмом и теплотой аудитории! Другим ярким воспоминанием является путешествие в Египет с Хоссамом Рамзи для записи дополнительных треков к альбому «Бессмертный Египет». Оглядываясь на свои путешествия, я сказал бы, что единственный мой план – играть везде, где только возможно! В последние 5 лет я больше сосредоточился на студийных записях, потому что моя подруга изучает в университете искусствоведение. Это дало мне возможность более активно заняться детьми и найти больше времени для экспериментов с новыми идеями в студии.

Что бы Вы пожелали любителям Вашей музыки?

Я очень рад, что люди имеют возможность слушать мою музыку в вашей части мира, и я очень благодарен Вам за помощь в этом. Корни моего тестя из Польши и России, так что, как вы можете себе представить, этот регион интересует меня многие годы. Я не имел случая посетить ваши края, хотя мои друзья – группа Mandragora – были на Украине, в Харькове и Киеве, в 1995-96 (их концерты транслировали Simon TV и Radio 50). Я не мог присоединиться к ним, потому что был в это время в Бразилии. Рассказы и музыка, которые они привезли, стали мощным источником вдохновения, и я надеюсь когда-нибудь приехать и ближе познакомиться с чудесной музыкой, которая начинает доноситься с Востока.

---

Дискография

1981 I'm Not Waving, I'm Drowning

1982 Complete Home Expandis

1983 Flying Lotus

1986 Cloud Sculpting

1986 Edge of Dreams

1987 Flying

1988 From Another Sky

1989 Forever Dream

1989 Transformation

1990 Initiation [with Steven Cragg]

1990 Natural Magic

1991 Between Two Worlds

1991 Entspannung Pur - Mystic Tales

1991 Fire Queen

1993 Alchemy

1993 Tibetan Horn [with Steven Cragg]

1993 While The Green Man Sleeps [with Mandragora]

1995 Beyond Heaven's River

1995 Pharaoh

1995 Shaman

1996 Alien Encounter

1996 Eternal Egypt [with Hossam Ramzy]

1996 Illusions

1996 Sorcerer - The Mask of Seduction

1996 Entering The Circle

1996 Harmonie & Relaxation - Au-Dela du Fleuve Celeste

1998 Immortal Egypt [with Hossam Ramzy]

1999 Solstice

2001 Dreamscapes

2001 Illusions

2001 Native American Chants - Spiritual Vitamins

2002 Capoeira - Spiritual Vitamins [with Simon Williams]

2002 Bathtime Bliss

2003 Tibetan Meditation

2004 Zen Beats

2004 Enchanted Egypt [with Hossam Ramzy]

2006-Music for Bellydancing [with Hossam Ramzy]

2007 Eastern Moments

2009 Nexus Tribal

2010 Angelic Harmony

2010 Rhythm of the Rainforest

2011 Bay City Shimmy [single]

2011 Bellydance for Fitness & Fun [with Hossam Ramzy]

2011 Egypt Unveiled [with Hossam Ramzy]

2011 Tribal Spirit [with Helm]

2011 Yamma Jatta (Broadoak Mix) [single]

2012 Awakening Spirit [single]

2013 Visions of Tibet

2014 Initiation

2014 Rejuvenation - Beyond the Edge of Dreams

2015 The Brigand's Song

2015 Tribale

2016 Pure Crystal Bowls

2016 Pure Tibetian Bowls

2016 Resolution (Zen Connection Mix)

2018 A Day in the Sun (Voxmix)

2017 Seven Rings [with Sika]

2018 Light of the Forest Moon

2019 Coastal Moods

2019 Kareem Raihani Remixes

2021 The Collection 1990-2020 - 30 Years of Visionary Music

2022 Secrets from the Lawless Ocean - Inspired by 'The Outlaw Ocean' a Book by Ian Urbina

---

Ссылки

http://philthornton.com/ - Официальный сайт

Биография

Работа доктора Джеффри Томпсона по использованию звука для изменения состояния сознания, которую он проводит с 1981 года, принесла ему международное признание. Его результаты используются психологами, психиатрами, клиническими гипнотерапевтами во всем мире. В 1989 году доктор Томпсон и Ричард Стэмплер (главный инженер звукозаписи учебного центра Джона-Давида) создали Brain/Mind Research (BMR) – некоммерческую организацию по изучению влияния звуковых колебаний на человека.

Первый альбом, под названием Isle of Sky, был выпущен в 1986 году, после 5 лет научной работы. Его запись заняла 1,5 года. В первый же месяц после поступления в продажу он был отмечен 10 крупнейшими дистрибьюторами США и достиг пятой позиции в радио-хитпараде музыки нью эйдж. В течение первого года реализации он был официально признана Национальной гипнотерапевтической ассоциацией США в качестве средства «высокой технологии» для гипноза. Egg of Time, второй альбом, был закончен еще через два года. Вторая его сторона была написана специально для холистической конференции в Лос-Анджелесе, чтобы синхронизировать мозговые ритмы 3000 ее участников в тета-диапазоне и создать у них, таким образом, чувство единства и взаимной симпатии. С этого времени Egg of Time является неизменным бестселлером музыки нью эйдж. Dolphin Touch был создан в сотрудничестве с Элизабет Форчун, специалистом по проведению семинаров, где люди общаются с дельфинами (она проводит их в Сан-Диего, во Флориде, на Багамах и на Гавайях). Наполненный 3-мерным звучанием голосов дельфинов, детей, океана, этот альбом завоевал признание телесно-ориентированных практиков и специалистов по ребефингу во всем мире.

Звуковая матрица этих кассет и компакт-дисков, придающая им столь неповторимое звучание, является на сегодняшний день наиболее тщательно исследованным и утонченным средством изменения состояния сознания с помощью звука. Специально подобранные звуки, модулированные частотами альфа-, тета- и дельта-диапазона колебаний человеческого мозга гармонично сочетаются с каждым инструментом, звуками природы и космическими звуками из коллекции NASA. Эти звуки преобразованы в стереофоническое поле с тем, чтобы наиболее эффективно воздействовать на левое и правое полушария мозга, что является еще одним уровнем модуляции его ритмической активности. Затем эти звуки подвергаются дополнительной обработке, порождая новые слои частотных пульсаций, резонирующих с особыми формами альфа-, тета- и дельта-волн мозга и углубляя тем самым измененное состояние сознания. Максвелл Кейд, британский исследователь биологической обратной связи, открыл, что особые состояния сознания характеризуются специфической комбинацией волн этих типов на ЭЭГ. Волны в мозге никогда не ограничиваются только альфа- или тета-диапазоном. Это сложный набор взаимосвязанных колебаний, свой для каждого особого состояния. На некоторых участках фонограмм для достижения максимального эффекта частотные биения вплетены в них более чем десятью различными способами. Эта часть процесса обработки запатентована под названием «бинауральная голономная интеграция».

Еще один патентованный процесс, «первичная обработка подсознания» (Primordial Subsconscious Processing), начинается, когда заканчивается предыдущий. Он пробуждает еще более глубокие уровни подсознания с помощью звуков, распознаваемых на «первичном» бессознательном уровне, но не распознаваемых обычным нашим «бодрствующим» умом. Подсознательный ум здесь, возможно, не совсем корректный термин, лучше подошло бы понятие «органико-биологическая сущность», т.е. биологический разум, который знает, как вырастить все тело из слияния двух клеток. Этот вечно присутствующий разум в любой момент готов скоординировать миллиарды нейронных, химических, гормональных, клеточных, мышечных и т.п. реакций. Пробуждение его достигается путем записи звуков, производимых человеческим телом (дыхания, сердцебиения, работы внутренних органов, голоса и т.п.) и их маскировки с тем, чтобы распознать их мог только подсознательный ум. Этому же служат специально обработанные звуки природы (голоса птиц, сверчков, дельфинов, океана, ветра и т.п.), которые не распознает обычный ум, но распознает «экологический» уровень коллективного бессознательного. Они мастерски вплетены в объемный музыкальный рисунок и также модулированы частотами мозговых ритмов, чтобы инициировать измененное состояние сознания. Как уже упоминалось, в 1989 году сотрудничество д-ра Томпсона и Ричарда Стэмплера (главный инженер звукозаписи Учебного центра Джона-Давида) вылилось в создание Brain/Mind Research (BMR). Сблизил их интерес к записям космических звуков NASA, сделанных вблизи планет, мимо которых пролетали «Вояджер-1» и «Вояджер-2». Оказалось, что они удивительно напоминают те скрытые природные звуки, которые Джеффри Томпсон ранее уже использовал для пробуждения глубоких областей подсознания, что вызвало естественное желание использовать звуки космоса для этой же цели. В этот проект были вовлечены дюжина космических агентств США, крупнейшие университеты и другие институты по всей стране. В результате BMR выдал 11 компакт-дисков и кассет т.н. «космической серии», с записями звуков космоса, сделанных по программе NASA.

BMR-продукты, как музыкальной, так и космической серий, признаны во всем мире в качестве передовых технологических средств для входа в измененное состояние сознания и пробуждения глубоких уровней подсознания. BMR принадлежит авторство не менее чем шести различных мощных техник влияния на ритмическую активность мозга и состояние сознания. Эти техники были подробно исследованы в Нейропсихиатрическом подразделении Калифорнийского университета в рамках программы борьбы с опиатной зависимостью. Выяснилось, что они стимулируют выработку эндорфинов и производят положительные изменения во внутренней психологической ориентации больных, облегчая тем самым синдром отнятия. Тех, кто слушал альбомы Томпсона, возможно, заинтриговали странные непереводимые названия композиций в альбомах «Остров из неба», «Зарождение времени» и «Дитя мечты». Вот удивительная история их появления, рассказанная самим автором.

«В 1985 году я потратил много времени, пытаясь создать с помощью своей «Ямахи DX7» звуки фантастических инструментов для альбома Isle of Skye – моего первого альбома. Он должен был стать первым на рынке альбомом, содержащим вплетенные в музыку частотные биения, влияющие на волны в мозге. Поэтому я с большой тщательностью подходил к созданию звуков, но шесть месяцев работы, казалось, прошли понапрасну. В конце концов, я сохранил то, что было создано, в памяти синтезатора, дав каждому звуку имя, которое выводится на маленький дисплей DX7. DX7 имеет 32 слота для таких звуков. Однажды я вернулся домой из клиники и включил DX7, чтобы поработать. В глаза сразу бросилось странное имя на дисплее синтезатора: на месте некоторых букв стояли какие-то причудливые значки, которые невозможно было сопоставить ни с одним известным мне земным языком. Но если бы только это: когда я нажал клавиши инструмента, то услышал самые странные и удивительные звуки из когда-либо слышанных мной. Это были те самые странные потусторонние звуки, которых я добивался последние 6 месяцев.

Когда я проверил содержимое всех 32 слотов памяти, то увидел, что все они заполнены странными неописуемыми звуками со столь же странными именами, состоящими из странных букв и символов. Это были звуки того типа, что я искал. Мой ум немедленно стал искать объяснение происшедшему и метался от одной версии к другой: в чип памяти синтезатора попал шальной космический луч, произошел сбой питания, глюк в программном обеспечении, умер жесткий диск, пришельцы пытаются общаться со мной через синтезатор, мои ангелы-хранители помогают мне в создании этого первого альбома и т.д. В конце концов мне удалось отделаться от этих мыслей и свести все к счастливой случайности с питанием, после чего я немедленно сохранил все эти звуки, на случай если они исчезнут после выключения синтезатора. Вероятно, я так и остался бы при этом мнении, если бы последующие 2 недели не происходило в точности то же самое. Опять 32 новых звука, загруженных в мой синтезатор неизвестно откуда, с таким же прекрасным звучанием и странными буквами, символами и именами. Это продолжалось ровно 2 недели и затем внезапно прекратилось. За это время я собрал в общей сложности 250 звуков, магическим образом появившихся в моей DX7. Самых лучших звуков когда-либо слышанных мной, с целой мини-библиотекой странных символов. В первом альбоме, Isle of Skye, выпущенном в 1986 году, использовались исключительно эти звуки. За один месяц его отметили и раскупили все ведущие дистрибьюторы нью эйдж музыки в США. В мой дом в Вирджинии приезжал один экстрасенс и «прощупал» мою студию. Мне было сказано, что прямо над синтезатором находится энергетический вихрь. А буквы, символы и звуки – с Сириуса. Некоторые из композиций названы по имени звука ведущей партии: SISIOG, MIZOXY, COOGW. Некоторые из символов не соответствовали ни одной букве обычной клавиатуры. Я до сих пор храню старую DX7. Она стоит прислоненная к стене в моей комнате. Не хочу расставаться с ней: она хранит в себе тайну, и ей нет цены».

Isle of Skye (Остров из неба). Этот компакт-диск – результат первых пяти лет (1981–1986) экспериментальных исследований доктором Джеффри Томпсоном измененных состояний сознания, создаваемых с помощью многоуровневых биений в музыке. Из научных исследований известно, что в зависимости от состояния человека, в его мозге доминируют волны определенного типа. Например, альфа-волны (7-13 Гц) связаны с состояниями приятного расслабления, покоя и удовлетворенности; тета-волны (3,5-7 Гц) – с интуитивными озарениями, с полетами творческой фантазии и вдохновения. Модуляция звука в диапазоне альфа/тета-волн и их гармоник вызывает отклик на аналогичных частотах в мозге слушателя, что и было использовано Джеффри Томпсоном при записи данного альбома. В нем использованы три типа модуляции, в диапазоне от 3,5 до 13 гц:

1. прямая частотная модуляция отдельных звуков;
2. модуляция, возникающая при взаимодействии различных звуков между собой;
3. модуляция, возникающая при взаимодействии звуков в разных стереоканалах (по этой причине диск лучше всего слушать в стереонаушниках).

Egg of Time (Рождение времени). Этот компакт-диск – результат девяти лет (1981–1990) непрерывных исследований по использованию звука и музыки для улучшения эмоциональной жизни человека. Каждый из слышимых вами звуков имеет многоуровневую частотную структуру, резонирующую с волнами в человеческом мозге, и вызывает при прослушивании состояние глубокого покоя.Некоторые из звуков созданы с помощью особой технологии, именуемой «первичная обработка» (Primordial Processing). Этим способом обработаны следующие типы звуков:

• звуки человеческого тела – дыхание, сердцебиение и т.п.;
• звуки природы – дельфины, ветер, вода и т.п.;
• тибетские чаши, колокольчики, гонги;
• японская флейта;
• звуки планет Солнечной системы.

Многие из этих звуков обработаны таким образом, что воспринимаются только на подсознательном уровне. Это вызывает отклик в виде глубокого расслабления и восстановления организма. Последняя композиция (LOUISE 1990) написана специально для организованной Луизой Хэй конференции «Целительство в 90-х».

Child of a Dream (Дитя мечты). Этот компакт-диск – результат десяти лет (1981-1991) исследований по использованию звука и музыки на благо людей. Его композиции написаны для организованной Луизой Хэй в январе 1991 конференции «Видения будущего». Звуки данного альбома имеют многоуровневую частотную структуру, резонирующую с волнами в человеческом мозге, и вызывают при прослушивании состояние глубокого покоя. Некоторые из них (звуки природы, этнических музыкальных инструментов, планет Солнечной системы) обработаны с помощью особой технологии, именуемой «первичная обработка» (Primordial Processing). Они распознаются только на подсознательном уровне и оказывают благотворное воздействие на человеческий организм. Кроме того, в процессе записи использована система 3-мерного расширения звука, поэтому рекомендуется прослушивать данный альбом с хорошим разделением стереоканалов, а лучше всего, в стереонаушниках.

Windows (Окна). Данный альбом содержит наиболее известные композиции из живых концертов, данных доктором Джеффри Томпсоном и Виктором Зираком в Гранде Мадре Маунтин, Южная Калифорния, в период зимнего солнцестояния 1989 года. В основе этой серии концертов лежит идея «вплетения» в музыку специальных звуковых частот, способствующих релаксации, наряду с «материнскими» природными звуками, что в сумме способствует синхронизации мозговой активности слушателей и проявлениям «коллективного сознания». Данный альбом предназначен в первую очередь для тех, кто хочет серьезно работать над собой. Благодаря способности создавать состояние глубокого расслабления и внутреннего покоя, он пользуется заслуженной популярностью во всем мире у профессиональных психологов, гипнотерапевтов и врачей.

Dolphin Touch (Прикосновение дельфина). Это воображаемое путешествие в морские глубины вместе с дельфинами. Звуки данного альбома (голоса дельфинов, птиц, воды, моря и людей) – имеют особый, многоуровневый частотный спектр. При записи альбома применялась техника Primordial Processing (изначальная переработка). Эта уникальная техника оставляет только ту часть звуков, которые распознаются на подсознательном уровне, что в итоге дает глубокое расслабление и восстановление организма. Для прослушивания «Прикосновения дельфина» выберите тихое удобное место с мягким освещением. Слушайте его с прикрытыми глазами, думайте о чем-нибудь приятном, расслабьтесь – и вы погрузитесь в Изначальное море своего ума, море, где ощущается связь со ВСЕМ.

Celestial Dolphin (Небесный дельфин). Слушая это произведение, вы переноситесь из глубин моря в отдаленные уголки солнечной системы. Пение и разговоры дельфинов удивительно гармонируют со звуками планет и лун. Некоторые из записей, сделанных космическими кораблями NASA «Вояджер-1» и «Вояджер-2» вблизи самого маленького спутника Юпитера – Ио – поразительно напоминают пение дельфинов. Исследования показали, что эти звуки оказывают глубокое воздействие на подсознание, порождая в нем трансперсональные переживания чего-то одновременно далекого и близкого.

Музыка для саморегуляции. Программы 1-6. Данная программа построена на основе «ядра» из комбинации звуковых биений альфа-, бета-, тета- и дельта-диапазона, которое создает у слушателя состояние глубокого расслабления и открытости, что помогает при проведении сеансов массажа, целительства и психотерапии. По гипотезе, поддерживаемой доктором Томпсоном, различные кости, нервы и другие органы человеческого тела имеют свои резонансные частоты вибрации, которые зависят от состояния этих органов. Таким образом, проводя через тело звуковые вибрации, свойственные его органам в здоровом состоянии, можно добиться оздоровления всего организма. Процессу оздоровления способствуют также:

• особый низкочастотный фон;
• космические звуки из коллекции NASA;
• 3-мерные звуки цикад, птиц и прочих ночных существ, прошедшие компьютерную обработку для придания им психоактивных свойств;
• перемещающаяся в стереопространстве мелодия синтезатора и звуки цитры (струнного инструмента), которые активизируют правое полушарие мозга.

Данную программу можно воспроизводить через устройства распределенной трансляции звука (например, через «акустические матрасы», разработанные доктором Джеффри Томпсоном).

