Биография

Я просто слушаю голос своего сердца

Mars Lasar был очарован музыкой с самого рождения. Ему было 11 лет, когда музыкальные занятия стали для него, по-настоящему, интересны. Это было обычное многочасовое изучение теории и практики. И по этому ему всегда хотелось чего-то большего. Как только он садился за фортепиано, он начинал сочинять собственную версию произведения, вслушиваясь в музыку, которая играла у него в сердце. Тогда он был поклонником джаза и импровизации, которые меняли мир вокруг него и побуждали сочинять самому. В 14 лет он был увлечен уже всеми направлениями в музыке и достиг значительных успехов в своей игре.

Он изучал творчество Бетховена, Шопена и Баха и восторгался сложностью построения их композиций. В это время он приобрел свой первый синтезатор (Arp Odyssey) и, чтобы разобраться в его возможностях стал изучать электронику и теорию сигналов. Mars и его братья оборудовали студию, где они начали проводить свои первые репетиции. Его младший брат Michael играл на барабанах, старший – Raimond на гитаре, а сам Mars на клавишах и басе. Они выступали во всех близлежащих школах, колледжах и торговых центрах. Потом они стали играть в ресторанах и даже зарабатывать деньги. Это послужило началом целого ряда событий. Дважды в неделю они упаковывали одежду в чемоданы и толпой отправлялись на свадебные церемонии играть старые хиты из «The Shadow of Your Smile». Это позволяло хоть как-то сводить концы с концами. Несмотря на несколько джазовую направленность, Mars постоянно сочинял классическую музыку. И именно это позволило ему получить приз юного композитора в Sydney Opera House. После исполнения своих произведений в Сиднее, все смотрели на него с великим изумлением. Такого впечатления на зал не производил еще никто.

В 16 лет Mars создал профессиональную группу «IQ». Они выступали в Сиднее и с каждым концертом приобретали все большую популярность. Они одевались в космические костюмы и покрывали инструменты фольгой. Они были необычной группой. «IQ» открывала выступления Split Enz, Midnight Oil и Майком Олдфилдом (Mike Oldfield). Kim Ryrie был знаком с Майком Олдфилдом и пригласил Марса в Fairlight – известную тогда студию звукозаписи. Он разрывался между работой на Fairlight и записью своего первого альбома. В США он работал совместно с Хансом Циммером (Hans Zimmer) над фильмом Тома Круза «Days of Thunder», а также с известным продюсером Тревором Хорном (Trevor Horn). Его композиции были использованы в фильмах «Crazy» и «Killer».

В конце 1991 года был закончен дебютный альбом «Olympus», который вошел в лучшую десятку Billboard в номинации New Age. Альбом «Olympus» послужил своего рода гимном зимних олимпийских игр 1992 года и несколько позже в 1996, когда один из членов сборной Китая по фигурному катанию выбрал два его произведения для своего выступления. Сразу после этого, в 1993 году был издан новый альбом «The Eleventh Hour», который оказался еще лучше «Olympus». Он стал новым витком в развитии творчества Марса Ласара. Его музыка играла по всем радиостанциям страны, а его нередко приглашали для различных интервью и шоу. Его музыку часто можно было услышать в телевизионных программах и в фильмах, таких как «Jasons Lyric» и «6-th Man». В 1996 году был выпущен «Olympic National Park», а в уже 1998 году – пятый его альбом «Sapphire Dreams» который является его первым классическим фортепианным альбомом. В 1999 на лейбле Earth Tone Records вслед за «The Eleventh Hour» выходит альбом «11:02», продолжение его второго альбома «The Eleventh Hour». Альбом «11:02» был очень хорошо воспринят его фанатами и очень часто крутился на разных радиостанциях. В 2000 году вышел 7-й диск Марса Ласара – «When Worlds Collide». Этот альбом вызвал большой интерес и до сих пор пользуется популярностью в MP3's Industrial Electronica charts. «Karma» это самый последний проект Марса. Сила и энергетика этого альбома завораживают слушателей. Mars выпустил шесть сольных альбомов. В настоящее время Mars тратит большую часть своего времени на создание проекта компьютерной музыки для детей.

Mars Lasar вполне состоявшийся звуковой режиссер и известный музыкант. Он гордится тем, что активно работает в обоих направлениях. Его произведения написаны и исполняются очень во множестве жанров, в том числе Pop, Rock, Metal, Jazz, Electronica и Country. Его альбомы это некое смешение стилей New Age, Jazz, World и Electronic. Он не боится экспериментировать и в этом состоит его талант! В 1996 году MTV номинировало Марса в номинации «New Sound», отметив его многостороннюю новаторскую деятельность в различных музыкальных стилях.

Yosemite - Valley Of The Giants Очередной альбом от мэтра мелодичной и динамичной музыки (если судить по творениям последних лет). Признаюсь, не слышал предыдущего альбома Марса Лазара. Поэтому не могу с уверенностью сказать, что новый альбом является первым после многих лет произведением, посвященным потрясающе красивым местам на планете Земля, сотворенным природой. Для справки: в активе Марса имеется альбом Olympic National Park 1996 года. На этот раз новый альбом посвящен одному из самых известных природных заповедников в мире – Национальному Парку Йосeмити, который находится в Калифорнии. В Парке находятся самый высокий водопад Северной Америки Yosemite Falls; гранитная скала Half Dome, высотой около 1400 метров; гиганские секвойи в Маriposa Grove; горные пики Three Brothers; очень красивая в любое время года долина Yosemite Valley,широкий лесной массив, окруженный гранитными скалами; и другие природные сокровища. Естественно, для того, чтобы передать атмосферу вышеуказанных сокровищ, Марс Лазар не мог не прибегнуть к использованию в альбоме звуков природы. Музыкальная составляющая не отличается хитовой и относительно примитивной мелодичностью, которая была свойственна последним альбомам автора. Акцент сделан, в первую очередь, на объемность и выразительность звучания, так называемую атмосферность. По своим настроениям альбом преимущественно жизнерадостен, созерцателен, местами меланхоличен. Хотя, концовка альбома, отличается своей динамичностью. В целом: красиво, светло, позитивно.

The Eleventh Hour В России имя Марса Ласара в свое время было на слуху по причине того, что он спродюсировал одну из песен группы Т.А.Т.У. – дело по тем временам было новое, западные продюсеры не часто обращали внимание на одну шестую часть суши, так что информацию об этом растрезвонили с большой помпой. При этом мало кто удосужился рассказать, чем же, собственно, этот человек знаменит в мире музыки. Досадную оплошность мы можем начать исправлять сейчас, с помощью компании DreaMusic, которая издала в России второй (возможно, лучший) альбом Марса – «Одиннадцатый час». Это название восходит к одной из притч Нового Завета, в западной фонетике оно означает «В последний миг» и тесно связано с деятельностью организаций и активистов, обращающих внимание на разрушительное воздействие человеческой цивилизации на окружающий мир. Словно проснувшиеся в последний миг люди смотрят в ужасе вокруг и думают, что же еще можно исправить, а что уже испорчено безвозвратно – а в это время голоса из ТВ и радио со всех сторон вещают об «Опасности для цивилизации», «Глобальном территоризме» и прочих вещах, от которых обывателю становится не по себе. С этих же слов, вырванных из эфира, начинается и альбом Ласара, который, впрочем, не стремится нагнетать обстановку. Он, скорее, размышляет о сложившейся ситуации, даже полемизирует со многими композиторами, отстаивающими в своем творчестве позитивные или негативные прогнозы (иногда слышно, что полемика ведется с жизнеутверждающей картиной современного мегаполиса, созданной Вангелисом на альбоме The City). При этом The Eleventh Hour совершенно не поддается классификации и не помещается на прокрустово ложе какого-либо стиля. Здесь можно упомянуть такие термины, как «эклектика» и «фьюжн», которые всей картины не опишут, но обрисуют полистилистические приемы, которыми пользуется музыкант. Заметно, что сольная карьера Марса благополучно формировалась на ТВ – его лаконичные и яркие мелодии легко привлекают к себе внимание и задают настроение, которое подчеркивают грандиозные и грациозные аранжировки, сплавляющие в единое целое элементы «традиционной» электроники, нью эйджа, поп- и рок-музыки, неоклассики и, где-то даже в большей степени, джаза. Локализацию этой музыки сложно определить – иногда мы, конечно, попадаем на лоно дикой природы или в трущобы городских джунглей, но чаще всего мы пребываем в абстрактном мире эмоций и воспоминаний, в котором даже время не линейно и охотно «перемешивает» те или иные события прошлого и грядущего. За жестким урбанистическим битом могут притаиться первобытные ритмы древних племен (мы услышим голоса австралийских аборигенов, их знаменитые диджериду, а также напевы американских индейцев), а за несокрушимым напором цивилизации можно разглядеть и прочувствовать «вечные ценности», такие, как счастливый детский смех. Несмотря на заданную тематику, «Одиннадцатый час» получился достаточно позитивным альбомом, но это не беспочвенный позитив, это результат надежд и размышлений, результат, который зависит от каждого из нас. Однозначно рекомендуемый к прослушиванию диск.

Интервью

Миры образов

Имя Марса Лазара стало широко известно любителям инструментальной музыки в 1992 году после выхода на американской компании Real Music его дебютного альбома Olympus. Этот диск был тепло встречен публикой, хорошо востребован на многих радиостанциях и попал в десятку ньюэйджевского хит-парада журнала Billboard. Следующий проект Марса Лазара The Eleventh Hour, вышедший годом позже, имел еще больший успех у слушателей. Затем последовал ряд удачных сольных альбомов на Real Music, среди которых были такие стилистически разные проекты, как синтезаторно-футуристический Escape, наполненный разнообразными природными звуками The Music Of Olympic National Park и очень личный фортепианный Sapphire Dreams. Марс Лазар всегда находится в поиске. Круг его интересов очень широк. Он принимал участие в работе над фильмами, сочинял музыку, продюсировал других исполнителей. Марс Лазар работал вместе с Herbie Hancock над альбомом Dis Is Da Drum, писал музыку к компьютерным играм.

Этот талантливый композитор, исполнитель и продюсер всегда стремился раздвинуть рамки привычного, выйти за пределы устоявшихся форм, использовать новые достижения музыкальной индустрии. Ему было неинтересно создавать однотипные проекты, его всегда тянуло нечто новое. В 1998 году Марс Лазар покинул Real Music и записал на студии Earthtone Records свой шестой альбом 11:02. Но и здесь музыкант не мог долго оставаться, и Марс Лазар основывает свою собственную студию Sound Manipulations. В прошлом году на ней вышел ряд еще более, чем раньше, стилистически отличающихся работ: компьютерно-динамичный проект Big Box, мягкий джазовый Blue Maze, визуально-полифонический When Worlds Collide/11.03 и сильно настоянный на этнической музыке альбом Karma. В планах Марса Лазара большое количество новых работ. Сегодня этот выдающийся музыкант – наш гость. Перед вами недавнее интервью с Марсом Лазаром.

Этот вопрос возник у меня, когда я слушал ваш недавно вышедший альбом Blue Maze, к которому вы не только написали музыку, но и продюсировали его. Что побуждает вас писать такую мелодичную музыку? Откуда вы берете эти божественные гармонии? Что или кто побуждает вас творить? И эти мои слова можно отнести не только к альбому Blue Maze, но и вообще ко всем вашим работам.

Подобно тому, как опытный писатель может в любой момент симулировать любое настроение, я могу делать то же самое с музыкой; это просто поэзия гармоний. Что стимулирует меня? Я просто люблю это делать... Мое постоянное восхищение технологией и возможностями гармонического синтеза способствует тому, что я исследую всевозможные жанры. Как результат - моя музыка, и слушатели испытывают и проверяют мои творческие изобретения.

Если говорить об одном из ваших новых проектов, Blue Maze, то он, как и еще три новых альбома (я имею в виду BigBox, Karma и When Worlds Collide/11.03 – во всяком случае, вы продюсировали все четыре проекта), в отличие от предыдущих, издан на вашем новом лейбле Sound Manipulations. Не могли бы вы подробнее рассказать мне о нем. Когда и почему вы решили основать эту компанию? Что собираетесь еще издавать? Что будете продюсировать?

Прежде всего, я неудовлетворен тем, что издаю один-два альбома в год. Я могу делать больше. Лейбл SMI (Sound Manipulations Inc.) – это мой способ создания компании, которая позволит мне каждый год издавать несколько альбомов. В ближайшем будущем я собираюсь пригласить других музыкантов издавать свои альбомы на моей студии. В музыкальном бизнесе музыка различной направленности, создаваемая одним музыкантом, может вызвать недоразумения. Поэтому я издаю свои проекты под разными именами. Это способ разделить стили музыки. В будущем вы услышите новые альбомы, созданные в рамках проектов Blue Maze, BigBox и серии The Eleventh Hour, и с годами я собираюсь выпускать больше альбомов. Я не рассматриваю свою творческую деятельность просто как выпуск огромного числа альбомов – я предвижу большой творческий прорыв.

Спасибо, что прояснили этот вопрос. Давайте, перейдем теперь к вашему последнему, седьмому сольному альбому When Worlds Collide/11.03. Дело в том, что в вашей музыке меня подкупает еще одно качество: это музыка действия, она активна и наполнена жизнью. Как я понимаю, альбом When Worlds Collide/11.03 является концептуальным: он продолжает как 11:02, так и более ранний The Eleventh Hour (кстати, это моя любимая из ваших работ!). Не могли бы подробнее рассказать как о вашем новом альбоме When Worlds Collide/11.03, так и об этой серии?

Альбом When Worlds Collide/11.03 продолжает послание надежды и вдохновения. Композиция Children Of The New Age является гимном юных первооткрывателей, Amy's Lullaby V успокаивает и убаюкивает вас. Мне хотелось добавить в свою музыку немного тайны (композиции City Jungle – из альбома The Eleventh Hour, Toxic Orchestra – из альбома 11:02 и Midnight Mirrors – из альбома When Worlds Collide/11.03), просто чтобы вам напомнить, что все возможно. В альбоме 11.03 больше этнической музыки, чем это было раньше. Вместе с композицией Keep Faith к вам приходят странные мелодии Тибета вместе со сложными западными ритмами, создавая сочный «hope-combo» (звучит как название коктейля!). Работа над альбомами серии The Eleventh Hour помогла мне обрести позитивную энергию, чтобы осознать наше сверхсложное общество. Я уверен, что скоро появится много новых альбомов этого направления.

Вы блестяще работаете со звуком, мастерски вплетаете различные шумы и разнообразнейшие природные звуки. В связи с этим, я не могу не спросить вас об альбоме из серии Music Of The National Parks, который был выпущен студией Real Music. Что побудило вас на создание этого проекта? Что запомнилось вам при работе над ним?

В середине 80-х меня очень заинтересовала возможность синхронного синтеза звуков природы и музыки. Когда компания Real Music пригласила меня участвовать в создании альбома из серии «Музыка Национальных парков», я выбрал Олимпийский национальный парк, потому что природа там очень разнообразна. Об этом парке я мог бы написать большой «музыкальный роман»: там есть реки, океаны, тропические леса, пустыни, песчаные пляжи и луга... и при этом – множество диких животных, это разнообразие даже трудно осознать! И я начал записывать звуки этой местности и соединял их с технологией, которая уже в то время была гораздо более продвинутой, чем когда я только начал свои музыкальные эксперименты в начале 80-х. Когда вы слушаете «Музыку Олимпийского национального парка», этот альбом переносит вас прямо туда. Однако в то время мне хотелось сделать нечто большее, и потому я начал работу над альбомом Karma. Я действительно горжусь им. Это хороший синтез звуков природы и элементов world music, переносящий вас в некое пространство, существующее лишь в вашем воображении, это истинное вдохновение.

Я знаю, что вы сотрудничали с разными лейблами (в том числе с Real Music, Earthtone Records). С какой компанией вам было наиболее интересно и комфортно сотрудничать и почему?

Да, я сотрудничал с этими лейблами, а также я работал и с другими лейблами в плане участия как в сольных проектах и в сборных альбомах. Думаю, что опыт работы с Real Music был наиболее интересным с точки зрения качества нашей продукции. Кроме того, эти релизы были весьма разнообразны. Olympus был альбомом «гимном», а The Eleventh Hour – электронным и исследовательским. Альбом Sapphire Dreams получился мелодичным, и здесь я основывался на своем «классическом» образовании, и в то же время работа над «Музыкой Олимпийского национального парка» позволила мне сочетать с музыкой звуки и ощущения природы. Я не могу припомнить, чтобы где-либо еще я получал более приятные впечатления от работы. Мне всегда было трудно удерживаться в рамках требований определенного лейбла (т. е. выпуск одного альбома в год, необходимость создавать музыку определенного жанра, и т. д.).

Чем был обусловлен ваш переход с Real Music на Earthtone, где вы выпустили альбом один альбом 11:02. И почему вы ушли с Earthtone?

Вместе с Real Music я выпустил много альбомов, и часть меня хотела вернуться к музыке серии The Eleventh Hour. Но компания не была заинтересована в поддержке моего проекта, так что я почувствовал необходимость перейти на другой лейбл. Я был знаком с работами Кристофера Франке (Christopher Franke) со времени его участия в группе Tangerine Dream, и для меня была очень привлекательна возможность работы с Кристофером на его лейбле Earthtone Music. Кроме того, Earthtone был готов предоставить мне 100-процентную творческую свободу, которую мне, конечно, хотелось получить. Когда я работаю с лейблом, для меня очень важны условия работы. Но когда глава Earthtone покинул компанию, чтобы основать собственный электронный лейбл, у меня не было энтузиазма остаться с компанией. Однако, я думаю, что в целом причиной моего ухода с Earthtone было желание получить полную творческую свободу и возможность выпускать столько альбомов в год, сколько я хочу, а не согласно планам компании.

Хочу спросить о вашем дебютном альбоме Olympus, тем более что музыка с него была использована на Олимпиаде в Альбервиле. Как родилась идея создать этот альбом? Какие идеи вы стремились выразить?

