Биография

Terry Oldfield родился в Лондоне в 1949 году. Его мать была из ирландской католической семьи, поэтому он рос в атмосфере набожности, которая становилась все более неприемлемой для него, чем старше он становился. Его раннее детство прошло в монастырской школе, он описывает это как самое несчастливое время в своей жизни. Первые музыкальные работы Terry были написаны под впечатлением мелодий, игравшихся в клубах в конце 60-х, начале 70-х годов, а также композиций Leonard’a Cohen’a, Bert’a Jansch’a, John’a Renbourne, Dylan’a.

В 16 лет Terry уходит из школы и начинает путешествовать по миру, работая администратором в различных группах, включая The Byrds. Он организовывал выступления, находил сценические площадки и звуковую аппаратуру. Во время своего длительного пребывания в Греции Terry покупает свой первый музыкальный инструмент – флейту. Он учился играть на флейте самостоятельно, без учителя и какого-либо обучающего пособия, что в значительной мере помогло ему развить талант композитора. Он провел много счастливых часов, экспериментируя со звуком, открывая для себя невиданный ранее мир – мир звуков, зарождающийся в твоем сознании. В начале 70-х Terry и его брат Mike создают группу, которую они называют Barefoot.

Братья выступали в клубах и университетах Великобритании примерно в течение года. Их музыка была чем-то вроде тяжелого блюза (heavy blues style), и в то время Терри играл еще и на бас-гитаре. После этого Терри играл на флейте на первом концертном исполнении альбома Tubular Bells в Queen Elizabeth Hall, и принимал участие в записи альбомов Ommadawn и Incantations (известные альбомы Майка), исполняя партии на флейте и пан-флейтах. Несмотря на столь тесное сотрудничество в прошлом, в настоящее время Терри и Майк видятся достаточно редко, хотя их встречи проходят тепло и душевно, а иногда братья даже дают совместные концерты. При этом Терри никогда мог понять, каким образом им троим, удалось стать профессиональными музыкантами. Он считает, что, вероятно, на них повлияла атмосфера шестидесятых, когда внезапно всем показалось, что все возможно, и если у музыканта достаточно твердые намерения, то он может добиться всего чего угодно. Как вспоминал Терри, в то время свобода просто витала в воздухе. Надо сказать, что в их семье никто особенно не увлекался музыкой, за исключением Майка, взявшего в руки гитару достаточно рано – в восемь лет.

Где же находит свои идеи Терри и откуда он черпает вдохновение для создания своих столь разнообразных альбомов? И здесь отметим, что музыкант очень любит путешествовать и большую часть вдохновения он получает именно благодаря своим поездкам. Хотя Терри и не был во всех тех местах, которым посвящены его многочисленные произведения, для него всегда есть что-то вроде этнических «корней», некая схожесть, которая присуща всем этим местам. И, конечно, природа этих мест содержит одни и те же элементы, такие, как вода, ветер и т.д. Обычно Терри начинает свой альбом со звуков природы, которые присущи данному месту, а затем – наблюдает, какие звуки удается извлечь из флейты, вслушиваясь и выдыхая воздух. Для него это подобно дыханию, когда слушаешь и реагируешь.

Перечисление всех альбомов Терри займет достаточно много места, какие же из них для него самого наиболее важны и интересны? Время от времени он слушает альбом Out of the Depths. Вода всегда была важна для Терри, и его очень трогает величие кита и его беспомощность перед человеком. Другой альбом, который ему нравится – это Spirit of Tibet. По мнению Терри, звук детского пения великолепно отражает невинность народа, предназначение которого – поиск просветления, что является для музыканта единственной целью нашего существования на Земле. Недавно Терри записал альбом Spirit of the World. На нем он предпринял музыкальное путешествие вокруг земного шара. Там есть и мелодии австралийских аборигенов, и тибетцев, и американских индейцев и еще многих народов нашей планеты. Для музыканта Spirit Of The World – это празднование человечества, дань уважения смелости древних культур нашей планеты, которые сформировали истоки того, что мы есть сейчас. Терри даже хочет продолжить этот интереснейший проект, чтобы завершить картину, так как было невозможно уместить весь материал на одном компакт-диске. И Терри не только сочиняет музыку. Если в прошлом он почти не принимал участия в оформлении своих альбомов и это делалось на студии New World Music (а именно эта английская студия и издает его альбомы), то в оформлении трех последних альбомов Терри принял активное участие. И оригинальная идея оформления Spirit Of The World принадлежит именно ему.

Терри – настоящий пионер в мире ньюэйджевской музыки. Его находки, оригинальные идеи использовались затем другими музыкантами. Для него же самого, с тех пор, как Терри начал играть на флейте, развитие в сторону использования этнических инструментов было вполне естественным. Поэтому музыкант обращал особое внимание на те культуры, в которых были созданы специфические инструменты, типа флейт, в соответствии с местной флорой и характером людей. «Однажды флейта появилась в моей жизни, и я понял, что это – мое, как любовь с первого взгляда. На самом деле это невозможно объяснить!» – вспоминал Терри. Добавим, что всю свою музыку он записывает в своем доме в городке Cotswolds (Котсволдс) в Англии.

При этом Терри известен не только по своим сольным проектам, выходившим на New World Music. Он успешно работал и в киноиндустрии. Прежде чем Терри начал издавать свою музыку на компакт-дисках, вся его работа была сконцентрирована на создании музыки к фильмам. Обычно он писал музыку для 12 фильмов в год. Но со временем Терри начал уставать от ограничений, что приносит работа для большого числа людей с различными, часто противоречивыми идеями. К счастью, в то время его альбомы начали достаточно хорошо продаваться, так что Терри смог направить свою энергию в основном в этом направлении. Его самый успешный кинопроект назывался Meerkats United. Он был продан в более 80 стран. Терри номинировался на премию Британской Киноакадемии за музыку к фильму Kingdom of the Ice Bear, но в тот год премии был удостоен Эрик Клэптон (Eric Clapton). Кроме того, Терри получил в США две премии Emmy за музыку к фильмам Twilight of the Dreamtime и Land of the Tiger.

Перейдем теперь к его сотрудничеству с компанией New World Music. Между тем, началось оно благодаря случаю. Терри получил письмо от музыканта, который записывал его музыку для телевидения. Он попросил у Терри кассету с записью его музыки. Позднее, именно он рассказал Олдфилду о New World Music, которая в то время была маленькой фирмой, и на которой тогда записывалось совсем немного музыкантов. Терри послал туда свою запись, и New World Music выпустила компакт-диск под названием Cascade. С тех пор на этой студии вышло еще 17 альбомов Терри. Другие же его альбомы были изданы студиями BBC Records и The Voiceprint. Обычно Терри записывает свою музыку один, хотя у него есть хороший друг по имени David Pash (Дэвид Пэш), который очень помогает Терри с аранжировками музыки к фильмам, а также исполняет гитарные партии во многих его альбомах. Раньше Терри не выступал с концертами, но недавно его пригласили дать несколько представлений, в том числе в Сиднейской Опере (The Sydney Opera House – Австралия), так что в ближайшее время все может сильно измениться, и музыкант приступит к активной концертной деятельности.

Посмотрим теперь, каковы увлечения Терри, а также остановимся немного на его семье. Он разносторонен: много занимается спортивной ходьбой, а также играет в теннис, сквош и бадминтон. С 8 лет Терри – заядлый рыболов. Живет Терри в городке Котсволдс вместе со своей женой-австралийкой Рондой (Rhonda), 17-летним сыном Оливером и двумя дочерьми – Аллегрой (Allegra – 14 лет) и Клемми (Clemmie – 8 лет), которые учатся в школе. Двое членов их семьи не живут вместе с Терри – это его сын Мэтью (Matthew – 19 лет), живущий неподалеку и уже успевший стать подающим надежды композитором и исполнителем, а также старшая дочь Рэйчел (Rachel – 25 лет), которая после получения степени бакалавра с отличием в области изобразительного искусства в настоящее время много путешествует по свету. Для самого Терри Индия – это самое восхитительное место из всех, где ему приходилось бывать, хотя с этой страной у него сложные ассоциации, связанные как с любовью, так и с ненавистью. «Это волнующая и прекрасная страна, где жизнь бьет ключом отовсюду и просто поражает вас прямо в сердце, если вы открыты для этого. Я люблю путешествовать и побывал уже в более чем 30 странах», – вспоминал музыкант. Как мы уже упоминали, живет Терри в городке Котсволдс, в котором, по его признанию, есть сельская красота в сочетании с чем-то более сложным, что ему очень нравится. Он считает, что нас притягивают к определенным местам, в первую очередь, обстоятельства, и Терри не может припомнить, чтобы он принял осознанное решение приехать жить в это место.

Через свою музыку Терри хочет передать слушателям чувство радости и мира, чтобы принести в их жизнь спокойствие. Сам он очень скромен и не считает себя сколько-нибудь известным музыкантом. Для Терри важнее духовный поиск. Его музыка глубоко медитативна, альбомы Терри (например, те же Zen, Out of the Depths и Spirit of the World и т.д.), тесно связаны с его духовным поиском. И это не случайно. Примерно с 18-летнего возраста Терри включился в интенсивный поиск более глубокого смысла своей жизни. С тех пор он медитирует почти каждый день, и выработал такой стиль медитации, который оптимален для него. По его признанию, Терри читал все книги из этой области духовного развития, но то, что он ищет, нельзя найти ни в одной книге. Хотя, как он считает, эти книги могут быть указателями на пути, который Терри может представить себе лишь как опыт полного небытия. Другими словами – это то, что вне мышления – неописуемое. «Конечно, Дзен – это путь описания необъяснимого, и меня часто вдохновляло чтение книг таких авторов, как D. T. Suzuki (Д. Т. Судзуки) и Alan Watts (Алан Уотс), и многих других», – отмечал музыкант, – «Пять раз в своей жизни я посещал Индию, и каждый раз для меня это был важный шаг вперед – всегда отношение «любовь-ненависть», когда мне нетерпелось попасть домой, а потом – нетерпелось вернуться туда снова. Однажды я принял участие в 7-дневном интенсивном курсе Сатори (на Санскрите – Просветление) Три недели после этого я находился в состоянии блаженного и опустошенного состояния, но я не был готов поддерживать в себе это состояние и оно пропало, превратившись лишь в минутный опыт. Я считаю, что такие интенсивные курсы немного напоминают процесс приема наркотика, потому что для этого опыта всегда есть глубокая причина, не важно насколько просветленным ты себя чувствуешь в этот момент – все равно это подобно наркотику, потому что вскоре это состояние исчезает. Не может быть причины, вовлеченной в истинный опыт, так как по самой своей природе она не задействует мысль, которая является временем и памятью. И поэтому ее надо воспринимать как дар от «дикой голубой глубины».

Терри старается не отставать от последних достижений технологии. Недавно у музыканта появилась своя, очень красивая и информативная страница в Интернете. Она была задумана для общения с людьми. Это также попытка идти в ногу со временем, когда продукты начинают продаваться с помощью Интернета. Подобно многим, Терри собирается открыть Интернет-магазин, который, как он надеется, позволит ему общаться с новыми слоями общества по всему миру. Вначале создавать интернетовский сайт Терри помогал его друг Colin Bradshaw, а теперь другой его друг, Stephen Page помогает переделывать этот сайт и модернизировать его.

В планах Терри продолжать сочинять и записывать музыку так долго, как он будет жив. Время от времени музыкант собирается продолжать путешествовать. Примерно через десять лет ему хотелось бы взять «творческий отпуск» по крайней мере, на год и отправиться в «свободное плавание» с рюкзаком по всему миру. Терри не нравится термин «музыка нью эйдж», так как такое определение, по его мнению, стремится ограничить ум. Как считает Терри, понятие ambient лучше отражает его музыку. «Это понятие предполагает движение вперед, похожее на поток воды, и для меня музыка – это движение как внутрь, так и наружу, подобно дыханию».

Терри написал музыку для трех телевизионных проектов: Wolves In White и The Sea Hawks для Би-Би-Си, а также Celtic Fury для компании Warner Television (США). Кроме этого Терри сочинил музыку для двух специальных часов, сконструированных Китом Уильямсом (Kit Williams), одни из которых предназначены для новой Бристольской детской больницы, а вторые – для нового торгового центра в Тэлфорде (Telford). Эти часы имеют поперечный размер 40 метров и называются «Тэлфордская Машина Времени». И это еще не все! Терри закончил «библиотечный» альбом, названный Music for Wildlife. А о последнем, недавно вышедшем на студии New World Music альбоме e.motion Терри расскажет сам: «Мой новый альбом – это путешествие во внутреннее пространство; это увлекательное путешествие в удивительные страны за беспокойными морями эмоций. Слово e.motion означает «движение вовне» или «прочь». Интересно, что это слово используется нами для обозначения чувства (emotion – эмоция, чувство, в переводе с английского). Кажется, что все мы разделяем невыразимую тоску по какой-то непостижимой вещи, которая исчезла из нашей жизни, и именно это чувство тоски или поиска я пытаюсь здесь выразить: чувство – эмоцию, движение от самого сердца вовне. Чтобы получить эту всеобщность выражения, я полностью погружаюсь в процесс исполнения и записи музыки, шаг за шагом, пока не приходит истинное чувство».

Across The Universe Подарив поклонникам замечательные путешествия вместе со своей музыкой от холодных и величественных Гималаев до зеленых лугов Ирландии, Терри Олдфилд решил временно покинуть планету Земля и пересечь просторы Вселенной. Поскольку такие путешествия намного легче совершать в хорошей компании, маэстро пригласил для записи альбома нескольких вокалисток, таких, как Джулиана, супруга и партнер композитора Ллевеллина. Ее не сильный, но очень воздушный и прозрачный голос кельтской дивы – одно из украшений этого альбома. Солируя на заглавной композиции Across the Universe вместе с детским хором, под музыкальный аккомпанемент Олдфилда она создает в высшей мере безмятежную и гармоничную песню, слова которой медленным потоком сливаются в реку из умиротворяющих звуков всевозможных флейт, синтезаторов, пианино. Собственно говоря, на этом сочетании строится и весь альбом – разнообразные духовые инструменты, столь любимые Терри, сплетают тонкое кружево невесомых мелодий, которые дополняют звуки австралийской природы, женские голоса, легкие прикосновения к клавишам. Не знаю, как насчет странствия по просторам Вселенной, лично мне музыкальный материал альбома больше напомнил неспешное плавание на лодке по широкой спокойной реке, озаренной первыми лучами рассвета. Мастерская работа, эталон безмятежной красивой музыки.