Шри Янтра. Альбом представляет собой звуковое выражение одного из   самых древних символов – Шри Янтры – Янтры Творения. Сложные звуковые узоры, порожденные взаимодействиями звуков Шри Янтры, делают этот альбом мощным средством достижения глубинных слоев сознания.

---

Дискография

1980 Egg of Time

1986 Isle of Skye

1989 Dolphin Touch

1989 Jupiter

1989 Miranda - Uranuss Smallest Moon

1989 Neptune

1989 Rings of Uranus

1989 Saturn

1989 Saturn's Rings

1989 Song of Earth

1989 Space Sounds Music

1989 Sphere of Io - Jupiters Smallest Moon

1989 Uranus

1989 Voice of Earth

1989 Windows

1991 Child Of A Dream

1992 Heavenly Harmonics

1992 Music for Self Control [with Owen Morrison]

1992 Music for Self Control 2

1992 Sound Evolution

1993 Celestian Dolphin

1994 Sri Yantra

1995 Brainwave Suite 4CD

1995 Inner Dance

1995 Music for Brainwave Massage

1995 Psycho Sensory Integration 1

1995 Psycho Sensory Integration 2

1995 Psycho Sensory Integration 5

1995 Psycho Sensory Integration 6

1995 Sonic Labyrinth

1996 Brainwave Journey 4CD [with Owen Morrison]

1999 Delta Sleep System 2.0

1999 Theta Meditation System 2.0

2000 Celestial Love Songs

2000 Theta Meditation System 2CD

2001 Dreams in the Mind's Eye (audiostrobe)

2001 Epsilon

2001 Lambda

2001 Natural Music for Sleep

2003 Brainwave Symphony 4CD

2004 Ambient Music for Sleep

2004 Awakened Mind System 2CD

2004 Awakened Mind System 2.0

2004 Creative Mind System 2.0

2005 Alpha Relaxation System 2CD

2005 Healing Mind System 2.0

2005 Inner Dance

2006 Gamma Meditation System

2006 Gamma Meditation System 2.0

2006 Hyper Gamma

2006 Music for Brainwave Massage 2.0

2006 Ocean Waves

2006 The Ultimate Nap

2007 Brainwave Nature Suite - Theta - Meditative Stream

2007 Brainwave Suite - Delta - Sleep & Rejuvenation

2007 Breathe & Unwind 2CD [with Silvia Nakkach & Jorge Alfano]

2007 Dancing Clouds [with Mick Rossi]

2007 Sleepy Ocean

2007 Songbird Sunrise

2009 Delta Sleep System

2009 Healing Mind System

2009 Thunderstorm

---

Ссылки

Биография

The Ventures хотя и были не первой, но зато одной из наиболее популярных и плодовитых инструментальных групп. Став одними из законодателей серфа, музыканты тем не мене старались не причислять себя к этому жанру. Кроме того, ансамбль побил все рекорды все рекорды активности, ведь за свою полувековую карьеру не проходило и года, чтобы коллектив не выступал или не записывался, причем на ранней стадии ежегодно выходило до шести альбомов. В течение 60-х Ventures наштамповали кучу хит-синглов, наиболее примечательными из которых были Walk-Don't Run и Hawaii Five-O. Однако команда заняла свою нишу и на альбомном рынке, включая в свои пластинки каверы популярных песен. Всего за свою сверхпродолжительную карьеру ансамбль выпустил свыше 250 полнометражек (включая сборники), причем 40 из них побывали в американских чартах, а 17 присутствовали в Топ 40. И хотя к началу 70-х годов популярность ансамбля в родных Штатах пошла на спад, музыканты продолжали свою деятельность на японском и европейском рынках, выпуская пластинки только для этих регионов.

А начиналось все в 1959 году в небольшом портовом городишке Такома, где строители Боб Богл и Дон Уилсон в свободное от работы время организовали группу The Impacts. Неплохо владея гитарами, они периодически раскатывали с концертами в пределах штатов Вашингтон и Айдахо. Постоянной ритм-секции у них не было, но Боба и Дона это не очень смущало. Подготовив первую демку, парни ее отправили на Dolton, подразделение Liberty Records. Оттуда пленку завернули, и музыкантам ничего не оставалось делать, как основать свой собственный лейбл, получивший название Blue Horizon.

Записав один провальный сингл с вокалом (Cookies And Coke), Боб и Дон рекрутировали в команду басиста Ноки Эдвардса и ударника Скипа Мура, решив, что будут теперь играть только инструментальную музыку. На данном этапе вывеска сменилась на The Ventures, и под этим названием ансамбль укрылся в студии, чтобы реализовать идеи, подслушанные на диске Чета Эткинса Hi Fi In Focus. Первый же сингл, Walk-Don't Run, выпущенный на Blue Horizon, стал большим хитом в окрестностях после того как его начали крутить на одной из радиостанций Сиэтла. Спохватившаяся Dolton быстренько приобрела на него лицензию и стала его распространять по всем Штатам. В результате Walk-Don't Run летом 1960 года занял вторую строчку в национальных чартах, уступив лишь It's Now Or Never Элвиса Пресли. Мура за барабанами вскоре сменил Хоуи Джонсон, и Ventures приступили к записи дебютного альбома, названного, так же как и первый шлягер.

В начале 60-х хит-синглы Perfidia и Ram-Bunk-Shush угодили в Топ 40, но вскоре ансамбль придумал свою фирменную фишку – выпускать альбомы с композициями, связанными одной тематикой и с похожей аранжировкой. Так, например, четвертый лонгплей The Colorful Ventures, включал в себя «цветные» вещи типа Yellow Jacket, Red Top, Orange Fire и т.п. Кроме того, группа делала жанровые подборки и умудрялась накладывать свой собственный отпечаток на стили, которые она «пародировала». Вариантов было перепробовано множество: в 60-х – твист, кантри, поп, «шпионская музыка», психоделика, свамп, гаражный рок, саундтреки, в 70-х – фанк, диско, рэгги, софт-рок, латино.

Впрочем, наибольший успех в то время группе принесла «нетематическая» пластинка Play Telstar And The Lonely Bull. Благодаря удачному каверу Telstar британской команды The Tornadoes альбом побывал в горячей десятке и добыл команде первое золото. В 1962-м конфигурация Ventures несколько изменилась: пострадавший в автокатастрофе Джонсон уступил место Мелу Тейлору, Эдвардс взялся за гитару, а басуха досталась Боглу. Дальнейшие изменения состава происходили не так часто, но все равно имели место. В 1968-м Эдвардс решил заняться верховой ездой и освободил инструмент для Джерри МакДжи. В 1972-м он вернулся, но примерно в это же время сбежал Тейлор, начавший сольные эксперименты. За ударные уселся Джо Бэрил, но в 1979-м за установкой вновь оказался Мел.

В начале 70-х интерес к ансамблю в Америке начал спадать, и тогда музыканты переориентировались на заграницу. Особенным спросом Ventures пользовались в Стране Восходящего Солнца. После ухода с Dolton группа основала свой собственный лейбл Tridex Records, на котором выпускала альбомы только для японского рынка и умудрилась продать на островах свыше 40 миллионов пластинок. В 1981-м к команде присоединился Боб Спалдинг, а в 1984-м в ряды Ventures вернулся МакДжи. Во время японского тура 1996 года скончался Мел Тейлор, а барабаны отошли по наследству его сыну Леону. Несмотря на солидный стаж, группа сохранила активность и в третьем тысячелетии, а в 2008-м имена ее участников были занесены в «Зал Славы Рок-н-Ролла».

---

Дискография

1960 Walk Don't Run

1960 The Ventures

1960 Another Smash!!!

1960 The Colorful Ventures

1960 Twist With The Ventures

1961 Twist Party vol. 2

1961 Mashed Potatoes And Gravy

1961 Going To The Ventures' Dance Party

1962 Play Telstar And The Lonely Bull

1962 Bobby Vee Meets The Ventures

1962 Surfing

1962 Play Country Classics

1962 Let's Go

1963 In Space

1963 The Fabulous Ventures

1963 Walk Don't Run vol. 2

1964 Knock Me Out!

1964 On Stage

1964 A Go-Go

1965 The Christmas Album

1965 Adventures In Paradise

1965 Where The Action Is?

1966 Play The Batman Theme

1966 Go With The Ventures

1966 Running Strong

1967 Wild Thing!

1967 Guitar Freakout

1967 Super Psychedelics

1968 Flights Of Fantasy

1968 Underground Fire

1968 Pops In Japan

1968 U.S. Navy Presents

1968 $1,000,000 Weekend

1969 The Versatile Ventures

1969 Guitar Genius Of The Ventures

1969 The Horse

1969 Hawaii-Five-O

1969 Swamp Rock

1970 Golden Pops

1970 Super Group

1971 More Golden Greats

1971 10th Anniversary Album

1971 A Decade With The Ventures

1972 New Testament

1972 Joy - Play The Classics

1972 Rock And Roll Forever

1973 The Ventures

1973 Theme From Shaft

1973 Only Hits

1974 The Jim Croce Songbook

1974 Play The Carpenters

1975 Now Playing

1975 Play James Bond Music

1976 Hollywood

1976 Sunflower '76

1977 TV Themes

1979 Latin Album

1980 Chameleon

1981 60's Pops

1982 St. Louis Memory

1982 The Last Album On Liberty

1984 Play Guitar

1988 25th Nasa Anniversary Album

1988 Radical Guitars

1989 Rock 'N' Roll Adventure

1996 Wild Again

1998 New Depths

1998 Tele-Ventures

2000 Be Strong America

2000 Play The Greatest Instrumental Hits Of All Times

2001 Christmas Joy

2002 Surfin' To Baja

2004 Alive Five-B: Greatest Hits Live

2005 The New White Album

2005 Classic Country Plus

2009 The Ventures 50th Anniversary Live

---

Ссылки

http://www.theventures.com/  – официальный сайт

Биография

The Shadows – практически единственная английская инструментальная группа, добившаяся мирового успеха. В 1958 году Хэнк Марвин и Брюс Велч приехали из Ньюкасла в Лондон в составе Railroaders. Возвращаться обратно они не стали, а пристроились в группу Пита Честера Five chesternuts. В то время менеджер Клиффа Ричарда искал лидер-гитариста в сопровождающий состав, и хотел пригласить Тони Шеридана, но остановил свой выбор на Хэнке и Брюсе. В The drifters (так называлась команда Ричарда) играл также Терри «Джет» Харрис (бас). В феврале 1959-го ударника Терри Смарта сменил Тони Михан, завершивший формирование классического состава группы. Drifters не только сопровождали Ричарда на гастролях, но также пытались записывать свои синглы, причем на некоторых присутствовали и номера с вокалом. Вскоре выяснилось, что в Америке уже существует ансамбль под названием Drifters, и во избежание дальнейших недоразумений коллектив сменил вывеску на The Shadows. Под новым именем группа продолжила выпускать синглы с вокальными партиями, но успехом они не пользовались.

Положение кардинально изменилось, когда Shadows записали прелестную инструментальную вещицу Джерри Лордана Apache. Композиция провела в британских чартах свыше шести недель и стала хитом во всем мире. С тех пор вплоть до 1967 года все синглы Shadows обязательно присутствовали в английских хит-парадах. Дебютный лонгплей занял первую строчку, однако это не спасло группу от кадровых перестановок. Уже в сентябре 1961-го Михана сменил Брайан Беннетт, а в апреле следующего года ушел Харрис, передавший бас-гитару в руки Брайана Локинга. Последний в 1963 году был вовлечен в религиозную секту и забросил музыку.

Его место занял Джон Ростилл, стабилизировав состав вплоть до 1968 года. В такой конфигурации Shadows выпустили пять альбомов, причем все это время они продолжали сопровождать Клиффа Ричарда в его турах. Кстати, вместе с Ричардом музыканты снялись в ряде фильмов, и даже участвовали в создании саундтреков к ним. В 1968-м команда отметила свое десятилетие выпуском альбома Established 1958, однако столь длительная напряженная работа привела к возникновению конфликтов между музыкантами, и вскоре группа была распущена. В 1969-м Shadows ненадолго реанимировались, успев, правда, записать сингл, альбом и прокатиться с гастролями по Англии и Японии. Затем Хэнк и Брайан занялись сольными карьерами, а Ростилл ушел к Тому Джонсу. Пару лет спустя Брюс и Хэнк выразили желание поиграть вместе, не используя вывеску Shadows. К себе в компанию они пригласили талантливого гитариста и певца Джона Фаррара, а вскоре к ним присоединился и Беннетт.

Музыканты попытались вновь исполнять вокальные номера, но публика их не воспринимала и требовала «классических» инструменталок типа Apache и FBI. Кончилось дело тем, что требованиям меломанов пришлось уступить, а заодно вернули и название Shadows. Возвращение прошло успешно и альбом Rockin' with Curly Leads пользовался большим спросом. Последовавший за ним сингл Let me be the one впервые за восемь лет оказался в чартах, заняв 12-ю строчку. В 1975-м Фаррар вслед за своей пассией Оливией Ньютон-Джон отбыл в Америку. Состав Shadows на данном этапе дополнил басист Алан Тарни. В 1977-м группу ожидал грандиозный успех по поводу выпуском EMI сборника лучших вещей The Shadows 20 golden greats, дебютировавшего в чартах под номером один и распроданного тиражом в миллион экземпляров.

В последующее турне группа отправилась без Тарни, но с сессионщиками Аланом Джонсом (бас) и Фрэнсисом Монкманом (клавишные). По окончании гастролей был записан альбом Tasty, имевший несколько «потяжелевший» саунд. К сожалению, должного промоушена не состоялось и пластинка потерпела коммерческую неудачу. В марте 1978-го Shadows вместе с Клиффом Ричардом отметили сою 20-летнюю творческую деятельность концертами в London Palladium. На этих выступлениях музыкантам помогал клавишник Клифф Холл. Его джазовая манера настолько поразила Shadows, что Холл на целых 12 лет оказался в их составе. В конце 70-х команда экспериментировала со стилем диско, результатом чего стал великолепный сингл Don't cry for me Argentina. Его успех распространился и на следующий альбом, String of hits.

В 1980-м музыканты задумали выкупить права у EMI на свои ранние пластинки, но попытка не увенчалась успехом, а вместо этого привела к разрыву с лейблом. Перезаключив контракт с Polydor группа выпустила еще один успешный альбом с символичным названием Change of address. В это время Shadows стали специализироваться на каверах, причем это у них получалось довольно неплохо. Когда музыканты вернулись к исполнению собственных вещей на Life in the jungle, то оказалось, что это у них получается хуже. В конце 80-х попавшего в автокатастрофу Алана Джонса заменил Марк Гриффитс. А в 1990 году о своем уходе объявил Беннетт, решив сосредоточиться на композиторской деятельности. В результате Shadows в очередной раз были распущены. Но сборники группы продолжали выходить, а в 2003 году Хэнк, Брюс и Брайан на радость фанам воссоединились и провели прощальный тур.

---

Дискография

1959 Cliff [live]

1961 The Shadows

1961 Live At The Colosseum

1962 Out Of The Shadows

1962 Live At The Abc Kingston

1964 Dance With The Shadows

1964 The Shadows Know

1965 The Sound Of The Shadows

1966 Shadow Music

1967 From Hank, Bruce, Brian And John

1967 Jigsaw

1968 Established 1958

1969 Live In Japan 1969

1970 Shades Of Rock

1974 Rockin' With Curly Leads

1975 Specs Appeal

1975 Live At The Paris Olympia

1977 Tasty

1977 The 4 Tunes

1978 Thank You Very Much [live]

1979 String Of Hits

1980 Change Of Address

1980 Surfing With The Shadows

1981 Life In The Jungle

1982 Live At Abbey Road

1983 XXV

1984 Guardian Angel

1984 Live At Nec Birmingham

1986 Moonlight Shadows

1989 Steppin' To The Shadows [The Best Of]

1989 Live At Liverpool

1990 Reflection

1991 Themes & Dreams

1997 The Shadows At Abbey Road

2002 Pale Interpretators

2004 Final Tour

---

Ссылки

http://www.theshadowsofficial.com/ – официальный сайт

Биография

В октябре 1982 года на британской сцене случилось одно из самых удивительных и непредсказуемых событий, которые время от времени колеблют тишь застойного болота шоу-бизнеса. Три совершенно неизвестных шотландских музыканта, которые сами относили себя к многотысячной армии «музыкального пролетариата», взяли штурмом вершины чартов «независимых фирм» своим дебютным альбомом. Ни на что не похожее звучание их песен с мелодической линией, переходящей с гитары на бас-гитару, по спирали закручивающийся музыкальный мотив, необыкновенно сильный заряд фантастической лирики и возбужденных эмоций, богатый выразительностью и увлекающий своим тембром вокал Лиз Фрейзер – все это грянуло как гром с ясного неба на мысли и чувства роковых слушателей.

Откровенный успех вызвал понятное удивление: кто они и откуда? Или это очередной продукт, рожденный в перегонных кубах развлекательного промысла? Вокруг группы развернулся вихрь догадок и предположений. А факты оказались необыкновенно простыми – гитарист Побин Гатри родом из Фалкирка, небольшого городка между Глазго и Эдинбургом. С друзьями начал выступать в барах и клубах с прямолинейными танцевальными песенками. Естественно, хотелось большего. Для реализации своих возможностей подыскивали певицу с достойными вокальными и пластическими возможностями. Тут и подвернулась Лиз, которая выступала в баре местного отеля. Название группы позаимствовали из одной старой песни Simple Minds и надеялись, что та уже забыта. Их представления о шоу-бизнесе были совершенно наивными. После нескольких напрасных попыток достучаться в двери крупных фирм обратились в 4AD, и там их материал так впечатлил, что решение выпустить диск Garlands было принято незамедлительно.

Через полгода после выхода в свет дебютного диска, из которого была взята на сингловый хит песня Wax and Wains, выпустили уже третий сингл Peppermint Pig в сотрудничестве с новым продюсером Аланом Рэнкином. В целом синглу участие Рэнкина помогло, но его подход был холодно-профессиональным, без глубокой заинтересованности. Для дальнейшей работы нужен был кто-нибудь другой. Их чистосердечная музыкальная восторженность принесла трио большую популярность в андеграундных кругах. С минимальной рекламой – за исключением участия Джона Пила, который в одной из своих передач назвал Cocteaux (так их стали называть сокращенно) одной из своих самых любимых групп – они добились признания даже у своих знаменитых коллег. Им значительно помогли OMD, зазвавшие трио для участия в девятинедельном турне по Европе. Но без знания секретов развлекательного промысла в наше время пробиться трудно. Им удалось организовать для себя серию концертов в Глазго и Эдинбурге, но без поддержки они не преуспели. Репертуар вышедшего вскоре миньона Lullabies был еще одним качественным шагом вперед. Инструментарий увеличился на фортепьяно, вибрафон и другие инструменты, с вокалом им помог Гордон Шарп, член группы The Freeze. Диск имел огромный успех, особенно в Голландии: амстердамское издание Vinyl Magazine присвоило им статус «нового культа». Творческий портрет Лиз был обозначен как «преданность романтическому умиранию». Во время последовавшего голландского турне группа играла в переполненных залах.