В течение многих лет я создавал различные альбомы, музыка которых использовалась на телевидении во всем мире, но Olympus был моим первым чисто авторским альбомом. Это – коллекция гимнов, сочиненных в разные годы. В тот период моей творческой деятельности я сочинял очень позитивную музыку, что помогало мне «перестроиться» с жизни в Австралии к жизни в США (Марс Лазар переехал туда во время работы над музыкой к фильму Days of Thunder с Томом Крузом. – Прим. С. К.). Альбом прекрасно сочетался с духом Олимпийских игр, и его музыка многократно исполнялась. Однажды вечером у себя дома я слушал радио (канал 94.7 CA) и к своему приятному удивлению услышал звуки лошадей с композиции Black Elk из «Олимпии». Я был ошеломлен... И это после Кенни Джи? Тогда-то я и понял, что у меня есть шанс найти слушателей для своих экспериментов, и что все было не зря.

Что особенно важно для вас в процессе творчества? Что вы используете при работе со звуком?

Когда занимаешься творческой работой, тебе нужно все самое лучшее, и если у тебя этого нет, то прилагаешь все усилия к тому, чтобы это раздобыть. Это единственный путь максимально воплотить свои идеи. Будь то гитара, или компьютер, или краски и кисти, чтобы создать картину... что бы вы ни создавали, это всегда помогает, если вы используете самое лучшее. Вы же не хотите, чтобы что-либо мешало вашему творческому процессу.

Ваша музыка очень образна (визуальна). Она рисует картины каких-то футуристических, неземных городов, очень светлых, воздушных, где-то там, на далеких планетах. Что вы стремитесь выразить в вашей музыке? Где, в каких мирах вы зовете побывать ваших слушателей? И как очутились вы здесь, на этой планете?

Это глубокий и очень уместный вопрос. Ваш ум никогда не спит... он постоянно собирает информацию со всех уровней жизни (энергии). Именно там рождается мастерство. Забота о своем уме позволит вам выжить в любой реальности. Прежде чем создать картину, я вижу ее внутренним зрением, но это не музыка или образы, а скорее чувство. И потом возникает проблема, как перевести это чувство в данную реальность – с резонансом. Цель состоит в том, чтобы как можно ближе подойти к изначальному ощущению, в моем случае использование технологии является идеальным средством для этого. Как вы знаете, она иногда не прощает ошибок, но с годами я научился «вдыхать жизнь» в технику, и я могу сказать, что умею разговаривать с компьютером. Я пытаюсь создать мир возможностей так, чтобы человек смог достичь внешних границ своего ума. Что же касается вопроса о том, как я появился здесь. Я больше не задаюсь этим вопросом. Я знаю, что я здесь, и это самое главное.

Мир Марса Лазара: какой он, как он выглядит?

Во время творчества мир Марса Лазара фантастичен, яростен и впечатляющ. Там нет границ, кроме тех, которые устанавливаю я сам. Я люблю ворваться в этот мир на высокой скорости, обладая техническими средствами, не оглядываясь назад на то, что я сделал – просто надо дойти до конца. Это подобно одновременному просмотру и техническому монтажу 50-ти телепрограмм в реальном времени. В этот период работы время просто не существует. И когда прекращаешь свой первый марафон (он обычно сильно изматывает), кажется, что с его начала прошло 30 минут, хотя на самом деле прошло 14 часов. В это время я работаю с чистой энергией, а потом идет просто техническая работа (довольно скучная), но и ее надо сделать. Остальная часть моего мира довольно скромна. Я люблю комфортабельную жизнь в окружении людей Искусства, фруктовых деревьев и домашних животных. Это хорошая жизнь.

Чем вы увлекаетесь, что любите в этой жизни?

Мои увлечения очень просты: сон, наблюдение людей, прогулки, сноубординг, поездки на велосипеде, общение с природой, изобразительное искусство, путешествия и времяпровождение с людьми, с которыми мне быть приятно, и с теми, кто меня вдохновляет.

Ваше имя достаточно хорошо известно здесь. Что вы хотели бы пожелать нашим читателям и вашим поклонникам в Беларуси и в России?

Желаю вашим читателям и моим поклонникам жизни, полной вдохновения и лишенной границ. Быть за пределами стереотипов и следовать своим мечтам и желаниям. Мне также хочется поблагодарить моих поклонников в Беларуси и России за поддержку в течение многих лет, и я надеюсь, что в будущем я смогу создавать музыку, которая им понравится. Всегда здорово знать, что твоя музыка путешествует по всему миру. Думаю, что одно из преимуществ инструментальной музыки в том, что она находится вне языковых барьеров.

Дискография

1986 Future World

1992 Olympus

1993 The Eleventh Hour

1994 Escape

1996 Babyscapes CD1 - Safe in Sound

1996 Babyscapes CD2 - New Born

1996 Mindscapes. vol. 1 - Fields of Gold

1996 Mindscapes. vol. 2 - Moonlight

1996 Mindscapes. vol. 3 - Satin Skies

1996-The Music of Olympic National Park

1998 11:02

1998 Sapphire Dreams - A Romantic Interlude

2000 11:03 When The World Collide

2001 Big Box

2001 Bog Box: Vertical Velocity

2001 Christmas from Mars

2001 Karma

2002 Blue Maze

2003 Final Frontier

2003 Noctural Diaries

2003 Collaborations

2004 11:04 Panorama

2005 11:22 Arrival

2006 Christmas from Mars 2 [with Jennifer Spalding]

2006 Yosemite - Valley Of Giants

2007 A Star Is Born

2007 At the End of the Day

2008 Baby Escapes vol. 1

2008 Baby Escapes vol. 2

2008 Baby Escapes vol. 3

2008 Baby Escapes vol. 4

2008 Baby Escapes vol. 5

2008 Baby Escapes vol. 6

2008 Baby Escapes vol. 7

2008 Baby Escapes vol. 8

2008 Exotic Intimacy

2008 Grooves from Mars 1

2008 Grooves from Mars 2

2008 MindScapes vol. 4 - Divine Spark

2008 MindScapes vol. 5 - Eterna

2008 Mindscapes vol. 6 - Presence

2008 Mindscapes vol. 8 - Inner Purpose

2008 Revival 11.05

2008 Romantic Collection

2008 Total Intimacy

2009 8 Minute Mindscapes Mediation

2009 In-Flight Metro

2009 In-Flight Relax

2009 Organized Chaos

2010 Final Frontier 2

2010 Jog - Physical Mechanics

2010 Natural

2010 Organized Chaos - 2

2010 Tahoe Spirit

2011 Piano Moods from Mars

2012 After World

2012 Organized Chaos - 3

2015 Piano Moods from Mars 2

2016 Jazz from Mars

Ссылки

http://www.marslasar.com/ - Официальный сайт

Биография

Дэвид Ланц – блестящий пианист, широко известный не только у себя на родине, в Америке, но и во всем мире. Он – одна из наиболее ярких звезд современной инструментальной музыки. Родом Дэвид Ланц из Сиэтла, что на северо-западе США. Его карьера началась еще в далеких 70-х, когда никому еще не известный музыкант солировал на пианино в местных клубных командах, мастерски играя джаз и блюзы. И кто тогда знал, что ему был уготован совсем иной путь в музыке. Время больших перемен в судьбе композитора пришло в начале 80-х.

Одному его другу, проводившему семинар по чакрам и работе с телом, требовалась музыка, иллюстрирующая течение энергии через чакры. Он сделал запись музыки для семинара, и каждый, кто ее слышал, хотел иметь копию. С этой небольшой ленты и началось восхождение Ланца на музыкальный Олимп. Тогда не было ни одного музыкального стиля, даже похожего на то, что он делал, и это определенно не называлось ньюэйджем. Часть музыки к семинару была использована на его первом сольном альбоме «Звуки сердца». Этот диск вышел на фирме Narada в 1983 году. Затем последовали многие альбомы, тепло встреченные критиками и хорошо раскупавшиеся слушателями. Настоящий триумф наступил в 1988 году, когда альбом Ланца (так звали мало известного изобретателя пианино из Амстердама, вдохновившего Дэвида написать эту музыку) взлетел на верхушку ньюэйджевского хит-парада «Биллборда» и уже не покидал ее целых 27 недель! Потом композитор еще очень долго сотрудничал с компанией Narada, выпуская альбомы с красивейшей музыкой, среди которых автобиографический «Возвращение к сердцу» и отдающий дань «британскому вторжению» в 60-х - проект «Песни с английского сада». Музыка Дэвида Ланца невероятна романтична. Она очень светла, легка и при этом глубока, быть может даже, напоена мудростью. И это, конечно, связано с духовным поиском Дэвида Ланца. Теософское Общество, Рудольф Штейнер – вот некоторые из его увлечений. Кстати, в молодости Дэвид не только был большим фэном Кейта Жарретта (Keith Jarrett) и Била Эванса (Bill Evans), но и увлекался музыкой экспериментатора-электронщика Стивена Хальперна (Steven Halpern). Дэвид слушал его музыку, когда занимался йогой. Ему нравилась сама атмосфера музыки Хальперна, но она не цепляла, в ней не было ни мелодии, ни структуры. Начиная свою карьеру, Дэвид пытался передать эту атмосферу, но решил сочинять «реальные» произведения: со вступлением, кульминацией, серединой и кодой. И музыка Ланца имеет вполне традиционную структуру. Интересно, что удивительный случай, предопределивший судьбу Дэвида, произошел с ним, когда ему было всего 4 года: он лежал в траве и видел Иисуса в облаках. Подобные сверхъестественные события происходили в течение всей его жизни, направляли его, чтобы он мог оставаться в соприкосновении с той астральной или нематериальной областью. Некоторые из них перенесены в музыку, которую он исполняет, и другие люди тоже могут проникнуться этим. Сам Дэвид имеет превосходное чувство юмора и даже с самоиронией называет себя забавным именем SNAG, что расшифровывается как «Чувствительный Ньюэйджевский Парень» (Sensitive New Age Guy). Недавно он начал сотрудничать со знаменитой компанией Decca, на которой и вышел его последний на сегодняшний день альбом «К востоку от Луны». Музыка Дэвида очень широко известна в Америке. Дэвид надеется, что благодаря сотрудничеству с компанией Decca Records, которая гораздо крупнее Narada, его музыка сможет распространиться во всем мире.

Цели Дэвида Ланца, которые он хочет достичь в своем творчестве, просты и понятны. Если внимательно посмотреть, то можно увидеть, что он никогда не написал ни одного произведения, содержащее в названии слово «любовь». Его музыка это не любовные песни, а скорее музыка для исцеления. Это то, что Дэвид ставит на первое место, полагая, что это – путь к позитивному изменению в людях. Его задача – это исцеление души. Сегодня мы – существа, «разорванные» по многим различным направлениям сразу. Его музыка – это средство для успокоения нашей тоски по единению, «пути домой». Когда слушаешь музыку Дэвида Ланца, возникает впечатление, что она написана в состоянии большой любви. Благодаря этому она не кажется слишком сложной, но очень глубока и оказывает сильное эмоциональное воздействие на слушателя. Дэвид пишет музыку около сорока лет, большую часть своей жизни. Он провел столько времени в мире своего воображения, что может черпать вдохновение в переживаниях своей жизни, в мифологии и в собственной духовной природе. В его произведениях сквозит желание только высшего добра слушателю создаваемой им музыки. Первой на личность и творчество Дэвида повлияла мать. Она превосходно исполняла буги-вуги на фортепиано, и это одно из первых музыкальных воспоминаний Дэвида. Он рос, слушая Рэя Чарльза (Ray Charles), Нэта Кинга Коула (Nat King Cole), Фрэнка Синатру (Frank Sinatra) и другую популярную музыку сороковых и пятидесятых. Это была музыка, которую любили и играли его родители, когда он был ребенком. В 60-е было много инструментальной поп и рок-музыки, например такая музыка Генри Манчини, как «Розовая Пантера», и «Тема из Ромео и Джульетты», и поэтому Дэвида рано захватили популярные темы инструментальной музыки. Конечно, не обошлось без «Биттлз», которые очень повлияли на него, как и вообще британская поп-музыка 60-70-х. Его уроки игры на фортепиано никогда глубоко не касались классики, и в 12 лет прекратив их, он стал учиться писать и играть рок-н-ролл и изучать как можно больше музыкальных стилей. Это продолжалось несколько десятилетий. Он открыл для себя джаз и классическую музыку, как слушатель, будучи подростком. Музыка Дэвида порой напоминает музыку Сьюзан Чани (Suzanne Ciani). Их музыкальные стили довольно близки, так как она использует в своей музыке мелодичные и простые формы. Идеи и темы альбомов Дэвид приходят из природы, из чтения мифологической и духовной литературы, из жизненного опыта и из использования силы воображения. Порой темы его альбомов развиваться со временем. Когда Дэвид впервые начал записываться, ему приходилось ограничиваться фортепианным соло. Со временем он привлек в свою студию больше музыкантов, его бюджет вырос, и теперь он может себе позволить тратить деньги на настоящих музыкантов: например, использовать живые струнные вместо синтезаторов. У синтезаторов есть свое место в музыке, считает Дэвид, но не в его композициях.

Говоря о творчестве Дэвида Ланца, нельзя не упомянуть его долгое и очень плодотворное сотрудничество с гитаристом Полом Спиром (Paul Speer), а также участие в создании музыки к оригинальным видео проектам «Виды пустыни» и «Природные явления», выпущенным компанией Miramar. Дэвид Ланц ведет преподавательскую деятельность, активно гастролирует. Сочиняя музыку, он используют большое акустическое фортепиано, но иногда играет на барабанах – для удовольствия и практики. В свое время Дэвид с удовольствием работал над созданием музыкальных видео- программ с видами природы. Они делались в сотрудничестве с режиссером Йэном Никманом (Jan Nickman) и продюсером Полом Спиром (Paul Speer). Компания Miramar была специально создана, чтобы делать такое видео. Эти работы были реакцией на новую (для того времени) видео-революцию MTV (середина 1980-х). Использование природы в сюжетах прекрасно сочетались с музыкой. Это была музыка того времени. Их взаимоотношения с Полом Спиром были очень плодотворными, они работали над десятком музыкальных проектов и разработали очень популярный стиль. Пол умел дополнять фортепиано Дэвида своей гитарой. Также одно время он работал вместе с Дэвидом Аркенстоуном (David Arkenstone).

Сайтом Дэвида занимается его племянник Аарон Коллинз (Aaron Collins), замечательный молодой веб-дизайнер. Сайт содержит в основном информацию о музыке, концертах и других музыкальных проектах, в которых участвует Дэвид. Дэвид все время сочиняет новую музыку. Он любит путешествовать – бывал в Испании, а также некоторых других частях Европы, в Корее и Японии. Путешествия помогают ему расширить представление о мире. Сейчас Дэвид живет в Сиэтле (Seattle), штат Вашингтон, в северо-западной части Америки, в очень красивом месте. Здесь много гор, рек, озер, рядом Тихий Океан. Это вдохновляет его сочинять новую музыку. Он живет вместе с женой, она консультант по духовным вопросам, и сыном-подростком, который играет на барабанах в рок-группе. Дэвид уверен, что его музыка говорит сама за себя. Она полна надежды на будущее.

Forever Christmas Рождество давно уже превратилось в главный семейный праздник, способный объединить множество людей независимо от религиозных убеждений и разности духовных традиций. Просто где-то, примерно посередине зимы, наступает такое время, когда душа, уставшая от коротких дней и длинных, снежных ночей, особенно нуждается в светлом покое и семейном тепле и уюте – а именно это в конечном итоге и способно подарить Рождество, собирающее семьи и друзей вместе в одну великую, сакральную ночь. Именно в эти часы, когда многие верят, что в тихом шепоте метели слышны голоса спустившихся на Землю ангелов, Чудо становиться реальным и близким – и это ощущение люди стремятся сохранить в сердце, продлить как можно дольше. Музыка на совместном альбоме известного пианиста, номинанта на премию Грэмми Дэвида Ланца и вокалистки Кристин Амари, чей голос стал одним из главных открытий последних лет, как раз и ставит перед собой задачу продлить ощущение Рождества, сделать его почти бесконечным, сохранив глубоко в сердце его уютный и нежный огонь. Все, что вы связываете с настроением этой ночи, вы услышите на Forever Christmas: легкие, красивые, размеренные мелодии, сыгранные настоящим мастером на фортепиано и наполненные любовью, теплом и радостью; нежные и возвышенные вокализы и песни, в которых фигурируют ясли, младенец Иисус, белый снег, яркие огни, замерший тишиной в преддверии чуда мир, слова прощения и самые главные в жизни признания друг другу. Помимо клавиш и голоса мы также услышим отлично вписавшиеся в общее настроение (переданное визионерской живописью Мартина Шпрингетта) партии акустической гитары и дудочек в исполнении очень известного в мире инструментальной музыки дуэта Нэнси Рампел и Эрика Тингстада, бас-гитары Кейта Лоу, виолончели Уолтера Грэя и других инструментов – и действительно, Рождество это отличный повод собраться вместе и творить. Дэвид и Кристи, конечно, используют названия традиционных праздничных гимнов (Oh Holy Night, Silent Night), но не банально переигрывают их в тысячный раз, а изящно преподносят их мотивы и темы в новом ключе, преломляя их сквозь призму своих талантов, за что им отдельное спасибо. Очень хороший альбом – и музыка красивая, и настроение передано идеально. Forever Christmas действительно способен зажечь огонек праздника не только зимними вечерами, но и любыми другими, да и тепло любящих сердец она разжигает с новой силой – важно только верить в Чудо и ждать его, независимо от времени года.

Интервью

Когда слушаешь Вашу музыку, возникает впечатление, что она написана в состоянии большой любви. Благодаря этому Ваша музыка, которая не кажется слишком сложной, очень глубока и оказывает сильное эмоциональное воздействие на слушателя. Что Вас вдохновляет на ее создание? Как бы Вы сами объяснили, почему она оказывает такое влияние на слушателя?

Мне нравится ваше выражение – «большая любовь». Я пишу музыку около сорока лет, большую часть моей жизни. Я столько времени провел в мире своего воображения, что могу «идти глубоко», как вы говорите, и черпать вдохновение в переживаниях моей жизни, в мифологии и в моей собственной духовной природе. Я желаю только высшего добра слушателю создаваемой мною музыки.

Каковы Ваши творческие «корни»? Кто и почему больше всего повлиял на Ваше творчество?