Sacred Touch – Music for Massage Комфорт – одно из важнейших условий, обеспечивающих эффективность сеансов массажа. И этот комфорт специалисты стараются обеспечить разными способами, понимая, что в вопросах духовного и физического здоровья мелочей не бывает. И именно от этих мелочей зависит порой, окажут ли прикосновения мастера максимальное воздействие на его клиента. Ароматические масла, теплый, приглушенный свет, свечи, благовония и, конечно же, музыка — один из главных элементов для создания благоприятной и расслабляющей атмосферы. «Священное прикосновение», альбом не нуждающегося в представлении музыканта, классика нью эйдж музыки Терри Олдфилда, создан специально для сопровождения сеансов массажа (что ни в коем случае не помешает вам слушать и наслаждаться этой музыкой в других условиях). И, поверьте, это диск – отличный способ занять свое воображение, пока руки специалиста будут скользить по вашему телу, разминая и расслабляя его. Ведь Терри приглашает всех желающих в настоящее путешествие, во время которого человек с хорошей фантазией и открытой душой сможет посетить самые живописные уголки планеты. Дело в том, что в нежное звучание привычных для Олдфилда флейт и в «кинематографические» полотна невесомого, погружающего в себя эмбиента вплетены разнообразные звуки и голоса живой природы, записанные музыкантом в разных местах Земли. Резвящиеся экзотические птицы, далекие раскаты грома и шум освещающего тропического ливня, журчание ручья, впадающего в море, загадочный гул океанских глубин, скользящие по голубой поверхности воды дельфины и киты, ночные холмы, заснеженные равнины и волчий вой, несущийся в морозной тишине навстречу луне или гипнотизирующим всполохам северного сияния… Природа говорит с нами на своем языке, и музыка подхватывает это послание, переводит в понятные и легкие фразы, помогающие почувствовать единение с окружающим миром, ощутить, как сладостно замирает сердце и как разливается по телу ласковое тепло божественного света. Мы получили прекрасный альбом, ставший не только «сопровождением», но и настоящим посланием – посланием миру, вселенной и всем нам. Светлая, завораживающая и комфортная музыка. То, что надо.

Reiki – Healing Energy Среди музыкальных произведений, предназначенных для сопровождения сеансов рейки (или хотя бы связанных с этой практикой ее упоминанием на обложке) альбом Терри Олдфилда «Рейки: Энергия исцеления» одновременно выглядит и абсолютно канонической работой, и, в то же время, содержит довольно смелые и прекрасно реализованные эксперименты с классическими музыкальными канонами. Также богат он на отсылки к саундтрекам для видовых телевизионных фильмов, над которыми Терри часто работал в свое время. Необычным, если пробежаться взглядом по названиям композиций, выглядит обращение автора к греческим мифам, к культуре и архетипичным образам Греции, все-таки сложно отследить связь рейки с этой страной и ее легендарным прошлым. Тем не менее, Олдфилд действительно тяготеет к классической «европейской» музыке, к чистому и прозрачному звучанию своей деревянной флейты добавляя тонкий голосок флейты Пана, словно доносящийся из древних рощ, еще хранящих эхо забытых мистерий. Необычно (простите за столь частое использование этого слова, что поделать, если автор преподносит столько сюрпризов) и построение композиций первой половины альбома. Каждая из них начинается абсолютно расслабленным и пронизанным звуками дикой природы нью эйджем с обязательным для рейки-стиля звоном колокольчиков, постепенно, путем порой полной перестройки структуры мелодии и ритма, видоизменяясь в нечто, что можно назвать «новым барокко». Звучат пышные, изысканные партии инструментов, таких, как виолончель и арфа, фон, вместе с криками лесных птиц и китовой перекличкой, заполняется струнной секцией. Стоит отметить две абсолютно «хитовые» темы, объединенные в «Олимпе», и оперную арию, звучащую в «Трое» и придающую музыке чуточку героического величия и пафосного блеска. Ближе к финалу, сохраняя и дополняя гармонию альбома, в нем прослеживаются и привычные восточные нотки, от тонкой арабской вязи в «Таинственной бухте» до индийской раги «Нежного леса». Увязать все это в единое целое, не дав распасться на кусочки, мог только истинный мастер – а кто еще сомневается, что это звание Терри заслужил справедливо? Результат его межжанровых экспериментов – легкая, зовущая, расслабленная музыка с солирующей флейтой, замедляющая время и рисующая широкими мазками величественные пейзажи, «озвученные» голосами обитателей нашей планеты. Пейзажи далекого прошлого и, если верить и быть оптимистом, будущего, пронизанного целительной энергией, идущей из единого божественного источника.

Journey Into Space Приглашая в путешествие по бесконечному пространству Космоса (скорее «внутреннего», чем «внешнего») Терри Олдфилд объединяет характерные приемы и особенности своего звучания, хорошо улавливаемые на слух его преданными поклонниками. Для полноты картины он также пригласил своего именитого брата, Майка Олдфилда, последнее сотрудничество с которым состоялось еще в 1978 году. Теперь электрогитара этого известного музыканта с ее медитативным, пространственным звучанием и завораживающим очарованием отлично вписалась в музыку Терри, вступая в философские диалоги с флейтами, голосами буддийских монахов, индийскими мантрами и перворитмами древних племен, воссоздавая огромный мир, удерживаемый в равновесии духовной энергией музыкантов, его создавших. Открывая ворота в этот мир, Origin звучит весьма динамично, храмовые медитации и горловое пение соседствуют с экспрессией электронных звуков, трансовыми партиями гитар, напряженными ритмами таблы и звуками духовых инструментов, среди которых можно заметить и австралийский диджериду. Впрочем, этот «переход», дающий заряд для дальнейшего инерционного движения сквозь бесконечность, сменяется чилаутными ритмами (они, кстати, превалируют на Journey Into Space, это одна их «фишек» альбома, показывающая, что Терри легко идет в ногу со временем) и очень мелодичным вокальными партиями, демонстрирующими, что Олдфилд может создавать «хитовые» темы, которые не перестанут крутиться в голове еще долгое время. Flight Of The Eagle, как Shadow Dancer и финальная Be Still — мелодичные баллады, исполненные самим Терри и его супругой и постоянным соавтором Терри, Сорайей Сарасвати. Здесь четко обозначается интерес к «ретро стилю», композиции эти, как и переложения мантр, идущие следом, заставляют вспомнить фолк-рок шестидесятых-семидесятых годов, духовные песни первых ашрамов, открытых для западных искателей духовного просвещения, переживших эпоху хиппи. Ну и нечто подобное можно услышать в исполнении Ашера Куина, одного из менестрелей Новой Эры. Сейчас такое звучание – редкость, и это выгодно отличает стилистику Journey Into Space. Как и своеобразное исполнение мантр – в таланте Терри и Сорайи писать красивые и узнаваемые мелодии под древние духовные гимны никто особенно не сомневался (после альбома Mandala особенно), но здесь они превзошли самих себя. Все, что вы услышите здесь – само совершенство, тонкая гармония мужского и женского начала, которые образуют равновесие Вселенной. Это не просто слова и звуки, это волны позитивной (и очень тонкой, «личной») энергии, идущей от голосов, которые преумножены в звучание целого хора. Звучит все это просто превосходно, оставляя ощущение всепроникающего света, любви и чистоты, чему, конечно же, способствует и богатый на приятные сюрпризы инструментальный аккомпанемент. Этот альбом может стать превосходным подарком во время грядущих праздников, но он и сам по себе праздник, который хочется переживать снова и снова, благо, для этого не требуется особенных усилий: нужно только включить диск и поймать волну, которая унесет вас в странствие по огромной и полной чудес Вселенной.

Дискография

1982 In Search of the Trojan War

1983 Cascade

 1986 Reverence

1987 In the Presence of Light

1988 Resonance

1989 Star of Heaven [with Sally Oldfield]

1990 Angel

1990 Spirit of the Rainforest

1991 Zen - The Search for Enlightenment

1992 Illumination - A Celtic Blessing

1992 Spiral Waves

1993 Out of the Depths - De Profundis

1993 Spirit of Africa

1994 Australia - Twilight of the Dreamtime

1994 Spirit of Tibet

1995 Icon

1996 Earth Spirit

1996 Spirit of India

1999 All the Rivers Gold

2000 Across the Universe

2000 Spirit of the World

2001 In the Presence of Light [remaster]

2001 Reflections - Best of

2002 Australia - Waking the Spirit

2002 Turning Point

2003 A Time for Peace

2004 Celt

2004 Yoga Harmony

2005 De Profundis - Out of the Depths II

2005 Ethereal

2006 Reiki Harmony

2007 Forever One [with Soraya Saraswati]

2007 Labyrinth

2008 Making Tracks

2008 Mandala - Circle of Chant [with Soraya]

2009 Celtic Blessing

2009 Celtic Spirit

2009 Chakra Clearing & Healing Sounds [with Soraya Saraswati]

2009 Dancing Through the Chakras [with Soraya Saraswati]

2009 Sacred Touch - Music for Massage

2009 Tears for Tibet

2009 Yoga Nidra [with Soraya Saraswati]

2010 Glastonbury Tor

2010 Reiki - Healing Energy

2010 Reiki Flow

2010 Silent Night - Peaceful Night

2011 Healing Sound Journey [with Soraya Saraswati]

2012 Journey Into Space [with Mike Oldfield]

2013 Peaceful Hearts [with Soraya]

2014 Guardian Angel

2014 Making Tracks

2014 Sweet Awakenings

2015 Labyrinth

2015 Reach Out

2015 Reverence

2015 Spirit of Australia

2016 Namaste [with Soraya]

Ссылки

http://www.terryoldfield.com/ - Официальный сайт

Биография

Майкл Гордон Олдфилд родился 15 мая 1953 года в городке Ридинг в Англии. Увлекшись игрой на гитаре, Майк уже в возрасте 10 лет начал писать музыку и выступать в местных фолк-клубах. В 14 лет Майк бросает школу и, вместе со свой сестрой Сэлли, организует фолк-дуэт Sallyangie. Группа записала несколько синглов и альбом Children of the Sun, после чего последовал небольшой концертный тур. В 1968 дуэт распался и Майк организовал новую группу - Barefeet, которая также просуществовала меньше года. В 1969 Майк присоединяется к Кэвину Эйрсу (Kevin Ayers) и группе The Whole World в качестве гитариста. В составе группы также был Дэвид Бэдфорд (David Bedford), который впоследствии стал соратником Майка в его сольной карьере. В The Whole World Майк проработал над четырьмя альбомами. В 1971 году группа распалась и Олдфилд начал сольную карьеру.

Игра Олдфилда в те времена была еще очень незрелой, хотя и обещающей. Во всяком случае, его имя мало что говорило не только рядовому слушателю роковой музыки, но и прожженным дельцам шоу-бизнеса, и когда Майк начал обращаться с планами своей амбициозной 50-минутной композиции в различные английские записывающие фирмы, его никто не поддержал. Единственным доброжелателем оказалась компания, которая еще не существовала. Она называлась Virgin и была детищем некоего Ричарда Брэнсона, который еще подростком основал издание Strudent и был владельцем нескольких магазинов продажи грампластинок по сниженным ценам. Приход Олдфилда совпал с планами Брэнсона по основанию новой фирмы, и молодой композитор получил время в студии. Там он составил из многих наложений запись, где сам играл на многих инструментах. Результатом оказалась эпическая работа Tubular Bells, которую Virgin выпустила своим первым диском в мае 1973 года. Ему предшествовало отличное исполнение на концерте в «Куин Элизабет-холле» и телевизионная трансляция. Восторженная встреча диска критиками способствовала тому, что он был быстро принят публикой. Пьеса с тех пор становится одним из наиболее успешных произведений в роке. Помимо битловского «Клуба одиноких сердец» и «Моста над бурными волнами» дуэта Simon & Garfunkel, ни один диск в роковой музыке не смог так быстро и глобально завоевать общее уважение, как Tubular Bells. Даже в начале декабря 1974 года, через 68 недель после своего издания, он находился на седьмом месте по числу проданных экземпляров, которое превысило в тот момент 2 миллиона штук, а к 1981 году достигло 10 миллионов. Его популярности в США способствовало то, что отрывки из альбома были использованы для музыкального сопровождения фильма «Изгоняющий дьявола». Один из этих отрывков там был напечатан как сингл и вновь с громадным успехом, хотя Олдфилд и Брэнсон, побаивающиеся американского рынка, отдельно для английского издания записали другой сингл, Theme From Tubular Bells, который должен был обеспечить импортные потребности. «Цилиндрические колокола» – это одна инструментальная композиция, с мелодическими мотивами, щедро рассыпанными Олдфилдом по всему альбому с их вариациями, со звуками гитары, которую можно сравнить с дудочкой или мандолиной, со звучанием колокольного звона, с помпезными отзвуками некоторых инструментов, на которых играет бывший член Bonzo Dog Band Вив Стеншел, с различными органами и 2300 магнитофонными отрывками, которые можно перекладывать, кроить, ускорять, делать что угодно. Tubular Bells продержались в британском чарте 247 недель.

Альбом, вышедший в 1974, немедленно возглавил хит-парады и доказал, что Майк Олдфилд не стал музыкантом-однодневкой. Hergest Ridge - это опять монотематическая пьеса. Название пластинки произошло от названия местности на побережье Уэльса. Альбом оказался более зрелым по содержанию, но утратил некую новизну и оригинальность. Продажи были сравнительно разочаровывающими. Интересный факт - Hergest Ridge оказался первым альбомом Олдфилда, возглавившим британские чарты. В то время как Tubular Bells заняли лишь второе место в год выпуска. И лишь после выхода своего последователя Tubular Bells на неделю возглавил чарт. Майк стал третьим музыкантом в мире, после Пола Маккартни и Боба Дилана, вытеснившим самого себя с первого места британского хит-парада. Альбом этот оказался технически более зрелым, выразительным и мощным, чем Tubular Bells, но утратившим ту основную наивность и очарование, которые отличали «Колокола». Олдфилд вновь показал своеобразную способность рисовать очень зеленые, причесанные и очень английские музыкальные пейзажи. Вновь пара-другая тем, с довольно банальными гармониями, простыми ритмами и аранжировками. Чарующие мелодии льются бесконечно и беспрепятственно. Все волшебство Олдфилда здесь – в сочетании звуков, электрического с акустическим, клавишных со струнными, верхних октав с басами, а также эффективным, порой изысканным использованием хоров и перкуссии. Картины меняются медленно и неторопливо, а униформированное легато музыкальной основы обеспечивает для чередующихся ведущих инструментов стремление к монотонности.

Вышедший в 1975 году третий альбом композитора Ommadawn продемонстрировал, что Майк скомбинировал лучшие элементы обоих предшественников. Альбом получился великолепным и был провозглашен «шедевром века», а Майка пресса нарекла «Волшебником тысячи наложений». Впервые Олдфилд позволил принять участие в создании музыки другим музыкантам. После выхода альбома, ведущий довольно замкнутый образ жизни Майк удалился в свое деревенское поместье, чтобы избежать назойливого внимание шоу-бизнеса и осмыслить причины своего успеха. До 1978 года музыкант не появляется на публике и не дает интервью. За этот трехлетний период был выпущен лишь четырех дисковый сборник Boxed, содержащий все три альбома, которым Майк придал немного другое звучание и дополнил небольшими вставками, а также альбом записанный в сотрудничестве с другими музыкантами. В этот же период Олдфилд проходит специальные курсы с целью избавления от своей природной застенчивости, на которых встречает свою первую жену. Однако брак распался через месяц.