После выступлений в программе Пила они подписали с 4AD пятилетний контракт – теперь можно было не волноваться за ближайшее будущее и не делать ставку на мимолетную моду. Отношения с фирмой были наилучшими, что в поп-музыке встречается далеко не часто – на 4AD всеми силами способствовали становлению и расцвету талантов Cocteaux. В декабре 1983 года они выступили перед квалифицированной публикой лондонского университета. Хрупкая, небольшая фигурка Лиз, стоящая на сцене почти без движения и только иногда акцентирующая текст пьесы спокойным, утомленным жестом, деликатность и проникновенность мелодии, иногда кокетничающей с танцевальными ритмами, очень скупой инструментальный арсенал и поведение на сцене действовали на слушателей, как музыка с того света. Melody Maker писала, что они «возносились на своих мелодиях с легкостью скаковой лошади, преодолевающей препятствия». В апреле 1984 года диск Head Over Heels снова возглавил «независимые» чарты. Сингл Pearly – Dewdrops' Drops убедил даже последних скептиков, что ни в одной из песен Cocteaux не склонились к компромиссу. Песня, оформленная почти викторианской фантазией в стиле «Алисы в стране чудес», была воспринята, как плывущая поперек главного течения популярной музыки. В отличном звучании трио долю имел и новый басист Саймон Раймонд.

Внимательный слушатель Head Over Heels мог догадаться об особых отношениях Робина и Лиз. Своей пестротой и страстностью альбом создавал впечатление экзотического карнавала. Напротив, альбом Treasure, выпущенный в конце осени, вводил слушателя в царство покоя и сна. В читательской анкете за 1984 год он был четвертым; еще в апреле следующего года альбом держался в чартах на третьем месте, а в августе снова поднялся на четвертую позицию. В категории групп Cocteaux закончили год восьмыми, а Лу стала второй вокалисткой. В мае 1985 года вышел диск It Will End in Tears, а сингл с песней Айка Гайна в чартах попал на второе место. В октябре за неделю выпустили два миньона: первый под названием Tiny Dynamite (здесь были песни Pink Orange Red, Ribbed and Veined, Plain Tiger и Sultitanitian), и второй, названный Echoes In a Swallow Bay с песнями Great Spangled Fritillay, Melonella, Pale Clouded White и Egg and Their Shell. Робин комментировал так: «Работа над дисками малого формата гораздо спокойнее и удобнее. Никто нас не торопит, у нас больше свободы в выборе и подготовке песен». Члены Cocteaux не очень склонны к разговорам с репортерами. Они полагают, что их музыка говорит сама за себя и им нечего добавить. В 1985 году они посетили Японию, где издали свои альбомы с приложенными текстами песен; объездили США. Там выпустили сборник The Best of, но, по их мнению, название сборника не отвечает содержанию. Там познакомились с авангардистом Харольдом Баддом, 50-летним американским композитором и пианистом, известным сотрудничеством с Брайаном Ино, и договорились о совместных экспериментах.

В мае 1986 года начали готовить следующие миньоны, но материала вполне хватило на лонгплей Victorialand. На нем не играет Саймон, который в момент подготовки диска поранил руку. В звучании доминируют акустическая гитара Робина и вокал Лиз, и в целом диск является образцовой студийной работой. Это очередное движение вперед в развитии стиля, а также огромное отличие в способе студийной работы, умножающей силу песен, полных страстной романтики и любви к жизни. Как признают сами Cocteau Twins, они являются скорее студийным коллективом. На концертах панически боятся того, что потеряют контроль над выступлением. Каждая новая песня, которую они исполняют «живьем», добавляет опыта. За весь 1986 год в Англии не было ни одного концерта. У них есть трудности с определенной частью британской публики: «каждый раз чувствуем себя словно перед пастью акулы». В анкете 1985 года как исполнители заняли шестое место, а Лиз как вокалистка – первое.

Какими они видят перспективы развития роковой музыки?

Наступит возрождение классического рока, особенно американского. Многого тамошним группам сейчас не хватает, но большей частью дело серьезное.

А ваше собственное будущее?

Подождем лет десять, а потом начнется возрождение Cocteau Twins.

Отметим в последнем ответе известную долю самопринижения. Ансамбль никогда не уходил далеко из фокуса внимания серьезных любителей роковой музыки. Но путь к задуманному ими возрождению оказался действительно долгим. Лонгплей Blue Bell Knoll, выпущенный после двухлетнего пеpеpыва, показал, что их работа ничего не утратила из своего очарования. Эмоциональные впечатления от рождения ребенка чета Фрейзер и Гатри отразила в песнях лонгплея Heaven in Las Vegas. Сингл Iceblink Luck обозначил возвращение в британские чаpты и указал на новые наплавления в развитии. Он показал, что каноны фирмы 4AD стали сковывать деятельность ансамбля. Весь 1991 год Гатри еще занимался подготовкой нового материала, порой с еще одними подопечными 4AD, группой Lush, но в марте 1992 года было официально объявлено, что Twins переходят на фирму Fontana. Записанные там лонгплеи Four-Calendar Cafe и Milk & Kisses сочетали минималистские установки ранних альбомов с более богатыми и разнообразными аранжировками, гитара Гатри уже не напоминает звон разбитого стекла, а звучит гораздо глубже, выделяя каждую ноту. А голос Фрейзер не потерял своего волшебства.

---

Дискография

1982 Garlands

1982 Lullabies (EP)

1982 Peppermint Pig (EP)

1983 Head Over Heels

1983 Sunburst And Snowblind (EP)

1984 The Spangle Maker (EP)

1984 Treasure

1985 Aikea-Guinea (EP)

1985 Echoes In A Shallow Bay (EP)

1985 The Pink Opaque

1985 Tiny Dynamine (EP)

1985 It Will End In Tears

1986 Love's Easy Tears (EP)

1986 Victorialand

1986 The Moon And The Melodies [with Harold Budd]

1988 Blue Bell Knoll

1989 Big Trash

1990 Heaven In Las Vegas

1990 Iceblink Luck [single]

1990 Live Elysee Montmartre Paris

1991 Heaven Or Las Vegas [single]

1991 Rare Tracks (EP)

1993 Evangeline [single]

1993 Four-Calendar Cafe

1993 Live In Amsterdam

1993 Snow [single]

1994 Bluebeard [single]

1995 Otherness (EP)

1995 Twinlights (EP)

1996 In London Royal Albert Hall

1995 Milk & Kisses

1996 Tishbite 2CD [single]

1996 Violaine 2CD [single]

2002 Rarities Collection

---

Ссылки

http://www.cocteautwins.com/default.htm - Официальный сайт

http://www.elizabethfraser.com/ - Сайт Elizabeth Fraser

Биография

В начале 80-х выпускница Королевского Музыкального Колледжа, клавишница и аранжировщица Энн Дадли, инструменталист и звукоинженер Гэри Ланган, продюсер-аранжировщик Джонатан Джекзалик работали в студии продюсера Тревора Хорна, экспериментируя с синтезаторами и прочей электроникой. Сперва они пахали на других артистов типа ABC и Frankie Goes To Hollywood, а в 1983-м под руководством экс-журналиста NME Пола Морли объединились в проект, получивший название Art Of Noise. Заключив контракт с лейблом Хорна ZTT Records, коллектив дебютировал с мини-альбомом Into Battle With The Art Of Noise. Электронная музыка, сдобренная шумами различного происхождения, пришлась публике по вкусу, а трек Beat Box пробился в заокеанские танцевальные чарты.

В 1984-м в продаже появилась полнометражка Who's Afraid Of the Art Of Noise?, сопровождаемая хит-синглами Close (To The Edit) и Moments In Love. Несмотря на успех пластинки в коллективе произошел раскол, и Дадли, Ланган и Джекзалик ушли от Морли и Хорна. Соответственно был разорван контракт с ZTT Records, а новым пристанищем «шумового искусства» стала фирма China Records.

В 1986-м Art Of Noise выпустили диск In Visible Silence. Композиция Peter Gunn, записанная с участием Дуэйна Эдди, попала в британскую горячую десятку и на следующий год принесла коллективу Grammy. Несколько меньший успех пришелся на долю сопутствующих синглов Legs и Paranoimia. Если ранее Морли позиционировал проект как обезличенную негруппу, то теперь Джекзалик и Дадли стали появляться на фотографиях без масок. В том же 1986-м вышел сборник ремиксов и концертных номеров Re-Works Of Art Of Noise, после чего Энн и Джонатан остались вдвоем. Очередная пластинка команды звучала несколько не по артнойзовски. На In No Sense? Nonsense! музыканты помимо синтезаторов использовали такие традиционные рок-инструменты как гитары и ударные, а также добавили струнные аранжировки и хоровое пение.

Несмотря на то, что явных хитов на альбоме не было, многие поклонники коллектива до сих пор считают пластинку лучшей в дискографии AON.

В 1988-м на свет появился сборник бестовых вещей, примечательный тем, что на него попал трек с кавером Принца Kiss, записанный с Томом Джонсом. На следующий год Art Of Noise подготовили четвертую полнометражку, Below The Waste. Здесь крен был сделан в сторону world music, а в сессиях поучаствовали африканские вокалисты из группы Mahlathini And The Mahotella Queens. Коммерческий успех диска оказался невелик, и в 1990-м Дадли и Джекзалик объявили о закрытии проекта. Энн впоследствии работала с Джазом Коулменом (Killing Joke) и Филом Коллинзом, а China Records тем временем выпускала всевозможные сборники: The Ambient Collection, The FON Mixes, The Drum And Bass Collection, Art Works и т.д.

Кратковременный реюнион Art Of Noise произошел в 1999 году, когда воссоединились Хорн, Дадли и Морли, взявшие к себе в компанию экс-участника 10 CC Лола Крема. Квартет записал концептуальный альбом The Seduction of Claude Debussy, посвященный творчеству Клода Дебюсси, дал серию концертов и вновь свернул деятельность.

---

Дискография

1984 Who's Afraid Of The Art Of Noise

1986 In Visible Silence

1987 In No Sense!!! Nonsense!

1987 Daft

1988 The Best Of The Art Of Noise

1989 Below The Waste

1990 The Ambient Collection

1991 The Fon Mixes

1992 Shades Of Paranoimia

1992 The Art Of Love (Selected Tracks)

1992 The Best Of The Art Of Noise (Second Version)

1996 The Drum And Bass Collection

1998 Wet Dream (Way Out West-Remixes) (Promo 12'' LP)

1999 Dreaming In Colour

1999 Metaforce (Feat. Rakim) CD5

1999 Metaforce # 1 CD5

1999 Metaforce # 2 CD5

1999 The Seduction Of Claude Debussy

2002 Into Vision (DVD-Audio)

2002 Moments In Love

2003 Into Battle With Art Of Noise

2003 Remastered Session

2010 Influence 2CD

2011 Into Battle with the Art of Noise

---

Ссылки

http://www.imdb.com/name/nm1691259/ - Англоязычный сайт 1

http://www.vh1.com/artists/az/art_of_noise/bio.jhtml - Англоязычный сайт 2

http://hardrockcafe.narod.ru/a/artofnoise.htm - Русскоязычный сайт 1

http://www.zvezdi.ru/catalog/a/artofnoise.html - Русскоязычный сайт 2

Биография

Алан Парсонз добился высокой репутации студийного мастера своей совместной деятельностью с самыми выдающимися композиторами и исполнителями рока на рубеже 60-70х годов. Этот выпускник призаводского техникума лондонского концерна EMI начал свою карьеру в студии звукозаписи «Эбби роуд» в то время, когда Beatles взялись за свою работу над «белым» двойным альбомом. В 1971 году Алан появился в качестве звукорежиссера у Пола Маккартни для записи альбомов Wild Life и Red Rose Speedway.

Однако свое настоящее «боевое крещение» получил несколькими месяцами позже, работая вместе с Pink Floyd над легендарным диском Dark Side Of The Moon. Его фамилия открывает список группы сотрудников одной из известнейших пластинок во всей истории роковой музыки. До того, как Парсонз приступил к записи своего первого сольного альбома, он успел еще отметиться сотрудничеством с Аланом Стюартом, Джоном Майлзом и группой Hollies и работал по случаю в американских студиях. Там же и родились два его первых сольных альбома. На пластинке Tales Of Mystery And Imagination Edgar Allan Poe Парсонз, пропагандирующий взгляды о необходимости симбиоза современной музыки – в том числе и роковой – с поэзией и литературой, сделал попытку перевода на язык симфонического рока мрачной и загадочной прозы «отца американского романа ужаса» Эдгара Аллана По. Такая литература, по мнению Парсонза, представляла идеальный материал для либретто современной роковой оперы. И действительно – несмотря на то, что все в альбоме Tales Of Mystery And Imagination Edgar Allan Poe было нетипичным – начиная с многостраничной, имитирующей пожелтевшую бумагу, вкладки, до обложки с загадочными силуэтами то ли мумий, то ли компьютеров, заключенных в свои металлические бандажи, от психоделических текстов до тяжелой, суперсовременной музыки – диск был хорошо принят и критиками, и слушателями, которых удовлетворяли авангардистские эксперименты.

На альбоме I Robot вновь появилась «озвученная философия» Парсонза: пластинка была посвящена опасностям, возникающим, по мнению композитора, при создании современных Големов. «Искусственный интеллект как угроза интеллекту природному» и вызов, брошенный гуманистической свободе мысли очеловеченным обществом роботов – смысл этой пластинки. Парсонз стал первым музыкантом, пробившим барьер отождествления у широкой публики творца роковой музыки с обаятельным и процветающим певцом или инструменталистом, чьи непринужденно-раскованные, неукротимо-темпераментные или дико заросшие, соответственно, позы, фигуры и лица были до мельчайших деталей спроектированы опытнейшими профессионалами, Он показал, что на первом плане может находиться и человек в наушниках, сидящий в студии среди огромного количества приборов, регулирующий уровни и спектр комбинируемых им сигналов и склеивающий куски монтируемой им пленки. Но главная ценность его произведений не в утверждении нового героя в поп-музыке, не в демонстрации ошеломляющих синтезированных звучаний, а в том, что вся эстетика дисков Tales Of Mystery And Imagination Edgar Allan Poe и I Robot будит в слушателях желание совместно переживать, размышлять, обсуждать и спорить друг с другом о таких проблемах, о которых до этой пластинки они, возможно, даже не подозревали или, быть может, не уделяли им должного внимания.

Бравурная трактовка техники и электроники, как средства выражения в «новом музыкальном языке», кажется в творчестве Алана Парсонза столь же естественной, как и его постоянные обращения к литературной и философской трактовке, достаточно удаленной от банальной «поп-энд-роковой» музыки. Главным соавтором овеянных ореолом мистицизма пластинок группы Парсонза Alan Parsons Project, в том числе и последующих Pyramid и Eve, стал Эрик Вульфсон, который является не только автором текстов, но также и композитором или сокомпозитором большинства созданных группой произведений. Если диск I Robot был взглядом из сегодняшнего дня в будущий, то следующий альбом можно считать взглядом из сегодня в прошлое. Тему египетских пирамид Парсонз и Вульфсон выбрали не случайно. «Вряд ли в последние годы в США писали о чем-нибудь больше, чем о пирамидах и их некоей магической силе», – говорил Вульфсон. Однако менялся исходный характер концептуальных альбомов. Некоторые песни диска Pyramid выпадали из общей темы. На этом же лонгплее выкристаллизовался состав ансамбля Alan Parsons Project, почти не менявшийся долгое время: кроме Парсонза и Вульфсона, в нем играли гитарист Йен Бейрнсон, басист Дэвид Пэйтон, ударник Стюарт Эллиот и клавишник Дункан Маккей.

Следующие диски не принесли, в общем, ничего нового. Напротив – Project стали в основном группой, исполняющий усредненный, так называемый «леденцовый» поп, в котором не хватало оригинальности и изобретательности. Но в результате группа в коммерческом плане изрядно преуспела, особенно на европейском континентальном рынке. В 1979 году ансамбль имел в хит-парадах одновременно четыре песни – успех, доступный разве только Beatles. Меньше удовлетворения выказала профессиональная критика. От диска Eve, посвященного отношениям мужчины и женщины, стали чаще раздаваться критические отзывы. Парсонз был обозначен как роковый вариант Перси Фэта и Джеймса Ласта. Но популярности у слушателей он не утратил – это доказал и следующий диск The Turn Of A Friendly Card, на котором Вульфсон дебютировал в качестве вокалиста. Одновременно это оказался последний диск, обладающий монотематическим характером – о переменчивом счастье в азартной игре, о связи азарта и политики, об эмоциях, связанных с игрой в карты, о мистике, связанной с розыгрышем партий, «в которой, несмотря на вмешательство интеллекта человека, все решает случай». Двойной «платиновый» статус, завоеванный этим альбомом, показал, что для Парсонза карта и на этот раз легла счастливой стороной. С конца 80-х Парсонз предпочитает работать продюсером.

---

Интервью

Alan Parsons: Мне нравится крутить ручки.

Недавно Москву с концертом посетил музыкант, группа которого долгое время была популярной в Советском Союзе, но при этом для многих своих поклонников он оставался человеком-загадкой. Никто не видел его фотографий, никто толком не знал о его истинной роли в группе: играет ли он на инструментах, сочиняет ли музыку или просто руководит процессом, давая ценные указания? Мы встретились с Аланом в надежде это выяснить. «Я родился 20-го декабря 1948-года где-то в Англии», – начал разговор широкоплечий великан с окладистой купеческой бородой. В этом был весь Парсонс – любящий конкретику, но при этом что-то обязательно не договаривающий. Дабы не пропала интрига.

Бытует мнение, что Ваша карьера звукооператора началась на записи пластинки Let It Be (Beatles) в студии Abbey Road, так ли это?

Нет, это не так. Я ведь в детстве мечтал стать музыкантом, учился играть на различных инструментах – гитаре, флейте, пианино. Но без особого успеха, так как учение давалось мне тяжело, и хотя я научился на них играть, но это было результатом моего упорства и усидчивости. Гораздо больше привлекала меня тогда электроника – я изучал схемы радиоприемников, собирал их, а также пробовал даже конструировать электронные устройства для обработки звука, подключал к ним гитару и слушал, что получалось с ее звуком. Мне тогда казалось, я изобретаю что-то новое – считал себя настоящим асом. Но когда услышал пластинку Sergeant Pepper’s Lonely Heart Club Band (Beatles), понял, что все мои эксперименты со звуком – детский лепет. И у меня появилась мечта – любой ценой устроиться на работу в настоящую студию звукозаписи, желательно в ту, где работала группа Beatles. Опять помогло мое упорство, и это удалось. Да, мне жутко хотелось работать за пультом, выстраивать звук, крутить ручки и давать ассистентам команды. Но я был всего лишь «ти-боем», мальчиком на побегушках, приносящим персоналу чай, перематывающим пленки и делающим вспомогательную работу. Так что говорить о начале своей карьеры на записи пластинки Let It Be я бы не стал.