Я могу поблагодарить очень многих создателей музыки за вдохновение и влияние. Первой на меня повлияла моя мать. Она приводила меня в восторг своим исполнением буги-вуги на фортепиано, это одно из моих первых музыкальных воспоминаний. Я рос, слушая Рэя Чарльза (Ray Charles), Нэта Кинга Коула (Nat King Cole), Фрэнка Синатру (Frank Sinatra) и другую популярную музыку сороковых и пятидесятых. Это была музыка, которую любили и играли мои родители, когда я был ребенком. В 60-е было много инструментальной поп и рок-музыки, например Telstar, Pipeline, Theme From a Summer Place, Exodus, Theme From Route 66, такая музыка Генри Манчини, как Peter Gunn, The Pink Panther, и The Theme From Romeo and Juliet, и меня рано захватили популярные темы инструментальной музыки. Битлз очень повлияли на меня в свое время, как и вообще британская поп-музыка 60-70-х. Мои уроки игры на фортепиано никогда глубоко не касались классики, и в 12 лет я их прекратил, и стал учиться писать и играть рок-н-ролл и изучать как можно больше музыкальных стилей. Это продолжалось несколько десятилетий. Я открыл для себя джаз и классическую музыку, как слушатель, будучи подростком. Я испытал много разнообразных влияний. В конце 60-х и в 70-е я также любил слушать классическую индийскую музыку, фанк, соул, и даже немного кантри в стиле Флойда Крамера (Floyd Cramer). Музыка группы Procol Harum тоже чрезвычайно повлияла в юности на мой подход к сочинительству. Я думаю, что не стоит перечислять огромное количество классических композиторов и джазовых пианистов, так что давайте перейдем к следующему вопросу.

Хорошо. Нам будет очень интересно узнать, каково Ваше впечатление от творчества музыкантов Windham Hill Records? Повлияло ли оно на Ваш творческий поиск?

Есть параллели между музыкой Windham Hill и той, что делаю я. Меня вдохновил тот факт, что музыку Джорджа Уинстона так хорошо приняли. Я никогда до тех пор не думал, что соло на фортепиано может быть таким популярным. Эта студия выпустила очень много чудесной музыки.

Ваша музыка напоминает музыку Сьюзан Чани (Suzanne Ciani). Ваши музыкальные стили довольно близки. Интересно, знаете ли Вы музыку Сьюзан Чани, и каково Ваше отношение к ее творчеству?

Я слышал многое из ранних работ Сьюзан. Ее стиль похож на мой, так как она использует в своей музыке мелодичные и простые формы.

Каковы Ваши впечатления от группы The Wave, выступающей вместе со Сьюзан Чани и включающей некоторых известных исполнителей Windham Hill, и музыкантов, в ней участвующих?

Я знаю о группе, о которой вы спрашиваете, но, к своему стыду, никогда их не слышал. Хотя со Сьюзан я знаком, и однажды у нас было короткое совместное турне.

Где и как Вы обычно находите идеи для своих альбомов? Каков Ваш стиль творческой работы?

Идеи и темы моих альбомов приходят из природы, из чтения мифологической и духовной литературы, из жизненного опыта и из использования силы воображения! Я позволяю темам альбомов развиваться со временем. Это действительно органическое явление.

Какие музыкальные инструменты Вы используете в своей работе в настоящее время?

Сочиняя, я использую большое акустическое фортепиано, но также люблю играть на барабанах - для удовольствия и практики!

Нам хочется узнать о Вашей работе над альбомом East of the Moon. Как возникла идея его создания? Почему Вы решили реализовать этот проект сейчас, перед началом нового тысячелетия? Какие идеи вдохновили Вас записать сюиту World In Peace? Расскажите, пожалуйста, немного о ее создании.

Что касается технической стороны, пожалуйста, посмотрите Making of East the Moon на моем сайте http://www.davidlanz.com. Там вы найдете много информации о записи этого диска. Оригинальным заголовком и темой диска было A Time for Peace. Я работал над этой концепцией год или около того, и со временем название изменилось на One World и затем на окончательное – East of the Moon. Джон Теш (John Tesh) выпустил диск под названием One World, и мне пришлось пересмотреть свой подход и тему. Музыка World At Peace – это концепция, для реализации которой я ожидал начала нового тысячелетия. Это казалось подходящим временем, временем для мира. Это мое музыкальное видение мира и часть моей персональной мифологии. Остальные мои новые альбомы посвящены древним мифологическим темам. Интерес к «Зеленому Человеку» (из кельтской мифологии) привел меня к книге с тем же заглавием, которая дала название East of the Moon. Его цитировал «Зеленый Человек» в древней истории, приведенной в этой книге.

Не могли бы Вы рассказать о тех из Ваших альбомов, которые Вы считаете самыми важными и интересными в Вашем творчестве? Как они были созданы?

Для меня важна вся моя работа. Когда я впервые начал записываться, мне приходилось ограничиваться фортепианным соло. Со временем я привлек в свою студию больше музыкантов, мой бюджет вырос, и я смог себе позволить тратить деньги на настоящих музыкантов: например, использовать живые струнные вместо синтезаторов. У синтезаторов есть свое место в музыке: но обычно не в моих композициях.

Что для Вас важно выразить своей музыкой?

Каждая песня говорит мне, что ей нужно, чтобы явиться к жизни. Я верю в душу песни. А душе нужна свобода говорить. Вот это и нужно выразить.

Насколько мы знаем, вы один из пионеров создания музыкальных видеопрограмм с видами природы. Расскажите, пожалуйста, о создании Ваших видеопрограмм и сотрудничестве с компанией Miramar. Как мы знаем, к настоящему времени Вы создали три видеопрограммы (Through The Hands of David Lanz, Desert Vision и Natural States) Какая из них – Ваша любимая? Планируете ли Вы продолжать работу над подобными музыкальными видео-проектами?

Я с удовольствием работал над Natural States и Desert Vision. Они делались в сотрудничестве с режиссером Йэном Никманом (Jan Nickman) и моим продюсером Полом Спиром (Paul Speer). Компанию Miramar мы создали, чтобы делать такое видео. Сейчас ситуация изменилась, и мы больше не владельцы Miramar. Эти работы были нашей реакцией на новую (для того времени) видео-революцию MTV (середина 1980-х). Мы использовали природу, и наши сюжеты, похоже, прекрасно сочетались с нашей музыкой. Это была музыка того времени, и у нас нет планов делать это снова. Йэн Никман теперь работает главным образом с компьютерной графикой. Through The Hands Of David Lanz – это методическое видео, предназначенное для тех многочисленных учеников и учителей игры на фортепиано, которые исполняют мою музыку. Нотные тетради с моей музыкой очень популярны в Америке, и я хотел поделиться своим подходом, своим стилем игры и немного – своей философией музыки.

Что Вы думаете о перспективах и тенденциях развития музыкального видео в 21-м веке?

Поживем-увидим.

Нам было бы очень интересно узнать о Вашем сотрудничестве с музыкальными компаниями, выпускающими Ваши альбомы. Почему Вы сотрудничаете именно с этими компаниями? С какой компанией Вы сотрудничаете в настоящее время?

Моя музыка очень широко известна здесь, в Америке. До недавнего времени моим лейблом был Narada. Теперь я сотрудничаю с компанией Decca Records и надеюсь, что это поможет распространить мою музыку в мире. Эта компания гораздо крупнее, и ее дистрибьюторы работают почти во всем мире.

Не могли бы Вы рассказать о Вашем сотрудничестве с Полом Спиром?

Наши взаимоотношения были очень плодотворными, мы работали над десятком или около того музыкальных проектов. Мы разработали очень популярный стиль. Пол был очень хорош в студии и умел дополнять мое фортепиано своей гитарой. Как любые взаимоотношения, это способствовало дальнейшему развитию для нас обоих.

Планируете ли Вы другие совместные проекты с Полом?

В настоящее время – нет.

Не могли бы Вы рассказать немного о Вашем сотрудничестве с Дэвидом Аркенстоуном (David Arkenstone)? Что Вы думаете о его творчестве? Планируете ли Вы с ним новые совместные проекты?

Аркенстоун – это великий музыкант, и я уверен, что его лучшие работы еще впереди. Мы сотрудничали с одной и той же компанией, и нас свели вместе из коммерческих соображений. Я бы хотел еще с ним поработать, но в настоящее время таких планов у меня нет.

Кого из музыкантов можно назвать Вашими друзьями? Кто помогает вам в Вашей творческой работе?

Я могу назвать своими друзьями всех музыкантов, с которыми работал. Я открыт для сотрудничества со всеми хорошими исполнителями. Моя творческая работа в руках «Великой Музы», которая присутствует во всех хороших музыкантах и студийных техниках. Я открыт для свободного обмена идеями в студии.

Как насчет турне? Даете ли Вы концерты?

Сейчас у меня турне, посвященное моему последнему диску. Оно длится весь этот год с перерывами, отрывая меня от семьи, от работы над другими проектами и от сочинения музыки.

Когда и как возникла идея создания вашего личного сайта? Какие идеи были использованы при его создании? Кто помог Вам в реализации этого проекта?

Мои менеджеры посоветовали мне заняться своим сайтом, и теперь его поддерживает мой племянник Аарон Коллинз (Aaron Collins), замечательный молодой веб-дизайнер. Сайт содержит в основном информацию о моей музыке, концертах и других музыкальных проектах, в которых я участвую.

Какие религиозные и философские взгляды Вам близки? Каков Ваш духовный поиск? Занимаетесь ли Вы какими-либо духовными практиками? Принимали ли Вы или принимаете теперь участие в каких-либо духовных курсах или встречах?

Многие годы я сознаю свою духовную природу. Я изучал различные философские системы, восточные и западные. Я ежедневно медитирую, но не следую никакой религии. Я верю, что Бог есть во всех вещах, всех людях и всех явлениях. Музыка, несомненно, божественна!

Как Ваша музыка соотносится с Вашим духовным поиском?

Музыка – отражение души: она может быть хорошей, плохой или индифферентной. Музыка для меня очень духовна. Я не вижу какого-либо предпочтения в моей работе.

Каковы ваши творческие планы? Над чем Вы сейчас работаете? Когда мы сможем услышать Ваш новый альбом?

Я все время сочиняю новую музыку. Но новый альбом, как таковой, еще не планируется. Возможно, через год я смогу говорить о новом проекте.

Любите ли Вы путешествовать? В каких странах и местах Вам больше всего нравится бывать?

Я бывал в Испании: люблю Испанию, а также некоторые другие части Европы, Корею и Японию. Я люблю всех людей, и путешествия помогают расширить мое представление о мире. И, конечно, я когда-нибудь с удовольствием отправлюсь в ваши края!

Где Вы сейчас живете? Нравится ли Вам это место? Какая у вас семья?

Я живу в Сиэтле (Seattle), штат Вашингтон, в северо-западной части Америки. Тут очень красиво. Много гор, рек, озер, рядом Тихий Океан. Это очень вдохновляет меня сочинять музыку! Я живу с женой, она консультант по духовным вопросам и сыном-подростком, который играет на барабанах в рок-группе.

Что Вас интересует в жизни? Каковы Ваши долгосрочные цели?

Моя цель в жизни – продолжать распространять мою музыку, чтобы она охватила как можно больше людей нашей планеты. Мое послание – послание мира и единства. Мирный мир – вот что меня более всего заботит в жизни. Начиная с моей семьи и заканчивая моей музыкальной работой.

Что такое, на Ваш взгляд, музыка нью эйдж? Как бы Вы ее определили? Какие перспективы и тенденции Вы видите в музыке нью эйдж, и вообще в музыке в 21-м веке?

Это на самом деле не музыкальный термин, так что определить трудно. Я уверен, что моя музыка говорит сама за себя. Она полна надежды на будущее. Я надеюсь, что музыка и дальше будет способствовать тому, чтобы люди раскрывали свой высочайший потенциал. О большем нельзя и просить!

Дискография

1983 Heartsounds

1985 Natural States [with Paul Speer]

1985 Night Fall

1985 Solstice [with Michael Jones]

1987 Desert Vision [with Paul Speer]

1987 Woodlands [with Eric Tingstad, Nancy Rumbel]

1990 Christophoris's Dream

1990 Skyline Firedance 2CD

1991 Return to the Heart

1993 Bridge Of Dreams [with Paul Speer]

1994 Christmas Eve

1995 Beloved

1996 Convergence [with David Arkenstone]

1996 Sacred Road

1998 Songs from an English Garden

1999 An Evening with

1999 East of the Moon

1999 White

2001 Love Songs

2002 Finding Paradise

2002 Romantic - The Ultimate Narada Collection 2CD

2003 Symphonic Session

2004 The Good Life

2005 Angel In My Stocking

2005 Best of

2005 Spirit Romance [with Gary Stroutsos]

2007 A Cup of Moonlight

2007 Living Temples [with Gary Stroutsos]

2008 Painting the Sun

2009 Liverpool - Re-Imagining the Beatles [with Larry Knechtel & Gary Stroutsos]

2012 Here Comes the Sun [with Gary Stroutsos, Walter Gray & Keith Lowe]

2013 Cristofori's Dream... Re-Envisioned

2013 Movements of the Heart

2014 All is Calm [with Kristin Amarie]

2014 Forever Christmas [with Kristin Amarie]

2015 Silhouettes of Love [with Kristin Amarie]

Ссылки

http://www.davidlanz.com/ - Официальный сайт

Биография

Грег Лэйк (англ. Greg Lake, полное имя Грегори Стюарт Лэйк, англ. Gregory Stuart Lake; родился 10 ноября 1947 года, Пул, Дорсет, Англия) – британский бас-гитарист, гитарист, вокалист, автор песен и продюсер, наиболее известный как участник King Crimson и супергруппы Emerson, Lake and Palmer.

Лэйка считают одним из крупнейших талантов британской сцены прогрессивного рока и в качестве автора, и в качестве исполнителя. У него характерный тембр голоса и свой стиль игры на гитаре. Его музыкальный талант начал проявляться рано, один из хитов ELP Lucky Man он написал ещё учась в школе.

Грег родился и вырос в самой бедной части портового Борнмаута. Гитару Лэйку подарила мать на двенадцатый день рождения. Немного позже он стал посещать уроки гитарного мастерства, которые давал местный учитель Дон Страйк. На этих уроках Грег познакомился с еще одним студентом Страйка по имени Роберт Фрипп; вскоре они стали друзьями.

Грэг Лэйк в 1978 году.

До 1968 года Лэйк играл в различных местных группах, пока, наконец, не остановил свой выбор на The Gods, где выступали Кен Хенсли и Ли Керслейк. Тогда же в полной мере проявился сочинительский талант Лэйка. Лэйк покинул группу после того, как Роберт Фрипп, игравший тогда в Giles, Giles and Fripp, пригласил его в свой новый проект, названный King Crimson. В 1970 году Лэйк принял предложение от экс-клавишника The Nice Кита Эмерсона войти в его новый проект.

Первыми коллективами Лейка стали Unite Four, Shame и Shy Limbs. С группой Shame ему даже удалось записать сингл. Но первым серьезным составом стал The Gods, к которому он присоединился в 1968-м году, и где играли будущие музыканты Rolling Stones и Uriah Неер. Покинув The Gods незадолго до начала записи альбома, Лэйк очутился в рядах King Crimson (естественно, по предложению старинного приятеля Роберта Фриппа), где и пробыл около года, записавшись на втором альбоме In The Wake Of Poseidon (1970).

Очень скоро Грег стал частью легендарной группы Emerson, Lake & Palmer, с которой и добился наибольшего успеха за всю свою карьеру. Музыканты записали альбомы, проданные десятками миллионов экземпляров и совершили несколько гигантских турне. В составе этого трио Лэйк проработал до 1979-го года, когда популярность ELP стала заметно падать, и он предпочел заняться сольной карьерой.

Его дебютный альбом Greg Lake вышел в 1981-м году, и Грегу удалось подобрать для его записи отличную, но недолго просуществовавшую группу: гитарист Гэри Мур (Gary Moore, ex-Skid Row, G-Force, Thin Lizzy), ударник Тед МакКенна (Ted McKenna, ex-Rory Gallagher, Sahb), и клавишник Томми Эйр (Tommy Eyre, ex-Joe Cocker). Звучание нового репертуара резко отличалось от ELP, так как было ориентировано на гитару, а не на клавишные. Альбом попал на то же самое 62-е место в хит-парадах Британии и Америки, и состав даже выступил на фестивале в Ридинге и провел небольшое турне прежде, чем распасться.

Свой второй сольный альбом Manoevres Лэйк записывал вдвоем с Гэри Муром, и диск получился не слишком убедительным, что подтолкнуло Грега к идее уйти на время из музыкального бизнеса. Вернулся он лишь в 1985-году, на некоторое время подменив вокалиста в супергруппе Asia. А год спустя вошел в проект Emerson, Lake & Powell. Проект оказался не слишком удачным, и вскоре Лэйк стал участником трио Ride The Tiger, куда также вошли клавишник Джефф Даунс (Geoff Downes, ex-Buggles, Yes, Asia) и ударник Майкл Гайлс (Michael Giles, ex-King Crimson).

Бывшие соратники по ELP пригласили Лейка поучаствовать в съемках фильма о группе, что привело к полномасштабному возрождению ELP в 1992-м году. Время от времени Грег Лэйк дает сольные концерты, выпускает концертники и антологии.

Дискография

1981 Greg Lake

1983 Manoeuvres

1995 In Concert

1998 From the Underground

2003 From the Underground vol. 2

2006 From the Beginning 2CD

2013 Songs of a Lifetime

2015 London '81 [live]

2015 Ride the Tiger [with Geoff Downes]

Ссылки

http://www.greglake.com/ – Официальный сайт

Биография

В на отделении классической музыки Дюссельдорфской консерватории знакомятся студенты Ральф Хуттер (Ralf Hutter) и Флориан Шнайдер-Эслебен (Florian Schneider-Esleben). Хуттер обучается игре на гитаре, Шнайдер – на флейте. Вместе с басистом Батчем Хауфом (Butch Hauf), ударником Фредом Мониксом (Fred Monicks) и певцом Бэзилом Хаммоуди (Basil Hammoudi) они организуют группу Organisation, которая в своих творениях прочно ориентировалась на Pink Floyd и ранних Tangerine Dream. Они выпустили два диска, позже переизданные в Англии двухдисковым комплектом. Хуттер и Шнайдер, вместе с клавишником Клаусом Дингером (Klaus Dinger) и гитаристом Андреасом Хоманном (Andreas Hohmann) организуют Kraftwerk.