Трудно представить, чтобы обычная роковая музыка могла вызвать подобный интерес. А «Колокола», например, имеют в себе гораздо большую роковую основу, чем, скажем, «Клуб одиноких сердец» или «Мост», упоминаемые выше. Каждый рецензент уважает успех Олдфилда, но мнения и оценки существенно расходятся. И можно ли считать действительно «Колокола» «самым лучшим альбомом мировой популярной музыки», как это вытекало из читательской анкеты New Musical Express. «Не одалживая ничего у известных классиков и не склоняясь к отзвукам, всхлипыванию и клокотанию настырного авангарда, Майк Олдфилд создал музыку, которая соединяет логику и неожиданность, солнечный свет с дождем», – написал Джон Пил, самый известный английский диск-жокей на радио, охотно проигрывающий Заппу и Чайковского. «Разумеется, я понимаю, что все абсолютные суждения временны, и могу только сказать, что это самая удивительная и самая завершенная великая и оригинальная музыка, которая появлялась когда-либо под рубрикой «поп». Она производит на меня то же эмоциональное впечатление, что и произведения Сибелиуса и Дебюсси»,- объявил свое кредо Уильям Мюррей в журнале Time Out. Ян Макдональд посвятил в New Musical Express две страницы обзору обоих первых альбомов Олдфилда. Вряд ли большая часть поклонников музыканта была благодарна ему за труды. «Точным подобием является Варшавский концерт Ричарда Эддиселла. Bells являются смесью основных положений серьезной музыки с выразительностью популярной и современным вкусом». Рецензент сравнивал достоинства с уровнем Бартока – столь же популярного – и именно его концерта для оркестра 1943 года и уровнем различной музыки к фильмам. Нет, Майк Олдфилд не является роковым Дебюсси. Скорее он роковый Мишель Легран». «Майк Олдфилд сойдет на всякий случай»,- писал Стив Лейк в Melody Maker. «Его сочинения не смогут обидеть самых консервативных слушателей и создают идеальный звуковой фон для езды в автомобиле, разрисовывания потолка и выбора покупок в универмаге». И далее: «Его музыка звучит, как детский аккомпанемент рокового оркестра». Но, в конечном счете, нужно заметить, что при всех электроакустических изъянах, при самом примитивном композиционном развитии, наивность, нежность и волшебство музыки Олдфилда не теряет своего очарования. Она становится желанной для составления светомузыкальных программ. Приятная роковая музыка? Возможно. Судьба рока? На этот вопрос смогут дать ответ только потомки.

После очередного приступа затворничества молодой композитор и мультиинструменталист, которому только миновало 26 лет, в конце 1978 года перебрался в Лондон и выпустил двойной альбом Incantations, на который возлагал особые надежды. К своему характерному многослойному наложению инструментальных партий он добавил бывшую вокалистку группы Steeleye Span Мэдди Прайор, которая исполнила «Песнь о Гайавате» Лонгфелло. Рецензенты нашли в музыке альбома отголоски Равеля и Дебюсси, с подачей более скромной, чем у Yes, ELP или Moody Blues, но такой же привлекательной, как у Кита Джаррета. Кроме того, к Рождеству Олдфилд выпустил новое иллюстрированное издание «Колоколов», в феврале 1979 года в нью-йоркской студии с участием местной ритм секции записал сингл I'm Guilty в стиле диско и принял участие в создании дебютного альбома своей сестры Сэлли. Продолжал работать над музыкой к фильмам и выпустил «живой» двойник Exposed. Именно тогда Майк поразил музыкальную прессу и своих фанатов короткими волосами и серьгой в правом ухе. Также он дал несколько довольно агрессивных интервью. Итак, Майк изменился и, чтобы доказать это, отправился в турне в сопровождении свыше 100 музыкантов. Хотя почти все концерты прошли с аншлагом, тур оказался убыточным и был завершен с долгом в 100000 фунтов-стерлингов. Фрагменты этого тура вошли в двойной альбом Exposed.

Вышедший в 1979 г. Platinum явил собой новую концепцию Майка Олдфилда – длинная инструментальная композиция на первой стороне пластинки и четыре легких песни на другой. Впервые также Майк использовал композиции других музыкантов – North Star Филипа Гласса и I Got Rhythm Гершвина. Затем последовал Platinum-тур в сопровождении всего лишь 11 человек. Альбом Platinum, обозначивший более упрощенный подход, содержал пародию на панк Punkadiddle, которой на другой стороне пластинки противопоставлялась переработка ирландской джиги.

В 1980 г. вышел очередной диск композитора Queen Elizabeth II (QE2), немедленно ставший «золотым». Альбом не содержал длинной инструментальной композиции, заполнявшей всю сторону пластинки. Taurus I – длиннейший трек, звучит меньше 10 минут. Опять были представлены композиции других музыкантов – Arrival (ABBA) и Wonderful Land (The Shadows). В марте 1981 Майк отправляется в новое европейское турне в сопровождении 5 музыкантов. В каждой стране в концерт включалась какая-то национальная мелодия – «O Sole Mio» (Ливорно, Италия), «Blue Danube» (Вена) и «The Royal Wedding Anthem» в Портсмуте и Лондоне. О масштабах признания музыканта говорит то, что он за свою музыку и благотворительную активность был избран почетным гражданином Лондона, вторым после Пола Маккартни роковым музыкантом он попал в знаменитое издание «Кто есть кто».

Five Miles Out вышел весной 1982 г. и стал первым альбомом Virgin-Deutschland попавшим в немецкий топ-20. Альбом опять включил в себя длинные инструментальные композиции – Taurus 2 занял всю первую сторону пластинки, а Orabidoo – половину второй стороны. Дополнили вторую сторону такие хиты как Five Miles Out, Mount Teide и Family Man. Альбом был посвящен трагическому эпизоду случившемуся в предыдущем туре Майка, когда он и его команда на маленьком самолете попали в страшный шторм. Диск стал наиболее коммерчески успешным со времен Tubular Bells, однако множество старых поклонников Олдфилда не приняли его из-за наличия чересчур попсовых хитов. Музыкант синтетического склада, Олдфилд в 70 годы стал своим и для сторонников «легкого слушания», а также был высоко оценен авторами и исполнителями серьезной симфонической музыки. Это чрезвычайно редкое совпадение. Но в то самое время, когда его ранние произведения все еще ублажали многочисленных поклонников, композитор резко изменил курс.

«Если вчерашнюю его музыку можно назвать очень мелодичной, то нынешние творения Олдфилда представляются скорее упрощенными и общепонятными», – так оценивала критика музыкальную ориентацию альбомов Crises и Discovery. Со времени записи этих дисков с Олдфилдом начали работать бывшие члены группы Free Фил Сполдинг и Пол Роджерс, знаменитые ударники Моррис Перт и Пьер Мерлен, басист Рик Фарн и клавишник Тим Кросс. На альбоме Crises Олдфилд выложил прежние верные козыри – мультиинструментализм и студийные ухищрения. Этот же диск продемонстрировал, насколько тесно в его жизнь вплелись самолеты – ведь уже восемь лет, как Олдфилд вступил в непрекращающиеся судебные тяжбы с британскими ВВС, начавшими строительство шумного аэродрома вблизи его дома. Уже во вступлении к альбому рев двухмоторного самолета намекает слушателям, что они имеют дело с воздушной драмой. Одну сторону диска занимает композиция Taurus II, в которой чередуются фолковые мотивы и народные инструменты с новейшими вокодерами. Альбом Crises считается одним из самых лучших у Майка. Композиции Moonlight Shadow и Shadow On The Wall сразу стали мировыми хитами. Затем последовал очередной европейский тур, увенчанный концертом на знаменитой Wembley Arena, отметивший десятилетний юбилей творчества Майка.

Для записи своего следующего альбома Discovery Майк отправился в швейцарские Альпы. Результатом стали 7 песен и одна инструментальная композиция. Не прошли незамеченными композиции To France и Tricks Of The Light, но особый успех ждал хитовую песню Moonlight Shadow с великолепным вокалом Мэгги Рэйли ( Maggie Reilly). Большая часть поклонников Олдфилда признали диск неудачным, посчитав его слишком легким. Discovery-тур, последовавший далее, включил в себя более 50 концертов, из них 20 – в Германии. «Это своеобразный свет моей юности, когда жизнь никому неизвестного дилетанта была сплошным кризисом», - заявил тогда в интервью об этом альбоме сам Олдфилд. И в том же интервью: «Напевная тематическая простота этого лонгплея объясняется моей склонностью играть в архаичной манере». Что же означал этот стилистический поворот? Новый зигзаг в его творчестве? Заранее подготовленную неожиданность? Или настоящий кризис автора? Неуспех почти всех его последующих альбомов и концертных турне свидетельствовал, скорее, о последнем.

В 1985 г. Майк закончил писать саундтрек к фильму The Killing Fields. Музыка, написанная с помощью старого друга Дэвида Бэдфорда, была мистическая и очень волнующая. Альбом сильно отличается от других работ композитора и находится на грани авангарда. При записи диска Майк использовал большой хор мальчиков. После выхода The Killing Fields у Майка случился очередной приступ затворничества и в течение 2 лет было выпущено лишь два сингла с одинаковым форматом: попсовая песенка на первой стороне и инструментальная композиция на другой.

Вышедший в 1987 г. альбом Islands мгновенно всколыхнул интерес прессы к «Волшебнику тысячи наложений». Тем более, что в личной жизни музыканта произошли большие изменения. Майк расстался со своей подругой Сэлли Купер, которая была также вокалисткой в нескольких альбомах композитора. От Сэлли Майк имел троих детей. Из-за этого к записи пластинки была привлечена новая певица – норвежка Анита Хегерланд, впоследствии ставшая новой подругой Майка и принесшая ему двоих детей. Что касается Islands, то он был холодно встречен прессой и имел довольно низкие продажи, хотя 21-минутная инструментальная композиция The Wind Chimes признается фанатами музыканта одной из лучших в его творчестве. На этот трек было снято прекрасное видео в полную длину композиции. Наконец стоит отметить, что над альбомом работало 4 сопродюсера (один из них – будущий основатель Enigma Майкл Крету) и 5 вокалистов (Макс Бэйкон (из GTR), Кевин Эйрс и др.), включая знаменитую Бонни Тайлер (Bonnie Tyler).

В 1989 г. вышел Earth Moving, примечательный тем, что в альбоме не оказалось ни одной инструментальной композиции. Майк использовал 6 вокалистов для записи десяти песен. Альбом был очень сдержанно встречен фанатами и даже сам Олдфилд остался не доволен им. Это объясняется тем, что Virgin Records буквально заставила Майка написать коммерческий альбом. Отношения между Virgin и Олдфилдом, и без того не очень хорошие, ухудшились окончательно. Майк и так не был доволен своим контрактом, подписанным еще в 1973 (по которому он должен написать 13 студийных альбомов), так ему еще и стали указывать какую музыку он должен писать.

В 1990 г. на свет появился Amarok. Этот альбом – полное возвращение к инструментальной музыке и содержит в себе одну композицию длинной 60 минут. Этот диск подтвердил репутацию Майка как мультиинструменталиста. Музыкант сам сыграл на более чем шестидесяти инструментах, включая такие «инструменты» как башмаки, ложки, ногти и т.д. Продажи альбома были не высокими, а критики так и не определились с его оценкой. Фанаты же Олдфилда были просто в восторге. На протяжении 48 минут в альбоме азбукой Морзе выстукивается «послание» Ричарду Брэнсону, главе Virgin: «Fuck off, RB!». Таким образом, Майк в открытую начинает конфликтовать со своей звукозаписывающей компанией.

Heaven's Open, последний необходимый альбом для завершения контракта с Virgin, вышел в 1991 г. Конфликт между Олдфилдом и Брэнсоном проявился и здесь: в композиции Make, Make музыкант критикует погоню Virgin за коммерческим успехом за счет оригинальности музыки. Далее конфликт проявился в Music From The Balcony, где Майк демонстративно прерывает мелодичную музыку грубыми и резкими звуками. Также альбом примечателен тем, что впервые Олдфилд спел сам. Для этого он в течение шести месяцев брал уроки вокала у Хелены Шенель, обучавших таких певцов как George Michael, Peter Gabriel и Paul Young. Голос композитора можно услышать в песни Heaven's Open. Сразу после выхода этого альбома Майк подписывает контракт с WEA Records и на шесть месяцев уезжает в Лос-Анджелес для записи нового альбома.

Премьера альбома Tubular Bells II (сделанного с помощью Тревора Хорна) состоялась 4 сентября 1992 г. в старинном эдинбургском замке. Комбинация великолепной музыки, энтузиазм фанатов (увидевших Майка впервые за 8 лет) и вдохновляющий финал с огромным фейерверком сделали этот концерт самым запоминающимся в карьере музыканта. Шоу было записано на видео и с тех пор неоднократно транслировалось по всему миру. Tubular Bells II имели большой коммерческий успех и к настоящему времени продано свыше 2 миллионов копий альбома. Сингл Sentinel, на который был снят видеоклип с использованием анимации, стал самым успешным со времен сингла Tubular Bells. После выхода диска последовал европейский тур, посвященный 20-летней годовщине Tubular Bells, кульминацией которого стали четыре концерта в лондонском Albert Hall. Альбом завоевал «платину» всего за неделю после выхода в свет. Его музыка является гибридом между «старым» Олдфилдом периода «Колоколов» и недавним альбомом Amarok.

Два года спустя The Songs Of Distant Earth сломал все шаблоны музыкальной индустрии – он стал первым коммерческим альбомом, включившим в себя элементы виртуальной реальности. Сам же альбом был основан на одноименном романе английского писателя-фантаста Артура С.Кларка. Роман так понравился Майку, что он решил записать альбом посвященный ему. Он связался с Кларком и получил разрешение на это. Когда демо-версия была готова, музыкант отослал ее писателю. Музыка очень впечатлила Кларка, и он даже написал вступительную статью к буклету диска. Альбом получился очень необычным для Майка и это сказалось на продажах – они были довольно низкими. Видео на Let There Be Light, выпущенное в 1995 г. в цифровой форме, было очень впечатляющим и получило приз за оригинальность спецэффектов. В это же время именем Oldfield была названа малая планета № 5656.

В 1996 г. Майк выпускает диск Voyager – собрание десяти инструментальных композиций в кельтском духе. Семь из десяти треков являются переработками старинных ирландских и шотландских мотивов, а три новые композиции – стилизованны под них. В записи альбома Майку помогали Лондонский симфонический оркестр и известная исполнительница кельтской музыки Maire Brennan. Альбом получился очень спокойным и расслабляющим и, хотя и не был принят критиками, открыл новую грань таланта мультиинструменталиста. В том же году Олдфилд переезжает на Ибицу, в спроектированный им самим дом.