И каким образом молодой человек из «ти-боя» превратился в профессионального звукооператора?

О, это был долгий процесс. Все свободное время я наблюдал, как работают профессионалы, изучал принцип действия пультов и различной студийной аппаратуры, расспрашивал всех обо всем, хотя и не всегда получал ответ. Но я постоянно узнавал новое и рос как профессионал. В конце концов, мое желание и по крупицам приобретенные знания сделали свое дело – я пошел на повышение и получил работу ассистента звукооператора в штате студии Abbey Road. А работу звукооператора я начал на пластинке Пола Маккартни (Paul McCartny) Wings Wild Life, правда, лишь над некоторыми треками альбома. Я записывал C Moon и Hi Hi Hi, не вошедшие, к моему сожалению, на пластинку, но выпущенные на сингле. А на альбоме Пола Red Rose Speedway моей работы уже больше, хотя он, как человек, очень щепетильно относящийся к вопросу записи своих песен, нанял еще несколько звукооператоров, с которыми мы и делили «капитанский мостик»: Диксона Ван Винкля (Dixon Van Winkle), Дэвида Хентшеля (David Hentschel), Ричарда Лаша (Richard Lush) и еще пару ребят, чьих фамилий я уже и не помню. Так что и здесь я отвергаю расхожее мнение о том, что звук этих альбомов Маккартни полностью на моей совести. Но эта работа мне очень многое дала. Во-первых, требовательность Маккартни заставила работать с максимальной отдачей и быть в курсе всех новинок студийного оборудования, благо, что у него на покупку оных деньги были. С другой стороны – рекомендации большого музыканта, позволившие мне в дальнейшем получить несколько предложений, в частности, от Джорджа Харрисона (George Harrison) поработать над сведением его сольника All Things Must Pass и от группы Hollies. С ними  я записывал треки He Ain't Heavy He's My Brother и The Air That I Breathe, ставшие впоследствии большими хитами.

И именно эти рекомендации позволили Вам стать звукооператором альбома Dark Side Of The Moon (Pink Floyd)?

Пожалуй, нет. Я уже имел имя и определенный статус, говорящий о том, что я люблю экспериментировать со звуком. И когда летом 1972-го года порог студии Abbey Road переступили четверо музыкантов, хотевшие записать экспериментальный альбом, мою кандидатуру вспомнили в первую очередь. Честно говоря, мы тогда, начиная работать над проектом, не предполагали, насколько революционным получится результат. Все внесли в его создание свою лепту, и мы с моим помощником Питером Джеймсом (Peter James) тоже постарались на славу. О работе над записью этого альбома можно написать не одну книгу, а о наших экспериментах – еще несколько. Вы ведь много читали о нем?

Да, действительно о нем было много написано. О Вас в основном пишут то, что Вы, числясь одним из главных людей проекта, были обделены финансово, не получали роялти от многочисленных переизданий этого альбома.

Я не считаю себя обделенным. Я выполнял свою работу, получал за это жалование, мой труд хорошо оплачивался. Я ни в коем случае не претендую на дополнительные гонорары, ибо не участвовал в написании композиций. А что касается различных экспериментов со звуком – это я воспринимаю как часть качественно и достойно выполненной работы.

А что подвигло Вас в скором времени создать свой коллектив?

Скорее всего, общение с различными музыкантами, чьи альбомы я записывал. И сотрудничество с ними. Участвуя в создании пластинок групп Pilot, Cockney Rebel, Эла Стюарта, песни которых становились хитами, помните Oh Ho Ho It's Magic!!! (напевает песню группы Pilot «Magic»), я понимал, что смогу сам писать музыку. Более того, я могу ее хорошо записать, и в этом было мое преимущество, в сравнении с остальными. Другое дело, как совместить сочинительство, музицирование и запись материала? На все же времени не хватит! И тут мне повезло, я познакомился с Эриком (Eric Woolfson, певец, композитор, мультиинструменталист). Без него ничего бы, наверное, не было. Он инициировал проект, предложил разделить сферы контроля. В мои обязанности входило продюсирование, создание концепции альбома и предварительное видение музыки, ее аранжировка, а также ее запись, и частично композиторская функция. Он брал на себя функции композитора, и все исполнение музыки было тоже в его ведомстве. Мы набрали музыкантов, и в 1976-м году вышел первый альбом группы Alan Parsons Project «Tales of Mystery & Imagination». Я тогда увлекался  мистический прозой Эдгара По, и мои увлечения, как мне кажется, нашли воплощение в этом довольно мрачном альбоме.

А можно ли охарактеризовать саунд группы тех лет?

В нашем саунде мы попытались смешать все жанровое разнообразие музыки 70-х – арт-рок и психоделию, спэйс-рок, жесткие хардовые гитарные риффы, поп-музыку с танцевальной ритмикой, а также наложить на все это интеллектуально-философские истории, рассказанные доступным языком. Безусловно, в некоторых местах наша музыка была похожа на музыку других композиторов, и это естественно, ведь я провел огромное количество времени в студии, работая над записью чужих произведений.

Работая над созданием следующих альбомов группы I Robot (1977), Pyramid (1978) и Eve (1979), Вы рассчитывали на их коммерческий успех?

Да, мы этого очень хотели. Если я не ошибаюсь, композиции (The System Of) Doctor Tarr & Professor Fether из Tales даже удалось пробиться в чарты Billboard (№37 (9/11/76)). Я старался сделать звук наиболее комфортным для слушателя, а Эрик ловил вдохновение для написания настоящего хита. О наших пластинках говорили, писали в прессе, у нас были стойкие поклонники, но настоящего успеха не было долго. Мы начали пробуксовывать. Был даже один альбом после пластинки Pyramid, который наша звукозаписывающая компания отказалась издавать. Он до сих пор лежит где-то в архивах. Для записи Eve решено было сменить обстановку и поехать в Монако. Мы продуктивно там поработали, альбом вышел, и, о Боже! – взлетел на верхнюю строчку хит-парада Германии. У нас появился первый настоящий хит-сингл Lucifer, тоже забравшийся на вершину! Наконец-то к нам пришел серьезный успех. Воодушевленные этим, мы отправились в Париж и записали там еще более успешный альбом The Turn of a Friendly Card, хорошо принятый и в Штатах. Две вещи из него пробились в Billboard TOP-20 (Games People Play №16 (1/24/81) и Time №15 (6/6/81)). А вышедший следом альбом Eye In The Sky (1982) в коммерческом плане пошел еще дальше, и заглавный трек из него Eye In The Sky попал в ТОР 3.

После череды хороших, но не выдающихся альбомов, созданных по изобретенному рецепту, Ammonia Avenue (1984), Vulture Culture (1985) и Stereotomy (1986), Вам удалось выпустить блестящую работу Gaudi (1987). Материал альбома безупречен, но звучит как-то холодно и отстраненно, почему?

Я бы не сказал, что запись была холодной. Возможно, это ощущение оттого, что вся работа с материалом шла исключительно в «цифре». На самом деле это один из моих любимых альбомов. Когда я в первый раз летом 1985-го года увидел чудо архитектуры – кафедральный собор La Sagrada Familia в Барселоне, построенный архитектором Антонио Гауди, я лишился дара речи, был потрясен. Это было лучшее из увиденных мною искусственных сооружений. Я подумал: каким образом могло прийти в голову архитектора столько деталей, все эти решетки, мозаики, витые колонны, рельефные стены? Могу ли я воссоздать что-то подобное в звуке? Свой собор, построенный из мелодий. Я решил это осуществить, естественно, включив в музыку куски испанских мелодий и применив для ее записи новейшие цифровые технологии. Испанская гитара, саксофон, виолончель, рожок и тимпан звучат в альбоме наряду с довольно жесткими синтезаторами, гитарами и барабанами. Все это должно было показать величие сооружения, созданного человеком во имя Господа. Запись проводилась на самый тогда передовой цифровой  48-канальный магнитофон Sony 3324 и микшировалась на цифровой консоли Sony 1630, то есть не было никакой аналоговой записи и обработки звука. По тем временам звук получился просто потрясающим, и я считаю, что поставленную перед собой задачу выполнил: тоже создал нечто, чем можно гордиться. У меня в планах перемикшировать этот альбом в Surround 5.1, вот тогда, я надеюсь, звук будет именно таков, как если бы он звучал под сводами собора La Sagrada Familia.

Что Вы можете сказать об альбоме Fruediana (1990), давшем жизнь театральному мюзиклу?

Запись очередной пластинки, главной темой которой была жизнь Зигмунда Фрейда, плавно перетекла в создание театрального мюзикла, когда к проекту присоединился Брайан Бролли (Brian Brolly), бывший партнером Эндрю Ллойда Уэббера (Andrew Lloyd Webber) на мюзикле Cats. Брайан поставил его в Theater An Der Wien, и премьера мюзикла имела большой успех. После этого мой давний партнер Эрик Вульфсон  (Eric Woolfson) «заболел» театром и ушел из группы, решив полностью посветить себя театральным постановкам. Он поставил мюзикл Gaudi, причем в двух вариантах. Постановка  с успехом сейчас идет на сценах Германии наряду с другими его спектаклями (в частности, с мюзиклом Gambler).

И после этого Вы отказались от названия Alan Parsons Project?

Да, верно. Это было названием союза Парсонс/Вульфсон. Когда Эрик ушел, я счел некорректным использовать далее это имя. В результате я предпочел пользоваться своим именем.

Зато у Вас появился Alan Parsons Live Project, а ведь долгое время Вы принципиально не давали концертов.

Времена меняются и принципы тоже, если они не противоречат здравому смыслу. Я принял решение выступать с концертами, и с недавних пор у меня есть концертный состав. Я подобрал суперпрофессиональных музыкантов. Это гитарист Годфри Таунсенд (Godfrey Townsend), барабанщик Стив Мерфи (Steve Murphy), басист Джон Монтанья (John Montagna) и клавишник Мэнни Фокараццо (Manny Focarazzo). В такой команде я чувствую себя на сцене очень уверенно.

А какие композиции группа исполняет на концертах?

В основном хитовые вещи с разных альбомов группы, ретроспективу творчества – мы исполняем  Sirius, Standing On Higher Ground, Eye In The Sky, Old & Wise, Time, You're Gonna Get Your Fingers Burned, Limelight, Don't Answer Me и другие.

В прошлом году вышел Ваш новый альбом A Valid Path. Довольны ли Вы проделанной работой?

Да, в полной мере. Начинается пластинка с композиции Return To Tunguska, которая предназначена, прежде всего, для моих поклонников со стажем, легко узнающих мой фирменный почерк. Пульсация синтезатора, гитара моего друга Дэйва Гилмора (Dave Gilmour), приглашенного мной, уносит слушателя лет на двадцать назад в эпоху Stereotomy. А мостиком между прошлым и будущим является новая версия композиции двадцатилетней давности Mammagamma 04. Индустрия меняется, меняется и аудитория, поэтому нельзя стоять на месте и играть музыку, актуальную в те времена. Нужно делать что-то новое. Я пытаюсь достучаться до молодой аудитории, приглашая на альбом музыкантов, лучше меня ориентирующихся в новых веяниях и технологиях. Это Crystal Method, Shpongle, Nortec Collective. Работа с ними обогащает меня и омолаживает. Много сделано для альбома моим давнишним партнером Эриком Вульфсоном, Пи Джеем Ольссоном (PJ Olsson) – обладателем колоссальной библиотеки сэмплов, гениальным программистом и отличным певцом. И, что мне особенно приятно, огромную работу по программингу и секвенсингу провел  мой сын Джереми (Jeremy Parsons). Парень, я тобой горжусь!

Какое значение Вы придаете обложкам альбомов?

Я считаю, что обложка альбома должна быть лаконичной и в полной мере отражать суть его главной идеи. Она должна притягивать внимание, быть символом. Вспомните гениальную в своей простоте обложку Dark Side с треугольником на черном фоне. Есть графические образы, заставляющие человека задуматься. Именно эти образы нужно придумывать и помещать на обложки. Я тоже делаю по возможности лаконичные обложки. Игральная карта в виде витража, роспись кистью на стене, браслет в виде змеи. Правда, картинки некоторых ранних альбомов я бы переделал. Например, пластинки I Robot. Мы сфотографировали стеклянные коридоры аэропорта Шарля Де Голля в Париже и поместили туда какую-то дурацкую фигуру, изображающую робота. Получилась очень громоздкая и пестрая конструкция, неприятная для глаз. Зато обложка последнего альбома мне очень нравится.

Еще бы, ее делал Сторм Торгерсон (Storm Thorgerson)!

Сторм – великий художник, он лучший из живущих мастеров кавер-арта. Посмотрите обложки пластинок Pink Floyd – это же шедевры современного изобразительного искусства! Я заказал ему оформление своей новой работы, он его сделал. Как всегда, блестяще. Квадратики, проложенные через явно враждебную субстанцию, по которым уверенно идет человек в шляпе,  как ничто лучше символизируют единственно правильный valid path, по которому нужно двигаться.

А название последней пластинки совпадает с направлением вашего творчества?

Да. Я иду по этой дороге к новым достижениям.

А каковы, на Ваш взгляд, Ваши предыдущие наивысшие достижения?

Слушателям, конечно, виднее, а мой личный рейтинг достижений таков: естественно, это работа над Dark Side Of The Moon, микширование Tubular Bells, продюсирование и запись группы Yes с симфоническим оркестром в 1993-м году. Я также горжусь тем, что перед играми баскетбольной команды Chicago Bulls играет моя композиция Sirius из альбома Eye In The Sky и что мой любимый актер Майк Майерс (Остин Пауэрс в фильме «Шпион который меня соблазнил») назвал машину разрушений Доктора Зло «Алан Парсонс Проджект».

Вы считаете себя счастливым человеком?

Счастлив ли я? Конечно. Теперь веду оседлый образ жизни. Я остепенился и проживаю в Санта-Барбаре, штат Калифорния со своей любимой женой Лайзой и двумя дочками-подростками, Табитой и Бриттни, четырьмя кошками, четырьмя  гвинейскими свиньями, вислоухим кроликом и гигантским лабрадором по кличке Хэрроу. И еще я занимаюсь любимым делом – сочиняю музыку и играю концерты. И продолжаю крутить свои любимые ручки.

2006 Music Box.

Автор: Валерий Кучеренко.

---

Дискография

1976 Tales of Mystery & Imagination - Edgar Allan Poe

1977 I Robot

1978 Pyramid

1979 Eve

1980 The Turn Of A Friendly Card

1982 Eye In The Sky

1983 The Best Of

1984 Ammonia Avenue

1984 Vulture Culture

1985 Stereotomy

1987 Gaudi

1987 The Best of volume 2

1988 The Instrumental Works

1989 Pop Classics

1989 Tales of Mystery & Imagination Edgar Allan Poe [Japan]

1990 Freudiana

1992 The Ultimate Collection 2CD

1995 Riverbend Music Theatre [bootleg]

1995 The Very Best - Live

1997 The Definitive Collection 2CD

1999 Master Hits

2000 Golden Collection

2002 Anthology

2003 Silence & I - The Very Best of 3CD

2005 Eye 2 Eye - Live in Madrid

2006 The Dutch Collection 3CD

2007 Eye in the Sky [remaster]

2007 Gaudi [remaster]

2007 I Robot [remaster]

2007-The Essential 2CD

2007 The Essential 3CD [remaster]

2007 Vulture Culture [remaster]

2008 Ammonia Avenue [remaster]

2008 Eve [remaster]

2008 Greatest Hits 2CD

2008 Pyramid [remaster]

2008 Stereotomy [remaster]

2008 The Turn of a Friendly Card [reissue]

2008 The Turn of a Friendly Card [remaster]

2010 The Collection

2013 I Robot 2CD [legacy edition]

2013 Live in Saarbrucken

2014 The Complete Albums Collection 11CD

2014 The Sicilian Defence

2016 Live in Colombia 2CD

---

Alan Parsons

1993 Try Anything Once

1994 Live

1995 The Very Best Live

1996 On Air

1999 The Time Machine

2004 A Valid Path

2008 Greatest Hits

2010 All Our Yesterdays

2014 Livespan 2CD

---

Eric Woolfson

1990 Freudiana

1996 Gaudi

1997 Gambler

2003 Poe - More Tales Of Mystery And Imagination

2009 Edgar Allan Poe

2009 That Never Was

---

Ссылки

http://www.alanparsonsmusic.com/home.html - Официальный сайт

Биография

Группу Tangerine Dream по праву называют одними из основателей берлинской электронной школы, да и электронной музыки вообще. Наиболее удачным является, пожалуй, определение ведущего известной радиопередачи «Back to the Universe» Мартина Ландерса – «электронная и экспериментальная музыка». То, что сделано музыкантами Tangerine Dream – это действительно очень прогрессивная и экспериментальная для своего времени музыка, да и, пожалуй, непревзойденная до сих пор. Все начиналось в 1967 году, когда студента Берлинской Академии искусств Эдгара Фрезе пригласили участвовать в небольшом представлении на вилле Сальвадора Дали. К этому моменту 23-летний Эдгар (родился он в 1944 году в Восточной Пруссии) уже имел собственную музыкальную группу под названием The Ones.

Уже тогда душу Эдгара тянуло к экспериментам с музыкой. Не хватало лишь главной, «стержневой» идеи, а заодно и средств для ее воплощения. Не стоит забывать, что в то время в распоряжении музыкантов, помимо традиционных электрогитар и барабанов, были лишь простенькие электропианолы. «Помимо экспериментов, в те далекие времена, – вспоминает Фрезе, – у меня было желание раскрыть мир и самого человека совершенно с новой стороны, мне хотелось раскрыть безбрежный океан чувств и фантазий личности, которые не в состоянии выразить никакой рок, джаз или блюз». На вилле Дали к Эдгару пришла идея: плавание в невообразимом коктейле из музыки, литературы и живописи в компании с самыми необычными людьми Лондона и Парижа дало свои результаты.