Отделившись от квинтета, они стали записываться на студии Конни Планка, расположенной в центре нефтеперегонного завода, среди грохота, дыма, свиста и огня – и тесное промышленное окружение было тщательно впаяно в создаваемую ими музыку. Первый альбом Kraftwerk, записанный в июле-августе, выходит на недавно основанной компании Philips в конце 1970 года. Песня Ruckzuck с этого альбома используется в телевизионном журнале Kennzeichen D. в качестве основной музыкальной темы (впоследствии эта тема была заменена на переработанную, а затем на другую, не связанную с Kraftwerk), и становится первой песней Kraftwerk, исполненной на немецком телевидении. Альбом распродается в количестве свыше 60000 экземпляров и входит в немецкий Top30. Пару месяцев группа играет секстетом – к ним присоединяются также гитарист Михаэль Родер (Michael Rother) и басист Эверхард Кранеманн (Eberhardt Krahnemann). В этом составе на студии Конни Планка создается запись, никогда не опубликованная впоследствии. Хоманн и Хуттер выходят их состава группы, однако Хуттер через небольшой период времени возвращается. За это время в виде трио Шнайдер-Дингер-Родер Kraftwerk впервые выступает на немецком телевидении с песней Ruckstoss Gondoliere (эта песня впоследствии появлялась на различных изданиях под названием Vor Dem Blauen Bock) в шоу под названием Beat Club. В конце года Родер и Дингер покидают Kraftwerk и организуют группу Neu!, выпустившую впоследствии три диска. Теперь Kraftwerk состоит из двух человек - Хуттера и Шнайдера. В 1971-1972 году они организуют свой первый концертный тур, в котором кроме них участвуют Плато Ривера (Plato Rivera) и Эмиль Шульт (Emil Schult).

Второй альбом, Kraftwerk 2, выходит в начале 1972 года также на Philips. Журнал Sounds избирает Kraftwerk как «самая популярная группа года», Флориан Шнайдер занимает вторую строчку в категории «музыкант года» а песня Ruckzuck становится «песней года». Kraftwerk 2 записывается всего за семь дней – с 26 сентября по 1 октября 1971 года, распродается в количестве 50000 копий и занимает в хит-параде Германии 36-е место. В качестве сессионного музыканта к Kraftwerk присоединяется Вольфганг Флур (Wolfgang Flur). На альбоме обнаруживается сильное влияние Джона Кэйджа, Карлхайнца Штокхаузена и Терри Райли, равно как и продолжающееся влияние Pink Floyd – но сделанная в таком ключе композиция Ruckzuck вполне подходила для западногерманских дискотек. Следующие композиции дуэта (Конни Планк остался инженером) вполне укрепили их «человеко-машинный имидж». «Мы выдумываем истории и музыкально их иллюстрируем, – лаконично разъяснял Kraftwerk свою звуковую концепцию, – а затем приводим музыку в законченный вид следующим образом: вверх-вниз; вперед-назад; быстро-медленно; громко-тихо; горизонтально-вертикально; мягко-жестко; сгущенное-разреженное; чарующее-безобразное; глухое-звонкое». Но красочным звучание их музыки назвать было нельзя даже с большой натяжкой. Гармоническое заполнение обеспечивалось чаще всего одной и той же клавишей органа в нижнем регистре и дополнялось грубыми, механическими промышленными звучаниями, реальностью повседневной жизни крупного европейского города: внезапные звуки, трудноидентифицируемые шумы, к музыке вообще не имеющие никакого отношения – и это в противоположность сложным и тщательно выстроенным композициям других немецких адептов электронной музыки, как, например, Tangerine Dream.

Третий альбом Ralf & Florian был гораздо более цветистым, с бьющим через край энтузиазмом, свежей текстурой и ясным битом. Он записывается в июле и выпускается на Philips в октябре. На концертных выступлениях к группе иногда присоединяется Плато Костик (Plato Kostic), впоследствии афинский архитектор. Этот диск упрочил репутацию ансамбля в США и Англии, а сингл, вырезанный из исходной записи, попал в списки и был принят авангардными кругами. Вместе с тем их «гипнотическая прелесть проходов синтезатора» (Billboard) стала электронной пищей настроенного на легкое слушание среднего американского любителя рока – в этой стране группа оказалась вторым коммерчески успешным западногерманским ансамблем после Nectar. Но сами Kraftwerk не смогли собрать достойный урожай – они уступили в 1974 году право на альбом за 2 тысячи долларов.

Окончательно проникшийся философией Kraftwerk, перкуссионист Вольфганг Флур становится полноправным членом группы. Немногим позже присоединяется скрипач и гитарист Клаус Редер (Klaus Roeder). Этим составом в ноябре записывается четвертый альбом – Autobahn. Autobahn стал последним альбомом, выпущенным на студии Philips. Kraftwerk становится группой с мировым именем. Сингл Autobahn занимает в США 25-е место, в Англии – 10-е, в Германии – 9-е. Одноименный альбом: в США – 5-е место, в Англии – 4-е, в Германии – 7-е. За этот альбом в первый раз за свою историю Kraftwerk удостаивается всемирной награды Golden Records Awards. Успех альбома Autobahn позволяет музыкантам основать собственную студию грамзаписи – Kling Klang. Для поиска подходящего звукового материала они начали практиковать вечерние автопробеги по скоростной автостраде. Высунув микрофон в окно автомобиля, музыканты записывали звуки, к которым наши уши либо привыкли и потому тщательно отфильтровывают, либо никогда не воспринимали: шумы автострады, сигналы клаксонов, шипение сжатого воздуха. И еще – человеческое дыхание, усиленное фонендоскопом; настройка радиоприемника; щелчки реле на телефонных станциях. В своей студии Kling Klang они попытались воспроизвести эти звуки с помощью современных музыкальных (и не только музыкальных) электронных инструментов. Кажется, что этот диск демонстрирует слушателям, как бы прореагировал на наше урбанистическое пекло попавший в него средневековый мастеровой – на его неподготовленный слух давит грохот промышленных предприятий, гул грузовиков, лавина звуков, среди которых мы рождаемся, живем и умираем, но которые мы уже научились не замечать. Музыканты-изобретатели сумели превратить хаос в порядок: эти звуки организованы в эффектные мелодии.

В октябре 1975 Клауса Редера заменяет Карл Бартош. Сформировавшийся таким образом состав (Хуттер, Шнайдер, Бартош, Флур) остается неизменным 15 лет. В ноябре выходит альбом Radio-Aktivitat, занявший в Германии 22-е место. В этом альбоме Kraftwerk нагрузили свой металлорок в композициях Heimatklange, Tanzmusic, Morgenspaziergang и Mitternacht каламбурами и легко слушаемой электроникой, на второй стороне альбома ударившись в слишком частое использование радиопозывных и космических помех. Точный и ясный бит электронных инструментов сливался с довольно бессмысленными «технологизированными» звучаниями в откровенно коммерческую музыку с частыми ссылками на успешного предшественника. Всемирное переиздание этого альбома осуществляется фирмой EMI.

Эта же студия переиздает Ralf & Florian – альбом занимает в США 160-е место. В январе 1976 выходит Radio-Activity, английская версия Radio-Aktivitat, отличающаяся лишь оформлением. Однако, начиная со следующего диска, альбомы Kraftwerk действительно выходят на двух языках. Сингл «Radioaktivitat» добивается огромного успеха. Во Франции продается более миллиона копий, в Германии он получает приз Golden Record Award за продажу более чем 100000 экземпляров. 10 октября в London Roundhouse впервые представлен прототип «танцующего музыканта» (что-то вроде светомузыкальной ударной установки). Альбом Showroom Dummies в полной мере представил юмор, которым обладал ансамбль. Как всегда, нагруженный ударными и звуками большого шоссе (в титульной композиции и Europe Endless) , диск содержал песню Showroom Dummies, в которой высмеивался шоу-бизнес.

В первой четверти 1977 года выходит Trans Europe Express, занявший в Германии 32-е место. Альбом становится «индустриальной библией» для многих последующих музыкантов. В процессе записи музыканты знакомятся с Дэвидом Боуи, который впоследствии немало способствовал их популярности. В июне 1978 альбом Trans Europe Express достигает в США 67-го места.

Еще большей уступкой коммерческим запросам оказался альбом The Man Machine, где была музыка подчеркнуто машинная и холодная и демонстративно электронная – в ней уже нет ничего общего с творениями Pink Floyd и Tangerine Dream, которые никогда не писали кибернетической музыки. Обычный для роковой музыки инструментарий Kraftwerk не признавали вообще. «Гитару невозможно использовать в ХХ веке. Этот инструмент родом из средневековья», – говорил Хуттер. Казалось, что из музыки ансамбля удалено все человеческое, но холодные причудливые звуки, пропущенные через синтезатор, завораживали и увлекали. Как говорил Хуттер, это «очарование, содержащее долю ужаса». И после каждой новой пластинки ансамбля в рок-музыке появлялось множество новшеств: новые способы использования электронных ударных, новые способы микширования, новые приемы подачи материала. Электро- и синтез-поп 80-х практически целиком на совести Kraftwerk. Любая синтезаторная вставка в мелодиях этого десятилетия несла в себе гены «Автобана». Сингл Die Roboter занимает в Германии 5-е место. Альбом поднимается на 12-е место в Германии и на 9-е место в Англии, продается более чем 100000 копий (во Франции – 200000).

В 1981 выходит восьмой альбом Computer World (Computerwelt). Часть тиража EMI сопровождает карманным калькулятором с надписью «Kraftwerk-Computerwelt». В Англии альбом занимает 15-е место, в Германии – 7-е. В первые же два месяца в Германии продается более 65000 копий. В 1982 из-за нарастающего интереса к так называемой «новой немецкой волне» в немецком Top10 на 7-м месте появляется сингл Die Roboter четырехлетней давности. Английская версия сингла, The Robots, оккупирует первое место английского хит-парада не менее чем на три недели. В феврале альбом «Trans Europe Express» опять появляется в хит-парадах Англии и достигает 49-го места. На счету ансамбля и сценические изобретения. Так, во время исполнения музыки с альбома Computer World, желая подчеркнуть свою связь с компьютерами, музыканты ставили на сцене несколько дополнительных синтезаторов, за которыми располагались манекены, фигурами, одеждой и лицом напоминавшими членов ансамбля. На обложке этого лонгплея они провозглашали: «Это музыка, которую могли бы писать роботы, но пока они этого делать не умеют. Такую музыку пишем мы, посредники между роботами и людьми, «роботоиды». Движения музыкантов на сцене напоминали движения роботов – этот прием был использован в концертных выступлениях.

Планирующийся к выходу в 1983 году альбом Techno-Pop по непонятным причинам так и не выходит. Вместо него выходит Tour De France – единственный сингл Kraftwerk, выпущенный без привязки к какому-либо альбому. Tour De France занимает 20-е место в Англии и 47-е – в Германии, однако во Франции продано всего 75000 его копий. В декабре в Германии выходит ремикс Tour De France. В 1984 ремикс Tour De France (Breakdance Version) занимает в США 28-е место. В сентябре 1986 года выходит сингл Musique Non Stop, достигший в Германии 13-го места. На основе неизданного альбома Techno-Pop в ноябре выходит девятый альбом группы – Electric Cafe. В Англии он достигает 40-го, а в Германии – 23-го места. Альбом Electric Cafe вновь акцентировал внимание на индустриальных шумах нашего времени: эдакая смесь романтических иллюзий с радиопомехами. Так бы мог звучать Вагнер в аэропорту: на фоне гула двигателей, голоса диктора, объявляющего номера рейсов. Музыку Kraftwerk кто-то назвал ритм-энд-блюзом атомной эры. Может лучше - компьютерной? Да, группа популяризовала компьютеры. На одном из концертов в Дюссельдорфе они даже раздавали карманные компьютеры зрителям. Кто хотел, мог поиграть со светом, заменить тембр синтезаторов, самостоятельно перестроить ритм-машину. В интервью Хуттер говорил: «...необходимо созидание, развитие активного творческого начала у каждого. Люди должны пробовать себя в искусстве – где, как не в искусстве, раскрывается творческое начало? Любой человек должен иметь возможность воплотить свой замысел во что-то реальное. Человек учится по-новому работать с информацией при помощи компьютера, но компьютер лишь средство. А конечный продукт – будь то музыка или гвоздь – результат сотрудничества человека и машины. Нового сотрудничества, нового творчества – к этому мы готовим публику на наших концертах». В феврале 1987 года выходит сингл Der Telefon Anruf. В 1990 Kraftwerk исполняет в Италии сразу 4 концерта. К этому времени Вольфганг Флур уже покинул группу, и его место занял Фриц Хильперт (Fritz Hilpert). Объявлено о выходе очередного альбома, однако никакой работы по записи новых композиций не производится.

В 1991 году из группы уходит Карл Бартош, и на некоторое время его заменяет Фернандо фон Абрантес (Fernando von Abrantes), однако вскоре его сменяет Хеннинг Шмитц (Henning Schmitz). В июне выходит 10-й альбом, The Mix, который занимает в хит-парадах Германии 7-е место. Kraftwerk начинает свой тур 1991-1992 года по Европе – «The Mix Tour». Его сопровождает вышедший в мае сингл Die Roboter, а в октябре выходит второй сингл – Radioaktivitat. В 1992 Kraftwerk выступает в Манчестере с концертом «Stop Sellafield» против дальнейшего разрастания ядерного завода в Селлафилде. В первый раз за свою историю группа разрешает использовать свое название в рекламе – для фирмы Doepfer. Карл Бартош вместе с Лотаром Мантейфелем создает группу Elektric Music и выпускает первый сингл – Crosstalk.

В 1995 году Kraftwerk официально регистрирует свои права на слово «Klangwerk». В сентябре EMI проводит переиздание всех альбомов на компакт-дисках, начиная с Autobahn. В апреле планируется к выходу книга «Mensch, Maschine und Musik», однако после некоторых разбирательств книга переименовывается в «Synthesizer, Sounds und Samples» и выходит только в июле. В 1996 году Kraftwerk открывает свой официальный сайт в Интернете. После почти четырех лет молчания Kraftwerk дает очередной концерт – 24 мая 1997 года на фестивале Tribal Gathering в Luton Hoo. 10 октября дается очередной концерт в Линце, Австрия, а двумя днями позже еще один – в Карлсруэ, в центре искусств и технологий ZKM. На обоих концертах в числе прочего играется новый материал. В 1998 году Хуттер и Шнайдер празднуют тридцатилетие совместной работы, и в честь этого начинают всемирный концертный тур (Япония, США, Испания, Дания, Аргентина и Бразилия).

Однако на концертах играются только две новые вещи. Эмиль Шульт (под псевдонимом Jamo) и Вольфганг Флур создают проект Yamo и выпускают альбом Time Pie. В 1999 году Kraftwerk создают главную музыкальную тему для всемирной выставки EXPO 2000. Флориан Шнайдер дает лекции в Академии Дизайна HfG в Карлсруэ как профессор компьютерных искусств и произведений. 7-го мая переиздается Tour De France. Шестого декабря выходит сингл Expo 2000 – первая новая песня, выпущенная группой за 14 лет. С декабря открывается новый интернет-сайт группы – www.kraftwerk.de. В 2000 году сингл Expo 2000 не выходит из немецкого Top 100 более 10 недель. Выходит сингл с ремиксами на эту песню, который так и называется – Expo Remixes.

«Механическая вселенная Kraftwerk многократно клонировалась и копировалась в Детройте, Брюсселе, Милане, Манчестере, и, наконец, психоделизировалась в белой горячке хаус-культуры», – говорит в одном из последних интервью Ральф Хюттер, – «нас можно определять как угодно: научно-фантастическая музыка, техно-диско, кибернетический рок, но я всегда предпочитал термин «робот-поп». Он в наибольшей степени отражает нашу задачу – работать над конструированием совершенной поп-музыки для племен, населяющих деревню по имени Земля».

Minimum-Maximum На диске 22 трека из которых 5 треков записаны на концерте в Москве и остальные треки записанные в Варшаве, Любляне, Риге, Берлине, Токио, Лондоне, Париже, Сан-Франциско, Будапеште и Таллинне. Ведущий музыкальный журнал Великобритании MOJO поставил новому альбому максимальную оценку: «Minimum-Maximum – потрясающий альбом. Помимо того, что это грандиозная коллекция лучших вещей, живое исполнение подряд таких трех хитов, как Numbers/Computer World/Home Computer, это тройной комплимент легендарной группе, и их исполнение звучит, пожалуй, даже лучше оригиналов». Лучше это исполнение или нет, это вопрос спорный, но то что оно заметно отличается от оригинального и, по сути, является полноценным ремейком – абсолютно верно и то, что это первый Live альбом группы тоже бесспорный факт. В любом случае всем фанатам этой культовой группы, а особенно тем, кто был на живых выступлениях, данная пластинка крайне рекомендуется.

Интервью

Kraftwerk. Интервью Triad Magazine, июнь 1975 год.

Случайные слушатели могут пытаться сравнить их с Пинк Флойд, или вообще причислить их к жанру «космической музыки». В действительности же Крафтверк – это нечто гораздо большее. Космос – это только часть общей концепции их творчества,  которая также включает в себя Время и Механику, а также визуальные и другие сенсорные парадоксы. Они работают с художниками из других видов искусства. Тексты песен становятся все более постоянной частью их музыки.

Autobahn – это замечательный образ, увлекающий слушателя в круиз по знаменитому германскому скоростному шоссе. Этот альбом – смесь воображаемого и реальности, он начинается со звука захлопывающейся двери автомобиля и далее имитирует шум  проносящихся по дороге  машин. Мистические нашептывающие голоса в треке Kometenmelodie легко воспаряют в небеса и оставляют слушателю грандиозные пространственные впечатления.

Они берут обычные повседневные события и трансформируют их в драматические ситуации. Также как писатели и поэты играют со словами и фразами, живописцы – с красками и перспективой, скульпторы – с формами, Крафтверк играют со звуками. Они переплавляются, формируются, окрашиваются, смешиваются и изменяются в некое единое переживание. Музыка похожа на размашистые эскизы, оставляющие за слушателем дальнейшую раскраску картины. Крафтверк трансформируют обычную жизнь в одухотворенный опыт.

Интервью с Ральфом Хуттером (Ralf Hutter) и Флорианом Шнайдером (Florian Schneider).

Triad. К Вам применим термин «космический рок» (spacerock)?

Ralf. Мы – часть индустриальной цивилизации. Мы выросли...