Следующий альбом – Tubular Bells III, появившийся в 1998 г., был навеян Майку кассетой с записью клубной музыки, которую ему дал послушать друг. Впервые у Майка появились жесткие ритмы, хотя и всего лишь в двух композициях. Первая композиция практически является диджейским ремиксом на оригинальные Tubular Bells. Альбом был представлен «живьем» в Лондоне и был записан на видео. Не вошедший в альбом трек Tubular Bells X был включен в саундтрек к культовому фильму «Секретные материалы» (The X-Files).

Выпущенный в 1999 г. Guitars является возвращением к корням творчества Майка – гитаре. Все музыкальные партии, включая даже ударные, были сыграны с помощью различных гитар. Летом этого же года последовал большой тур по Европе, параллельно с работой Майка над новым проектом, посвященному концу второго тысячелетия. Этот альбом – The Millenium Bell, был представлен 31 декабря 1999 г. в Берлине и сопровождался грандиозным лазерным шоу. Сам альбом содержит 11 музыкальных кусочков, навеянных различными историческими событиями, такими как рождение Христа, заря технологической эры или открытие Америки.

Последние годы Майк усиленно занимался работой над созданием музыкальной виртуальной реальности, которую он начал еще в 1995 г. Созданная Олдфилдом и его командой виртуальная реальность напоминает симулятор полета над вымышленным трехмерным миром. После окончания работы над проектом, Майк пошел по компьютерным фирмам предлагать свою игру. Однако ни одна компания не заинтересовалась ей. Все посчитали, что игра, в которой не нужно стрелять и не нужно ничего собирать, не вызовет интереса у покупателей. И тогда Майк принимает решение сделать игру частью своего нового альбома. Альбом Tres Lunas вышел в начале 2002 г. и состоит из двух дисков. Первый диск – собственно музыка, второй – диск CD-ROM с демо-версией игры.

В 2003 г. вышел перезаписанный с помощью цифровых технологий альбом Tubular Bells. Этот ре-релиз приурочен к тридцатилетней годовщине выхода легендарного альбома Майка.

Интервью

Что для Вас процесс сочинения музыки?

Я записываю «кусочки» своих идей постоянно – в пивном баре, когда смотрю телевизор, и даже в машине, когда приходится припарковываться где-нибудь, чтобы записать на листочке бумаги идею. Затем, уже в студии, я воплощаю эти идеи в музыкальные фрагменты – либо совсем короткие, либо двух- или трехминутные. Так продолжается несколько месяцев, пока не накапливается целая коллекция таких музыкальных фрагментов. Тогда я уже начинаю думать над тем, каким образом их можно связать воедино, как объединить отдельные маленькие фрагменты в осмысленную форму. Я «полирую» каждый фрагмент настолько, насколько я способен, а затем следует такое же совершенствование целого трека. Каждая большая вещь должна создаваться по кусочкам, я думаю. И часто, даже если уже готова демо-запись песни, я продолжаю дорабатывать ее звучание.

Новые цифровые технологии изменили для Вас процесс работы, составления единого целого из отдельных фрагментов? Ведь невероятно сложно сделать «вручную» такой альбом, как Tubular Bells.

В общем, все то же самое. Вот только в те дни приходилось очень много возиться с монтажом магнитной пленки. Сейчас это делается на других приборах, цифровым методом, но я не скажу, что это намного проще, честно! Было что-то очаровательное, когда с помощью лезвия надо было резать ленту, однако цифровой монтаж звучит лучше.

Что доставляет Вам больше удовольствия – создание масштабных пьес, или достаточно коротких песен, которые обычно тепло встречает публика?

Бывает, что, работая над небольшими фрагментами, понимаешь, что они вполне могут «работать» и самостоятельно, и тогда я не объединяю их в большую композицию, а оставляю их в качестве самодостаточных вещей. Но в настоящее время я ощущаю опасность самоповторения, если говорить о песнях, особенно в том, что касается текстов песен. Ведь я вообще-то не поэт, несмотря на то, что иногда и поэтическое вдохновение посещает меня! Сейчас я не хочу сочинять песни, что вовсе не означает, что я уже никогда к ним не вернусь. Возможно, для этого надо будет найти себе кого-нибудь в качестве соавтора. В настоящее время мне не доставляет удовлетворения ни работа над большими пьесами, ни сочинение песен, поэтому сейчас я работаю над музыкальной виртуальностью. Это – нечто совсем новое, с большим будущим. Мы собираемся построить прямо здесь (обводит руками свою студию) виртуальный кинотеатр, 3-D, что включает в себя множество задач, как, например, написание собственного программного обеспечения, которое будет управлять саундтреком этого виртуального мира. Можно сказать, что просто музыка стала для меня несколько скучноватым делом, особенно сейчас, когда можно использовать столько технологических возможностей. Для меня гораздо интереснее работать над чем-то совершенно новым, непохожим.

Какой Ваш собственный альбом или отдельный трек Вы любите больше всего?

Если честно, я вообще не слушаю свои старые альбомы. Я лучше займусь этим в 90 лет, когда буду сидеть на купальном стульчике в своей ванной. Тогда я включу свой лазерный плеер, или что бы там, в будущем, ни было, послушаю и скажу (имитирует дрожащий старческий голос): «Во, как здорово!» Обычно ты любишь те треки, которые стали хитами, но это ведь это связано с эго. В то же время мне нравятся треки с альбома Amarok, который, наверное, является моим самым неуспешным альбомом. В нем есть фрагменты, которые я сейчас просто ненавижу, есть и такое, что заставляет спрашивать самого себя, как можно было быть столь наивным. Но есть и такие фрагменты, которыми я горжусь.

Ваши поклонники считают, что Ommadawn и Amarok – это Ваши лучшие альбомы.

Да. Но поклонники – это одно, а успех – это другое. Amarok продавался очень плохо, хуже, чем какой-либо другой мой альбом, но в техническом плане он, вероятно, – лучшее, из того, что я делал. Это был эксперимент, чтобы посмотреть, смогу ли я в работе над таким проектом обойтись без компьютеров. Весь альбом «собран» вручную, хотя по его звучанию в это трудно поверить. Многое в нем похоже на сэмплы, однако действительно каждый, даже самый короткий фрагмент, был сыгран «вживую», и я получал тогда от этого огромное удовольствие.

Здесь я упомянул вступительный гитарный рифф к альбому Amarok, который многие гитаристы считают бездарным. Майк сказал: «О, да это очень просто!», взял классическую гитару, настроил ее и сыграл эту часть. У меня, таким образом, была возможность увидеть его технику игры вблизи: левой рукой он проделал действительно что-то до невозможности бесхитростное, часто задействуя лишь два пальца. Практически все соло сделано только правой рукой.

Здесь все заключается в постукивании по струнам. Я научился этому, как только купил классическую гитару. Это прекрасно звучит, и это чертовски просто сыграть. Особенно если ты знаешь, как играть фолк-музыку. Многие люди вообще не рассматривают меня как гитариста, потому что, когда я играю на гитаре, создается впечатление, что я почти ничего не делаю. Но звук-то получается!

Альбом The Songs Of Distant Earth также вызвал немало споров. Похоже, что он встретил неоднозначную реакцию слушателей. Вы этого ожидали?

Да я даже и не знал об этом! Единственное, что я знаю, это то, что даже сейчас я не могу равнодушно его слушать, особенно первые 15 минут. Там много чего было сделано неправильно, чувствуется, что записан он был в спешке, но, в общем, я очень доволен этим альбомом. Это была замечательная возможность поработать с компьютером. Например, вступительный ритм-трек: он состоит из огромного количества компонентов, которые можно было «схватывать» мышкой, перетаскивать их в любое место, соединять их, разбивать на части. Я исследовал возможности компьютера. Я вообще провожу очень много времени, сидя перед компьютерными мониторами. Я доволен альбомом The Songs Of Distant Earth. В него вложено очень много чувств. Я даже не подозревал, как много людей любят фольклорные мотивы! Думаю, что тот факт, что я никогда не «зацикливаюсь» на чем-то одном, помог мне на протяжении всех этих лет выжить как артисту. Я осваиваю новые технологии. И, если бы я делал исключительно только фолк-альбомы, мир рок-музыкантов не воспринимал бы меня всерьез. Можно, конечно, сказать, что их мнение не столь важно, однако музыкальный мир – это почти мафия, и, если ты хочешь оставаться успешным, ты так или иначе должен быть с ним связан. Но именно сейчас я отошел пока от фольклора, потому что «погрузился» в виртуальную реальность.

Я слышал, что Ваша дочь Молли исполнила синтезаторные партии на альбоме The Songs Of Distant Earth. Что именно она сделала, и, как Вы думаете, не ее ли участие обеспечило альбому столь современное, эмбиентное звучание?

Забавно, что Вы это подметили! Ей 15, почти 16. Я играл сам некоторые современные вещи, которые она слушает. Она дала мне компакт-диск с танцевальной музыкой, которую слушает ее поколение, и это было очень мило. Я думаю, что это – замечательное поколение. Возможно, они не настолько циничны, какими были мы в юности. Она вообще ничего не играла! В треке The Chamber есть сэмпл с голосом русского астронавта, вот его она «запустила» с клавиатуры. Она выступила скорее в качестве эксперта, представителя молодого поколения, она помогла мне понять, насколько эта музыка может быть интересна юным слушателям. Я сказал ей, что из нее выйдет отличный продюсер, потому что вся работа продюсера состоит в том, чтобы сидеть сзади и говорить: «Мне нравится!», «Мне не нравится!»

Ваши песни периода 80-х – начала 90-х годов явно несут отпечаток религиозного, духовного опыта. Вы тогда начали исповедовать какую-то определенную религию?

Нет, я никогда не исповедовал какую-то одну религию, однако я люблю посещать церкви, древние монументы. В мире растет религиозное сознание. Кто-то называет это New Age, который ребята с улицы считают невероятно скучным. Однако религиозность растет. Я имею в виду, что те люди, которые считают, что то, что мы можем видеть и потрогать на этой маленькой планете, – это и есть все, в чем заключается мироздание, эти люди – просто дураки. Я сам открыт для любых возможностей, и я могу сказать, что нет ничего невозможного. Когда ты исповедуешь именно такой взгляд на мир, ты пишешь самую лучшую музыку, на которую только способен. И тогда все работает на тебя. Природа состоит из невероятного, все эти растения, животные. Люди – это существа, в существование которых трудно поверить, невероятные существа! И тогда ты начинаешь реально понимать, в каком удивительном мире мы живем. Часто мы замыкаемся на своих ментальных проблемах, и мы не способны посмотреть вокруг и сказать себе: «У меня нет ничего, я – песчинка». Но если ты понимаешь, что мы живем в месте, гораздо более великом, нежели мы способны осознать, тогда все твои проблемы становятся мелкими и не столь значительными.

1 июня 1995 года. Вопросы задавал Gareth Randall.

Дискография

1973 Tubular Bells

1974 Hergest Ridge

1975 Ommadawn

1975 The Orchestral Tubular Bells

1976 Boxed 3CD

1978 Incantations

1979 Exposed 2CD

1979 Platinum

1980 Q.E. 2

1981 Episodes

1981 Live at Hannover 2CD [bootleg]

1981 Music Wonderland

1982 Five Miles Out

1983 Crises

1984 Discovery

1984 Moonlight Shadow [single]

1984 The Killing Fields

1985 The Complete 2CD

1987 Islands

1987 Islands [single]

1989 Earth Moving

1989 Earth Moving [single]

1989 Innocent [single]

1989 One Glance is Holy [single][with Adrian Belew]

1990 Amarok

1991 Gimme Back [single]

1991 Heaven's Open

1991 Heaven's Open [single]

1991 Moonlight Shadow [french version]

1991 Virgin Rarities 3CD

1992 Oldfield Versus the Orb - Sentinel - Total Overhaul

1992 Sentinel [single]

1992 Tattoo - Live at Edinburgh Castle EP

1992 Tattoo [single]

1992 The Bell - Sentinel-Restructure

1992 Tubular Bells II

1993 Elements - The Best of

1993 Elements 4CD

1993 In Dulci Jubilo - The Mike Oldfiled Christmas EP

1993 Moonlight Shadow [single]

1993 The Bell [remix]

1993 The Bell [single][European version]

1993 The Bell [single][German version]

1993 The Bell [single][Spanish version]

1993 The Bell [single][UK version]

1994 The Best of - Elements

1994 Hibernaculum 2CD

1994 Preview the Songs of Distant Earth

1994 The Songs of Distant Earth

1994 The Sorcerer [bootleg]

1995 Let There be Light [single][European version]

1995 Let There be Light [single][German version]

1995 Let There be Light [single][UK 3-track version]

1995 Lost in Space 2CD

1995 The Songs of Distant Earth [reissue]

1995 The Space Movie 2CD

1996 Mont St.Michel [promo CD]

1996 The Song of the Sun [promo CD]

1996 The Voyager [single]

1996 Voyager

1996 Women of Ireland [single]

1997 Women of Ireland [remixes]

1997 Women of Ireland [single]

1997 XXV The Essential

1998 Especial M80

1998 Far Above the Clouds [promo CD]

1998 Far Above the Clouds [remixes]

1998 Man in the Rain

1998 Man in the Rain [belgian version]

1998 Tubular Bells [Remastered 25th Anniversary Edition]

1998 Tubular Bells III

1999 Far Above the Clouds 2CD [remixes]

1999 Guitars

1999 Live in Barcelona 2CD [bootleg]

1999 The Millenium Bell

2000 Airborn

2000 Amarok - Tracks

2000 Tubular Bells Live Premiere

2001 The Best of Tubular Bells

2002 Collection 2CD

2002 Plasticos & Decibelios

2002 Thou Art in Heaven - The Remixes

2002 To be Free - The Remixes

2002 To be Free - The Remixes [spanish promo version]

2002 To be Free [single]

2002 Tr3s Lunas

2003 The Complete Tubular Bells 3CD

2003 Tubular Bells - Introduction [single]

2003 Tubular Bells 2003

2005 Light + Shade 2CD

2005 Surfing [single]

2006 Bonus Disc (Extended Version)

2006 New Times

2006 Seleccion M80

2006 The Platinum Collection 3CD

2007 Crises [Japan]

2007 Discovery [Japan]

2007 Five Miles Out [Japan]

2007 Tubular Bells - The Complete Original Studio Recording

2008 Music of the Spheres

2008 Spheres [singles]

2009 Tubular Bells

2009 Tubular Bells [The Ultimate Edition] 3CD

2009 Tubular Bells - Original & Best - The Bell is Back [promo CD]

2009 Tubular Bells 2CD [deluxe edition]

2009 Tubular Bells [bootleg]

2010 Hergest Ridge 2CD [deluxe edition]

2010 Hergest Ridge [single]

2010 Ommadawn

2010 Ommadawn 2CD [deluxe edition]

2011 Incantations 2CD [deluxe edition]

2011 Incantations [remaster]

2012 Platinum 2CD [deluxe edition]

2012 Platinum [remaster]

2012 QE2 2CD [deluxe edition]

2012 QE2 [remaster]

2012 Two Sides - The Very Best of 2CD

2013 Crises - 30th Anniversary 3CD [box set edition]

2013 Crises 2CD [deluxe edition]

2013 Crises 3CD [deluxe edition]

2013 Crises [remaster]

2013 Five Miles Out 2CD [deluxe edition]

2013 Moonlight Shadow - The Collection

2013 Tubular Beats

2013 Tubular Bells [mini LP]

2014 Man On the Rocks

2014 Man On the Rocks 3CD [deluxe edition]

2014 The Studio Albums 1992-2003 8CD

2015 The Best of - 1992-2003 2CD

2016 Discovery 2CD [deluxe edition]

2016 The Killing Fields [remaster]

Видеофильмы

1991 The Wind Chimes

Ссылки

http://www.mikeoldfield.org/ - Официальный сайт

http://www.oldfield.narod.ru/ - Русскоязычный сайт

Биография

Patrick родился 6 сентября 1954 года в Лос-Анджелесе. С детства он был погружен в таинственную и прекрасную атмосферу музыки, которую для него открыли родители – оба профессиональные музыканты. Поэтому с ранних лет поощрялось любое стремление Патрика к искусству. Он увлекся музыкой и учился играть на виолончели, скрипке и флейте. Его родители организовали небольшую джаз-группу, в которой позже в качестве басиста, работал и Patrick. Во многом благодаря этому он с раннего возраста выбрал для себя карьеру музыканта.