Первым родилось название будущего проекта – Tangerine Dream. Принято считать, что возникло оно в голове Эдгара под впечатлением от знаменитого «Сержанта Пеппера» The Beatles, а точнее – психоделической композиции Леннона «Lucy In The Sky With Diamonds». Правда, в той песне фигурировали лишь Tangerine Trees and Marmalade Skyes, мандариновые деревья с мармеладными небесами, так что основа у легенды получается довольно шаткая. Зато название проекта Фрезе тютелька в тютельку совпадает с песней Led Zeppelin, появившейся, правда, несколько позже. Существует и еще загадка, связанная с названием группы. Хотя, по всем имеющимся данным, возникло оно именно в 1967 году, еще за год до этого некая рок-команда во главе с Эдгаром Фрезе выпустила сингл под названием Lady Greengrass/Love Of Mine. И нужно ли упоминать, что называлась эта команда Tangerine Dream. Возможно, если подходить совсем уж строго, отсчет времени существования группы следовало бы вести именно с того года, ведь та группа возглавлялась именно Фрезе, и называлась именно Tangerine Dream. Впрочем, кроме этих двух атрибутов та команда с последующими событиями больше ничего общего не имела. Как бы то ни было, идея родилась и обрела название. Сложнее оказалось с коллегами по ее воплощению – ни один из приятелей Фрезе, с которыми он свел знакомство у Дали, не захотел последовать рука об руку с Эдгаром по авангардному пути. Пришлось, не солоно хлебавши, возвращаться домой, в Западный Берлин, и уже там формировать костяк будущей группы. В первоначальный состав, помимо Эдгара, вошли Волкер Хомбах (Volker Hombach), Курт Херкенберг (Kurt Herkenberg), Чарли Принс (Charlie Prince) и барабанщик Ланс Хапсхаш (Lanse Hapshash), которого позже сменил некий Свен-Эйк Йоханссон.

Новорожденный коллектив тут же начал активно обживать модные берлинские клубы, пугая (и привлекая) посетителей своей восхитительной какофонией, основной тон в которой задавала беснующаяся гитара Эдгара. Довольно скоро коллектив приобрел популярность в узких кругах ценителей авангарда. Не слишком выделяясь, впрочем, из ряда таких же авангардистских коллективов, среди которых была, к примеру, группа Psy Free, в состав которой входил долговязый и белобрысый барабанщик Клаус Шульце. Встреча двух отцов-основателей жанра электронной музыки неизбежно должна была состояться. И она состоялась в 1969 году, в клубе Zodiak, который был для авангардистов таким же культовым местом, как гамбургский Star Club для бит-музыкантов. У основания клуба с самого начала его существования, с 1968 года, стояли Конрад Шнитцлер (Conrad Schnitzler) и Ганс-Йоахим Роделиус (Hans-Joachim Roedelius). В конце 60-х Шнитцлер был ключевой фигурой берлинской арт-генерации, его лаборатория отбирала артистов экспериментального ключа в различных направлениях, а Ганс-Йоахим был известен также и как участник групп Plus/Minus и Noises. Но главной авангардной работой Роделиуса, Шнитцлера, Дитера Мебиуса (Dieter Moebius) стал легендарный шумовой проект Kluster, который успел издать только два альбома: «Klopfzeichen» (1970) и «Osterei» (1970).

Pink Years (1970-1973)

Итак, после одной из репетиций Psy Free в «Зодиаке» Клаус Шульце задержался, чтобы послушать выступление группы Эдгара. Перед выступлением музыканты перебросились парой фраз и этого было достаточно, чтобы Эдгар попросил так, кстати, пришедшегося барабанщика выйти на сцену, чтобы заменить за барабанами отсутствующего герра Йоханссона. Шульце не долго думая, согласился. Так в клубе «Волшебная пещера» состоялся дебют Шульце в составе Tangerine Dream, на котором музыканты заработали ровно 50 марок. Деньги были потрачены в тот же вечер на выпивку и закуску, во время истребления оных дружба Клауса и Эдгара еще больше укрепилось. Причем настолько, что музыканты тут же решили образовать костяк новой группы под тем же названием Tangerine Dream. Остальные же музыканты группы как-то незаметно испарились в течение месяца, оставив «отцов-основателей» вдвоем.

Вскоре удалось найти и третьего искателя приключений в мире искусства – студента художественного колледжа Конрада Шнитцлера, обожающего музыкальные эксперименты в духе элитарного авангарда а-ля Штокхаузен. В таком вот составе однажды летним днем 1969 года, на одном из берлинских чердаков была записана пленка с импровизационной игрой музыкантов – просто нечто вроде музыкальных «заметок» на будущее. Как вспоминал Эдгар, для воплощения его музыкальных идеи использовались все предметы, которые попадались под руку, вплоть до кастрюль и сковородок. Все это дополнялась скрипом вилки по стеклу, завываниями гитары Фрезе и зловещим грохотом барабанов Клауса (ухитрившегося пробить во время записи пару мембран). Воющие пилы скрипки и виолончели Шнитцлера добавляли то, что было свойственно для современной кельнской школы классической музыки. Так был записана демо-лента, незаметно превратившуюся в первый альбом группы – «Electronic meditation» (1970), выпущенный небольшой немецкой компанией Ohr Musik. Вспоминая об этой работе, гораздо позже Клаус Шульце охарактеризовал этот альбом как электронный панк. Но кстати, оригинальная виниловая версия Electronic Meditation сегодня стоит несколько сот фунтов стерлингов и является гордостью коллекционеров. Заметного успеха альбом группе не принес, и вскоре Эдгар вновь остался наедине со своими идеями. И Шульц, и Шнитцлер решили, что их музыкальная тропа пролегает в ином направлении – Шнитцлер все больше и больше тяготел к «академическому» авангарду, а Клаус неожиданно открыл для себя прелесть работы с синтезаторами.

Вскоре после записи Electronic Meditation состоялось его знакомство с Pink Floyd, и их влияние оказалось сильнее соблазнов, предлагаемых Эдгаром. Возможно, что не последней причиной ухода обоих послужили диктаторские замашки Эдгара, раз и навсегда застолбившего в группе роль лидера. Замену ушедшим в неведомое компаньонам Эдгар нашел довольно быстро. Буквально через пару месяцев Tangerine Dream вновь превратилось в трио - на место Шульце приходит молодой джазовый ударник Кристофер Франке. Дебютировав в Tangerine Dream в качестве ударника, довольно скоро Крис пересел за клавишные, став, наравне с Эдгаром, основным генератором музыкальных идей в группе. Около года Tangerine Dream функционировала в качестве дуэта, пока в 1972 году в состав группы не влился третий постоянный участник – Питер Бауманн (Peter Baumann). Именно этот состав и стал на долгие годы «золотым» и, пожалуй, самым удачным составом группы, «перу» которого принадлежит большинство ее лучших альбомов. Которые, впрочем, были еще впереди. А пока, в 1971 году, группа находилась в разгаре своего «младенческого» периода, который позже получит название Pink Years. Этот период деятельности музыкантов характерен обилием экспериментов со звуком и не слишком, на мой взгляд, интересной музыкой. Звуки извлекались из различных подручных средств, после чего путем реверберации, задержек и т.п. получались необычные звуковые эффекты. Музыка группы стала более агрессивной и экспериментальной, в ней были легко заметны влияния электроакустических разработок Штокхаузена и других представителей серьезной академической электроники. Названия альбомов и композиций вызывали воспоминания о научной фантастике и космосе. Их музыка стала почти клаустрофобичной, с замкнутой на себя неемкой структурой и магнитофонным эхом, выбивающим из привычной колеи, усиливающим жуткий, экзотический звук. В ней чувствовалась почти физически осязаемая оторванность Западного Берлина от остальной Федеративной Германии. В связи с тем, что в этот период группа сотрудничала с фирмой звукозаписи Ohr Music, хозяева которой «болели» научной фантастикой и космосом, первые диски Tangerine Dream имели ярко выраженный «космический» саунд – а заодно и соответствующие названия. В 71 году выходит альбом Alpha Centauri, в записи которого Эдгару и Крису помогали клавишники Стив Шредер (Steve Schroyder) и Ролан Полик (Roland Paulick), а также флейтист Удо Денненбург (Udo Dennebourg). Этот альбом сегодня с гордостью представляется как «первый космический альбом в истории», хотя записи тех же Pink Floyd увидели свет значительно раньше. Собственно, он же и стал первым электронным альбомом Tangerine Dream, продемонстрировавшим на этом диске возможности нового синтезатора VCS 3. Следующий, 1972 год, отмечен приходом Питера Бауманна, который внес немалую лепту в создание двойного альбома Zeit, объединив синтезаторы со струнным квартетом для изображения западающего в память пустынного, но эффектного пейзажа. В записи альбома принимало участие немало «гостей» – в их числе «засветился» кельнский виолончельный квартет и ненадолго вернувшийся в коллектив Стив Шредер. Однако звучание Tangerine Dream, при всех своих достоинствах, было еще достаточно эклектичным, а ансамблю не хватало стилистической самокритичности. Ни для кого не было тайной, что все «творчество» коллектива Фрезе в тот период было всего лишь эксплуатацией модных идей и мотивов психоделических групп США и Великобритании. Многочисленные критики, ополчившиеся на ансамбль как со стороны «чистого» рока, так и со стороны классики, полагали, что все старания Tangerine Dream превзойти коммерчески успешный звук Pink Floyd потерпели неудачу, и основным результатом медитирующей музыки ансамбля стала скука. «На альбоме представлен отличный симбиоз выразительных гармоний и электронных вариаций. Но все это скатывается в чересчур продолжительные тональные мутации, препарирования звука и эффекты тишины, давая результатом бессодержательную космическую безграничность» (Die Welt). «В контрасте с произведениями творцов этого жанра – Кэйла, Штокхаузена, Фелдмана – их акустический ЛСД стерильно упакован и является ребусом, который сможет разгадать лишь избранная аудитория» (Rocklexikon). Чуть более интересным вышел записанный в 1973 году диск «Atem», который поймал внимание влиятельного диск-жокея БИ-БИ-СИ Джона Пила. С его подачи творению TD было присуждено звание «Альбом года», после чего группой немедленно заинтересовалась британская публика. А заодно – и несколько британских компаний звукозаписи. И это было особенно кстати, так как отношения коллектива с их немецким лейблом Ohr Musik начинали потихоньку портиться: группа явно выходила из столь любимого хозяевами фирмы «космического» образа. Фрезе понял, что дальше эксплуатировать «космическую» тему становится опасно – ярлык «космических рокеров», на какое-то время «прилипший» и к Pink Floyd, не давал возможности завоевать широкую аудиторию, о которой так страстно мечтал Эдгар. В середине 1973 года внезапно срывается с места и на время покидает группу Питер Бауманн. В его отсутствие Франке и Фрезе записывают очень интересный и нетипичный для того времени альбом Green Desert – лишь для того, чтобы сразу же после сведения отложить уже готовый альбом в долгий ящик. Где он и пролежал аж до 1986 года! Возвращение блудного Бауманна ознаменовало новый этап в истории Tangerine Dream. Впервые с момента своего основания группа приобрела стабильный состав и сразу же заключила контракт со знаменитой британской компанией Virgin. А заодно – и открывает новый, самый удачный период своего творчества, который позже был назван:

Virgin Years (1974-1983)

В 1973 году группа начинает запись первой работы – «Phaedra». Запись проходит в новой, 16-дорожечной студией, оснащенной, в частности, новейшим синтезатором «Moog». Занятие, надо сказать, было не из легких: первые аналоговые синтезаторы были очень капризными изделиями, их приходилось настраивать по-несколько часов каждый день перед работой. При этом вполне могло случиться так, что после настройки из-за изменения температуры частота звука уезжала на полтона, и приходилось заново подстраивать инструмент. Собственно начало этого альбома «склеено» из записей, сделанных ранее на репетициях – как раз из-за того, что муг постоянно входил в диссонанс то с бас-гитарой, то с меллотроном, и приходилось ловить моменты нормальной игры. Кстати, на некоторых ранних концертных записях группы можно услышать, как подстраивают синтезаторы непосредственно во время исполнения, в частности, на альбоме «Encore». Несмотря на все эти сложности, в 74 году альбом выходит в свет (на фирме Virgin). И занимает высокие места в мировых чартах (вплоть до 8 места). Мало кто мог ожидать подобного успеха от никому, в то время, неизвестной группы, играющей совершенно непонятную музыку. Этот успех в каком-то роде дал карт-бланш музыкантам: на Virgin просто не знали, что можно требовать от подобной музыки для повышения ее популярности, поэтому сильного давления на группу не было. Во время концертного тура 1975 года Питер Бауманн вновь – во второй раз! – покидает группу. Пока еще «временно». Его место за клавишными на концертах занял Майкл Хениг, для которого кратковременная работа в составе Tangerine Dream стала хорошим стартом для начала собственной сольной карьеры. После возвращения Бауманна группа, засучив рукава, за пару месяцев записывает свой очередной альбом «Rubycon», состоящий из двух больших электронных композиций длительностью около 17 минут каждая. В альбоме получают дальнейшее развитие идеи, заложенные в «Федре» – точнее, музыканты просто стараются не отходить от столь хорошо принятого публикой звучания. В «довесок» к новому альбому выходит и первый «концертник» группы «Ricochet». В 1976 году записывается студийный альбом «Stratosfear», последняя студийная работа в составе Фрезе-Франке-Бауман. Именно в этом альбоме группа впервые отходит от чистого электронного звучания, используя наряду с синтезаторами и традиционные инструменты: акустическую гитару, клавесин и гармонику.

Stratosfear был записан в нервозной обстановке – отношения между Фрезе и Бауманном обострились до предела. Петер, рассудив, что период его "ученичества" уже позади, начал работу над своим собственным сольником и постоянно показывал, что он не намерен и дальше плясать под дудку Эдгара. Как и следовало ожидать, кончилось все очередным разрывом. На этот раз – окончательным. В Tangerine Dream Петер неизбежно остался бы «вечным третьим», а после своего ухода он получил возможность начать сольную карьеру и даже создать собственную музыкальную компанию. Авторитета Фрезе хватило лишь на то, чтобы уговорить Питера не покидать группу до завершения их очередного американского турне. По итогам этой поездки был выпущен концертный альбом «Encore», записанный весной и осенью 77 года – 4 композиции суммарной продолжительностью более часа, таинственная и очень красивая музыка – от эмбиента до жесткого гитарного соло Эдгара Фрезе. Концерты проходили в темноте, с использованием криптонового лазера и сложных оптических систем для создания причудливых визуальных эффектов. Даже список использованного тремя музыкантами оборудования поражает воображение: гитары, перкуссия, вокодер, меллотроны Mark V и M.400, пианино, рояль, синтезаторы Moog, Oberheim four voice polyphonic synthesizer и eight voice polyphonic synthesizer, ARP omni string synthesizer, ARP digital soloist synthesizer, P.P.G. synthesizer, Elka string synthesizer, Project electronic modular synthesizer, секвенсоры Oberheim, Projekt и Computerstudio. К сожалению, удачно начавшееся турне по США музыканты вынуждены были прервать: «официальной» причиной представили травму Фрезе, некстати упавшего с лошади. Однако на деле проблемы были связаны с разногласиями музыкантов с организаторами поездки. В этом же году свет увидел первый саундтрек Tangerine Dream – «Sorcerer», который записывался в течение более чем двух лет. Идея этого проекта возникла у режиссера Уильяма Фридкина после того, как он услышал выступление группы в Мюнхене. Встретившись с музыкантами в Париже, он передал им сценарий будущего фильма, и на этом они разошлись. И уже гораздо позже, когда шел шестой месяц съемок в лесах Доминиканской Республики, пришла пленка от Tangerine Dream с 90-минутной записью. И на основе этой самой записи в дальнейшем монтировался фильм, хотя сами музыканты не видели ни единого кадра. Музыка «Sorcerer», пожалуй, наиболее мрачная и таинственная из всего, что сделано группой. По словам режиссера, музыка оказалась настолько тесно спаянной с фильмом, что одно не могло существовать без другого. Оставшись верной европейскому авангардному роковому прочтению, группа исполнила музыку, сложенную из отдельных звуковых мотивов, часто не связанных между собой и резко обрывающихся. В дальнейшем они часто сочиняли музыку для фильмов, преуспев в этом больше любого другого ансамбля (на их счету к 1986 году было более дюжины саундтреков). Интересно, что для научно-фантастических фильмов они работали всего два раза (фильмы «Длина волны» и «Зажигающая взглядом»). В 1978 году на место Питера Баумана приходит Стив Джоллифф, старый знакомый Фрезе еще с конца 60-х, когда он короткое время играл в одном из первых составов Tangerine Dream. Вместе с ним в группу пришел барабанщик Клаус Кригер и группа, на время превратившаяся в полноценный квартет, начинает работу над новым альбомом, «Cyclone». Этот один из самых спорных альбомов TD стал первым диском, на котором группа использовала вокал. Выпуск альбома сопровождался крупномасштабным Европейским туром, который был отмечен максимальным количеством зрителей за всю историю концертов группы. Хотя тур был, бесспорно, успешен в коммерческом аспекте, во время него в коллективе возник очередной раскол, в результате чего группа лишилась чрезмерно активного новобранца Джоллиффа. Именно он оказал наибольшее влияние на музыку группы во время записи Cyclone, поэтому Фрезе в дальнейшем не раз публично открещивался от этой работы. На своем следующем диске «Force Majeure» группа вновь возвращается к классическому звуку Tangerine Dream. Впрочем, «прививка» рока, сделанная Джоллиффом, дает о себе знать: к синтезаторам добавляются флейта, виолончель, различные гитары. А композиция «Through metamorphic rocks» вообще включает в себя сбой оборудования, результат которого так понравился музыкантам, что они решили оставить его, взяв его за основу композиции. «Force Majeure», бесспорно, стал одним из лучших дисков группы и остается в числе фаворитов у слушателей и по сей день. Не прекращая работы над новыми альбомами, Фрезе продолжает активно искать нового клавишника на замену Джоллиффу, прослушивая одного претендента за другим. К удивлению поклонников, выбор Эдгара падает в итоге не на музыканта, а на никому не известного инженера Йоханеса Шмеллинга (Johannes Schmoelling), занимавшегося звуковым оформлением «живых» выступлений берлинского театра. Эдгар был настолько поражен его работой, что тут же предложил Йоханесу войти в состав группы. Шмеллинг согласился, и таким образом «тройственный союз» был восстановлен. Именно этот состав считается поклонниками наиболее сильным в истории группы. Дебют Шмеллинга в составе Tangerine Dream состоялся 31 января 1980 во время концерта в восточноберлинском Palast der Republik. Этот концерт не только вошел в историю группы, как один из самых ярких и волнующих моментов, но и, в свою очередь, ввел группу в историю. Ведь именно TD стала первой западной рок-группой, выступившей за «железным занавесом»!