Florian. ...под впечатлением от всех этих механических ритмов, которые мы используем в нашей музыке, от технической стороны жизни. Для нас технология – не враг. Мы ее принимаем такой, какая она есть. Мы любим природу, но мы не можем сказать, что техника хуже или лучше природы. В сегодняшнем мире надо принимать эти вещи как данность.

Ralf. В нашей музыке есть отсылки к космосу, как, например, в песне Kometenmelodie. Но есть и сугубо земные аспекты, не из внешнего космоса, а из внутреннего человеческого пространства, из телесного начала, то, что связано с повседневной жизнью.

Florian. Мы смотрим кино, выходим на улицу, где тоже получаем некие оптические впечатления, и это часто влияет на нашу музыку, которая становится как бы акустическим фильмом, или акустической поэмой. Так мы стараемся выразить то, что мы видим и слышим сами. Несколько лет назад мы были на гастролях, и так вышло, что незадолго до выступления мы ехали по автобану, довольно долго ехали, и когда мы начали играть, эта скорость передалась нашей музыке. Наши сердца все еще продолжали быстро стучать, и поэтому наш ритм получился быстрее, чем обычно.

Triad. Основа ваших мелодий – вращение колеса рулетки.

Ralf. Да, движение – прежде всего. Запечатлеть нестатичный феномен, ибо музыка – это тоже нестатичный феномен. Она неразрывно связана со временем и движением во времени. Не бывает одинаковой.

Triad. Танец имеет отношение к вашей музыке?

Ralf. Да, в Германии некоторые современные балетные труппы использовали нашу музыку для создания своих танцевальных версий для нее.

Florian. Хореография была очень роботоподобной, компьютерной. Механистические движения на сцене.

Ralf. Когда мы выступаем, мы тоже вроде как танцуем. Это даже связано не с собственно телесными движениями, а с ощущением своего тела в целом. Чувствуешь себя как танцор.

Florian. Сознание танцует, мозги танцуют. Электроника танцует в динамиках.

Ralf. У нас давно витала эта идея, но только в прошлом году мы смогли реально создать эти ощущения оркестра из динамиков. Так мы сами воспринимаем суть Крафтверка – неакустический электронный оркестр, звучащий из динамиков. Все оборудование – это единый инструмент. Мы играем на микшерах, на пленке, на фейзерах, на всей аппаратуре. Это и есть Крафтверк. Один инструмент. Включая освещение и атмосферу.

Florian. Иногда я ощущаю звук на вкус. Чувств гораздо больше, нежели просто прохождение звуков через уши. Все тело ощущает звук.

Ralf. Представьте себе деревья. Как звучат деревья? Необязательно даже делать реальные слышимые звуки. Вы можете описать свои предположения, и читатель создаст звук в своем сознании, воображении.

Triad. Вы слушаете другие жанры музыки, не электронные?

Ralf. О, да. Иногда мы слушаем радио, а еще мы слушаем жизнь, шум, или то, что люди обычно воспринимают как шум. А это – источник окружающей нас музыки. Пройдитесь по улице, и, если вы достаточно открыты для этого, вы услышите симфонию.

Florian. Это то, что ты извлекаешь из опыта работы с электроникой. Ты добираешься до самого основания звука, и твой слух привыкает анализировать любой звук. Над нами пролетает самолет, и я знаю, из чего складывается этот звук, его фазы, его эхо.

Ralf. И чем больше этому учишься, тем больше удовольствия это приносит. Постоянно открываешь новые звуки, на которые раньше не обращал внимания. Удивительно, когда ты понимаешь содержание звука. Это могут быть животные в зоопарке, проезжающие машины, разговаривающие люди.

Florian. Ассоциации очень важны в музыке. Кто-то может создать некий звук, записать его на пленку, и транслировать его для 50, 100 или 1000 людей, и каждый из этих людей получит свое особенное впечатление от услышанного звука. Это не как в кино, где практически все видят то же самое. Когда звучит музыка, тогда в сознании людей рождаются сотни вариантов этой музыки. Когда ты на сцене, ты понимаешь, что каждый слушатель воспринимает музыку по-своему. Кто-то впадает в транс, кто-то возбуждается, кому-то это не нравится и он уходит, а кто-то затем возвращается, а другие даже не встают со своих мест. Столько разных реакций на одну и ту же музыку.

Ralf. Мы импровизируем, так, как это делается в восточной музыке, или в музыке реггей. Наша музыка не структурирована гармонически.

Florian.  Мы предпочитаем делать звуки. Звуковые симфонии. Мы стараемся делать все просто, чем проще, тем лучше. Раньше мы пытались делать сложную ерунду, в те времена, когда каждый старался сыграть как можно больше нот в одну минуту. Но затем мы пришли к самым необходимым вещам.

Ralf. Рано или поздно ты должен понять для себя, что именно ты хочешь делать. Не прятаться за многочисленными нотами или...

Florian. ...или за кабинетами динамиков...

Ralf. ...а открывать простейшие вещи.

Florian. Мы не пользуемся громоподобными звуками, наши звуки более утонченные.

Ralf.  Для нас это стало результатом многолетнего развития, чтобы прийти к тому, что мы делаем сейчас. И понадобится еще немало шагов, чтобы сделать что-то большее.

Florian. Мы начинали с акустических инструментов. Много наших друзей играло с нами тогда, кто-то из них затем ушел, кто-то остался. А затем мы, наконец, поняли, что нам на сцене не нужны все эти громкие барабаны. Тогда мы в течение целого года играли только вдвоем. Мы использовали драм-машину, но она не удовлетворяла нашим требованиям. Драм-машина может сгодиться для одного-двух треков, но если она звучит весь вечер, это становится невыносимо скучным. Тогда мы решили сконструировать электронные барабаны, потому что нам был необходим ритм. И вот сейчас в нашей группе играют два электронных перкуссиониста.

Ralf. Это дает широкие возможности для изменения звуков, ведь вся электронная музыка создается на основе белого шума. Так что ты берешь те частоты, которые тебе подходят. Как художник, ты выбираешь себе цвета из всего спектра, для того, чтобы выразить себя в рисунке.

Florian. Сейчас мы работаем с художником, который сможет реализовать наши оптические видения.

Ralf. Мы вообще не считаем себя музыкантами, мы, скорее люди, использующие разные пути и методы самовыражения, будь это живопись, поэзия или даже фильм. Главное – это контакт с аудиторией.

Интервью 2

Крафтверк: интервью Ральфа Хуттера Джону Харрису

«Мне заменили голову, и теперь я в полном порядке». Мотоциклы, роботы, мечта о полной гармонии между человеком и машинами. Как же Крафтверк создали свое видение будущего? Ральф Хуттер (Ralf Hutter) и одно из его крайне редких интервью, которое он дал Джону Харрису (John Harris).

Вот как это начиналось. Я набрал номер, и женский голос сообщил мне, что наше общение начнется с минуту на минуту. И я услышал голос Хуттера, причем я сразу вспомнил о том, что я никогда раньше не слышал, каким голосом он разговаривает. А звучит голос очень молодо для его 62-летнего обладателя. И еще тон, гораздо более приветливый для предстоящего интервью, чем я ожидал. «Хелло, это я», – произнес он с явным энтузиазмом. Я попытался вспомнить свой немецкий, который изучал в вечерней школе, и спросил: «Wie geht's? – Как дела?» «О, да Вы знаете немецкий». «Совсем немного», – говорю я. «Ein bisschen. Но Вы понимаете слова песен на немецком?» – спрашивает Ральф. Некоторые – да, подумал я, но как раз те, которые не из лучших. Так что я говорю ему, что, даже несмотря на то, что слова песен Крафтверк я скорее воспринимаю как звуки, чем собственно слова, я все равно больше люблю, когда они исполняют их на немецком языке (например, хит 1981 года The Model звучит весьма неуклюже на английском языке, а на родном языке Хуттера – точно и аккуратно). Хуттер сказал мне, что он сам переводит тексты песен. Затем он спросил: «Мы раньше общались?» «Нет. И, кстати, Вы ведь нечасто соглашаетесь на интервью».

Тут Ральф, этот последний из оригинального состава, который все еще состоит в Крафтверк – одной из самых значительных (после Битлз) групп, делает то, чего я от него не ожидал – он смеется. На самом деле, Хуттер посвящал некоторое время для интервью всякий раз, когда Крафтверк выпускали новый альбом. А они в «новейшей» истории группы выходили нечасто: до записи «живого» выступления Minimum-Maximum в 2005, последний альбом Крафтверк (Tour de France Soundtracks) вышел в 2003 году. А еще до этого была огромная пауза, ведь диск The Mix, который представлял собой антологию вновь записанных (теперь на цифровом оборудовании) лучших песен группы, вышел в 1991 году. Это альбом записывался в Дюссельдорфской студии Крафтверк, которая называется Kling Klang, и работа над ним продолжалась целых 5 лет, что наглядно демонстрирует ошеломляющие периоды записи у Крафтверк. Хуттер говорит о том, что он и его коллеги нуждаются в долговременном добровольном «заточении», без общения с внешним миром, чтобы работе никто и ничто не мешало. Согласно одной из легенд, сопровождающих Крафтверк, на этой студии не было даже телефона. Возможно, именно этими строгими правилами отчасти объясняется уход из группы трех ее прежних участников – Вольфганга Флера (Wolfgang Flur), Карла Бартоса (Karl Bartos), и даже одного из ее основателей – Флориана Шнайдера (Florian Schneider).

В общем, Хуттер нечасто появляется на публике. Странно, что я знаю об его отношении к телефонам, но при этом ничего не знаю о том, что он думает о вездесущности современных sms-сообщений и электронной почты (за исключением тех почти пророческих моментов, которые содержатся в альбоме Computer World 1981 года). Уход из группы Шнайдера также окружен мистикой и тайнами. А также Хуттер никогда не любил говорить о своей личной жизни и о своем внутреннем мире вообще. Обычно он так описывает свою повседневность: «Просыпаюсь утром, чищу зубы, отправляюсь на студию, работаю, возвращаюсь домой, ем, сплю».

О нем известно немногое – что живет он в Дюссельдорфе, что раз в год он устраивает себе тысячекилометровые поездки на велосипеде, что он кропотлив в работе – и поэтому очень медлителен в этом, в то время как внешний мир становится все стремительнее. «Мы постоянно находимся в работе над новыми проектами, – декларирует Ральф, – нам пришлось слишком долго ждать, пока технологии достигнут необходимого для нас уровня». Он вспоминает: «Однажды мы выступали в Париже. Начали где-то часов в восемь вечера. А где-то в пригороде работал сталелитейный завод, и вот, то ли они включили там у себя что-то, то ли выключили, не знаю, в общем, случился огромный скачок напряжения в кабелях, и наши секвенсоры заработали на удвоенной скорости! Мы были очень удивлены». Хуттер смеется. «Тогдашняя технология ставила перед нами массу проблем, и мы просто не могли выступать «живьем». И поэтому все 80-е годы мы выступали под фонограмму». Этот аспект приоткрывает нам те «напряжения», которые всегда имели место быть за внешним непоколебимо-спокойным имиджем группы – ведь получается, что большую часть своей карьеры музыканты были почти в отчаянии. Однако подобные состояния, по словам Хуттера, являются необходимой частью того, что он называет «психо-электроникой». «Творчеству нужны самые разные душевные состояния: терпение, гнев, и широкие улыбки тогда, когда все работает, как надо».

На сегодняшний день главными «союзниками» группы являются ноутбуки, в которых запрограммирована большая часть шоу. Хуттер говорит, что ноутбуки одинаково прекрасно работают и для «замороженной» токийской аудитории, и для «перегретой» фестивальной публики в Австралии. «Технологии, пусть и запоздало, но все-таки подтянулись до нашего уровня», – формулирует Хуттер. Тут уместно будет вспомнить его фразу из далекого прошлого, которую цитировали неоднократно: «Телефон – это антиквариат. Ты не можешь знать, кто тебе звонит, нет картинки, это – устаревший аппарат, постоянно мешающий работе». «Да, – говорит он теперь, - так я говорил в 70-е и 80-е. Но ведь и сегодня все примерно то же. Ты должен быть вежливым, взять трубку, поздороваться. А там – какой-нибудь пустяк, который, однако, может изменить твое будущее на ближайшие минуты, часы, дни. Поэтому у нас никогда не было телефонов в студии. Мы целиком погружаемся в музыку, в творческий процесс. Когда все заканчивается, мы выходим, и тогда у нас оказывается достаточно времени для общения с друзьями».

А как насчет современных определителей номеров, sms-сообщений, е-мэйлов? Сделали ли они его более общительным человеком? «Возможно, но мое общее отношение ко всему этому не изменилось. Вы же знаете, как это обычно происходит: ты с кем-то общаешься, каждый остается при своем мнении, и никого на самом деле не интересуют другие точки зрения». А о Твиттере он говорит и вовсе удивительные вещи: «Каждый стал похож на... на агента Штази. Все постоянно наблюдают над собой и над своими друзьями». Концерт в Манчестере состоится 2 июля, и к огромному удовольствию Хуттера, он пройдет на городском велодроме, также известном как Национальный Центр Велоспорта. Так что наша беседа обращается к теме его любимого способа проведения свободного времени. Хуттер, вместе со Шнайдером, полюбил велосипед в 1978 году, в год, когда вышел альбом The Man Machine, и стал таким фанатом этого дела, что Флер и Бартос именно его обвиняли в том, что Крафтверк стал менее продуктивным. В те времена, по его словам, он преодолевал до 200 километров в день, а сейчас он говорит о «паре тысяч километров в год». И что же, он и сейчас, как раньше, покидает автобус группы за сотню километров от назначенного города, чтобы проделать «остаток» пути на велосипеде? «К сожалению, уже нет. Так происходило в 80-е. Но теперь график концертов настолько плотный, что чаще всего мы перемещаемся на самолетах».

Во время недавнего посещения Нью-Йорка он имел возможность насладиться ездой в Центральном Парке, но избегал автомобильных дорог. «Соревноваться с машинами – это очень опасная игра». В начале 80-х Хуттер очень сильно пострадал в аварии, которая случилась, когда он ехал на велосипеде по дамбе над рекой Рейн. Он был вместе со своей командой, и случилось так, что он столкнулся с другим велосипедистом, упал, проломил себе череп и впал в кому.

И даже это происшествие не оттолкнуло его от велоспорта?

«Нет, – говорит Ральф. – Об этом было нарассказано много глупостей, причем людьми, которых там и вовсе не было».

Это никак не повлияло на его отношение к велосипеду?

«Нет, никак не повлияло. Мне заменили голову, и теперь я в порядке. Обычное дорожное происшествие. Просто я тогда забыл надеть шлем, и поэтому три или четыре дня пришлось проваляться в больнице. Все остальное – слухи».

А правда ли, что как только он вышел из комы, его первым вопросом было: «где мой велосипед?»

«Э-э... нет, не думаю, что это было так. Люди понапридумывали всякого...»

Хуттер вообще предпочитает сразу «закрыть» подобные темы. То же касается и ухода из группы Шнайдера, чье безучастно-доброжелательное лицо, кажется, всегда готовое улыбнуться (но никогда не улыбающееся) так хорошо подчеркивало тончайшую эмоциональную теплоту музыки Крафтверк. Тем не менее, в январе 2009 года было объявлено, что Флориан Шнейдер покидает группу, и это после сорока лет работы бок о бок с Хуттером. «Он уже долгое, долгое время работал над другими проектами, – объясняет Хуттер. – Речевой синтез, и все такое. Он уже много лет реально не работал с группой».

Вам его не хватает?

«Ну, что тут можно сказать? Вы лучше ему задайте такой же вопрос».

Но Вы ощущаете его отсутствие?

«Нет, теперь уже нет. Как я уже сказал, он давно не работал с нами, а ведь все рано или поздно забывается. Надо смотреть вперед».

Мы, конечно, возвращаемся к разговору о технологиях. У Хуттера, оказывается, нет своего iPod («Я создаю музыку, а не слушаю»), однако он, похоже, все-таки приветствует новейшие технологии.

«Что такое альбом? В эпоху винила он ограничивался 40-ка минутами. Сторона А, сторона B. Пришел CD, и альбомы стали продолжительнее, а сейчас можно сделать бесконечный альбом. Мы могли бы сделать такой альбом, потому что для меня музыка – понятие круглосуточное».

Перевод – Андрей Гирный.

Интервью 3

Музыка начинается с тишины

Много лет назад они совершили музыкальную революцию, и с тех пор на них молятся все современные музыканты: от Duran Duran и Red Hot Chili Peppers, до Мадонны (Madonna) и Prodigy. Они создали свою собственную вселенную, механическую электронную вселенную, и они – боги этой музыки, а может быть, кстати говоря, и неживые боги. Во время российских гастролей группы Ralph Hutter – один из основоположников группы Kraftwerk – приехал на радиостанцию «Серебряный дождь». Раздав несколько автографов и согласившись на пару фотографий, Ральф прошел в студию, чтобы дать интервью ведущему радиостанции Владимиру Орлову и ответить на вопросы слушателей.

В музыке Kraftwerk особое внимание обращаешь, прежде всего, на тембр синтезатора, на окраску вашей музыки. Знаете, я, когда вас слушаю, чувствую в животе что-то такое теплое.  И отсюда первый вопрос: это какая-то музыкальная хитрость выпускников консерватории; может быть, – давление на подсознание или результат каких-то музыкальных исследований?

Это очень интересное, но, вообще-то, странное наблюдение, потому что нас в свое время называли «холодной волной» (так говорили в 70-е годы). При повторном прослушивании можно почувствовать, что эта музыка, в общем-то, теплая; почувствовать вдохновение, энергию. Поскольку музыка создавалась с помощью компьютерных и электронных технологий, была вероятность того, что она  будет звучать как-то отстраненно, холодно. Но мы никогда не думали, что она холодная, поэтому мне очень приятно услышать от Вас этот комплимент; очень приятно узнать о том, что Вы с самого первого прослушивания почувствовали в этой музыке теплоту и энергию.

Да, она задевает. Но я так понимаю, что господин Хуттер не откроет нам, как в «Пиковой даме», страшную тайну –  в чем же заключается хитрость?

Просто все происходит от нашего духа.

Перейдем к интересному, на мой взгляд, вопросу. Господин Хуттер, вы по-новому переиздали сейчас все ваши альбомы. До этого времени в магазинах можно было купить практически те же самые альбомы, изданные в 81, 82, 83 годы…

Между прочим, наши альбомы никогда не были обработаны с помощью современных цифровых технологий, они издавались со старых аналоговых кассет. Но теперь мы сделали «ремастеринг», и вот с этим «ремастерингом» альбомы вышли уже в новом звуке.