В середине 70-х годов, в Сан-Франциско, он начал играть в группе Frank'a Zappa. Вместе с ним Patrick проработал около двух лет. В начале 80-х уже состоявшийся басист и клавишник заинтересовался современной поп и рок музыкой и стал участником группы Missing Persons. O'Hearn совершенствовал свое умение и вскоре начал записываться с такими известными музыкантами, как: Dexter Gordon, Joe Henderson, Charles Lloyd, Carlos Santana, Ravi Shankar и Rod Stewart. Еще одним человеком, с которым Patrick тесно сотрудничал, был Mark Isham. Вместе с ним и с Peter'ом Maunu они создали группу Group 87.  Затем его друг Peter Baumann, хорошо известный своей работой с Tangerine Dream, сделал Patrick'y O'Hearn'y предложение, от которого тот не смог отказаться. У Baumann'a была задумка организовать звукозаписывающую студию, где он хотел заняться записью современной электронной музыки. Он предложил Patrick'у записать совместный проект. Проект оказался весьма успешным и принес Patrick'у популярность. На студии было записано множество альбомов, а громкий успех Ancient Dreams фактически положил начало сольной карьере музыканта. Его альбомы привлекают внимание, занимают высокие места в Billboard's New Age Albums chart.

Завоевав признание и известность на западном побережье, Patrick O'Hearn переехал в Атланту, а позже в городскую часть Северной Каролины. Примерно в это время Patrick заинтересовался такими направлениями в музыке, как нью-эйдж, эмбиент и электроника. Вместе с географическими переменами происходят и перемены в его музыкальном стиле. Записи в его специально сконструированной домашней студии теперь ведутся с использованием современных технологий. О своеобразных технических аспектах и необычном звучании его композиций часто рассказывается в различных интервью, например в журнале EQ. Patrick O'Hearn пишет много композиций для фильмов и телепередач. Его работы достойны самых высоких похвал, недаром же он дважды удостаивался премии Grammy. Талантливый исполнитель и композитор, он постоянно находит новое звучание своих композиций, изобретает необычные музыкальные решения. Музыка Патрика не поддается четкому описанию и характеристике, как музыка многих его современников. Высокое качество звучание, особенный стиль и своеобразная манера исполнения – возможно, такая характеристика будет хотя бы частично соответствовать истинному положению вещей.

Дискография

1985 Ancient Dreams

1987 Between Two Worlds

1988 Rivers Gonna Rise

1989 Eldorado

1990 Mix Up

1991 Indigo

1992 The Private Music of

1992 White Sands

1995 Trust

1996 Crying Freeman

1996 Metaphor

1997 Retrospective

1999 Alien Cargo Score

2000 So Flows the Current

2003 Beautiful World

2005 Slow Time

2006 Simpatico

2006 The So Flows Sessions

2007 Glaciation

2011 Transitions

Ссылки

http://www.patrickohearn.com/ - Официальный сайт

Биография

Что же особенного в этой темнокожей женщине, приехавшей покорять Европу из далеких африканских лесов? Может, ее какой-то бездонный, колдовской голос, в котором свет и тень, радость и неизбывная грусть, женственность и могучая сила. За ним чувствуется человек, который прошел через жесточайшие испытания, но не только выстоял, а вырос и расцвел. История жизни Хадьи Нин полна драматизма и невероятных приключений, о ней можно написать целый роман. Мы же довольствуемся скупым рассказом об этой удивительной женщине. Родилась Хадья в маленьком африканском государстве Бурунди, что зажато между двумя гигантами – Заиром и Танзанией. У нее семь братьев и сестер. С детства Хадья очень любила петь, но музыка была для нее скорее развлечением, она не думала связывать свою жизнь с ней. После того как ей исполнилось 16 лет, Хадья отправилась продолжать свою учебу в соседний Заир, где через год вышла замуж.

Вскоре они с мужем поселились в лесу, где жили и владели сетью маленьких домиков, в которых останавливались на ночлег приехавшие в поисках приключений туристы. Казалась, наступила идиллия, все было хорошо, у Хадьи родился сын и девушка перестала думать о музыке вовсе. Так продолжалось недолго, в 1980 году они отправились в Европу и в жизни Хадьи наступил поистине черный период. Сначала умерли ее близкие родственники, а затем, внезапно, и муж. И девушка осталась в чужой Европе, где никого не знала, с маленьким ребенком на руках, практически без средств к существованию. Она работала на самых черных, низкооплачиваемых местах просто для того, чтобы как-то выжить. Но в 1985 году все опять внезапно изменилось. Хадья встретила талантливого музыканта Николаса Физмана (Nicolas Fiszman), и эта встреча стала новым поворотным пунктом в ее судьбе. Музыка вновь вошла в ее жизнь, а Николас стал для нее не только возлюбленным, но и партнером, аранжировщиком и продюсером. Они стали работать вместе, и потихонечку жизнь стала налаживаться.

В 1991 году музыканты подписали выгодный контракт с BMG и выпустили дебютный альбом Хадьи, который представлял собой необычную смесь африканских и европейских мелодий. Причем, надо сказать, что тогда этническая музыка не пользовалась такой популярностью, как сейчас, и в том, что сейчас эта музыка так известна и постоянно «гостит» на верхних строчках хит-парадов, большая заслуга двух подвижников – Хадьи и Николаса. Дебютный диск был признан критиками, имел даже кое-какой финансовый успех, и это придало музыкантам уверенности в своих силах. Причем они были не только партнерами и возлюбленными, каждый стал как бы частью другого. «Николас – это Нин для Хадьи Нин», – так говорила об их совместном творчестве Хадья. Затем последовали новые записи. С выходом второго альбома Ya Pili Хадья начала активно гастролировать. Это был для нее хороший способ, представить свои песни широкой аудитории и приобрести еще большую уверенность в своих силах.

Настоящая же известность пришла к Хадье после выхода ее третьего диска Sambolera. Интересно, что клип, записанный на одну из песен альбома, называвшаяся также как и сам диск Sambolera, взялся раскручивать ведущий французский телеканал TF1, решивший сделать своей визитной карточкой нетрадиционную этническую музыку. Этот выбор был рисковым, но он оправдал себя. Летом 1996 года песня Хадьи появлялась в эфире телеканала несколько раз в день. И альбом Sambolera стал так популярен в Европе, что его тираж перевалил за 420000 экземпляров, а исполнительница стала знаменитой по всему Старому Свету. Но популярность ничего не меняла, песни Хадьи были все также искренни, а исполнение завораживающим и необычным.

И вот новый, поистине гигантский шаг в творчестве исполнительницы: в конце осени 1998 года вышел новый, четвертый по счету альбом YA..., где продюсером и аранжировщиком выступил опять мультиинструменталист Николас Физман. На сей раз для записи альбома музыканты уединились в небольшом домике в живописном местечке близ Южного Лондона, где развернули небольшую мобильную студию. Там они могли полностью посвятить себя творчеству и пригласить поучаствовать в записи своих друзей, таких, как например, интересную исполнительницу Маврини (Muvrini) с Корсики, на одном из африканских языков спевшую вместе с Хадьей знаменитую композицию Sailing. Сам же альбом получился очень эмоциональным и каким-то особенно обнаженным. В нем отразился весь нелегкий жизненный опыт Хадьи и осталась большая часть ее души.

Для нее самой новый альбом стал еще одним поворотным пунктом, который лучше всего характеризуют слова самой Хадьи Нин: «YA... отражает большие изменения, произошедшие в моей жизни. Первые двадцать лет были прекрасны, они навсегда останутся в моей памяти. Пришедшие им на смену двадцать лет были очень жестоки, я теряла близких людей, тяжелые времена и одиночество с маленьким сыном на руках, которого надо было вырастить, преследовали меня. Я надеюсь, что следующие двадцать лет будут годами моего нового рождения, дадут мне новую свободу. С этой записью я как бы сбросила свою старую кожу и одела новую. Я отношусь к своему прошлому с уважением, но уже, без всякого сомнения, я освободилась от своих траурных одежд».

И в этих высказываниях нет печали и жалоб, а есть лишь взгляд на жизнь такую, какая она есть. Хадью Нин отличает удивительная скромность. Она сдержанно относится к своему творчеству, считая, что музыка пришла к ней уже в зрелом возрасте, скорее случайно, как подарок Бога, дарованный ей после тяжелых испытаний. И теперь она может полностью посвятить себя творчеству. Если где-то по радио или еще где вы услышите вдруг необычно глубокий, завораживающий женский голос, поющий на непонятном африканском наречии знаменитую песню Стинга Damu Ya Salam (в оригинале Russians), знайте, что это Хадья Нин. В ее творчестве есть что–то от задумчивой мелодичности и меланхолии Стинга, но при этом Хадью Нин не спутаешь, ни с чем. Она уникальна и всегда неожиданна. Вот так из голой, иссушенной земли вырос прекрасный цветок, имя которому Хадья Нин, без коей современная мировая этническая музыка просто немыслима!

Дискография

1992 Khadja Nin

1995 Ya Pili...

1996 Sambolera

1998 Ya...

Ссылки

http://www.khadja-nin.com – Официальный сайт

Биография

Мишель Хайген (на сегодняшний день единственный участник проекта Neuronium) родился в 1955 году в Бельгии, но с 1963 года его дом – Испания. Он музыкант с мировым именем, и отклики на свои работы он получает со всех концов света. Но зачастую признание слушателей вызывает у композитора странное чувство, в котором смешались удовлетворение и грусть, признательность и разочарование.

Дело в том, что для многих поклонников творческий путь Neuronium начался в 1991 году с появлением на свет альбома Sybaris, невероятно эффектного и красочного благодаря великолепной гитаре Санти Пико (Santi Pico). Вне поля зрения слушателей, ведущих отсчет творчества Neuronium с этой пластинки, остались семнадцать предыдущих альбомов проекта, и им неведома эволюция, которую претерпел коллектив с момента своего возникновения. История Neuronium берет начало в 1976 году. Это была группа из трех участников – Мишеля Хайгена, Карлоса Гуирайо (Carlos Guirao) и Альберта Гименеса (Albert Gimenez). История выпуска первого альбома Neuronium кажется фантастически неправдоподобной. Как подавляющее большинство начинающих музыкантов, команда Neuronium не обладала достаточными средствами для того, чтобы обзавестись собственной студией. Поэтому, захватив подготовленный материал, участники коллектива направились на профессиональную студию. Полтора часа потребовалось им, чтобы записать свой дебютный альбом Quasar 2С361, который Мишель Хайген отнес в барселонское отделение звукозаписывающего гиганта EMI International. Музыка Neuronium звучала непривычно, но это не помешало менеджеру компании принять решение, которое стало для Neuronium эпохальным. Музыкантам был предложен контракт и тут же выплачен завидный аванс. Примечательно, что все эти события произошли в течение одних суток. Первая ступенька была преодолена достаточно легко, все предвещало Neuronium успех и стабильность под крылом EMI. Однако следующий, 1978 год, принес группе серьезные перемены. Почувствовав большую уверенность после благосклонного приема первого альбома и не желая заниматься творчеством со связанными руками, Мишель, заплатив положенную сумму, расторг контракт с ЕМI. Однако это решение не было единогласным, и Альберт Гименес, гитарист Neuronium, покидает группу. Трио трансформировалось в дуэт, и в 1978 году был выпущен альбом Vuelo QuTmico, совместное детище Хайгена и Гуирайо.

В таком составе коллектив просуществовал до 1982 года. Будущее Neuronium по-разному виделось музыкантам. Клавишник Карлос Гуирайо считал, что для полноценного развития в музыку Neuronium необходимо добавить элементы поп-музыки. Мишель Хайген выступал категорически против любого «опрощения» стиля коллектива. Позиции были настолько принципиальны, что найти «золотую середину» не представлялось возможным. Chronium Echoes, выпущенный в 1982 году, стал последним альбомом, в создании которого принимали участие оба музыканта. С уходом Гуирайо Neuronium приобрел статус сольного проекта Мишеля Хайгена. Заметным событием в жизни Мишеля стало его назначение (произведенное самой королевой) на пост главы Департамента Электронной Музыки при центре королевы Софии в Мадриде. Это назначение состоялось в 1986 году и знаменовало переход композитора на более высокую ступеньку признания. Поэтому нет ничего удивительного в том, что открытие в 1987 году грандиозного мадридского Планетария было отмечено серией из шести концертов Хайгена, прошедших с аншлагами. Серьезные изменения претерпел не только состав, но и стилистика Neuronium: прогрессивный рок начального периода сменился более зрелым и индивидуально окрашенным new age, ярчайшим образцом которого стал выпущенный в 1993 году двойной альбом Oniria. Онирия (название произошло от древнегреческого слова oneiros, что значит сны) – это параллельный мир, придуманный Мишелем Хайгеном и воплощенный в визуальных образах художником Томасом Гилсансом (Tomas C. Gilsanz). Хайген представляет этот мир как «место, где вероисповедание, язык и раса не имеют значения» и где отсутствуют физические границы. Онирия не попытка убежать от реальности, это способ, изобретенный композитором, спроецировать гармонию и справедливость вымышленного мира на мир земной, сгладить изъяны реальности. Онирия – это апология человеческого существования и каркас, на котором держится творчество Neuronium. Альбом с таким названием стал своеобразным манифестом Мишеля, его символом веры: «Моя истинная религия и вера заключены в особом бытии, которое возникло в иной части Космоса, в магическом месте, где правит только одна энергия: теплая энергия, которую излучает любовь, неиссякаемый источник, приводящий в движение всю мою жизнь». New age стал идеальным материалом, позволившим передать этот своеобразный символ веры во всем объеме. XX век начался неистовым протестом и бунтом, закончился всеобщей апатией и усталостью, с которыми человечество пришло в век XXI. Два разнополярных состояния – подъема духа и умиротворения – оказались наиболее дефицитными в наше время. New age – возможность вернуть последнее. Назвать new age стилем музыки – все равно, что назвать минеральную воду лекарством. Человек на 70% состоит из воды, минеральная вода лишь вносит свежие элементы в его организм, активизирующие и приводящие в норму различные биологические процессы. Так и new age лишь добавляет нюансы в мироощущения слушателей, но именно эти нюансы и привносят новое в душевное состояние человека.