Причиной получения разрешения на этот концерт, было, разумеется, то, что это была одна из наиболее известных групп, играющих на своих концертах только музыку, никакого пения. Это была самая «политкорректная» из западных групп. Тем не менее, их популярность по нашу сторону железного занавеса оказалась совершенно невероятной. Лишь небольшое количество билетов на этот концерт было выпущено в свободную продажу – остальные достались спекулянтам и продавались за сумму, вдвое превышающую месячный заработок в ГДР! В этом же году запись двух концертов была выпущена на восточногерманском лейбле Amiga под названием Quichotte, и лишь шестью годами позже эти записи дошли до западных слушателей в виде альбома Pergamon. С приходом Шмеллинга начинается новая фаза развития группы. В целом музыка становится более простой и, пожалуй, более рассчитанной на коммерческий успех, но, тем не менее, остается достаточно интересной. В таком составе группа записывает в этом же году студийный альбом «Tangram», многое позаимствовавший из прошедшего концерта. Этот, пожалуй, самый драматический из альбомов группы ярко продемонстрировал мелодические таланты Шмеллинга и поднял музыку группы до уровня настоящего симфонизма. В 1981 группа выпускает новый саундтрек «Thief» для одноименного фильма Майкла Манна, а также записывает альбом «Exit», состоящий из шести сравнительно коротких для Tangerine Dream композиций (от 4 до 9 минут). Чтобы поддерживать альбом, группа организует новое турне по Европе, собрав одну из самых больших аудиторий во время концерта на ступенях Рейхстага. Они продолжили записываться и гастролировать и в следующем, 1982 году, произведя на свет новый студийный альбом White Eagle и последний из своих великих концертников – Logos. Записанный в Лондонском Dominion Theatre в ноябре, Logos застал многих фанатов врасплох, на короткий срок, появившись в музыкальных магазинах. Почти семнадцатью годами позже другая запись концерта этого тура была выпущена на альбоме Sohoman. В 1983 году группа записала последний альбом для Virgin – наполненный атмосферными звуками Hyperborea. Вторым выпущенным в этом году диском стал очередной саундтрек к боевику Risky Business, ставший самой успешной «звуковой дорожкой», когда-либо выпущенной группой.

Blue Years (1984-1988)

Первые годы нового, пост-вирджиновского периода, были в основном посвящены работой над многочисленными саундтреками. Это было настоящей эпидемией – фильм следовал за фильмом и времени для студийной работы уже не оставалось. Конечно же, многое из созданного в тот период группой иначе как халтурой не назовешь, однако были в их багаже и вполне приличные работы. Удалась звуковая дорожка к фильму «Зажигающая взглядом» по Стивену Кингу – коллекция напряженных, тревожных ритмов в духе ранних работ группы. Менее запоминающиеся были мелодии к фильмам Wavelength или к телесериалу Streethawk, в котором, однако, таились зародыши следующего студийного альбома группы – Le Parc. Продолжались и гастроли. Декабрь 1983 года ознаменовался довольно трудным концертом в Польше. Понадобилось около года, чтобы оформить все необходимые бумаги. А условия, при которых пришлось проводить концерт, запомнились музыкантам надолго. Постоянные перебои с электричеством (пять раз приходилось прерывать концерт из-за отключения электроэнергии), поломки автомашин, выступление на стадионе при температуре -5 ° C в перчатках, проблемы с настройкой оборудования на морозе. Но несмотря ни на что, концерт получился очень хорошим, и, слушая альбом «Poland», совершенно нельзя представить себе, в каких условиях он записывался. Диск вышел в этом же году на польском лейбле Jive-Electro, став, таким образом, вторым альбомом группы, выпущенным за «железным занавесом». Если пластинки Tangerine Dream создавали у слушателей сюрреалистические образы, то их концерты разбивали все законы музыкальных форм рока, не говоря уже о джазе и классической музыке. За исключением разрозненных фортепьянных интерлюдий или гитарных сольных вставок Фрезе, невозможно сказать, кто на чем играет, особенно когда то, что «играет» – цифровой согласователь или компьютер. Их звуковая технология с 1977 года заметно облегчилась – тогда оборудование занимало почти всю сцену. С появлением цифровой технологии набор инструментов уменьшился до трех ящиков, наполненных модулями и двумя-тремя клавиатурами. Теперь три неподвижные фигуры на сцене подобны священникам электроники, как бы извлекающим мелодии из своих алтарей. Но, несмотря на компьютерную технологию и синтезаторы, импровизация остается значительной частью их творческого процесса. Их инструментальный парк к 1986 году включал синтезатор Wave-Frame. «Инструменты теперь настолько разработаны, – подчеркивал Франк, – что синтезатор вовсе не звучит холодно, искусственно и неприятно. Мы смешиваем отобранные звуки – я имею в виду акустические звуки – с цифровыми, и слушатель уже не может сказать, где электрический, а где акустический звук». Tangerine Dream назвали свою музыку «универсальным языком». Они постоянно поддерживали антиракетные и антиядерные кампании. Играли на знаменитом бесплатном концерте в ФРГ в 1983 году. В 1985 году выходит последний альбом Tangerine Dream в составе Фрезе-Франке-Шмелинг «Le parc». Пожалуй, самый простой и доступный из всех вышедших к тому времени, этот диск все же неплох, и его вполне можно порекомендовать для знакомства с группой людям, непривычным к электронике. Альбом получился концептуальным - каждая его тема была посвящена одному из красивейших парков мира, стараясь передать его неповторимую атмосферу. Именно на Le Parc наконец-то нашла приют главная тема из сериала Streethawk, выпустить которую музыкантам разрешили лишь после длительной тяжбы с авторами сериала. В этом же году группа записывает очередной саундтрек к фэнтези-саге Ридли Скотта The Legend. Эдгар и компания попали в этот проект, в общем-то, случайно – в последний момент отказался участвовать в проекте запланированный студией Universal композитор Джерри Голдсмит. Сам фильм вызвал довольно восторженную реакцию публики – в основном из-за красавца Тома Круза, исполнителя главной роли. Музыка же TD прошла практически незамеченной, хотя этот саундтрек, во всяком случае, выбивается из ряда аналогичной продукции группы. Через год вновь произошла «смена состава» – Йоханес Шмеллинг покидает группу, чтобы продолжить сольную карьеру. Расставание прошло спокойно, без обид, а буквально через пару недель в группе уже работал новый музыкант – молодой австралийский клавишник Пол Хаслингер, ангажированный специально для участия в очередном британском туре. После возвращения домой новое трио записало новый студийный альбом Underwater Sunlight, в кои-то веки одобренный критикой. Оседлав волну успеха, группа тут же отправилась в турне по Северной Америке, первое за последние девять лет. Tangerine Dream явно были на подъеме, и фанаты ожидали от них новых удачных работы. Но эти ожидания мгновенно сменились недоумением после появления нового студийного альбома – Tyger (1987). Вдохновленный поэзией Уильяма Блейка, Эдгар включил в альбом одноименную вокальную композицию на его стихи, что сразило критику наповал. В который уже раз из-за вокальных номеров работа группы была встречена в штыки: хотя Tyger отличался великолепным звучанием как клавишной, так и гитарной части, он так остался одной из самых недооцененных работ Tangerine Dream. Остаток года группа потратила на сотворение нескольких новых саундтреков, в том числе – к видовому new age фильму Canyon Dreams, посвященному Большому Каньону. Состоялось и новое выступление Tangerine Dream в родном Западном Берлине, приуроченное к 750-летию города. Материал, исполненный на этом концерте, был позднее перемикширован и выпущен в весьма спорном альбоме Livemiles. До сих пор неясно, как относиться к этому произведению Эдгара сотоварищи: то ли как к концертной работе, то ли как к студийному альбому, поскольку «живая» запись нескольких фрагментов показалась музыкантам неудачной, и они были переиграны заново, в студии, после чего, наложив концертную запись аплодисментов, их включили в альбом. Несмотря на спорный статус, альбом является едва ли не лучшим за весь этот период творчества группы. Во всяком случае, после него ничего столь же выдающегося у них уже не выходило.

Melrose Years (1988-1990)

Закончился очередной, не самый удачный период в истории группы, и перед Эдгаром и Крисом вновь стал вопрос – что делать дальше? А точка зрения на этот вопрос у двух основателей группы различной. После лет безостановочной работы, Крис ощущал потребность на время прервать бесконечную череду записей и гастролей. Он предложил Эдгару воспользоваться образовавшимся перерывом в контрактных обязательствах и устроить группе заслуженный отпуск. Но с планами Эдгара это не совпадало: конвейер Tangerine Dream обязан был работать без остановок. И после долгих споров Фрезе и Франке пришли к неутешительному, но очевидному выводу: их дороги должны разойтись. Таким образом, бывший на протяжении семнадцати лет основным генератором музыкальных идей в группе, Франке вступил на скользкий путь сольной карьеры, оставив торговую марку Tangerine Dream в безраздельное пользование Фрезе и Хаслингеру. Для многих поклонников группы именно это событие и последующее изменение в звуке и душе ансамбля, означало конец группы, как экспериментального, авангардистского коллектива. Ибо Фрезе явно жаждал поставить Tangerine Dream на коммерческие рельсы. Совершенно по-иному излагает эти события сам Фрезе в официальной биографии группы: по его словам, чрезмерное увлечение Франке музыкой к фильмам поставило под удар творческую самобытность Tangerine Dream, отрицательно сказываясь на качестве музыки. Что ж, львиную долю продукции Франке после разрыва с Tangerine Dream действительно составляли саундтреки (чего стоит одна работа над сериалом "Вавилон-5", диски с музыкой к которому занимают в дискографии Франке несколько десятков строчек (!)) Однако и Фрезе лукавит, говоря о своем осторожном отношении к кино – с уходом Франке поток саундтреков с торговой маркой Tangerine Dream отнюдь не иссяк. Но работа продолжалась. В начале 1998 года Фрезе и Хаслингер практически полностью переоборудовали свою студию звукозаписи для записи нового альбома Optical Race, явившего миру новое лицо и музыкальный стиль группы. В качестве третьего участника был приглашен Ральф Вэйдфул – и, как водится, приход нового члена группы немедленно сказался на ее музыке. Мелодии Tangerine Dream стали более ритмичными и легкими, от прежнего влияния рок и авангарда не осталось и следа. На завершающей стадии работы над альбомом в студии неожиданно появился. Петер Бауманн собственной персоной! На сей раз возвращаться в коллектив он не собирался, но на правах владельца звукозаписывающей компании Private Music предложил Эдгару выпустить новый альбом Tangerine Dream именно на его лейбле. Летом 1998 года Optical Race появился в продаже, и Эдгар, недолго думая, вновь отправляет группу в новое турне по США и Канаде. Вэйдфул удержался в группе недолго – после постоянных ссор с Фрезе он вылетел из группы едва ли не быстрее, чем окончательно вошел в ее состав. Посовещавшись с Хаслингером, уже начавшим чувствовать себя старожилом в группе, Фрезе решил замены выбывшему игроку не искать и продолжать работу с Полом в качестве дуэта. 1989 год прошел в суматохе и постоянных проблемах, которые привели к потере множества часов драгоценного студийного времени. Но Эдгар с Полом оказались крепкими орешками, и в конце года новый альбом под названием Lily On The Beach все же увидел свет. Диск этот знаменателен по двум причинам: во-первых, здесь впервые на записях группы звучит саксофон, а во-вторых, в состав группы незаметно входит новый участник – сын Эдгара Джером. Если учесть, что мать этого самого молодого участника Tangerine Dream (а по совместительству – еще и жена самого старого – в смысле стажа, разумеется) Моника вот уже несколько лет была постоянным фотографом группы, то становится, очевидно, что Tangerine Dream явно начинает превращаться в семейное предприятие. В феврале 1990 состоялся очередной концерт TD в городе, который пока еще продолжал называться Восточным Берлином. Именно на этом концерте Джером был впервые представлен публике, как полноправный участник Tangerine Dream. Кстати, в этом же концерте впервые в практике группы выступили приглашенные «гости» (саксофонисты Хьюберт Валднер и Линда Спа). Позже в том году группа выпустило свой последний альбом на Private Music – Melrose. Именно после этого альбома и последовавших за ним британских гастролей произошла последняя, окончательная перемена в составе группы. Как и следовало ожидать, решил, наконец, отправиться в самостоятельное плавание Пол Хаслингер – сказав группе последнее «прости», он пересек океан для того, чтобы пустить корни в Америке. И если уход Франке часть поклонников мужественно перенесла, то называть группу, состоящую из отца и сына Фрезе, старым именем Tangerine Dream отказались даже самые преданные фанаты.

Seattle Years (1992-1996)

И, тем не менее, Эдгар Фрезе отнюдь не считал, что на коллективе с престижной торговой маркой Tangerine Dream можно ставить крест. Наоборот, активность группы резко возросла - за четыре года, относящихся в официальной истории TD к Seattle Years, было выпущено аж полтора десятка альбомов, семь из которых были номинированы на получение престижнейшей музыкальной премии «Грэмми»! Ирония судьбы – или закономерность: номинации посыпались, как из ведра, именно в тот момент, когда коммерциализация группы и снижение качества ее продукции стали очевидными. Сразу три альбома пришлось на первый год «сиэттлского периода» – 1992. Новый студийный альбом «Rockoon» получился достаточно ровным и не слишком запоминающимся. Ритмичные мелодии Фрезе смахивали уже не на «звуковой ЛСД» (такое название носит один из самых известных бутлегов группы), а на легкий расслабляющий коктейль из мартини с тоником. Новая музыка TD идеально подходила для создания «фона» для любовной вечеринки или приятной релаксации, хотя в нет нет-нет, да и возникали забытые со времен Virgin роковые интонации. Tangerine Dream явно стремилась освежить и омолодить свою музыку, превратив ее из андеграундного продукта для немногочисленных ценителей в полноценный коммерческий продукт, востребованный молодым поколением. И это вполне закономерно – к тому времени Эдгар остался единственным «стариком» в группе. Молодая же поросль – Джером, молодой швейцарский гитарист Златко Перика и уже знакомая нам саксофонистка Линда Спа – старалась держать нос по ветру новых веяний. И получалось это у них едва ли не лучше, чем у Эдгара. В том же 1992 году свет увидел любопытный альбом Quinoa, выпущенный мизерным тиражом в 1000 копий исключительно для членов фан-клуба группы – TD явно стремилась задобрить своих немногочисленных оставшихся поклонников. И лишь через несколько лет диск, в чуть измененном виде, был выпущен массовым тиражом, с полным правом став в ряд официальных альбомов группы. Состоявшееся в 1992 году турне по США было увековечено в очередном концертнике – 220 Volts Live (1993) – получившим очередную номинацию на «Грэмми» (которой, впрочем, группа в очередной раз не получила). Диск этот запомнился публике, прежде всего по оригинальной обработке классической композиции Джимми Хендрикса «Purple Haze» – старая тяга TD к рок-музыке вновь дала о себе знать. Именно с этого диска, пожалуй, и началась эпидемия «римейкерства», поразившая группу во второй половине 90-х. В 1996, на своем очередном альбоме «Tyranny of Beauty» (1996) Фрезе отважился на «пересмотр» классического наследия TD, поместив «новую версию» композиции Stratosfear с одноименного альбома. Кстати говоря, сам альбом, посвященный «гримасам моды» на подиумах всего мира, вышел относительно удачным, получив седьмую по счету номинацию на «Грэмми». Увлечение римейками достигло апогея в 1995-1996 годах, когда группа внезапно разродилась сразу двумя альбомами ремиксов (в том числе – одним двойным). К счастью, на этот раз пересмотру подвергались лишь композиции позднего периода TD, которые от этого не слишком проиграли. Однако не стоит скоропалительно ставить крест на всех творения TD в этот период – наоборот, поздние альбомы группы заставили вновь заговорить о профессионализме команды Фрезе. Мы помним, что практически после каждого обновления в составе группы один из ее новых участников неизменно становился генератором идей, порой меняя музыку коллектива до неузнаваемости. Не стал исключением и последний плодотворный период коллектива. Можно предположить, что самый большой вклад в мелодику новых альбомов TD внесла единственная женщина, когда-либо сотрудничавшая с группой – молодая и яркая саксофонистка Линда Спа, ставшая на короткое время пассией Джерома. Во всяком случае, именно ей принадлежит самая яркая и красивая композиция на альбоме Goblin's Club – Elf June and the midnight patrol, пронзительная симфоническая баллада в несвойственном для группы романтическом стиле. По сути дела, именно этой композиции обязан своим успехом весь альбом, остальные дорожки которого были типичной продукцией Эдгара и Джерома Фрезе. Но существовала и другая примета, которая сбылась и на этот раз: успешливый новичок не мог задержаться в компании, единственным лидером которой оставался Эдгар Фрезе. И, через год, очаровательная, затянутая в кожу саксофонистка канула в неизвестность – никаких упоминаний о ее дальнейшей судьбе обнаружить так и не удалось.

Millenium Years (1997-2000)

Очередным переломным моментом и началом нового, последнего на сегодняшний день этапа карьеры группы стал 1998 год, когда Tangerine Dream наконец-то стали владельцами собственной фирмы звукозаписи. Получив возможность выпускать все, что душе угодно, Эдгар и Джером вспомнили библейское изречение – «Время разбрасывать камни и время их собирать» – и активно взялись за поточное переиздание старого материала. В ход пошли записи удачных концертов начала 80-х, периода расцвета TD, и не выпущенная музыка к кинофильмом, и уже известных композиции, распиханные по многочисленным сборникам. По производительности работы TD перекрыли все возможные рекорды, выпустив больше 20 (!) дисков всего за три года! В том числе – лишь два полноценных студийных альбома: Mars Polaris, неудачно «привязанный» к окончившемуся крахом проекту «Mars Pathfinder» (дорогостоящий «марсоход», как мы помним, сгинул, так и не передав на Землю ни кадра марсианской поверхности) и приправленный восточными мотивами Seven Letters From Tibet. О каждом из этих альбомов трудно сказать больше пары слов – похоже, Tangerine Dream уже не сумеет вырваться из плена коммерческих, но безликих шаблонов электронного new age. История группы, похоже, действительно подошла к концу, хотя на ближайшие два года команда Фрезе запланировала выход еще нескольких новых альбомов. Их, вне всякого сомнения, можно будет купить для разового прослушивания, но вряд ли под маркой Tangerine Dream когда-нибудь появится яркий и запоминающийся альбом, наподобие лучших дисков 70-х и 80-х. Эдгар и Джером продолжают вариться в собственном соку, окончательно примирившись со статусом «семейного» проекта. На счету группы – 30 лет существования, 35 прошедших через ее «лоно» музыкантов, более 70 выпущенных альбомов, лавры основателя жанра «электронного рока». И достаточное количество верных поклонников, которые будут, несмотря ни на что, скупать все старые и новые работы группы. Достаточно ли этого для того, чтобы остаться в истории современной музыки? Видимо, да. И как бы ни относились мы к сегодняшним альбомам Tangerine Dream, не помешает снять шляпу перед достижениями ее создателей, породивших, пожалуй, один из самых своеобразных и ярких коллективов второй половины ушедшего века.