Многие давние ваши поклонники все-таки привыкли к «пластиночному» звуку. Не было ли опасения, что во время «ремастеринга» будет что-то убито – может быть как раз та самая душа и теплота?

При переиздании CD мы сделали «ремастеринг» вовсе не для того, чтобы изменить звучание. Наоборот, мы постарались сохранить фирменное звучание студии Kling Klang. Мы сделали все для того, чтобы выявить и сохранить то главное, что было в этом звуке. И еще очень важный момент: мы сделали другое оформление. До этого диски выпускались с фотографиями, которые были просто пересняты с обложек альбомов. Теперь мы использовали другие фотографии, переделали их, переделали дизайн альбомов. Мне кажется, что получилась гораздо более перфектная работа, как в музыкальном, так и в изобразительном смысле. По-моему, издание получилось солидное: вышли отдельные пластинки, специальный бокс, каталог на немецком и английском языках, книжка.

Кстати, до выпуска вашего последнего альбома Tour de France новых работ не было, не считая альбомов ремиксов. Почему случился такой большой перерыв?

Да, в 91-ом году мы выпустили The Mix. Это – живой альбом. Ведь наш главный музыкальный инструмент – сама студия Kling Klang. Обычно мы записываемся живьем в реальном времени. Так же писались в студии миксы, вошедшие в альбом 91-го года, поэтому его и можно считать живым альбомом. Потом, как я уже говорил, мы занимались «ремастерингом» наших прошлых записей, пытаясь сохранить звук тех, старых синтезаторов. Трансформация этих вот старых звуков, которые потихоньку ухудшались и деградировали, заняла очень много времени. Нам приходилось брать информацию со старых аналоговых кассет и делать из этого хороший, новый цифровой звук. Потом были сделаны ремиксы некоторых наших друзей из Детройта, и в 2000-ом году мы выпустили альбом с этими ремиксами. А в 2003-ем году, как вы знаете, мы выпустили альбом Tour de France. Мы совершенно автономные люди – очень маленькая группа независимых людей. Мы работаем только сами, работаем в своей студии. Видимо, столько времени нам потребовалось, чтобы произвести что-то новое. Кроме работы в студии, мы также занимаемся и всем остальным: различными мультимедийными вещами; сами делаем дизайн для своих шоу; снимаем видео. Это тоже занимает очень много времени. Кстати, в ноябре, после окончания мирового турне, мы планируем собрать весь материал, отснятый не только на концертах, но и вокруг них, – и выпустить DVD.

На скрипке все играют по-разному, на гитаре тоже, – это касается любого музыкального инструмента. Компьютер дает равные возможности всем. Не боитесь ли вы конкуренции и подделок?

Для нас такого страха не существует. Мы всю жизнь работали на компьютерах. Для нас, как и для всех, компьютер – это идеальный инструмент, который дает набор частот от 20 до 20000. Но, между прочим, музыка-то не производится компьютером: она идет из головы композитора; его фантазии рождают ее. Разве фильмы не получаются разными, хотя все кинооператоры используют одинаковую пленку. С таким же успехом можно сказать, что в консерватории все играют одинаково, потому что рояль дает всем равные возможности, – но ведь это же бред. Мы, естественно, ходим слушать хороших пианистов. Любой писатель начинает с белого листа. Любой художник начинает с чистого холста. А любой музыкант начинает с тишины. В музыке главное – идея, как, собственно, и в любой другой профессии.

Насколько я знаю, вы совершенно недавно запретили выход трибьютного альбома на ваши произведения, где участвовали U2, Cardigans и другие исполнители.  Но недавно на Mute вышел очень неплохой трибьютный альбом. И не так давно был еще один французский трибьютный альбом – Radioactivity – Tribute to Kraftwerk  – тоже очень хороший. Вы, по идее, разрешили их выпуск. Почему же вы не дали свое разрешение таким людям, как  U2 – коммерческим исполнителям?

Вы знаете, альбомы, о которых Вы говорите, тоже выпущены не совсем правильным путем. Они не были одобрены группой и выходили без нашего ведома. А тот отказ, о котором Вы упомянули, на самом деле, не имеет отношения к названным Вами артистам. Просто какой-то человек во Франции (довольно крупная величина в рекорд-лейбле), видимо, слишком много выпил шампанского и захотел выпустить такой альбом и привлечь вот этих самых артистов. Но мы сказали: «Нет!» Нам гораздо больше нравятся такие работы, как, например, Balanescu Quartet – работа Kraftwerk для струнного квартета.

Ральф, скажите, а какую музыку вы слушали раньше, до того как образовали группу, и что вы слушаете сейчас?

Детьми мы воспитывались в традиции германской классической музыки. Я обучался игре на фортепьяно, а мой друг Флориан (Florian Schneider) – на флейте. Играли Баха, Бетховена. Потом мы стали слушать радио, затем образовали группу Kraftwerk, а сейчас мы больше всего слушаем тишину. Но мы слушаем и музыку окружающей среды: разные звуки, которые издает мир – индустриальные, природные. Наши уши – это хорошие стереомикрофоны, которые все фиксируют. Но мы также часто ходим в танцевальные клубы:  слушаем, что происходит в технокультуре. Хотя любим, как я уже сказал, просто звуки, которые издает окружающий мир. Поэтому и наша студия называется Kling Klang, что означает «звук звучит».

Нельзя сказать, что ваша ранняя, докомпьютерная музыка была плоха. У меня, например, до сих пор есть видео, где вы волосатые; с живым барабаном, с гитарой и с флейтой – играете очень, кстати, неплохие мелодии.

На самом деле, у нас и тогда уже было много электричества. Я играл на электрической гитаре, флейта у Флориана тоже была электрифицирована, проходили какие-то электронные примочки, у меня был электроорган. Это был один из этапов нашего движения к полностью электронной музыке. Тогда – к полностью электронной, а сегодня – уже к полностью компьютерной. Трансформация из электроакустической музыки в полностью электронную заняла, где-то, 7 лет, и в 74-ом году мы выпустили альбом Autoban, который как раз стал результатом этой трансформации.

Мне очень жалко, что вы все-таки отказались от этих смешных палочек, которые были привязаны веревочками к старинным синтезаторам, – это очень здорово смотрелось…

Раньше были такие электронные барабаны, на которых играли палочками, а сейчас можно пальчиками играть на этих электронных устройствах.

В Tour de France я прочел любопытную информацию. В буклете написано, что вы «просто играли на компьютере». Объясните, как можно «просто играть на компьютере»?

Да, мы экспериментировали с разными кнопочками, с разными «дилеями», «петлями». Так мы создавали определенный ландшафт, определенный background для музыки. С той же самой целью мы использовали и различные интересные звуки: например, звук моего сердца (изображает – пум-пум, пум-пум); шуршание велосипедных шин; мягкое звучание окружающей среды во время езды на велосипеде; «жидкие» и аэродинамические звуки – словом,  разные. А потом мы все это крутили и находили хорошие комбинации.

Про велосипеды я наслышан. Вы занимаетесь велосипедным спортом последние 22 года. Неужели, это увлечение настолько серьезно?

На самом деле, это очень похоже на музыку, и помимо нее, велосипедный спорт – наше главное увлечение. По-моему, их многое сближает: например, гармония человека и технологии; тела и технологии. При езде на велосипеде ты словно слит с машиной и всегда движешься вперед, а если остановишься – упадешь. Так и в музыке: отсутствие движения вперед или остановка в музыкальном творчестве – это неизбежное падение. И вообще, наше увлечение вполне естественно. Мы живем в 20 км от Голландии, а в этой стране велосипедная культура очень развита. Да и наш район Западной Германии как раз велосипедная зона – ими пользуются очень много людей: студенты и школьники; люди, которые ездят на велосипедах на работу. Все это очень способствует сохранению экологии.

Ну и последний вопрос. Бытует мнение, что сейчас электронная музыка находится в тупике. Вы с этим согласны?

Я думаю, что электронная музыка только началась. Это настоящая музыка и это – музыка будущего.

14.06.2006 года

Дискография

1970 Kraftwerk

1970 Tone Float

1971 K4 [bootleg]

1972 Kraftwerk 2

1971 Live - Germany, Munich [bootleg]

1973 Kohoutek-Kometenmelodie

1973 Ralf & Florian

1974 Autobahn

1975 Fairfield Halls, Croydon, UK

1975 Kometenmelodie 3 [bootleg]

1975 Radio-Activity

1975 Radio-Aktivitat

1976 Paradiso 2CD

1977 Trans-Europe Express

1977 Trans Europa Express [German]

1977 Trans-Europe Express [single]

1978 Die Mensch-Maschine

1978 The Man-Machine

1979 Electro Kinetic

1981 Captain Video, Paris, France

1981 Computertour - Muziekcentrum Vredenburg, Utrecht, Nederland [bootleg]

1981 Computerwelt

1981 Computer World

1981 Hyper Cerebral Machine - Live in Firence

1981 Mini Calculateur

1981 Numbers [live]

1982 Techno Pop [German]

1983 Tour De France [single]

1986 Autobahn [remaster]

1986 Computerwelt [remaster]

1986 Electric Cafe

1986 Electric Cafe [German]

1986 Radio-Aktivitat [remaster]

1986 The Telephone Call [single]

1987 Electric Cafe [remaster]

1989 The Man Machine [remaster]

1989 Trans-Europe Express [remaster]

1990 Trans-Europe Express [single]

1991 Die Roboter

1991 Dynamo Deutschland 2CD

1991 Kling und Klang - Live a Milano

1991 Olympia Paris 2CD

1991 Radioactivity [single]

1991 Singles 2CD

1991 The Mix

1991 The Mix [German]

1991 The Robots

1991-Traffic Jam On Autobahn 2CD

1992 Showroom Dummies

1992 The Model

1992 Virtu ex Machina

1995 Toccata Electronica

1997 Robotronik Ubermensch

1997 Schone Neue Welt [Re-Mix, Re-Model]

1998 The Warfield Theater Soundboard 2CD

1999 Tour de France [remix]

1999 Ultra Rare Tracks

2000 Expo 2000

2000 The Very Best

2001 Der Cheap

2000 Expo Remixes

2002 An Atelier 2CD

2003 Tour De France

2004 Aerodynamik

2004 Aerodynamik-Expo 2000 Remix

2004 Aktivitat-In-Rom 2CD

2004 Ultra Rare Trax vol. 2

2005 Minimum-Maximum 2CD

2005 Minimum-Maximum 2CD [German]

2007 Aerodynamik + La Forme - Remixed by Hot Chip [remixes]

2008 Greatest Hits 2CD

2009 Der Katalog 8CD

2009 The Catalogue 8CD

2009 The Catalogue [Promo Sampler]

2013 Akasaka Blitz, Tokyo 2CD

2013 Live @ London (Autobahn) 2CD

2013 Live @ London (Tour de France) 2CD

2013 Live @ The Turbine Room - Tate Modern - London 2CD

2013 Live in Dusseldorf @ Grabbe Halle 11.01 - Autobahn

2013 Live in Dusseldorf @ Grabbe Halle 12.01 - Radioaktivitat

2013 Man-Nature-Technology

2014-Live at Los Angeles, CA 2CD [bootleg]

Organization

1970 Tone Float

1971 Var

Ссылки

http://www.kraftwerk.de/ - Официальный сайт

Биография

Patrick Kosmos начинает свою музыкальную карьеру в середине 1970-х годов. Тогда впервые были сделаны попытки смешать традиционную восточную музыку со звуками, полученными на синтезаторе. Его мелодии открывали новые грани, создавая неведомые ранее сочетания, звук рождался из звука. Его первый альбом получил самую высокую оценку во многих странах мира. Свои альбомы он пишет вдохновленный старинными преданиями о друидах и необычными рассказами о лекарской силе шаманов. Слушая его музыку, видишь ночь, полную звезд, загадочное северное сияние, погружаешься в атмосферу загадки и таинственности.

И вспоминаешь давнюю легенду: вечный источник жизни был погружен в мертвый сон космической ночи, и потому ничего не было. Не было света, потому что огонь души еще не разгорелся. Не было времени, потому что изменения еще не начались. Не было вещей, потому что формы еще не появились. Не было движения, потому что было нечему двигаться. Не было противоположностей, потому что нечего было сравнивать. Источник, появившийся ниоткуда, едва заметный, неизменный, неподвижный. Но нечто было рядом и разбудило его. Нечто нереальное, нескончаемое, неосознанное – космическая музыка.

Последний альбом The Healing Breath это нечто потрясающее. Это музыка, от которой замирает дыхание. Этот альбом хорошо иллюстрирует новые черты в творчестве Patrick’a. Совместное творчество Patrick’a Kosmos’a и Klaus’a Schulze’a производит глубокое впечатление. Его альбом Cosmic Resonance вышел тиражом в 600.000 экземпляров. Он выступал более чем с 250 международными концертами. Он выпустил более 40 альбомов, работал вместе с такими известными музыкантами как: Peter Gabriel, David Silvian, Enigma, Brian Eno, Ryuchi Sakamoto и многими, многими другими. Где бы и когда бы Patrick Kosmos ни исполнял свои произведения, будь то старая церковь, кафедральный собор, замок или руины он всегда играет от всей души.

Дискография

1991 Cosmic Resonance

1991 Planet News

1991 Comet's Tale (The Best Of Patrick Kosmos – vol. III)

1993 Virtual Reality

1999 Trance Neutral Zone

2001 The Healing Breath

2004 Spiritual Dream

Ссылки

http://www.patrickkosmos.com/ - Официальный сайт

Биография

Профессиональная карьера пианиста Bernward Koch началась в 1990 году с выходом его первого альбома Flowing. Этот альбом послужил хорошим дебютом, как в Европейских странах, так и в Америке. Его популярность достигла своего апогея, когда он, используя произведения таких известных музыкантов, как Bonnie Raitt, Sting, Basia и Ottmar Liebert написал композицию в поддержку больных СПИДом, которая звучала в эфире калифорнийской радиостанции KKSF и в программах известной нью-эйдж радиостанции THE WAVE.

Тогда это были композиции неизвестного еще никому немецкого музыканта. Сегодня Bernward Koch является одним из знаменитых композиторов своего жанра. Наиболее популярным его альбомом является Laguna De La Vera, выпущенный в 1992 году.

Все, кто был знаком с музыкой Bernward, не сомневались в его профессиональном успехе. Получивший классическое образование, музыкант пишет выдающиеся и сложные произведения с необычайной легкостью. Сам Koch называет свои композиции «песни без лиризма» и действительно они изящные и красивые, очень тонко отражающие его великолепное чувство формы. Его аранжировки всегда отличаются хорошим вкусом, идеальным равновесием между звучанием синтезатора и звуками живой природы. Участие в проекте жены Koch – Christine, великолепно играющей на флейте и его брата Christoph – гениального барабанщика на многие годы стало неотъемлемой чертой музыки Koch. Начиная с Flowing и чем дальше, тем больше, музыка Bernward Koch открывается в своей красоте и обольстительном шарме и когда-нибудь слушатели во всем мире поддадутся ее очарованию.

Дискография

1992 Laguna De La Vera

1995 Still Magic

1997 Flowing

1997 Picante [with Pablo]

1999 Journey to the Heart

2005 Walking Trough Clouds

2008 Montagnola Dedicated to Hermann Hesse

2009 Gentle Spirit

2011 Silent Star

2013 Day of Life

2015 Remembering

Ссылки

http://www.bernwardkoch.de/ - Официальный сайт

Биография

Frank Klare участник проектов Traumklang и Synco. C 1981 года записывает электронную музыку.

Дискография

1983 Timesharing [with Thomas Girke]

1986 Solodreams

1995 Electronic Impressions

1995 Transcental Medication

1996 Improvised Eternity

1997 First Works

1997 Klal!

1997 Red & Black [with friends]

1998 Analogic

1998 Green Dream [with friends]

1998 Soundtrack for Dreams

1999 Area 2000

1999 The Remix Compilation [with friends]

2000 Modular Music

2002 Berlin Sequences

2003 Berlin Parks

2003 Memorial Dreams

2004 Berlin Nightlife

2004 Monumental Dreams [with Ron Boots]

2006 Moods

2007 Digitalic

2012 Monomode

2013 25 years in 147 minutes

2013 Area of Dreams [bootleg]

2013 First Works vol. 2

2013 Rare & Unreleased

2013 Schaltwerk-Session

2013 Solomode

Ссылки

http://www.frank-klare.de/ – Официальный сайт

Биография

Вот уже более 20 лет, как титул «короля синтезаторного new age» по праву принадлежит этому маленькому и скромному музыканту из Японии – только Вангелису удается иногда соперничать с ним. И хотя музыку Китаро, соединившую нежную и интимную мелодику Востока с традициями западного симфонизма, и называют однообразной и даже скучной, миллионы ценителей его таланта могут с успехом опровергнуть эту точку зрения. Его музыка обращается напрямую к нашему подсознанию, она оставляет в стороне голую виртуозность и внешнюю эффектность. Если попытаться бросить образные взгляды-мазки на мир Китаро и, скажем, традиционного и современного джаза, то первый – это звучание души, а второй – сердца. Джаз эмоционален, а нью эйдж Китаро – медитативен, но и тот, и другой дарит нам проникновение в самого себя – после этой музыки становится легче жить.

Настоящее имя Kitaro – Masanori Takahashi. Он родился 4-го февраля 1953 года в Toyohashi (Япония). Его родители были крестьянами. Когда он учился в высшей школе (в США), он полюбил музыку Soul и Rhythm&Blues. Его кумиром стал Otis Edding. Kitaro самостоятельно научился играть на электрогитаре, и с друзьями организовал в школе группу «Albatross». В честь героя японского мультфильма, школьные друзья прозвали его «Китаро». В начале 70-х, после окончания школы, Kitaro постепенно перешел на клавишные инструменты. Он начал играть в группе «Far East Family Band» («дальневосточный семейный оркестр»), организованной известным музыкантом Fumio Miyashita («живая музыка»). Они выпустили два альбома и выступили во многих странах. Сейчас он так говорит об этом: «Ритм-энд-блюз дает нам глубокие душевные переживания, очень трудно выразить их словами. По сути своей ощущения слушателей на моих концертах и на блюзовых весьма схожи. В основе и той, и другой музыки лежит soul – душа, и я стараюсь выразить в своих произведениях глубокие простые чувства». Американский блюз смешался в сознании юноши с народными и религиозными традициями, которые ему прививали с раннего детства, и впоследствии это дало тот уникальный сплав, который сейчас называют просто музыкой Китаро.