Эмоция всегда имеет знак, она может быть положительной или отрицательной, контролируемой или произвольной, деструктивной или созидательной. Созерцание – выше всего этого. Созерцание как деятельная форма умиротворения ведет к упорядочению того, что было вызвано к жизни эмоциями. New age – музыкальная форма такого созерцания. Это возможность абстрагироваться от глобальной урбанизации, разъединяющей людей, расщепляющей мир на отдельные закрытые ячейки. Единственная субстанция, в чьих силах преодолеть барьеры, – это звук. Единственная звуковая целостность, которая может вернуть людям способность дышать во всю силу легких, широко открыть глаза и стряхнуть с себя пыль современной цивилизации – это new age. Люди, творящие new age, не умещаются в определение «музыкант», и для них тесна категория «композиторы». Это – современные целители, которые не столько предлагают чудодейственное лекарство от усталости, боли, дисгармонии, сколько помогают людям найти внутренние резервы, задействовать источники, дремлющие в их душах. Музыка new age – своеобразный магнит, который способен вытянуть на поверхность и собрать воедино разрозненные крупицы вечности даже из самой потерянной, замкнутой, хаотичной личности. Постоянство, сосредоточенность, несуетливость – фундаментальные качества new age – отличают музыку Neuronium, которая рождается как результат работы мысли, неограниченной размерами планеты. А спокойствие этой музыки – это спокойствие философа-пилигрима, жизнелюба и мудреца, пропустившего накопленные впечатления и опыт через призму веры и разгадавшего высший смысл существования.

Мишель Хайген всегда стремился делать то, что нравится. Свобода во всем – в определении стилистики музыки, в выборе направлений деятельности, в использовании инструментов и аппаратуры – стала своеобразным знаменем композитора, его творческим и жизненным кредо. И расторжение контракта с EMI не каприз, не легкомысленная игра с судьбой, как могло бы показаться, для Мишеля это был абсолютно естественный шаг. EMI дала Neuronium путевку в жизнь, но эту жизнь проект должен был прожить по своим правилам, таково было желание композитора и основное условие полноценного творчества. После того как Neuronium остался без покровительства большой студии, перед Мишелем возникла дилемма: тратить баснословные деньги на запись в коммерческих студиях или обзавестись собственной. Почасовая оплата в коммерческих студиях неизбежно препятствовала полной свободе творческого поиска. Пытаясь избавиться от диктата денег, а значит и времени, в декабре 1984 года Мишель Хайген становится владельцем собственной студии. В ее стенах у него появилась возможность предаваться магии творчества, не думая о стремительно пролетающих часах. В этой студии с самого момента ее основания поселился дух непосредственности, независимости и дружелюбия. Студия Neuronium Records – место, где в основном создается музыка ее хозяина, но двери ее всегда открыты для друзей Мишеля и к их услугам все многообразие ее технических возможностей.

Свобода Хайгена не означает, однако, изоляцию, он охотно сотрудничает с другими композиторами. 1981 год был отмечен появлением Мишеля на центральном телеканале Испании в программе Musical Express, посвященной электронной музыке. Для него это был интересный опыт совместного творчества, ведь вместе с ним в шоу участвовали такие музыканты, как Вангелис и лидер Ashra Мануэль Геттшинг (Manuel Gottsching). В дальнейшем Мишель Хайген продолжал заниматься совместными проектами, выпустил ряд компакт-дисков, на которых его имя соседствует с именами таких исполнителей, как Клаус Шульце, Стив Роуч, Крис Франке. В 1996 году свет увидел альбом A Separate Affair – плод совместного творчества Мишеля Хайгена и Вангелиса, являющийся одним из ярчайших творений new age и блестящим примером содружества двух самобытных талантов. Важной и неповторимой страницей истории Neuronium без преувеличения можно назвать гитариста Санти Пико, ведь благодаря его творчеству стало возможным рождение таких великолепных, нежных и волнующих альбомов, как Digital Dream, Alienikon, Invisible Views. Каждый из них имеет сотни граней и тончайших нюансов, каждый из них сохраняет свою целостность и уникальность за счет заложенных в них двух главнейших элементов, двух дарований – Хайгена и Пико. Интерес к внеземным цивилизациям свел Мишеля с известным испанским уфологом Хименесом Дель Осо (Jimеnez Del Oso). Исследованию загадочных, паранормальных явлений была посвящена программа профессора Дель Осо, выходившая в семидесятые на испанском телевидении. Музыка Хайгена как нельзя лучше подходила для звукового оформления этой программы, окружала еще большим ореолом таинственности события и явления, о которых шла речь, и в то же время добавляла им элемент реалистичности. Итогом этого сотрудничества стали два альбома Olim и En busca del misterio. Однако Хайген и Дель Осо не ограничились рамками телепрограммы. В 1996 году вышел альбом Astralia (от слова «астральный», а не «Австралия»), в котором композитор и ученый предстали как соавторы. Эта пластинка стала линией пересечения двух равновеликих плоскостей – речи и музыки. Текст, написанный и произносимый профессором, накладывается на великолепие музыкального фона и оказывает ошеломляющее воздействие даже на слушателей, не владеющих испанским языком.

Посредницей между жизнью ума и жизнью чувств считал музыку Бетховен. Творчество Neuronium – блестящее доказательство этой аксиомы и само название группы не что иное, как попытка в одном слове передать взаимосвязь интеллекта и музыки. Нейрон (neuron) – основная единица нервной системы, нервная клетка, принимающая внешние сигналы, которая перерабатывает их в виде импульсов, а затем передает к нервным окончаниям. Латинский суффикс «иум» придал названию оттенок научности и серьезности. Neuronium – личное изобретение Мишеля Хайгена, поэтому ни один словарь не даст определения этому понятию. Окружающий мир преломляется, словно в кристалле, в мышлении композитора, обогащается новыми оттенками и является слушателям преображенным. Так можно передать смысл названия и природу творчества Neuronium. Среди широкой публики бытует понимание new age как стиля невыразительного, усыпляющего, а то и просто скучного. При таком подходе нелепой кажется мысль о наличии отличительных черт в музыке разных композиторов, работающих в стиле new age. Конечно, это мнение ничего общего с действительностью не имеет. Каждый ищущий композитор, следующий в музыке собственным путем, имеет свой неповторимый почерк. Однако Neuronium отличается не только почерком, но (продолжая ассоциативный ряд) самим методом письма. Когда бы ни шла речь о музыке Neuronium, Мишель Хайген обязательно отмечает ее психотронный характер. Нередко звучные метафоры и расплывчатые определения имеют своей единственной целью повысить интерес аудитории к собственной персоне и продуктам своего творчества, однако в данном случае слово «психотронный» использовано не в переносном, а в прямом значении.

Психотроника – это наука, смысл которой в установлении равновесия тела и души, ведущего к появлению только положительной энергии и приятных ощущений. Эту концепцию развивает Мишель в каждом своем творении и ее выносит в эпиграфы к своим работам. Психотронной музыку Neuronium делает не фантазия композитора, как могло бы показаться, а уникальный прибор, изобретенный им. Мишель не раскрывает до конца механизм действия и устройство этого прибора, лишь приоткрывая завесу тайны. Этот прибор, так называемая психотронная система, сделанная на заказ в единственном экземпляре, воздействует на подсознание посредством альфа-волн и применяется при сведении музыкального материала. Это действительно авторская разработка, и не одна крупная звукозаписывающая компания в Испании стремится воспользоваться ноу-хау композитора: к нему неоднократно обращались представители других студий, но их старания ни разу не увенчались успехом. Как истинный художник Мишель Хайген ревностно относится к своим находкам и оберегает их от тиражирования. Альбом Psykia стал, пожалуй, наиболее совершенным образцом психотронной музыки и уже занял достойное место в коллекциях ценителей new age. Кинематограф со времени своего зарождения подарил миру сотни тысяч оригинальных саундтреков, и киномузыка уже выделилась в отдельную область. Снисходительно-пренебрежительное отношение к киномузыке неоправданно и непростительно. Саундтрек, как и любая сфера деятельности человека, может быть ремеслом, а может быть искусством. Искусство саундтрека сродни искусству пейзажа: звуковая ткань может в точности передать образы и события картины, может воссоздать атмосферу фильма, а может весь фильм объять собой, точно космос планету. Саундтреки Хайгена как раз относятся к последним, индивидуальность композитора не растушевывается, повинуясь воле режиссера, и в то же время не устанавливает собственную диктатуру. Его саундтреки оттеняют изобразительный ряд, придают ему силуэт и рельефность. Звук и изображение равноправны, как черные и белые клетки равноправны на шахматной доске. Умение не прятаться за изображением и вместе с тем не стремиться занять доминирующую роль в творческом процессе – это и есть важнейшая черта мастера. Музыка же, написанная к фильму таким композитором, безусловно, произведение искусства, а не продукт ремесла.

В ранний период своего творчества Мишель Хайген использовал сэмплеры, но позже его отношение к ним кардинально изменилось, они перестали его интересовать, и в девяностые годы он вступил, уже окончательно распрощавшись с сэмплерами. Однако продюсеры телевизионных и кинофильмов в большинстве своем не разделяют позиции композитора, – залогом высокого качества они привыкли считать именно использование сэмплеров при написании саундтреков. Кино и телеиндустрия – сферы, в которых Мишель работает на протяжении многих лет, и оставлять их он не собирается. Ему удалось найти компромисс, точнее, придумать маленькую хитрость во избежание пустых трений и ненужного сопротивления. Сэмплер стоит в его студии на видном месте как доказательство уверений композитора в том, что этот прибор был использован при создании саундтрека. Эти слова и вид сэмплера вселяют спокойствие в сердца кинодеятелей. Любой положительный эффект, как известно, достигается не столько благодаря какому-то чудодейственному средству или приему, сколько путем веры. И волки сыты и овцы целы, недовольных нет ни среди заказчиков, ни среди зрителей и слушателей. Киномузыка стала для Мишеля Хайгена одним из постоянных источников дохода, и особенно это относится к альбому Barcelona 1992. На пластинке представлена музыка, написанная им к триллеру Olimpicamente (Олимпийская смерть), сюжет которого развивается вокруг Олимпиады в Барселоне в 1992 году. На дворе стоял 1986 год, поэтому иначе как «фантазией на тему» назвать этот фильм нельзя. Авторы картины предвосхитили это событие, точно спрогнозировав год, когда их фантазия частично превратится в реальность, когда в Барселоне состоятся Олимпийские игры, когда придет время получать дивиденды. В этом смысле Хайген оказался сметливее и удачливее создателей фильма, ведь свой саундтрек он назвал Barcelona 1992, став, таким образом, обладателем эксклюзивных авторских прав на это словосочетание. Переиздание этого альбома на компакт-диске было приурочено к Олимпиаде, и хотя творение Хайгена не стало официальной музыкой этого спортивного празднества, всего за две недели в Испании был распродан весь тираж. Однако и Международный Олимпийский Комитет не обошел вниманием творчество Neuronium и обратился к Мишелю за разрешением использовать заглавную композицию альбома в качестве темы для видеофильма об Олимпиаде в Барселоне, предназначенного для распространения по всему миру.

Но не финансовая сторона является определяющей для Мишеля Хайгена, когда он берется за работу над очередным саундтреком. Что же именно так привлекает его в работе над киномузыкой? Для него работа над фильмом – неиссякаемый источник идей, область, стимулирующая работу ума и воображения. Музыка Neuronium, рожденная мыслью и вызывающая на размышления, никогда не появилась бы на свет, если бы не существовало родников, питающих интеллект композитора, будоражащих его воображение, дающих толчок развитию новых идей. Поэтому Мишель посвящает значительную часть своего времени созданию саундтреков, и год за годом его имя появляется в титрах новых кино- и телефильмов. Кино – не единственный источник творчества Neuronium. Из чего же рождаются превосходные мелодии композиций Neuronium? Откуда берется настроение, наполняющее каждое отдельно взятое произведение? Что служит посылом к творчеству для Мишеля Хайгена? Есть кино – кладезь идей, тем и образов. Но не оно только питает Neuronium. 1993 год стал для Мишеля годом невосполнимых потерь. Один за одним из жизни ушли три его лучших друга. Смерть принесла им освобождение от чудовищных страданий. Рак и СПИД стали изощренными убийцами этих людей. Безусловно, такое потрясение не могло пройти бесследно для самого Мишеля и его творчества. На выручку композитору пришла глубокая вера в то, что человеческое бытие не ограничено размерами земной жизни и все в мире подчинено особому высшему смыслу. Квинтэссенцией такого мировоззрения, пропущенной через художественный опыт, стал альбом Infinito. В результате отрицательный элемент – человеческая трагедия – изменил свой знак с минуса на плюс, растворясь в творчестве Мишеля Хайгена. Музыка этого альбома не реквием и не тяжелый похоронный туш, она светла, лучезарна, одухотворенна. Как говорит сам композитор: «Infinito – ни в коем случае не печальный альбом, это альбом откровение...»

Hydro, вышедший в 2000 году, был навеян водной стихией. Дожди, водопады, реки, океаны наполняют собой любое пространство, в котором звучит музыка с этого альбома. Мелодии искрятся и переливаются всеми цветами радуги, словно брызги на солнце, летящие врассыпную, и дарят слушателям долгожданную свежесть и блаженную негу. Примечательно, что альбом Hydro – творение Мишеля Хайгена от начала до конца: и женский вокал, и плеск воды, и малейшая звуковая деталь имеют не «живое» и не сэмплерное происхождение, а созданы самим композитором, его техническим мастерством и талантом. «Счастье, печаль, закат, восход – все вдохновляет меня», – говорит Мишель Хайген, и его работы служат подтверждением этим словам. Но что бы ни ложилось в основу того или иного произведения, неизменной остается конечная цель композитора – стимулировать воображение слушателей. Это – цель, которой подчинено все творчество Neuronium. Она, как вершина горы, добраться до которой можно с разных сторон, разными маршрутами, и каждое новое творение испанца – это один из таких неповторимых маршрутов, всегда захватывающих и живописных. «Фантазия, лишенная разума, рождает чудовищ; соединенная с ним, она – мать искусства и источник его чудес», – говорил испанец Франсиско Гойя. Его соотечественник Мишель Хайген связал воедино фантазию и разум, в результате чего родилось чудо под названием Neuronium Мишель Хайген – невероятно плодовитый композитор. На протяжении вот уже 26 лет с интервалом в 2-3 года, а то и каждый год подряд, он выпускает новые альбомы. В настоящее время Мишель продолжает активно записывать диски, принимать участие в различных совместных проектах, работать над киномузыкой, давать концерты.