Blue Dawn Очередная «штамповка» (в хорошем смысле, насколько это возможно в отношении музыки) в стиле мандариновых мечтателей первой половины 90-х годов. Хотя, если учитывать, что альбом представляет собой издание несколько залежавшегося материала, то все не так и плохо. Только возникает вопрос, а так ли необходимо было это издавать?

---

Дискография

1968 Rot Weiss

1970 Electronic Meditation

1971 Alpha Centauri

1971 Four Sampler Tracks

1971 Ultima Thule

1972 Zeit (Largo In 4 Movements)

1973 Atem

1973 Berlin Deutschlandhalle

1973 Green Desert

1974 Atmospheric a Notre-Dame [with Nico]

1974 Birmingham Town Hall 2CD [bootleg]

1974 Oedipus Tyrannus

1974 Phaedra

1974 The Bootleg Box Set 1

1975 Festival Pop D'orange [bootleg]

1975 Ricochet

1975 Royal Albert Hall 2CD

1975 Rubycon

1975 Ruby in the Sky 2CD

1975 The Bootleg Box Set 2 2CD

1975 The Bootleg Box Set 3

1975 Yorkminster Cathedral

1976 Aquitaine Electrique [bootleg]

1976 Danger Live [bootleg]

1976 En La Terra De'n Gaudi

1976 Live Paris 2CD

1976 Paris, Palais Du Sport

1976 Paris Palais Du Sport [live bootleg]

1976 Soundmill Navigator

1976 Stratosfear

1976 The Bootleg Box Set 4 2CD

1976 The Bootleg Box Set 5

1977 Avery Fisher Hall [bootleg]

1977 Babylon's Strange [bootleg]

1977 Encore

1977 Light on a Dark Group

1977 Live @ Seattle [bootleg]

1977 Sorcerer

1978 Cyclone

1978 Features 2CD [bootleg]

1978 Newcastle City Hall 2CD [bootleg]

1978 Paris Palais des Congres 2CD [bootleg]

1978 Valenica Pabellon Deportiro Marcol

1979 Force Majeure

1980 Staatsgrenze West [bootleg]

1980 Tangram

1980 Staatsgrenze West [bootleg]

1980 Box-Sampler 70-80

1981 Exit

1981 Live in Newcastle [bootleg]

1981 The Soldier

1981 Thief

1982 Cosmic Dreams

1982 White Eagle

1982 Logos - Live at the Dominion

1982 Logos Live

1982 Fractal Realities in a Shattered Plane

1982 Das Madchen Auf Der Treppe

1982 Ratikon [bootleg]

1982 Sohoman Live

1982 White Eagle

1983 Daydream & Moorland

1983 Hyperborea

1983 Relayed Phases [bootleg]

1982 Strange Attractions [bootleg]

1983 The Keep

1984 Firestarter [soundtrack]

1984 Flashpoint [soundtrack]

1984 Poland - The Warsaw Concert 2CD

1984 Risky Business

1984 Wavelength

1985 Dream Sequence 2CD

1985 Heartbreakers

1985 Legend

1985 Le Parc

1985 Streethawk [single]

1986 3 Tier Dream On! [bootleg]

1986 Cleveland 2CD

1986 Electronic Inspiration [Live bootleg]

1986 General Relativity

1986 Pergamon [live]

1986 Timeless Space - Hammersmith Odeon [bootleg]

1986 Underwater Sunlight

1987 Near Dark [soundtrack]

1987 Pyramid Dreams [bootleg]

1987 The Collection

1987 Three O'clock High

19887 Tyger

1988 Ardem 'O' [bootleg]

1988 Live Miles [live]

1988 Optical Limits [bootleg]

1988 Optical Race

1987 Shy People

1989 Alexander Square [single]

1989 Best of Tangerine Dream 2CD

1989 Destination Berlin

1989 Lily On The Beach

1989 Miracle Mile

1989 The Story of 2CD

1990 Bicycle Race

1990 Dead Solid Perfect

1990 In Den Garten Pharaos

1990 Mandala

1990 Melrose

1991 Canyon Dreams [soundtrack]

1991 I Just Want to Rule my Own Life without you [with Chi Coltrane]

1991 L'Affaire Wallraff (The Man Inside)

1991 Rumpelstiltskin

1991 The Park Is Mine

1992 Deadly Care

1992 Dream Music

1992 Rockoon

1992 Live in America

1992 Rockoon [interview]

1992 Sound & Effects [bootleg]

1992 Sound Trax [bootleg]

1993 20th Century Serenades

1993 220 Volts [live]

1993 Alien Air Music

1993 Antarktis

1993 Dreamtime [Limited Edition]

1993 Sonambulistic Imagery 2CD [live bootleg]

1993 Three Phase [live]

1994 Catch Me If You Can

1994 Turn Of The Tides

1995 Book of Dream 2CD

1995 Dream Mixes 1 2CD

1995 Tyranny Of Beauty

1996 Don't Walk - Dream Now! 2CD [bootleg]

1996 Zoning

1996 Dream Roots Collection 5CD [compilation]

1996 Goblins Club

1997 Ambient Monkeys

1997-Der Meteor

1998 Dream Encores

1997 Electronic Orgy 4CD [bootleg]

1997 Limited World Tour Edition

1997 Logotypes

1997 The Keep

1997 Tournado [live]

1997 Towards the Evening Star

1997 Valentine Wheels [live]

1998 Atlantic Walls

1998 Ca Va - Ca Marche - Ca Ira Encore

1998 Dream Mixes vol. 2 Time Square

1998 Electrobeats

1998 Luminous Visions

1998 Quinoa

1998 The Analogue Space Years 1969-1973 2CD

1998 The Analogue Space Years 2CD

1998 Transsiberia [soundtrack]

1999 Architecture in Motion

1999 Cinema Lost, Cinema Found vol. 9

1999 What A Blast (Architecture In Motion) [soundtrack]

1999 Mars Polaris

1999 Oasis

1999 The Hollywood Years 2CD

2000 Antique Dreams

2000 Great Wall Of China

2000 I-Box 6CD

2000 The Seven Letters From Tibet

2000 Soundmill Navigator

2001 Dream Mixes 3 The Past Hundred Moons

2001 The Keep Ultimate Edition 3CD

2002 Inferno

2002 Journey Through a Burning Brain 3CD

2003 Astoria Theatre London

2003 Dream Mixes 4 [Bonus CD]

2003 Live in America

2003 Mota Atma [soundtrack]

2003 Rockface 2CD

2003-The Melrose Years 3CD

2004 Aachen - January 21st 1981 2CD

2004 Arizona Live

2004 A Sea of Dreams 6CD

2004 Dream Mixes 4

2004 East

2004 East (Live In Berlin)

2004 High Voltage 4CD

2004 Purgatorio 2CD

2004 Tangerine Tree 6 vol. 49 2CD

2004 Tangerine Tree 6 vol. 50

2004 Tangerine Tree 6 vol. 51

2004 Tangerine Tree 6 vol. 52

2004 Tangerine Tree 6 vol. 53 2CD

2004 Tangerine Tree 6 vol. 54

2004 Tangerine Tree 6 vol. 55 2CD

2004 Tangerine Tree 6 vol. 56 2CD

2004 Tangerine Tree 6 vol. 57

2004 Tangerine Tree 6 vol. 58

2004 Tangerine Tree 6 vol. 59

2004 Tangerine Tree 6 vol. 60 2CD

2004 Tangerine Tree 6 vol. 61 2CD

2005 Jeanne D'Arc

2005 Kyito

2005 Phaedra [remastering 1994]

2005 Rocking Mars 2CD

2005 Tangerine Tree 7 vol. 62 2CD

2005 Tangerine Tree 7 vol. 63

2005 Tangerine Tree 7 vol. 64 2CD

2005 Tangerine Tree 7 vol. 65 2CD

2005 Tangerine Tree 7 vol. 66 2CD

2005 Tangerine Tree 7 vol. 67 2CD

2005 Tangerine Tree 7 vol. 68 2CD

2005 Tangerine Tree 7 vol. 69

2005 Tangerine Tree 7 vol. 70 2CD

2005 Tangerine Tree 7 vol. 71 2CD

2006 40 Years Roadmap to Music

2006 Blue Dawn

2006 Metaphor

2006 Nebulous Dawn [The Early Years] 3CD

2006 Paradiso 2CD

2006 Plays Tangerine Dream

2006 The Essential

2006 The Essential Collection 2CD

2007 Booster 2CD

2007 Canyon Cazuma

2007 Cyberjam Collection

2007 Hollywood Lightning

2007 Madcap's Flaming Duty

2007 Mars Mission Counter

2007 Ocean Waves Collection

2007 One Night In Space

2007 One Times One

2007 Orange Odyssey

2007 Silver Siren Collection

2007 Sleeping Watches Snoring In Silence

2007 Springtime In Nagasaki

2007 Summer In Nagasaki

2007 Tangines Scales

2007 The Bells of Accra [EP]

2008 Armageddon in the Rose Garden [single]

2008 Autumn In Hiroshima

2008 Booster 2 2CD

2008 Choice

2008 Das Romantische Opfer

2008 Fallen Angels

2008 Hyperborea 2008

2008 Purple Diluvial

2008 Tangram 2008

2008 The Anthology Decades

2008 The Keep Cues

2008 Ultima Thule 2CD

2008 Views From A Red Train

2009 Arizona - Live '92 2CD

2009 Axiat

2009 Booster III 2CD

2009 Chandra - The Phantom Ferry Part 1

2009 Flame

2009 Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares

2009 Phaedra 2005

2009 Rocking Out The Bats

2009 The Epsilon Journey 2CD

2009 The London Eye Concert 3CD

2009 Winter In Hiroshima

2010 Dream Mixes V

2010 Izu 2CD

2010 Run to Vegas

2010 The Electronic Journey 10CD

2010 The Endless Seasons

2010 Zeitgeist

2010 Zeitgeist Concert 3CD

2011 Alpha Centauri [remaster]

2011 Atem 2CD [remaster]

2011 Booster 4 2Cd

2011 Finnegan's Wake

2011 Knights of Asheville 2CD

2011 Mona Da Vinci

2011 The Angel from the West Window

2011 The Gate of Saturn

2011 The Gate of Saturn - Live at the Lowry Manchester 3CD

2011 Poland 2CD [remaster]

2010 Under Cover Chapter One

2011 The Island of the Fay

2011 Virgin Years 1974-1978 3CD

2011 Zeit 2CD [deluxe edition]

2012 Booster V 2CD

2012 Club Nokia, Los Angeles, CA. 07 12 2012 3CD

2012 Granada Theatre, Santa Barbara, CA. 07 11 2012 2CD

2012 House of Blues, Boston MA. 07 05 2012 2CD

2012 Live at the Admiralspalast Berlin 3CD

2012 Live in Budapest at Bela Bartok National Concert Hall  3CD

2012 Machu Picchu

2012 Schwingungen Special Megamix

2012 The Virgin Years 1977-1983 5CD

2013 Booster VI 2CD

2013 Cruise to Destiny

2013 Franz Kafka - The Castle

2013 Lost in Strings volume 1 2CD

2013 One Night in Africa

2013 Starmus - Sonic Universe 2CD [with Brian May]

2014 Chandra - The Phantom Ferry Part II

2014 Cruise to the Edge, Mexico

2014 Josephine the Mouse Singer

2014 Mala Kunia

2014 Sorcerer 2CD

2014 The Cinematographic Score - GTA 5

2015 Out of This World

2015 Quantum Key

2016 Berlin Vernissage [with Picture Palace Music]

---

Edgar Froese

1974 Aqua

1975 Epsilon In Malaysian Pale

1975 Electronic Dreams

1976 Macula Transfer

1978 Ages

1980 Stuntman

1982 Solo 1974-1979

1982 Kamikaze

1983 Pinnacles

1983 Pinnodes

1987 Brandmale [with Johannes Schmoelling]

1995 Beyond The Storm

2003 Ambient Highway 4CD

2004 Dalinetopia

2005 Ages [remastered]

2005 Aqua [remastered]

2005 Epsilon In Malaysian Pale [remastered]

2005 Macula Transfer [remastered]

2005 Pinnacles [remastered]

2005 Stuntman [remastered]

2012 Solo (1974-1983) The Virgin Years 4CD

---

Jerome Froese

2004 Unpleasant Poems A Compilation [with Ulrich Schnauss]

2005 Neptunes

2007 Shiver Me Timbers

2010 Non Stop Mix

2011 Nightshade Family

2012 Cases of Recurrence

2012 Far Side of the Face

2014 Orange Sized Dreams - Works 1990-1995

---

Peter Baumann

1976 Romance

1979 Trans Harmonic Nights

1981 Repeat Repeat

1983 Strangers In The Night

1996 Phase By Phase

---

Johannes Schmoeling

1986 Wuivend Riet

1988 The Zoo Of Tranquility

1995 Lieder ohne Worte

2000 White Out

2003 Recycle Or Die

2006 Instant City

2007 Images And Memory 2CD

2008 Early Beginnings

2009 A Thousand Times

2011 Time & Tide

---

Ссылки

http://www.tangerinedream.de/ - Официальный сайт

Биография

Нобукацу Такемура живет и работает в Киото. Как я понимаю, на жизнь зарабатывает изготовлением музыки для рекламных роликов, впрочем, его лейбл Childisk, созданный в 1998, тоже довольно успешен. Нобукацу Такемура спродюсировал уже 20 альбомов, 10 из них – его собственные. Музыкой он занялся в середине 80-х, тогда в Японии вошел в большую моду хип-хоп, Нобукацу стал хип-хоп-диджеем. С течением времени он переключился с верчения грампластинок на верчение ручек на микшерном пульте. Его треки выпускали такие лейблы как Mo'Wax, Lollop и Bungalow.

Он скрывался за псевдонимами DJ Takemura и Spiritual Vibes. Это было что-то между трип-хопом и эйсид-джазом. В середине 90-х он подписал контракт с японским отделением концерна Warner, его проект назывался Child's View – то есть «глазами ребенка». В это время он порывает с трип-хопом, эмбиентом и клубным саундом, с кругом Aphex Twin, Coldcut и Wagon Christ, которые делали ремиксы его треков, и сдвигается в причудливую коллажную электронику, умопомрачительно хорошо записанную и акустически звучащую. Шедевр того периода – альбом Child and Magic. После этого Нобукацу Такемура открывает для себя немецкий проект Oval, чикагский пост-рок и ранний американский минимализм, и начинается монотонное цоканье и кружение на одном месте. Поздние альбомы маэстро – это причудливые песни.

Нобукацу Такемура находится в самом авангарде современной поп-музыки. Он сделал те шаги, которые американские и европейские продюсеры почему-то не делают, а, скорее всего, и не подозревают, что они вообще возможны. Такемура в отличие от многих прочих не топчется на месте. Он в своем понимании музыки ушел далеко вперед по сравнению с такими передовыми, казалось бы проектами как Oval или Autechre. Необычность ситуации еще и в том, что Нобукацу Такемура практически неизвестен за пределами Японии, рецензии на его компакт-диски стали появляться только после того, как пару из них переиздал чикагский лейбл Thrill Jockey. При этом самые сенсационные записи маэстро, разумеется, не переизданы, чтобы до них добраться, нужно ехать за ними в Японию. Описывать его музыку своими словами, представлять его компакт-диски – кажется мне задачей почти непосильной. Честно говоря, эта музыка настолько не похожа на то, что в Европе называют «электроникой», что у меня буквально нет слов, в смысле – нет нужных слов. Я не в состоянии охватить музыку Такемуры одним взглядом, мне все время попадаются на глаза отдельные детали, которые меня настолько изумляют, что я даже не решаюсь спросить, как один человек способен напихать так много музыки в один час звука, так много музыкального ума в один альбом?

Вот, например, песня А Reader of Tale с альбома Child and Magic. Песенка состоит из нескольких частей, следующих одна за другой как сцены в театральной пьесе. Между частями появляется голос японской девочки, которая что-то говорит, после чего настроение пьесы сразу меняется, появляются и новые музыкальные инструменты. Песня – как последовательность комнат, каждая из которых обладает своим характером. Мне ввела в ступор предпоследняя часть, в которой чередуется виртуозная, почти free jazz-овая игра на виолончели и хард-коровый брейкбит, который своим ритмическим узором практически точно воспроизводит истерику струнного инструмента. Это не гибрид, это не коллаж, это не аранжировка, это какое-то чуждое нам – людям пост-техноидной эпохи – отношение к музыке. Я намерен завести весь этот шестиминутный шедевр целиком, что на меня, как вы знаете, не очень похоже. Эта музыка стоит того, чтобы ее внимательно слушать и изумляться.

Альбомы Нобукацу Такемуры очень причудливо оформлены – в стиле детских рисунков. На его альбомах звучит много детских голосов и детских музыкальных инструментов, и музыка часто производит впечатление, как будто она написана для игрушечного театра. На многих рецензентов это обстоятельство производит умиротворяющее впечатление: дескать, детскую музыку пишет Такемура, вдохновляется музыкой к детским радиопередачам, саундтреками к детским сказкам, он по-детски наивен и непосредственен. Мне кажется, что такого рода рецензии сами по-детски наивны и непосредственны. Конечно, Такемура не делает музыку из секвенсора, его пьесы шатаются взад и вперед, прыгают из атмосферы в атмосферу, каждый инструмент играет в своем стиле, наивно ли это? Наивно ли искусство Хокусая или Хирошигэ? Это у Хокусая детская непосредственность? Незамутненность? Удивление? Хокусай – самурай рисования, мастер боя мечом высочайшего класса, а европейское рисование гипсовых шаров и мускулистых ляжек – это поточное производство, пролеткульт. Это примерно как посмотреть на мастера у-шу глазами фельдфебеля, а потом сказать: он же строем по плацу ходить не умеет, ни одного шага ровного не делает, все задницей кривляется, то на одну ногу припадает, то локоть задирает, то на кошку походит, то на аиста, какой же из него солдат? В лучшем случае – демонстратор «детской непосредственности».