В 1972 году, во время поездки в Германию, Kitaro познакомился с известным музыкантом Klaus Schulze, основателем стиля Tangerine Dream. Schulze открыл ему волшебный мир синтезаторов. Kitaro начал экспериментировать со звуками. «С помощью синтезатора я могу создать океан, зимний берег, летний пляж» – говорил он. Осенью 1975-го Schulze посетил группу в Токио и помог им в студийной работе. В 1976 году «Far East Family Band» распался и Kitaro начал сольную карьеру. Он посетил Лаос, Таиланд, Китай, Индию и некоторые другие азиатские страны и, наконец, вернулся в Японию, где открыл для себя новую музыку. «Мой собственный мир кончился. Я осознал, что не отличаюсь от нищего на улице Калькутты» - говорил он.

Первый же его сольный альбом «Astral Voyage» становится поистине культовым. В нем сочетаются американский соул, европейский симфонизм, электронные технологии и восточная неспешность и медитативность. Мелодии, сочиненные Китаро, парадоксальным образом соединяют в себе эмоциональное и духовное начало, расширяя границы применения электроники в музыке. Настоящее всемирное признание пришло к нему после выхода двойного альбома «Silk Road» в 1980 году. В него вошло 30 композиций из более двухсот, написанных им для одноименного японского документального телефильма. Музыка, покорившая искушенного европейского и надменного американского слушателя, соединяла дух Востока с прагматизмом и рационализмом Запада, оставаясь мелодичной и одновременно рефлексивной, глубокой. За внешней ее простотой прячется необычное сочетание гармоний, а на все упреки в кажущейся однообразности ответ может быть только один: и сегодняшний, и завтрашний закат солнца обязательно будут похожи друг на друга, но это ведь не помешает вам впитывать в себя его краски изо дня в день с одинаковым чувством умиротворения и погружения в самого себя. Kitaro сочинял ее, живя в маленькой деревне округа Nagano (центральная Япония), вдалеке от цивилизации и суеты, что и отразилось в музыке.

В 1979 году Kitaro выпустил второй альбом – «From the Full Moon Story». Первые два альбома стали культовыми среди фанатов зарождающегося тогда движения new age. Сам Kitaro называет свою музыку духовной. «Чувство – самый важный элемент в моей музыке» – говорит он. В 1983 году Kitaro женился на Yuki. Отец Yuki был членом японской мафии. Kitaro часто осуждали за это, на что он отвечал: «Ее отец член мафии, но не она. А я только музыкант». Однако вскоре они развелись. В своем интервью он говорил: «Нет никаких особых причин нашего развода: просто я имею хорошую работу в Америке, а Yuki не хочет бросать работу в Японии. Мы остаемся друзьями до сих пор». Его вторая жена Keiko. (В июле 98-го, в Тайване, она играла вместе с Kitaro на клавишных.) Сейчас у них двое детей. В 1986 году Kitaro подписал контракт с Geffen Records. Его альбомы стали распространяться на американском рынке. В 1987 году, совместно с Mickey Hart, Kitaro выпустил альбом – «The Light Of The Spirit», за который получил награду Grammy. Продажи его альбомов выросли до 10 миллионов в год.

С середины 80-х Китаро начинает американские туры, его альбомы выходят один за другим, и в 1990 году он окончательно обосновывается в Соединенных Штатах. Его страсть к горам не осталась неудовлетворенной – он выбирает для своей резиденции дом в окрестностях города Boulder, штат Колорадо, на высоте около 3000 метров над уровнем моря. Китаро фактически живет и работает в огромной домашней студии, в которой может разместиться 70 музыкантов – целый симфонический оркестр. Он говорит о своей жизни в Америке, что там ему легче добиться уединения, необходимого для работы, в Японии же он всегда на виду и это, увы, мешает творчеству. Его изолированность от урбанистической цивилизации заключается и в том, что в доме отсутствуют телевизор, радио, газеты: он предпочитает им живое общение с природой и встречи с друзьями.

Однако музыкант не забывает про свои японские корни. С 1983 года Китаро каждый август приезжает на родину и устраивает в ночь полнолуния у подножия или на склоне горы Фудзи целое ритуальное музыкальное действо. Он привозит с собой огромный древний японский барабан Тайко, устанавливает его на скалах, берет в руки специальные колотушки и начинает бить в него в момент захода солнца. Посвящение Фудзи, как сам он называет это представление, длится всю ночь без перерыва и заканчивается с первыми утренними лучами. Звук барабана разносится порой на несколько миль вокруг, руки Китаро через три-четыре часа начинают кровоточить, но он считает это посвящение своим сыновним долгом, данью матери-природе. Он говорит: «В полнолуние связь человека с природой самая сильная, и я верю в то, что такой ритуал делает эту связь еще крепче и заряжает меня энергией». Японская традиция также отразилась в альбоме «Kojiki», который был инспирирован циклом народных мифов и преданий. В его записи принимал участие симфонический оркестр, и в результате получилось монументальное звуковое полотно, в котором Китаро, наверное, более всего выглядит действительно японским композитором. Вообще, он прибегал к симфоническому изложению своих идей неоднократно. «Silk Road Suite» – это оркестровая интерпретация одноименного альбома, а «World Of Kitaro» – совместная его запись с Лондонским филармоническим оркестром. Альбом «Gaia. Onbashira» также дань японской традиции.

Китаро сотрудничает с некоторыми рок-музыкантами: альбом 1992 года «Dream» сделан вместе с Яном Андерсоном, также он некоторое время работал с бывшим ударником «Greatful Dead» Миком Хартом. В 1993 году, с участием Randy Miller, Kitaro написал музыку к кинофильму «Heaven And Earth», а в 1998, к кинофильму «The Soong Sisters». За музыку к фильму Оливера Стоуна «Heaven And Earth» композитор получил в 1993 году престижную музыкальную награду «Golden Globe Awards». За самую оригинальную музыку к кинофильму «The Soong Sisters» получил награду Golden Horse в Тайване на Гонконгском международном кинофестивале. Альбомы Китаро восемь раз номинировались на премию «Grammy», хотя так ни разу ее не получил. Впрочем, для него это, похоже, не имеет никакого значения. Ему безразлично, как называют его стиль критики и как реагируют различные официальные организации, основная его цель, по его же словам, - «сделать людей ближе друг к другу и зарядить их мирной энергией с помощью моей музыки».

Kitaro – художник от природы: он не имеет никакого музыкального образования – он просто не знает нот. Он записывает музыку своим собственным способом (типа картинок). Помимо клавишных, Kitaro играет на многих инструментах, таких как гитара, флейта, барабаны Taiko и других. Kitaro является и композитором, и исполнителем, и режиссером. Иногда он сам занимается световым оформлением концертов и аранжировкой альбомов. Кроме того, Kitaro – фотограф. Он создал целую фирму в штате Колорадо. Например, обложка альбома «Gaia. Onbashira», это фотография вида из его дома. Несмотря на то, что Kitaro стал мировой знаменитостью, он остался скромным человеком: «Меня вдохновляет природа. Я только вестник» – говорит он, – «одни мои мелодии это облака, другие – вода». Талант Kitaro, его музыка достойны восхищения. Чем больше вы узнаете Kitaro, тем больше вы его уважаете. Музыка Kitaro – это больше чем музыка – это философия жизни. Слушая его музыку, вы понимаете, чтобы жить в мире, нужно быть его частью; нужно заботиться об окружающих нас людях и дорожить всем, что вы имеете. Kitaro говорит: «Я счастлив, что моя музыка вызывает у людей приятные чувства. Я знаю, что музыка может изменить человека, и это мое стремление».

Композитор отдает много сил работе над разнообразными проектами на своей фирме «Domo Records». Этот лейбл выпускает, кроме его собственных альбомов, сочинения некоторых восточных исполнителей, играющих разнообразный фольклор в традиционной и современной интерпретации. Китаро назвал свой проект «Kitaro's World Of Music» и таким образом пытается пропагандировать азиатскую музыку во всем мире. Тибетский флейтист Наванг Хечог (Nawang Khechog), непальское трио Сур Судха (Sur Sudha), гонконгская группа «Celestial» – вот далеко не полный перечень его релизов.

В 1997 году произошло достаточно неожиданное обращение Китаро к популярному жанру. Написанное им для Бродвея музыкальное шоу «Cirque Ingenuex», выдержанное в духе старинных представлений, казалось бы, абсолютно несовременное и немодное по звучанию, имело такой успех, что решено было организовать тур этого мюзикла по пятидесяти американским городам. Японо-американский музыкант и композитор, несмотря на весь происходящий вокруг его музыки шум, все так же старается быть ближе к природе и в ней одной ищет свое вдохновение.

The Definitive Collection Несмотря на то что в последние годы его творчество сильно изменилось и на каждый новый релиз приходится по несколько сборников, этот диск явно выделяется. Треки последних лет настолько гармонично вплетаются в известные заслушанные хиты 80-х, что даже не возникает ощущения, что это «уже было», хотя на самом-то деле это действительно было.

Let Mother Earth Speak Думаю, среди российской аудитории гораздо больше поклонников Китаро, чем Дениса Бэнкса, который, строго говоря, музыкантом не является и к музыке имеет весьма опосредованное отношение – так вот, у этих людей Let Mother Earth Speak может вызвать неожиданный прием. Это не новый диск японского композитора, это диск, созданный при его участии, но с другими целями и с совершено другим культурным багажом, которые восточный маэстро, однако, очень хорошо уловил и преподнес без существенных изменений в своей характерной электронно-симфонической манере. Но – обо всем по-порядку. Бэнкс – известный активист, борец за права коренного населения США. Сам индеец, он не только является гордым носителем духа и культуры своего народа и своего племени, он всячески отстаивает права соотечественников, работая сразу на нескольких «фронтах», одним из которых в последние годы стала музыка. На Let Mother Earth Speak Деннис выступает в роли мудрого рассказчика, извлекающего из памяти много информации, от определения семейных ценностей в индейском быту и собственных воспоминаний (которые он справедливо уже может отнести к легендам) до освящения аспектов духовной жизни (коим он отдает предпочтение) своих предков и расшифровке народных песен, танцев и обрядов. Под его голос у человека, владеющего английским и обладающим хорошей фантазией, перед глазами оживает жизнь индейских резерваций, где древняя культура или сопротивляется окружающему миру, или прогибается под его давлением. Рассказав в начале каждой композиции о чем-то важном, раскрыв нужную тему, Деннис, взяв в руки бубен и пригласив своих друзей, вместе с ними образует ритуальный индейский круг, бесконечный хоровод под гулкий бой туго натянутой кожи и гипнотический шорох перкуссии – извечный цикл, объединяющий прошлое настоящее и будущее. Фигуры в круге делают неторопливые движения и поют долгие, монотонные, экстатические песни, в которых слышаться порой только повторяющиеся простые гласные звуки, а порой – целые истории забытых времен. Поклонники Китаро уже заждались, когда же он появиться в этом действии? А он никуда и не исчезал, присутствовал с самого начала. Да, с начала каждого трека мы слышим его спокойную музыку – «фирменный» электронный ветер, раскачивающий ветряные колокольчики, сигналы синтезаторов, ввинчивающиеся в космическую вечность, разносящийся гул поющих чаш, задумчивый и утонченный симфонический бэкграунд, в который вплетены звуки окружающего мира: раскаты грома, журчание воды, пение птиц. Поддерживая тему альбома, мэтр большую часть времени играет на деревянной индейской флейте, что выглядит очень логично, и очень гармонирует с его возвышенной музыкой. Все вместе это звучит живо и колоритно, пусть смысл слов иногда ускользает за языковые барьеры, да и сам жанр spoken worlds выглядит совершенно непривычно. Кросскультурное сочинение, преследующее более познавательные и социальные цели – тем не менее, диск Let Mother Earth Speak не будет лишним на полке любителя «мировой музыки».

Tamayura, строго говоря, не является новым альбомом Китаро. Так называется театральный перфоманс, поставленный хореографом Коити Тамано для театра танца Harupin-Ha Butoh – масштабное представление, длящееся от заката до рассвета, во время которого артисты воссоздают жизнь целого подлунного и подводного микромира, населенного обычными, пусть и зачастую совершенно невидимыми невооруженным взглядом обитателями и сказочными существами, чья вселенная легко умещается под листом речной лилии или в воздушных пузырьках, поднимающихся со дна. И все это подано в манере классического японского театра, в котором говорят не словами, а жестами, и в котором музыка является подчас самым главным рассказчиком. Китаро как раз и подготовил саундтрек для этого действа, сочинив несколько новых композиций и немного переделав пару своих знаменитых вещей. Запись этого спектакля с музыкой Китаро уже выходила в 2000 году, но в качестве носителя получила тогда только DVD, теперь же у нас есть возможность приобрести вместе с видео еще и CD. Такие проекты для японского композитора всегда являются поводом как можно шире представить основные стилистические элементы своей музыки, но также это и хорошая возможность для экспериментов, для поиска новых форм. В данном смысле мэтр приятно удивил, начиная почти что каждый трек в довольно неожиданной манере, где смешивается мистицизм и минимализм, авангардизм и фирменная экспрессия – в некоторые моменты музыка замирает сгустившимся ночным амбиентом, в котором вязнут голоса и звуки традиционных восточных инструментов, сердце робко замирает в ожидании прикосновения к какой-то древней тайне, а взгляд следует за странными, порой сюрреалистическими движениями и образами, которые воссоздают актеры, перемещаясь вдоль водной глади. После вступления, в авторстве которого замешаны больше участники труппы, гортанно распевающие слова и бьющие в барабаны, после занявших несколько долгих и тревожно-будоражащих минут описанных выше экспериментов, следует трек Magma, неторопливо кочующий от сосредоточенности каноничной восточной музыки до эпичности прог-рока и экспрессивной электроники, фирменное звучание которой любой поклонник узнает сразу же. Затем следует Mercury, сыгранный на деревянной флейте американских индейцев трек с получившего премию ГРЭММИ альбома Thinking of You, ее мелодия как раз и получила немного иную интерпретацию. В треке Sitara гармонично соединяются Восток и Запад, медитативность и сложность арт-рока, перенос традиционных канонов в звучание электрогитары. Еще одна «не новая» композиция – Nageki с альбома Kojiki, известная вещь, способная украсить любой концерт Китаро, что и произошло в данном случае. Beam Wave задает концерту напряжение, это бурлящая электронными звуками вещь, вполне отражающая видения, возникающие во время астральных путешествий и позволяющая вспомнить самый первый альбом композитора. После нее следует меланхоличная баллада Uranus, за десяток с лишним минут разрастающаяся до эпических размеров, наполненная яркими и мощными пассажами и выступлением хора. Это то, чего ты просто ждешь в финале Tamayura и что накрывает тебя волной эмоций. Китаро здесь во всей своей красе – и с повторами, и с использованием типичных приемов, но с невероятным размахом, с неожиданными находками и подстраиванием под действие, разворачивающееся на сцене, что в итоге производит грандиозное впечатление. Брать диск без раздумий, ставить на полку к другим альбомам мастера, смотреть, слушать и получать удовольствие.

The Essential Kitaro Данная компиляция поможет легко ответить на вопрос «чем сборники Essential отличаются от традиционных The Best of?», если таковой у вас когда-либо возникнет, хотя бы при знакомстве с обширной дискографией легендарного японского композитора Китаро. Best закономерно содержат самые хитовые и знаковые вещи того или иного исполнителя, узнаваемые всеми и любимые настолько, чтобы в очередной раз выложить свои деньги и приобрести диск. Essential, на мой взгляд, вещь чуть более серьезная – подобные компиляции призваны показать основные направления творчества и его главные вехи, варианты приложения тех или иных талантов. Подобные релизы, как правило, весьма эклектичны, содержат несколько точек зрения на творчество музыканта, без которых порой трудно получить полную картину. Взяв из родной восточной культуры медитативность и непривычную европейскому слуху гармоничность, основанную на понимании глубинных процессов окружающего мира, Китаро в равной пропорции почерпнул у западной музыки символизм и масштабность. К тому же основной период его становления как музыканта пришелся на годы развития и расцвета как прогрессивного и арт-рока, так и электроники, что тоже нашло отражение в его музыке, помогло создать свой собственный музыкальный язык. Итак, тринадцать вещей, которые необходимо услышать, чтобы понять и полюбить (разве вы этого еще не сделали?) Китаро: драматический саундтрек для исторической киноленты The Soong Sisters (The Scroll Is Read), симфония Природы и одно из самых эпических и эмоциональных произведений автора (A Passage of Life), перкуссионно-электронная вещь с потрясающей темой, написанная для бродвейской постановки Cirque Ingenieux (Contortionists) и самая красивая композиция с получившего (после череды не выпавших номинаций) премию ГРЭММИ альбома Thinking of You (великолепная Estrella). А также такие «пасторальные» шедевры, как As the Wind Blows, Whisper, Wood Fairy, в которых сама Земля говорит с тобой нежным шепотом флейты, ритмом деревянной перкуссии, зашифровывая свои послания в дуновениях ветра, раскачивающего колокольчики, и в узорах водяных лилий на голубой глади озера. Древний и многими забытый язык, на котором Мать пытается вновь наладить общение со своими детьми. Не забыты и самые известные хиты Мастера – богиня Сарасвати снова танцует свой вечный танец (Dance of Sarasvati), караваны бредут сквозь пустынный зной по Великому Шелковому пути, с которого начиналась не только связь Востока и Запада, но и карьера самого Китаро (Theme from Silk Road). И, конечно, не обойдены вниманием живые выступления маэстро – да и как можно забыть эту экспрессию и мощь? На диске можно услышать «живое» исполнение Koi, а DVD дает возможность увидеть лучшие моменты с двух самых грандиозных шоу композитора – выступления в Испании в 1999 году и концерта в Китае в 2004. В общем, это очень разносторонний и крайне интересный взгляд на музыку Китаро, собравший, самые «представительные» и наиболее впечатляющие его сочинения, которые точно не оставят равнодушными.