Дискография

1977 Quasar 2c361

1978 Vuelo Qumico

1979 London, 1979 [bootleg] [with Vangelis]

1980 Digital Dream

1980 The New Digital Dream

1981 Chromium Echoes

1981 The New Visitor

1983 Invisible Views

1984 Heritage

1987 Alma

1987 Supranatural

1988 From Madrid to Heaven

1989 Numerica

1990 Olim

1991 Extrisimo

1991 Sybaris

1993 Oniria 2CD

1996 A Separate Affair [with Vangelis]

1997 Psykya

1999 Alienikon

2000 Caldea Music

2002 Azizi

2004 Hydro

2005 Mystykatea

2006 Synapsia

2009 Nihilophobia

2010 Etykagnostyka

2011 Hydro 2 - The Deep End

2012 Exo Somnia

2014 Nocny Lot - Live in Poland

Michel Huygen

1982 Absence of Reality

1984 Capturing Holograms

1986 Barcelona 1992

1989 Elixir

1990 Intimo

1991 En Busca Del Misterio

1994 Infinito

1994 Musica para la Buena Mesa

1995 Astralia

1997 Sonar

1999 UltraCosmos

2000 Directo al Corazon

2002 Placebo

2003 Soplo Vital

2004 Sensorial 2CD

2006 Angkor - Extreme Meditation vol. 1

2007 Irawadi - Extreme Meditation vol. 2

2010 NeuroHysterya

2010 Zen Driving

Ссылки

http://www.neuronium.com/ -Официальный сайт

Биография

Если большинство музыкантов, работающих в жанре современной электронной музыки, можно сравнить с островами в бескрайних просторах вселенной звука, то Pete "Namlook" Kuhlmann - это целый континент. Плодовитый композитор, который в течение вот уже семи лет неуклонно выстраивает целую индустрию вокруг своего франкфуртского лейбла Fax, теснейшими узами связан с пострэйвовым возрождением эмбиентной музыки, а множество его соло-проектов и совместных работ с такими музыкантами, как Mixmaster Morris, Tetsu Inoue, Klaus Schulze, Bill Laswell, Richie Hawtin, Geir Jenssen, Dr. Atmo, Burhan Ocal, Atom Heart, Jonah Sharp, Charles Edwards и David Moufang, являются, пожалуй, наиболее значимыми и важными в мире new-Ambient.

Свою творческую карьеру Намлук начал с издания квази-нью-эйджа (как ROMANTIC WARRIOR) и хард-трэнса (как SEQUENTIAL, 4VOICE, Escape, DELTRAXX). Однако вскоре его интересы перенеслись в смежную область, после чего он и его лейбл у большинства поклонников спокойной и экспериментальной электронной музыки стали ассоциироваться с понятием new-Ambient, а собственный лейбл Намлука Fax практически сразу после его формирования в 1992 году стал делать акцент непосредственно на музыку данной стилистики.

Так или иначе, именно Fax помог придать соответствующую форму эмбиентной музыке новой волны, музыкантам, работающим здесь и дающим лейблу возможность существовать посредством издания их музыки, - позволил экспериментировать безо всяких ограничений (структура лейбла выстроена так, что именно музыканты получают большую часть прибыли от издания и продажи их музыки). Бесчисленное количество релизов Fax, особенно те, которые датируются 93-94 годами, считаются классикой современного электронного эмбиента, и хотя в последние годы музыканты Fax начинают несколько повторять самих себя, все равно он остается одним из наиболее видных и значимых немецких электронных лейблов.

Намлука часто критикуют за то, что он выбрал для Fax принцип "приближения качества к количеству", ведь по плану лейбл издает по CD в неделю (что длится уже более года), а на сегодняшний день эта цифра составляет 24 работы в год (многие из которых - собственные творения Намлука). Однако сохранение такого темпа достигается еще и благодаря творческой поддержке большого количества более молодых и не менее плодовитых последователей, что позволяет Fax издавать все больше новой и интересной музыки.

Уже сегодня проделанная Fax работа является воистину титанической. Многие лейблы мечтали бы о таком количестве релизов. Fax издано уже около 250 полноформатных CD, огромное количество виниловых синглов и EP, а также несколько компиляций (включая объемную серию "Ambient Cookbook", состоящую из 4 CD и являющуюся наилучшим представлением того, чем занимается Fax). Также создано четыре Fax-ориентированных лейбла и два дочерних лейбла (Rather Interesting под руководством Atom Heart и Headphone под руководством Bobby Bird из HIGHER INTELLIGENCE AGENCY). Некоторые релизы Fax были приобретены для переиздания такими гигантами современной электронной индустрии, как R&S, Music Man, Rising High, Instinct и Injection. С дистрибьюторами на трех континентах и маленькой вселенной веб-сайтов, созданных для обзора, продажи и накопления творний Fax, лейбл и его хозяин давным давно перестали быть феноменом и перешли в качественно иную фазу - законодателей в своей нише.

С точки зрения же музыки творчество Намлука узнаваемо по его синтезаторным звуковым пейзажам, схожим по духу с творениями Klaus Schulze и Hans Jochim Roedelius и совмещающими их гулкий космический саунд с этническими инструментовками, сэмплами природных шумов (дождь, различные голоса, прибывающие и отбывающие поезда и т.д.), эклектичными электронными эффектами и минималистичными акустическими или электронными ритмами (джангл-, техно-, электро- или трэнс-ориентированными). Впрочем, выбор всех этих аспектов часто ложится и на плечи многочисленных коллабораторов, причем многие отмечают, что совместные работы Намлука иногда даже превосходят его сольные.

Sultan Osman В Турции есть замечательный перкуссионист Burhan Ocal родившийся в семье музыкантов под Истанбулом в Киркларели и начавший свой творческий путь с шести лет. Burhan Ocal считается одним из лучших перкуссионистов Турции. В совершенстве владеет игрой на дарбуке, давуле, бендире, косе и другой перкуссии. Помимо этого играет на многих щипковых экзотических инструментах, таких как баглама, танбур и уд. Участвовал в совместных проектах с такими людьми, как Joe Zawinul, Trilok Gurtu, Bobby Watson и многими другими известными музыкантами. Второго персонажа этого альбома, немецкого продюсера, музыканта, композитора и владельца компании Fax Records – Пита Нэмлука (Pete Namlook), я думаю представлять особо не надо и многие любители Ambient знают эту уже ставшую культовой фигуру в современной электронной музыке. Альбом Sultan Osman впервые был выпущен в 1999 году как раз на лейбле FAX Records с несколько иным оформлением (картинка в начале текста) и лишь спустя 3 года переиздан на Universal Music в великолепном глянцевом Digipak издании. Работа весьма концептуальная, хотя и не целостная – есть треки, где Нэмлук играет основную роль, а есть треки где слышно только перкуссионные навороты Burhan Ocal.

Дискография

1992 Baretta

1992 Pulsation

1992 Sequential 2

1992 Silence [with Dr. Amo]

1992 Synsyl

1992 Synthadelic 3

1993 4 Voice 1 [with Maik Maurice]

1993 2350 Broadway 2CD [with Tetsu Inoue]

1993 Air 1 - You

1993 Alien Community 1 [with Johan Sharp]

1993 Crypt Corp. 3

1993 Crypt Corp. 4

1993 Crypt Corp. 5

1993 Deltraxx 3

1993 Deltraxx 4

1993 Deltraxx [with DJ Criss]

1993 Eq Tips Between The Mixes

1993 Escape 3

1993 Escape 4

1993 Fires of Ork [with Geir Jenssen]

1993 Hearts of Spase [with Pascal F.E.O.S.]

1993 Hearts of Space - with A Medium Into Trance

1993 Hemisphere [with Steve Stoll]

1993 Limelight [with DJ Brainwave]

1993 Merger - 1st Launch

1993 Minimalistic Source 3

1993 Namlook 1

1993 Namlook 2

1993 Olympic 4

1993 Oversize Pussy 3

1993 Oversize Pussy 4

1993 Passion [with Jurgen Rehberg]

1993 Sequential 4

1993 Sequental [with DJ Criss]

1993 Sextant 4

1993 Shades of Orion [with Tetsu Inoue]

1993 Silence 2 [with Dr. Atmo]

1993 Syn 3

1993 Synsyl 2

1994 2350 Broadway 2 2CD [with Tetsu Inoue]

1994 Air 2 Travelling Without Moving

1994 Alien Community 2 [with Johan Sharp]

1994 A New Consciousness [with Charles Uzzell Edwards]

1994 A New Consciousness 2 [with Charles Uzzell Edwards]

1994 Create 1 [with Charles Uzzell-Edwards]

1994 Definitive Ambien Collection vol. 2 [compilation]

1994 Escape 2CD [with Dr. Atmo]

1994 Music for Ballet

1994 Namlook 3 Aliens In My Suitcase

1994 Namlook 4

1994 Namlook 5

1994 Namlook 6

1994 Namlook 7 - Subharmonic Interference

1994 Namlook 8 - Blow the Fuse

1994 Namlook 9 - The Gate to the Milky Way

1994 Outland 1 [with Bill Laswell]

1994 Seasons Greeting - Autumm

1994 Seasons Greetings - Winter

1994 Shades of Orion 2 [with Tetsu Inoue]

1994 Silence 1+2 2CD [with Dr Atmo]

1994 Syn 2CD

1994 Wandering Soul [with Alban Gerhardt]

1994 Wechselspannung 1

1995 62 Eulengasse [with Tetsu Inoue]

1995 Dreamfish [with Mixmaster Morris]

1995 Dreamfish 2 [with Mixmaster Morris]

1995 Jet Chamber [with Atom Heart]

1995 Kooler [with Robert Sattler]

1995 Koolfang - Gig In The Sky [with David Moufang]

1995 Koolfang 2 - Jambient [with David Moufang]

1995 Namlook 10

1995 Psychonavigation 2 [with Bill Laswell]

1995 Seasons Greetings - Spring

1995 Seasons Greetings - Summer

1995 The Putney 2 [with Ludwig Rehberg]

1995 The Sunken Road [with Juergen Rehberg & Lucia Mense]

1994 Wechselspannung 2 [with Johan Sharp]

1996 2350 Broadway 3 [with Tetsu Inoue]

1996 Air 3 - Secret Heritage

1996 Amp 1

1996 Atom

1996 Create 2 [with Charles Uzzell-Edwards]

1996 Elektro 1 [with Robert Gorl]

1996 Jet Chamber 2 [with Atom Heart]

1996 Move D & Namlook I - Exploring The Psychedelic Landscape [with David Moufang]

1996 Namlook 11

1996 Outland 2 [with Bill Laswell]

1996 Ozoona [with Rob Gordon]

1996 Shades Of Orion 3 [with Tetsu Inoue]

1996 Sultan [with Burhan Ocal]

1996 The 4 Seasons

1996 Time 2 [with Tetsu Inoue]

1996 Zentrum fur Elektronische Musik

1997 Amp 2 [with Dandy Jack]

1997 Elektro 2 [with Robert Gorl]

1997 Pete Namlook & Hubertus Held

1997 Jet Chamber 3 [with Atom Heart]

1997 Move D & Namlook 2 - A Day In The Live! [with David Moufang]

1997 Namlook 12

1997 Pete Namlook & Hubertus Held

1997 Psychonavigation 3 [with Bill Laswell]

1997 S.H.A.D.O. [with Higher Intelligence Agency]

1998 4 Voice 2

1998 Jet Chamber 4 [with Atom Heart]

1998 Miles Apart [with Peter Prochir]

1998 Namlook 13 - License to Chill

1998 Planetarium [with New Composer]

1998 Polytime [with Karl Berger]

1998 Silence 3

1998 Silent Music

1998 Sultan Osman [with Burhan Ocal]

1998 Virtual Vices 1 [with Wolfram Spyra]

1999 8 Voice - Music Hypnotizes 2000

1999 Air 4

1999 Move D & Namlook 3 - The Retro Rocket [with David Moufang]

1999 Namlook 14 - Solarized

1999 Namlook 15 Free Your Mind

1999 Planetarium 2 [with New Composer]

1999 Psychonavigation 4 [with Bill Laswell]

1999 S.H.A.D.O. 2 [with Higher Intelligence Agency]

1999 Silence 4

1999 The Space Driver [with Marc Romboy]

2000 4 Voice 3

2000 Adlernebel [with DJ Dag]

2000 From Within 1 [with Richie Hawtin]

2000 From Within 2 [with Richie Hawtin]

2000 From Within 3 [with Richie Hawtin]

2000 Jet Chamber 5 [with Atom Heart]

2000 Move D & Namlook 4 - The Audiolounge [with David Moufang]

2000 Outland 4 [With Bill Laswell]

2000 Possible Gardens [with Peter Prochir]

2000 The Fires of Ork 2 [with Geir Jenssen]

2000 Virtual Vices 2 [with Wolfram Spyra]

2001 A View to a Chill [Compilation]

2001 Lisa Carbon - Trio De Janeiro

2001 Move D & Namlook 5 - Wired [with David Moufang]

2001 Move D & Namlook 6 - Live in Heidelberg [with David Moufang]

2001 Namlook 16 - New Organic Life

2001 Namlook 17 - New Organic Life 2

2001 Silence 5

2001 Virtual Vices 3 [with Wolfram Spyra]

2002 Move D & Namlook 7 - Home Shopping [with David Moufang]

2002 Namlook 18 - New Organic Life 3

2002 Psychonavigation 5 [with Bill Laswell]

2002 Syn 2

2002 Virtual Vices 4 [with Wolfram Spyra]

2003 10 Years of Silence 5CD [Compilation]

2003 Jet Chamber Collection [with Atom Heart]

2003 Outland 3 [with Bill Laswell]

2004 Music for Urban Meditation 1

2004 pp.nmlk [with Jochem Paap]

2004 Sultan Orhan [with Burhan Ocal]

2005 Air 4 - Elle A Du Shell

2005 Koolfang 3 - Be Aware [with David Moufang]

2005 Move D & Namlook 8 - The Art of Love [with David Moufang]

2005 Move D & Namlook 9 - Wagons-Lits [with David Moufang]

2005 Russian Spring [with New Composers]

2006 Air 5 - Jeux Dangereux

2006 Move D & Namlook 10 - Let the Circle Not Be Broken [with David Moufang]

2006 Move D & Namlook 11 - Sons of Kraut [with David Moufang]

2006 Move D & Namlook 12 - Space & Time [with David Moufang]

2006 Resonate [with Gaudi]

2006 Virtual Vices 5 [with Wolfram Spyra]

2007 2350 Broadway 4 [with Tetsu Inoue]