Не умиляют меня эти песенки, а пугают. Этот человек знает что-то такое, о чем мы все и не подозреваем. Он очень далеко ушел вперед, и нам просто не с чем его сравнить. Наверное, я перегибаю палку, нагоняя ужаса и трепета – музыка Такемуры на самом-то деле производит крайне простое впечатление, она чужда всякому пафосу: она легка, эмоциональна и изменчива. Маэстро ужасно изобретателен. Но, прежде всего, маэстро не прост. Или вот эмбиент-трек Back of The Moon. Знаете, такой марсианский эмбиент. Гениальному музыканту объяснили, как звучит тупая музыка Брайана Ино, и попросили изобразить что-то в таком же духе, и он послушно постарался замаскироваться под примитив. Музыка идет в два слоя – на заднем плане мягкие слегка металлические волны-переливы, на переднем – смешные звуки. Переливы, как мне кажется, результат растягивания ударов гонга. Странное дергание на переднем плане, как мне кажется, результат растягивания и ускорения фортепианной партии. Когда ее проигрывают быстро, она превращается в ритмичную скороговорку, похожую на стук орешков, падающих на пол. Но скорость постоянно и довольно плавно меняется, вместе с ней меняется тембр, окраска звука. Общий эффект можно сравнить с двумя магнитофонами-самодурами, которые несинхронно, но и не бессистемно то разгоняют, то замедляют пленку. И это только три с половиной минуты из 78. Больше ничего подобного на этом альбоме нет, хотя такого рода методом – меняя лишь исходные звуки и хореографию торможения/убыстрения – можно было бы забить целый альбом, без сомнения, любопытной музыкой. Такемура не сделал этого. Странно, правда?

Альбомы Нобукацу Такемуры ужасно длинны, 78 минут – это, кажется, норма. И довольно разнообразны. Кажется, в каждом из них есть вся мыслимая музыка – от брейкбита и минимал-техно до джаза, фортепианной музыки, духовых оркестров, академического авангарда, женского пения, или листинга, дурацкое дело перечисление, ничего понятным не становится. Я хочу лишь сказать, что окинуть взглядом такого сорта альбомчик – дело просто нереальное. Музыкальная вавилонская башня. Есть ли у нее свой характер? Что-то, что все эти песни объединяет? Есть. Дело в том, что разные альбомы – то есть разные вавилонские башни – друг на друга совсем не похожи. Я, слушая несколько дней подряд эти альбомы, уже научился их как-то различать по звуку, по тембрам, по мягкости пространства, мой приятель Йорг тоже сразу определяет, какой именно альбом я завожу. То есть разница между ними есть. Некоторые явно более монотонны, чем остальные, более напоминают, скажем, проект Oval. Вот скажем, альбом Scope – по-моему, первый из переизданных в США. Он вышел в 1999-ом, но музыка на нем содержащаяся была записана между 1996 и 1998. Ужасно похоже на Oval, но еще больше на то, что позже стали называть кликс-н-катс – и это задолго до появления этой разновидности электронной музыки. Конечно, здесь Такемура – эпигон Овала, но он в своем альбоме уже сделал те выводы из музыки Овала, до которых большинство дойдет лишь ещё через три-четыре года. Трек Icefall: это прыгание и щелканье на звуках, как я понимаю, семплированной электрогитары. Очень нежно и хрупко звучит эта музыка, щелчки образуют странные фразы, как бы говорят с нами на птичьем языке.

Так, интересно, кого благодарит маэстро в своем альбоме Scope? Tortoise, Jim O'Rourke? Понятно, пост-рок-братия. То есть Нобукацу Такемура имел в виду пост-рок? Хорошо, есть у него и странноватый, но узнаваемый пост-рок альбом. Он тоже переиздан на Thrill Jockey, то есть он известен англоговорящей цивилизации, и на него можно найти рецензии в Интернете. Я имею в виду Sign. Вавилонской башней вроде альбома «Дитя и волшебство» он не является. Такемура явно пытается вписаться в формат чикагского пост-рока. Главный трек альбома – 35-минутный Souvenir in Chicago. Играют ребята из группы Tortoise плюс Нобукацу Такемура на клавишных и органе, но очень странный у него орган, и клавишные странные. Когда Tortoise расходятся и впадают в свое построковое занудство, у барабанов, да и всей остальной музыки начинает заходить ум за разум, или барабан за барабан. Такемура очевидно сэмплирует других музыкантов, и устраивает нечто овалоподобное с живой группой, то есть заставляет музыку разваливается на маленькие, судорожно дергающиеся осколки. Гул и звон на заднем плане не прекращаются – и это тоже он. Все в целом – изысканное японское издевательство над застойным чикагским построком. Впрочем, я не сомневаюсь, что Нобукацу искренне хотел сделать как лучше, хотел понравиться и стать своим. По-моему, не очень у него получилось. Это какая-то странная ситуация. Был бы я моложе и злее, я бы обозвал японского волшебника эпигоном модных европейских и американских тенденций – и дело с концом! Формально говоря, так оно и есть, Такемура явно хочет вписаться в прогрессивный музыкальный контекст. Но то, что он делает, он делает куда тоньше, изобретательнее и парадоксальнее, чем те, кому он подражает. Поэтому он странный эпигон – копия оказывается интереснее и богаче оригинала, Гулливер подражает лилипутам.

Продираясь сквозь Эвересты и Джомолунгмы альбомов Нобукацу Такемуры, я понял, на что временами ужасно похож его саунд: на музыку Филипа Гласса! То есть на классику американского минимализма (ну, не совсем на классику, сколько на ее мэйнстрим-вариант середины 70-х). Это очень странное обстоятельство, ведь современная электронная поп-музыка сугубо минималистична, слово «минимализм» должно всплывать в каждой фразе, ей посвященной, но на оригинальный минимализм она при этом совсем не похожа. Более того – оригинальная minimal music поклонникам техно, транса, брейкбита, эмбиента и электроники вовсе не нравится, minimal music не воспринимается как нечто близкое и родное, наоборот – как нечто занудное и невкусное, лишенное бита, баса и грува. Это обстоятельство (непризнание новой электроникой своих корней) меня уже много лет изрядно смущает. Это я все к тому, что Нобукацу Такемура в своем наполеоновском походе по покорению всех мыслимых музыкальных территорий вторгся и на территорию minimal music, она же – pattern music. Музыка устроена из не очень сложных пассажей, которые, непрерывно повторяясь, смещаются относительно друг друга, отчего возникает постоянно изменяющийся своего рода муаровый узор, лишенный очевидного центра тяжести. Эту музыку можно слушать с любого места, и любой инструмент считать солирующим. Вот, скажем, альбом «Метеор». Типичное цоканье, введенное в обиход немецким проектом Oval, здесь подвергается той же самой минималистической трансформации, то есть медленно-медленно меняет свою форму. Альбом Meteor Нобукацу Такемуры – это монумент минимализма: он красив, прост, геометричен и очень прочен. Это четыре трека: первый идет 15 минут, второй чуть покороче – 10, третий – главный и потому самый длинный – 22 минуты, четвертый (самый короткий) – 7. Первый – совсем без бита. Второй, являющийся своего рода паузой, пикником, несколько более ориентирован на мэйстрим-электронику. В нем появляются барабаны. Третий – самый длинный – является возвращением в минималистическое вступление. Но музыка обогащена попрыгучестью второго трека, фактически это первый трек с добавленными барабанами, порезанными в мелкую крошку. И, наконец, в финале – уже нет ни попрыгучести, ни сэмплированного девичьего голоса, тянущего один и тот же гласный звук. Музыка по-прежнему вибрирует и дергается, только атмосфера становится какой-то металлической и даже индустриальной. Мрачное будущее. Нет-нет, это вовсе не замогильный трек, просто он в рамках симфонического замысла Такемуры играет роль меланхоличного финала. А на самом-то деле различия между частями этого альбома не очень велики. Мне что-то не приходит в голову ни один электронный альбом, который был бы так ясно внутри себя устроен.

Альбом Такемуры Songbook звучит очень акустически. Я бы сказал – зримо, даже – навязчиво акустически. Каждый музыкальный инструмент находится в своей вакуумной нише, в пустоте. Что? Вы говорите, что в вакууме не слышно звуков? Да-да, кажется, что эти инструменты находятся друг от друга на расстоянии нескольких километров и друг друга совсем не слышат. Каждый инструмент записан с очень большой близи – кажется, что для записи акустической гитары микрофон засунули внутрь ее корпуса, для записи вибрафона микрофон поднесли вплотную к металлическим пластинкам, а духовые инструменты просто проглотили свои микрофоны. Все инструменты звучат богато, сочно и интимно. Но мы-то их слышим одновременно – как это может быть? Как можно находиться одновременно сразу внутри всех инструментов? Если представить себе, что все музыкальные инструменты вывернуты наизнанку и помещены в вакуум, который не позволяет им заглушать друг друга, то это и будет музыка Нобукацу Такемуры. Что-то у меня больно живодерское описание получилось. На самом деле она легка, нежна и изящна. В альбоме «Книга песен» много разных песенных стилей. Все они, конечно, – имитации. Не могу сказать, что все 22 песни одинаково мне милы. Больше всего мне нравятся те, которые явно используют клише академического авангарда середины 20-го столетия, то есть так называемого «сериализма». Но одновременно это easy listening. Как это охватить одним взглядом? Скажем, так: представим себе, что реализовалась мечта Штокхаузена и Булеза: авангардистская музыка перестала восприниматься в качестве заумной и эгоистичной причуды, а превратилась в просто серьезную, но всем понятную и всеми любимую музыку. Вот если бы в 60-х действительно возникла такая ситуация, то песни, которые сейчас записал Нобукацу Такемура, могли бы быть тогдашним easy listening – то есть легкомысленным слушанием для красивых девушек.

Десятый альбом Нобукацу Такемуры так и называется 10th. По слухам, Такемура больше не хочет выпускать музыку, это его якобы последний альбом. Жалко, если так. Десятый альбом – это, грубо говоря, электро-поп-песни, спетые голосами, пропущенными сквозь вокодер. Есть много и разрывающих душу своей меланхоличностью инструментальных треков. Собственно, практически все инструменты – живые, синтетический только голос и, возможно, бас. Ну, и несколько высокочастотных синтезаторных звуков. Живые, порой прямо-таки джазовые барабаны в синти-поп-музыке смотрятся ночным кошмаром. Я имею в виду – очень грамотно сделанным ночным кошмаром. Переслушав альбом на разных колонках с разным количеством баса, я пришел к выводу, что синти-попно эти песни звучат только на плоских компьютерных колонках, на более продвинутой системе становится слышно, что это легкие псевдоджазовые песни с огромным количеством баса. Слово «джаз» здесь применяется условно. Барабаны записаны так легко и свободно, что ни на рок, ни на техно, ни на поп они не похожи. Остается только «джаз». Вокалисты поют странными компьютерными голосами. В принципе, это похоже на продукцию Senor Coconut, только сделано куда изящнее и интереснее.

---

Интервью

Что вы думаете о проекте Oval?

Овал понимает свою музыку не в смысле комбинации составных частей, но в смысле глобального процесса. Я обожаю Овал, но я вижу музыкальное произведение абсолютно по-другому. Для меня, если музыка является только результатом технического процесса и если она лишена мелодий, то она оказывается музыкой роботов, музыкой, близкой к военным маршам или к музыкальным произведениям гитлеровских церемоний. Сделанная машинами музыка для машин меня не интересует.

А поп-музыка?

Для меня настоящая поп-музыка может быть только экспериментальной: Beach Boys – это убедительный пример. Поп – это не коммерческая музыка: достаточно голоса и мелодии, чтобы получился поп, мне интересно то, что добавляется после этого.

Твое отношение к джазу?

Джаз и, особенно, free jazz очень важны для меня, даже если в свободном джазе плохих альбомов намного больше, чем хороших. Раньше я немало работал с джазовыми группами, но я не мог идти дальше, потому что я все время находил музыкантов, чересчур сконцентрированных на технике игры и на рецептах их старших коллег. Поэтому я стал работать с компьютерами и синтезаторами.

Drum and Bass?

Это, так же как и с хип-хопом, музыка сама по себе меня, безусловно, интересует. Но когда это оказывается бизнесом, когда музыканты начинают делать эту музыку исключительно из-за денег, как только журналисты находят слова для классификации этого явления, это оказывается скучным.

Почему с твоей точки зрения твои альбомы получают неизменно положительные отзывы в Европе и США?

Я думаю, что те, кто слушают мою музыку за границей, уже давно настроены на специализацию музыки, на разобщённость разных музыкальных явлений. Поэтому я оказываюсь чем-то «совсем иным», чем-то «непохожим». В моей продукции слышат критику чужой музыки. Я бы хотел, чтобы меня больше воспринимали в качестве создателя своеобразной и оригинальной музыки.

Как повлияло программирование музыки на твоё отношение к живым инструментам?

Я вышел из диджейских кругов, где всегда был важен критический, объективный взгляд на вещи. Когда ты играешь на настоящем музыкальном инструменте, ты попадаешь в ловушку самоудовлетворения, ты гипнотизируешь себя своим инструментом, своей игрой, техникой игры, у тебя больше нет объективного взгляда на вещи. Ты думаешь, если ты хорошо играешь, то у тебя получается хорошая музыка. Но когда ты программируешь музыку, ты слушаешь ее снова и снова, решаешь, что необходимо, а что – излишне, добавляешь и выкидываешь. Мне кажется, что этот процесс принципиально важен. Конечно, я люблю музыкальные инструменты и их звуки, но когда ты критически относишься к своей музыке и хочешь осмысленно придавать ей некую форму, то становится не так важно, используешь ли ты реальные инструменты или сэмплированные звуки.

Что вдохновляет тебя?

Меня вдохновляют картинки, изображения, визуальные образы, я пытаюсь переводить их в музыку. В моей студии стоит телескоп, и меня вдохновляет то, что в него вижу – звезды, планеты. То же самое и с микроскопом: чуть-чуть сдвигая микроскоп или телескоп, ты получаешь совсем новую картину, новый взгляд на вещи. Я пытаюсь найти что-то, что невозможно описать словами.

Что ты еще видишь?

Я вижу много призраков. Я начал их видеть, когда мне было всего пять лет. Каждый раз, когда я их вижу, я не понимаю, кто это, я их просто вижу. В детстве многие видят их, но потом думают, что это была какая-то иллюзия. Удивительно, что мы могли бы видеть и слышать вокруг себя, если бы мы открыли свои глаза и уши миру, расположенному вокруг нас.

На твоих альбомах, в названия твоих проектов, лейбла часто всплывает слово «ребенок».

Меня очень долго вдохновляло то, как ребенок воспринимает окружающий мир. Меня также очень интересуют клоуны и маски, которые, с одной стороны, являются развлекательными, но одновременно – пугающими и меланхоличными.

---

Дискография

1993 Yoru no Yuenchi [with Child's View]

1997 Child And Magic

1999 After Image [with Child's View]

1999 Finale

1999 Milano For Issey Miyake Men by Naoki Takizawa

1999 Scope

2000 Meteor

2001 Hoshi No Koe

2001 Goodrec & Trees

2001 Mahou No Hiroba [with Aki Tsuyuko]

2001-Picnic Oyasumi

2001 Songbook

2002 10th

2002 Hiking Viking

2002 Mimic Robot

2003 Assembler

2003 Turntables and Computers [with Otomo Yoshihide]

2007 Identification with the Enemy A Key to the Underworld [with Zu]

---

Ссылки

Биография

Syndromeda (анаграмма The Synthesizer Syndrome of Andromeda) – это бельгийский композитор Danny Budts. Дэнни родился в 1958 году в городе Wilrijk (Бельгия). С раннего возраста он начал интересоваться музыкой, в возрасте 14 лет научился играть на акустической гитаре. В 18 лет Дэнни уже играет на соло-гитаре в местной рок-группе под названием Cold Turkey.

В середине семидесятых годов он впервые познакомился с Электронной Музыкой.  Это была композиция Ricochet великой группы Tangerine Dream. Вскоре он знакомится с творчеством таких грандов Электронной Музыки как, Klaus Schulze, Jean-Michel Jarre, Vangelis и т.д. В 1979 году он собрал себе modulair-синтезатор Formant, а также купил простой монофонический синтезатор Roland SH-2000.

Теперь, более чем 30 лет спустя, у Дэнни есть midi-студия с различными синтезаторами, сэмплерами, эффект-процессорами, вокодерами, миксирующим и записывающим оборудованием, и он чувствует, что больше ничем не ограничен, чтобы создавать музыку, которую он хочет. Его студия Sin-Syn расположена в задней части дома. Во время записи музыки он может видеть свой сад. Именно из этого сада Дэнни и черпает вдохновение. Danny думает, что очень важно иметь обратную связь с внешним миром.

Его музыка несложна. Его песни рассказывают о том, что есть в его сердце, на его уме, отражают настроение Дэнни во время создания музыки и всем этим он хочет поделиться с другими. Иногда его музыка приятна, иногда меланхолична и даже грустна. Но когда он чувствует себя очень плохо, Дэнни избегает создавать музыку. Он хочет отражать только положительные моменты: «Вы не можете поделиться музыкой с кем-то, если она заставляет человека чувствовать себя плохо». Он отдает своим слушателям только положительные эмоции.

Дэнни создает музыку в стиле Берлинской Школы Электроники, но, в то же время, не боится использовать глубокие атмосферные звуковые образы. Он пытается объединить эти две музыкальные формы для того, чтобы получить собственный неповторимый саунд. Он также считает, музыка очень важна для человечества: «Музыка – одна из самых старых вещей на земле – вы слушаете природу, даже в космосе есть музыка. Люди всегда были связаны с музыкой, но мы должны использовать ее только для настройки на позитивную волну». Он считает, что музыка может исцелять. Всегда помня об этом, Danny Budts будет продолжать создавать свою музыку.

---

Дискография

1992 Dreamsequence

1993 Mental Illusion

1994 Magma

1995 The Keeper of the Universal Energy

1996 Beyond the Unknown

1996 The Mind Synphony

1997 20 Years of Syndromeda

1997 Circles of Life

1997 Mind Trips

1998 The Legacy of God

1999 Birth of a Black Hole

1999 Dream

2001 In Touch with the Stars

2001 The Alien Abduction Phenomenon

2003 Creatures from the Inner 2CD

2005 A Day in the Fields

2005 Metaphysical Experiences

2006 Attack!

2006 Last Days on Earth

2007 Amin – Sadhana

2008 Best of the Tapes & Unreleased

2008 Mythical Pursuit [with Matt Howarth]

2008 The Resurrection

2008 Von Haulshoven meets Syndromeda

2009 Syndromeda in C.H.A.O.S

2009 The Final Conspiracy

2009 The Twilight Conjunction

2009 On Demand – Tape Archives 6CD

2010 Syndromeda 20 Years - Free Compilation #1

2010 Waiting for the Second Sun

2011 Syndromeda 20 Years - Free Compilation #2

2011 The Rise of the Darkness

2012 Time Will Never Be the Same

2013 No More Frontiers

2014 Connected!

2015 TMI - Too Much Information

2015 Volcanic Drifts [with Mac of BIOnighT]

---

Ссылки

http://syndromeda.be/ – Официальный сайт