2007 Move В & Namlook 13 - Raumland Exploration [with David Moufang]

2007 Move В & Namlook 14 - Raumland Montage [with David Moufang]

2007 Music for Urban Meditation 2

2007 Move В & Namlook 15 - Raumland Sphare [with David Moufang]

2007 Outland 5 [with Bill Laswell]

2007 The Ambient Cookbook 2 4CD [Compilation]

2008 Move D & Namlook 16 - Travelling the Silk Route [with David Moufang]

2008 Move D & Namlook 17 - There! [with David Moufang]

2008 Move D & Namlook 18 - Sexoid [with David Moufang]

2008 Namlook 21 Subconscious Worlds

2008 Subharmonic Atoms

2008 Virtual Vices 6 [with Wolfram Spyra]

2009 Move D & Namlook - The Evolution of [with David Moufang]

2009 Move D & Namlook 19 - Dawning of a New Decade [with David Moufang]

2009 Move D & Namlook 20 - Taygete [with David Moufang]

2009 Namlook & Gabriel Le Mar

2009 Namlook 22 - Music For Urban Meditation 3

2009 Pearl

2009 The Evolution of [with David Moufang]

2010 Labyrinth 1 [with Lorenzo Montana]

2010 Move D & Namlook 21 - Stranger 1 [with David Moufang]

2010 Move D & Namlook 22 - Stranger 2 [with David Moufang]

2010 Move D & Namlook 23 - Stranger 3 [with David Moufang]

2010 Pearl 2

2010 Pearl 3

2010 Permutations

2011 Elektronik I [with Material Object]

2011 Labyrinth 2 [with Lorenzo Montana]

2011 Labyrinth 3 [with Lorenzo Montana]

2011 Labyrinth 4 [with Lorenzo Montana]

2011 Music for Babies

2011 Pearl 4

2012 Elektronik II [with Material Object]

2012 Labyrinth 5 [with Lorenzo Montana]

2012 Namlook 27 - Music for Urban Meditation IV

2012 Schwingungen Special [with Gaudi]

2012 The Ambient Gardener Spring [with friends]

2012 The Ambient Gardener Summer [with friends]

Ссылки

http://www.namlook.de/ - Официальный сайт

Биография

µ-Ziq – это электронщик Майк Парадинас, известный также своими проектами под именами Jake Slazenger и Gary Moscheles. Приоритеты – IDM и fungle, другими словами – самолюбивая интеллектуальная электронная музыка. Скоростные «трещотки», наивные мелодии, треск, плеск, джангл-мутант. На любителя. Последний альбом, кажется, самый удобоваримый для широкого слушателя – тихий, смирный, изобретательный. Разнообразный, что приятно – от колыбельных до циркового хип-хопа. Различные вариации на тему джангла и фангла тоже присутствуют, куда же без них. Fungle – одно из последних, появившихся не так давно, направлений интеллектуальной танцевальной музыки.

Все та же электронная мелодика интеллектуальной музыки, получила неожиданное развитие, когда некоторые IDM-мyзыканты начали экспеpиментиpовать с джангл-ритмами. Эксперименты зашли гораздо дальше, чем написание джангл-ритмов из нестандартных ударных звуков. В частности особенно далеко зашло дело по издевательству над этими ритмами. Их ломанием, сбиванием, или простым написанием неповторяющейся за весь трек дpам-паpтии. Особую попyляpность пpиобpел yдаpный эффект – «трещотка», кpатковpеменная скоростная долбежка yдаpным звуком на скорости 300-1000 bmp. Многие музыканты уже шагнули дальше, и их треки похожи на одну большую трещотку. Но данное направление только еще развивается, и тенденции таковы, что данное направление выделится как отдельный стиль под названием Fungle.

Lunatic Harness Чудо свершилось, альбом, о котором так долго говорилось, и который многие уже очень давно хотели услышать, вышел в свет. Он был записан более года назад, и, по не понятным причинам, его издание слегка затянулось. К счастью это совсем не отразилось на свежести музыки. Два гиганта музыки стиля IDM, объединились для написания этого альбома. Это Rihard James aka Aphex Twin aka AFX aka Polygon Window aka Caustic Window aka GAK aka Pac Man aka Brad Stryder и Michael Paradinas aka µ-Ziq aka Jake Slazenger aka Kid Spatula aka Gary Moscheles aka Tusken Raiders. Когда объединяются два таких человека, с ужасом начинаешь думать, что же они могут написать. Однако эти два мистера поступили очень остроумно. Складывается впечатление, что они встретились в студии, решили, что они могут написать ну очень крутой альбом, и лучше им этого не делать. И круто они напишут лучше поодиночке. Поэтому альбом они сделали шуточный и смешной, что в принципе им удалось. Хотя, как бы они не шутили, музыка все равно получилась сильной и интересной. На протяжении всего альбома чувствуется, где Майк добавил семпл со старой заезженной пластинки, а где Ричард добавил свой любимый модуляционный свист. Так играючи, они и записали этот альбом, который, кстати, и называется Mike & Rich Games или Expert Knob Twiddlers. Вышел он на лейбле Rephlex, что вполне логично, так как хозяин лейбла, сам Richard James. Музыка альбома насыщена старинными мелодиями, интеллектуальная долбежка в композициях легкой и средней тяжести.

Дискография

1993 Tango N' Vectif

1994 Bluff Limbo

1994 Mu-Ziq [witn Auteurs] [single]

1995 In Pine Effect

1996 Spatula Freak [как Kid Spatula]

1997 Lunatic Harness

1997 Urmur Bile Trax vol. 1 & 2

1998 Brace Yourself [single]

1999 The Fear [single]

1999 Royal Astronomy

2013 Chewed Corners

2013 Somerset Avenue Tracks (1992-1995) 2CD

2014 Rediffusion

2015 XTLP

Ссылки

http://www.astralwerks.com/muziq - Официальный сайт

Биография

Mythos – канадский дуэт, состоящий из Боба Д'Эйта (Bob D'Eith) (клавишные) и Пауля Шмидта (Paul Schmidt) (классическая гитара) играющего в стиле New Age. Свой первый альбом дуэт выпустил в 1996 под названием Introspection. Пластинка выиграла номинацию «лучший танцевальный альбом» на West Coast Music Award. Через год вышел альбом Iridescence. Следующий альбом вышел в 1998 году на лейбле Higher Octave под названием Mythos. Сами того не подозревая, музыканты дали старт новому стилю – смешению электронной музыки, нью эйджа и энигматик. Стиль этот называют ethereal, что можно перевести на русский как «атмосферная», «эфирная» музыка. Альбом занял #18 в Billboard Top New Age Albums. В том же 1998 году проект был номинирован Juno Awards как «инструментальный артист года». До этого, в 1995 году, Боб Д'Эйт был номинирован на Canadian Music Awards как «клавишник года». Следующий альбом, Reality of a Dreamer, вышедший в 2000 году добился еще большей популярности, добравшись до 6 места в Billboard Top New Age Albums. Последние 2 альбома – Eternity (был номинирован в 2003 году как «лучший инструментальный альбом») и Purity датируются 2002 и 2006 годами соответственно. Ну и наконец после долгого творческого затишья дуэт порадовал нас новым альбомом Journey. Далее последовал долгий перерыв, после которого вышел новый EP Eros. Есть надежда что скоро мы услышим и новый альбом.

Journey На самом деле все творчество канадских музыкантов Боба Д’Эита и Пола Шмидта в рамках их проекта Journey можно назвать путешествием – путешествием по миру снов и поэзии, ловля тонких, эфемерных образов, будоражащих воображение на границах далеких, запредельных миров, существующих в бесконечной вселенной Фантазии. Казалось, их совместное странствие по этим мирам завершилось в 2006 году, когда дорожки этих исполнителей разошлись в разные стороны, но уже в апреле 2013 года публике был представлен их новый альбом, название которого, в одной стороны, подводит итог всей их предыдущей работе, а с другой стороны, открывает массу новых возможностей и направлений, надо только не переставать мечтать. Пианино и синтезаторы Боба вновь плетут музыкальные узоры дуэтом с гитарой Пола, приглашенная вокалиста (Жасмин Паркер, ее голос звучит в первых трех треках альбома) снова исполняет нечто бессловесно-этереальное, отсылающее к высшим, духовным реальностям, а мягкий, но плотный электронный бит (chill out и downtempo), тем не менее, надежно привязывает слушателя к материальному воплощению этого мира, масштаб и величие которого выражено изящными и легкими оркестровками. Короче, все как обычно, разве что авторы не забыли, что из долгих путешествий принято привозить сувениры, хранящие память о том или ином месте. Вот и здесь странствия по далекой Азии оставили след в виде ориентальных мотивов и пения традиционной японской флейты в композиции «Токио», и, совершенно по непонятной причине, отголоски этих восточных скитаний уплотнились в мелодии «Новой Земли», хотя эта северная территория навевает совсем другие мысли и образы. Интересно звучат и джазовые мотивы в Escape Velocity, этот также, пожалуй, и самый динамичный трек из представленных. Остальные композиции следуют давно заданному руслу, среди них есть и нью-эйджевые виньетки вроде предающейся самосозерцанию партии клавишных Inner Peace, и изящные неоклассические дуэты (собственно, Duet и Nocturnal), и романтические грезы вроде «Апреля». И настоящая opus magnum дуэта, композиция Impressionism, демонстрирующая, насколько вдохновляющим для творчества Боба и Пола стало это направление искусства, и какой вклад они внесли своей очаровательной музыкой в него. Возвращения Mythos поклонники (как самого дуэта, так и просто красивой музыки) ждали давно, и Journey эти ожидания не обманул, став очередной яркой вехой в истории этого проекта. Истории, которая пишется нотами, снами (воссозданными с почти что кинематографической точностью) и подлинным вдохновением.

Дискография

1996 Introspection

1997 Angels Weep

1997 Iridescence

1998 Mythos

2000 Reality Of A Dreamer

2002 Eternity

2002 Eternity (Advance CD)

2005 Concrete City

2005 Dreamland

2005 I

2005 Strange Guys

2005 In Nomine

2006 Purity

2010 Rain [single]

2011 Meditation II - Purrr-Symphony

2013 Journey

2014 The Best of Mythos - Instrumentals

2016 Jules Verne - Around the World in 80 Minutes

2018 Eros

Ссылки

https://www.mythosmusic.com/ – Официальный сайт

Биография

Каждый концерт композитора электронной музыки Klaus'a Hoffmann'a и группы Mind Over Matter начинается словно феерическое шоу. Сам Klaus связывает свою музыку с полным отсутствием танцевального стиля техно. Билеты на его концерты в Бремене или других городах Германии раскупаются, практически, в считанные часы. В детстве у Klaus'a не было и мыслей о музыке и о своем музыкальном будущем. Его отец никогда не представлял себе, что сын станет профессиональным музыкантом. Учась еще в школе Klaus ежедневно посещал спортивные занятия и мечтал стать футболистом. На самом же деле, в его семье присутствовали музыкальные корни.Всю свою жизнь дед Klaus'a посвятил небольшой ратуше на окраине Бремена. Каждый день для прихожан по вечерам он играл на органе. Klaus частенько бывал на различных молебнах и литургиях.

Наверное, именно поэтому большинство композиций Mind Over Matter носят религиозный оттенок. После школы спортивные занятия были отодвинуты на второй план. Клауса начал интересоваться музыкой, в особенности его привлекали новаторские стили того времени – несомненно, самое сильное впечатление на него производили команды, игравшие в стиле панк. «Не знаю можно ли назвать стиль, который мне нравился стилем «панк», скорее по сегодняшним меркам это, скорее всего, бит или же тяжёлый рок смешанные с рок-н-роллом», – говорит сам Klaus. Именно тогда у Klaus'a появилось желание научиться играть на электрогитаре – основном инструменте рок-коллективов. Занятия шли успешно, Klaus схватывал все налету. Он быстро овладевал техникой игры и вскоре стал самостоятельным музыкантом.

Карьера Klaus'a Hoffmann’a как профессионального гитариста-электронщика началась в 1967 году с участия в ансамбле Impuls. Собираясь на вечеринках, они играли тогда сумасшедший по популярности рок-н-ролл. Для Klaus’a идеи создания своей собственной электронной группы возникли еще в 70-х годах. Именно в то время аналоговые Moog-синтезаторы достигли пика своей популярности. Именно тогда и была создана известная нам группа Mind Over Matter. В группе Klaus солировал на соло-гитаре и, конечно же, был звукорежиссером. Каждый альбом группы потрясающе сведен. Тут просто не к чему придраться. А сколько интересных эффектов и переходов и звуков присутствует на каждом треке. Из-за того что, Klaus часто экспериментирует со звуком, в электронном мире его даже прозвали Cosmic Hoffmann. Применяемые им различные спецэффекты и эхо-машины придают звучанию неповторимый оттенок. Альбомы Mind Over Matter часто занимают одни из первых мест в ньюэйдж и электронных хит-парадах. Композиция Jack The Beer с альбома Trance'n'Dance до сих пор считается одной из лучших созданной группой на пике их творческого подъема. Она постоянно включается в различные электронные сборники и ставится на радиостанциях.

In Search Of Eternity Альбом построен по типичной схеме: один длинный трек и три менее продолжительных. Вступительная композиция Journey to Eternity разбита на пять частей и длится в общей сложности 22 минуты. Однако время пролетает незаметно, музыка насыщенна до предела: арт-рок и электроника, эмбиент и этника плавно сменяют друг друга, не забывая возвращаться к основной теме. Особенно запоминается третья часть с потрясающим соло на флейте. Весьма вероятно, что она могла послужить вдохновением для саундтрека к культовой игре Diablo. Остальные композиции звучат одна другой краше, к сведению просто не придраться, все на своем месте. Piligrims of Eternity оказалась настолько удачна, что часто использовалась для открытия концертов группы. Monolith была написана в соавторстве с известным бельгийским электронщиком Патриком Космосом. Его версию этого трека можно найти на его альбоме Virtual Reality (1993).

Дискография

1987 Music for Paradise

1988 The Colours Of Life

1989 Trance'n'Dance

1992 In Search Of Eternity

1993 Live In Concert

1995 Palace Of The Winds

1996 Shambhala

1998 Music For Paradise

1998 Avatar

2000 Under The Stars

2004 On the Wings of the Wind

2005 Indian Meditation

2006 Indian Meditation 2

Ссылки

http://www.mindovermatter-music.de/ - Официальный сайт

Биография

Michael Kersten и Thomas Fanger встретились в Берлине на проходящем под открытым небом фестивале Klangmeile в 1979 году. Они объединились и, используя аналоговые синтезаторы и секвенсоры, которые главным образом были изготовлены на заказ, стали создавать свои первые психоделические произведения. В 80-х годах Fanger и Kersten сосредоточились на поиске новых электронных экспериментальных идей. В их экспериментах участвовали разные певцы и музыканты. Они создавали музыку для художественных выставок, но в итоге в конце 80-х годов Fanger и Kersten решили объединить свою психоделическую музыку с электронными ритмами. Так появился дуэт под названием Mind-Flux.

Дискография

1994 Brain Diva EP

1994 Trancefloor

1995 Body-Beat-Box

1995 Source & Destination

1996 Collision

1997 Konception of Space

1998 Unknown Destination Remix

1999 Kontinuum

2001 Collector's Edition #1

2002 Space Visions

2005 Destination Space

DVD-video

2002 Universal Fantasies - Space Visions

2005 Destination Space

Ссылки

http://www.starflux.de/ – Официальный сайт