The Best of Silk Road Думал ли Китаро, в конце семидесятых принимая предложение китайских продюсеров сочинить саундтрек для одного из самых известных документальных сериалов, что создает настоящий шедевр, который будут с удовольствием слушать сотни тысяч слушателей по всему миру? Скорее всего, он просто решил хорошо выполнить свою задачу, нашел вдохновение и сделал то, что помогло вписать его имя в историю музыки. С тех пор вышло несколько дисков-продолжений (правда, возникла путаница с их названиями, в некоторых странах издатели обрывали связь с оригинальным сериалом, придумывая для дисков новые имена), заполнившие их композиции стали важной частью «живых» выступлений музыканта, многие темы, такие, как Caravansary, не просто многократно цитировались – они стали легко узнаваемыми с первых же нот. В 2003 году лейбл Domo Records предпринял интересную попытку собрать все самые значимые треки «Шелкового пути» на одном диске, а заодно и «освежить» интерес к этой серии. За основу были взяты оригинальные композиции (взятые с первого официального Best Китаро, отмерившего его достижения в первые десять лет карьеры), а также вещи, получившие новую аранжировку благодаря участию в одной из записей маэстро известного исполнителя Ю-Ксиао Гуанга, мастера игры на китайской скрипке. Также была переиграна заглавная тема Silk Road (тут, впрочем, изменения абсолютно минимальны и их еще стоит поискать), а бонусом идет неизданный ранее фрагмент концерта, в котором соединились Pray at Xian и более поздний, но также прекрасно узнаваемый, и, видимо очень любимый самим автором трек Mercury. Оригиналы звучат так, как и звучали в первоначальном виде – изящная и задумчивая нью-эйджевая электроника семидесятых, в которой древние восточные мотивы поданы через призму прогрессивной, на тот момент, западной культуры, и наоборот. Этим вещам всегда была свойственна романтика и медитативность, их тихие ритмы и тонкие, кажущиеся нарочито простые мелодии задают особенное настроение, будоражат фантазию, способную вновь показать сквозь дымку аналоговой электроники бескрайние пустыни, крыши древних храмов, маленькие деревеньки и горы, отмеряющие этот долгий путь из Азии в Европу. Композиции, записанные с Гуангом, получили качественные симфонические аранжировки, а основные электронные темы были без потерь переложены для скрипки, доказывая не только свою универсальность, но и то, как аккуратно Китаро преподнес этот эклектичный, в общем-то, микс таких разных культур, создав не пестрый узор звуков, а нечто единое и абсолютно целое. Впрочем, эти вещи отсылают слушателей к более позднему этапу творчества Китаро. Завершение основной части альбома, как и положено, грандиозно: половина Moon-Star разгорается в ночной тишине, неспешно заполняя пространство вокруг, которое в финальной части взрывается прог-роковой экспрессией, задаваемой виртуозными партиями электрогитар на фоне оркестрового неистовства, переворачивающего душу мощным напором чувств. Шелковый путь стал символом творчества Китаро – подобно древним караванщикам, он проделал путь на Запад, принеся туда свою культуру и взяв очень многое для себя из традиций западной музыки. В дальнейшем он создал множество великих шедевров, о которых разговор, надеюсь, еще впереди, получил ГРЭММИ и множество других призов, но, все таки, эти композиции стали основой его творчества, без них трудно представить себе тот грандиозный и прекрасный мир, созданный этим великим музыкантом. Без них также трудно представить себе современные жанры нью-эйдж и world music, и их, безусловно, надо иметь в своей коллекции.

Impressions of the West Lake Западное озеро (Си Ху) является главной достопримечательностью китайского города Ханчжоу. Разместившись практически в историческом центре города, оно, если верить туристическим проспектам и посетившим его туристам, представляет идеальное место для отдыха от городского шума и суеты. Многие уголки этого живописного места устроены специально для типичных восточных «забав», вроде созерцания отражения лунного диска на водной глади. Красотой этого озера вдохновился китайский режиссер Чжан Имоу (создатель фильмов «Герой» и «Проклятье Золотого Цветка», а также постановщик церемонии открытия Олимпийских Игр 2008 года), который придумал, как оживить на берегах Си Ху древнюю и трагическую историю любви, сделав озеро не просто местом действия, а полноценным его участником. Так возникла опера Impression West Lake, многочасовое представление с сотней участников, которые выступают прямо на поверхности воды, создавая интерактивное пространство из места, действия, истории и музыки. Музыку сочинил Китаро – действительно, не возникает вопросов, кто же еще мог бы озвучить столь масштабный проект. Для создания эпических оркестровых партий был приглашен также аранжировщик Рэнди Миллер, с которым Китаро работал над саундтреком к фильму Оливера Стоуна «Небо и Земля», а в качестве вокалистки была выбрана молодая китайская певица Джейн Занг, замечательно исполнившая красивую арию Impressions of the West Lake и украсившая остальные треки очаровательными вокализами. Impressions of the West Lake – это, без сомнений, бриллиант среди большого количества сочинений китайского композитора, который, создавая его, пошел своим собственным, хорошо изученным поклонниками и критиками путем: соединяя каноны восточной и европейской музыкальных культур, переплетая традиции народной и классической музыки, электронику и рок. Он делал это не раз, но в данном случае результат звучит куда как более грандиозно, позволяя при этом отметить для себя, что Китаро продолжает совершенствовать свои таланты и искать новые выразительные формы звучания. Сочинив главную тему всей постановки (впервые она зазвучит в Aria Di West Lake в исполнении пианино, что уже довольно необычно для Китаро, а ее последние аккорды стихнут в Spirit of the West Lake), музыкант пропускает ее через все важные моменты и события действа, которое получает яркую эмоциональную окраску и эпический размах за счет громогласных барабанов Тао, оркестра, звучащего в традициях настоящего саундтрека и классической симфонии одновременно, а самые нежные и романтические моменты оперы украшает тихое соцветие китайской церемониальной музыки и атмосферные электронные пассажи. Две важнейшие композиции – Aria Di West Lake и Reflection of the Moon, две полноценных симфонии, связывающие целый набор образов, голосов и порожденных ими эмоций, которые всецело захватывают слушателя (что творится в душе у зрителя, наблюдающего все это воочию, вообще трудно представить), постепенно разрастаясь из «камерных», почти что медитативных зарисовок, эволюционирующих в события огромного масштаба и значения, хотя бы только для героев этой постановки, которых судьба и воля рассказчика неотвратимо ведет к финалу. Впрочем, фиксировать внимание, согласно восточной мудрости, предлагается не на этих событиях, а на визуальных и философских образах, представленных в лаконичных и выверенных действиях актеров, и, конечно же, нужно видеть все пространство великого озера целиком, размышляя о его красоте и величии. Великолепная работа выдающегося композитора, который, несмотря на десятилетия карьеры, явно находился на пике своей творческой формы. Величественная, эмоциональная и захватывающая музыка, поражающая своим размахом.

Cirque Ingenieux Один из первых опытов Китаро в написании музыки для театральной, в данном случае Бродвейской постановки не только не вышел комом, но и задал очень высокие стандарты подобных саундтреков, явив публике масштабную, восторженную и немножко загадочную стилистику японского композитора. Продюсерам шоу, кстати, можно смело поаплодировать: решение пригласить композитора с «восточным менталитетом» для создания музыки к представлению, в котором должны были в полной мере представлены традиции европейского циркового искусства, наверняка далось им нелегко, тем не менее, превосходный результат на лицо. Cirque Ingenieux — история о маленькой девочке, открывшей для себя волшебный мир цирка, в который невозможно не влюбиться, как невозможно не влюбиться и в эту музыку. Треки альбома включают в себя все то, что на протяжении десятилетий представляет собой основу творчества Китаро: «зовущие» звуки синтезаторов, в которых слышна и ориентальная древность, и размашистый космический футуризм, богатые оркестровые аранжировки, этнические инструменты, романтические вальсы и парад оживших детских игрушек, медитативность древних церемоний и роскошные финальные марши выходящих на манеж артистов цирка для поклона публике. Некоторые вещи звучат, конечно, слишком уж канонично, их следы можно разглядеть еще на бескрайних просторах «Шелкового Пути», принесшего автору мировую славу (Solar System Trapeze, Contortionists). Другие композиции, коих большинство, напротив, представляют собой жанровые эксперименты, в данном случае подчеркивающие атмосферу творящегося на сцене праздника, в динамичной смене декораций (Costume Shop) не забывая подчеркнуть ту или иную локацию или персонажа. Кстати, «персонажные» треки (Sarah’s World, Galina) удались особенно, каждая из них раскрывает тот или иной характер, в них звучат голоса персонажей и эмоциональные вокализы. Не мог Китаро обойтись и без привычного эпического звучания – деля порой треки на разные, но взаимосвязанные части и наполняя их под завязку действием, он легко перемещается от возвышенного академизма до легкого нью-эйджа, двигаясь сквозь самый настоящий «пинкфлойдовский» арт-рок к канонам восточного мистицизма, поднятого на неведомые доселе высоты с типично бродвейским размахом. Одним словом, великолепный альбом, даже как-то захотелось сходить снова в цирк и попытаться снова пережить тот волнительный первый, наивно-детский восторг от этого развлечения.

Live in America Самое начало девяностых – важный этап в творчестве Китаро. Прежде всего, его музыка переживает удивительный рассвет, знаменуя переход от чисто нью-эйджевой электроники (последним вестником которой в дискографии композитора стал не слишком удачный альбом Tenku, наглядно показавший, что идея, возведенная на предыдущих релизах мастера в абсолют, если и не изжила себя, то явно требует развития) к масштабным оркестровым работам, в которых помпезность и пафос европейской симфонической музыки совмещался бы с сосредоточенной медитативностью восточной музыкальной культуры. Заревом этого рассвета стал альбом The Light of the Spirit, а на всю свою мощь эта идея заработала на диске Kojiki. Именно «по итогам» этой работы Китаро и отправился в свой мировой тур 1990 года, одним из достижений которого стало настоящее покорение Америки – и главным свидетельством этого успеха Китаро стал «живой» CD Live in America. Kojiki полностью вошел в программу этих выступлений – правда, по причине места/времени из дорожки компакт-диска пропал трек Orochi, впрочем, эта «несправедливость» была восстановлена на двойном виниловом издании «американского концерта». Но и без этого трека новое творчество Китаро покоряет и удивляет с первых же нот. Сейчас, по прошествии десятилетий переслушивая этот релиз, ловишь себя на мысли, что именно мелодии Kojiki легко и просто узнаешь с первых аккордов – каждая из них, проходя через многочастные, величественные композиции, объединившие классику, этнику, симфонизм и яркую экспрессию арт-рока, уникальная, совершенна и навсегда остается в памяти. Способствует этому и шикарный звук, радующий аудиофильным качеством, которым даже сейчас не могут похвастаться многие «лайвы». Отыграв основной материал, Китаро не мог обойтись без своих самых узнаваемых хитов, да и поклонники, коих уже тогда в Америке у него было в достатке, не позволили бы ему забыть про Silk Road, Caravansary и Cosmic Love. Что ж, их совершенный в своей лаконичности мелодизм приобретает здесь за счет оркестра масштаб и глубину, не слыханную раннее. Финалом идет «обзорная зарисовка» из основных тем The Light of the Spirit – любит Китаро приберечь на финиш эпические сочинения, гарантирующие слушательский восторг и мощный прилив чувств. Знаковый концертный альбом, демонстрирующий нового Китаро. Впереди – ГРЭММИ, и многочисленные релизы с неопускаемой планкой качества (следующим стал великий Dream). Сейчас – одно из лучших воплощений музыки маэстро для большой аудитории.

Final Call Куда приведет человечество его уверенность в собственной исключительности, повлекшая за собой отрыв от окружающего мира? Где кончается гармоничное сосуществование человека и природы и начинается противостояние, в котором никто не получит пощады? Почему мы думаем, что мы — вершина эволюции? Эти вопросы, к сожалению, в наши дни волнуют не очень многих (скорее даже – совсем не тех) людей, которые предпочитают жить в условиях сиюминутного потребления – кому-то вопросы кажутся общими, не касающимися именно его, кто-то считает их слишком глобальными или риторическими, а кто-то то верит, что время искать на них ответы все еще не пришло. Между тем, сама Вселенная давно уже намекает нам, что каждый брошенный в нашу сторону призыв одуматься может стать реально последним. Об этом размышляет на своем новом студийном альбоме Китаро. Он не делает мрачных прогнозов, не пугает и даже не призывает остановиться – он просто показывает нам тесные взаимосвязи существующими в этом мире, учит видеть красоту в каждом явлении природы и наслаждаться их уникальностью и неповторимостью. В стилистическом плане Final Call продолжает исследовать звучание, которое мы услышали на предыдущем альбоме Китаро, Tamayura, саундтреке к театрализованному представлению. Здесь каждая композиция также начинается с продолжительной (и зачастую вполне самодостаточной) интерлюдии – амбиентном размышлении на заданную тему, исследующем электроакустические звуковые текстуры (передающие с помощью секвенций дух синтезаторных открытий семидесятых-восьмидесятых годов, но и не гнушающиеся современной тяги к экспериментальным абстракциям) на почти что молекулярном уровне, чтобы потом развить их во всю симфоническую мощь до поистине безграничных масштабов, охватывающих сразу множество событий и явлений. Эта аллегория микро и макромиров, неразрывно связанных друг с другом, наиболее наглядно отражает идею альбома. Как и привычная эклектика, давно уже ставшая основой фирменного звучания Китаро, и включающая в себя медитативно-умиротворенные пейзажи, пронизанные восточным колоритом с неожиданно вступающим напряженным драматизмом ритма китайских барабанов, эволюционирующие до масштабных неоклассических моментов (в данном случае усиленных эмоциональными хоралами в духе Карла Орфа) и экспрессия арт-рока, соприкасающаяся с характерным «космическим» мелодизмом узнаваемых электронных пассажей, зовущих за собой в неизведанно-романтические дали. Пространство эмоций полностью захватывает слушателя, окружает его завораживающими образами, в узоре которых постепенно проступает некое последовательное развитий событий, хроника извечного путешествия, которое начинается где-то на просторах Вселенной, а заканчивается в тишине сада камней, под журчание ручьев и пение птиц. В этой хронике – история отдельно взятого человека и всего человечества в целом, которое автор призывает жить в гармонии, являющейся единственно возможным путем нашего дальнейшего развития. И, слушая этот альбом Мастера, начинаешь если не верить, то хотя бы надеяться, что это Зов окажется все-таки не последним. Великолепный альбом, который наверняка станет одним из главных событий музыкального года и который никак нельзя пропустить.

Quintessential Данную компиляцию можно считать продолжением сборника The Essential, вышедшего годом ранее: здесь тоже собраны лучшие композиции музыканта, и на DVD можно увидеть самые яркие фрагменты его живых выступлений. Название для релиза также подобрано идеально – словарь дает несколько трактовок слова «квинтэссенция», но среди них можно выделить пару, лучше всего подходящих под описание творческого пути Китаро. Первая из этих трактовок: «самое главное и важное» (что можно смело употребить для описания всех собранных здесь треков), вторая трактовка, отсылающая к античной натурфилософии: «великая творческая сила, которой Бог наделил материальный мир». Если заменить «материальный мир» на «Китаро», то точное описание музыки Маэстро будет готово – действительно, в композициях этого человека всегда велико было божественное, иномирное присутствие, интуитивно замеченное самим автором и бережно доносимое до слушателей. Quintessential, в отличии от The Essential, практически не обращается к ранним работам музыканта, эха «Шелкового пути» вы здесь не услышите. Словно не фиксируясь на прошлом и делая упор на настоящее, создатели этой компиляции собирают шедевры c альбомов последних десятилетий, начиная с Dream – это наглядно показывает, что в запасе у Китаро не только нетленная классика восьмидесятых, но и подлинный творческий рассвет в девяностых и нулевых. Также стоит отметить, что этот сборник звучит более умиротворено и спокойно: первая его половина словно создана для медитации летним днем под тенью деревьев на берегу медленно бегущего ручья. Floating Lotus, Michi, Spirit of Harp, Sacred Fountain – созерцательная, основанная на восточной гармонии музыка, тесно связанная с силами природы, повествующая о духовном родстве человека и окружающего мира. Symphony of Dreams, которая является, по сути, квинтэссенцией всего альбома Dream дает возможность услышать более масштабные, оркестровые работы композитора, где угадывается его интерес к классической музыке, преломленной сквозь призму эпических голливудских саундтреков. Трек Gaia демонстрирует интерес к world music: этот знаменитый гимн Матери-Земле служит перекрестком мировых культур, в звучании угадывается и стилистика фламенко, и шаманизм американских индейцев. Грандиозно звучит и Spirit of the West Lake, одна из самых ярких (в том числе и в мелодичном плане, здесь Китаро раскрывается как тонкий лирик) работ последних лет: музыка для театрализованного действа завораживает и еще долго не отпускает, вырисовывая перед внутренним взором масштабную панораму, наполненную множеством загадочных фигур и декораций. На DVD царит пиршество для глаз, но настоящим поклонникам Китаро, у которых все это наверняка есть к коллекции, будет интересно продолжительное и эксклюзивное интервью с Мастером, где он рассуждает о своем творчестве, а также один эпизод концерта, неизданный ранее. Музыкальное содержимое тоже наверняка уже есть у слушателей, но в целом релиз, конечно, хоть и ознакомительный, все-таки попадает под категорию musthave – удивительным образом хиты Китаро, даже перетасованные в различном порядке на различных «бэстах», создают каждый раз уникальную атмосферу и особое настроение, рассказывая другую, но не менее захватывающую историю.

Symphony Live in Istanbul Стамбул стал важной отметкой в весеннем концертном туре Китаро – причем не только географической отметкой. Своему визиту в этот древний город прославленный музыкант придает особое значение, проводя параллели со своим творчеством и находя тонкие взаимосвязи. Так, первым релизом, принесшим этому исполнителю мировую славу, стала серия работ, посвященных Шелковому пути, на дорогах которых Стамбул играл не просто роль перевалочного центра, а являлся одной из главных точек маршрута, связывая Восток и Запад. То есть, выполняя примерно ту же роль, которую всегда стремится сыграть посредством своей музыки Китаро, выступления которого в сопровождении симфонического оркестра (для данных целей была переписана партитура и некоторые фрагменты, вроде вступления и интерлюдий) пришлись на два мартовских вечера 2014 года. Пользуясь представленным случаем, выступления в рамках тура Китаро подобрал свои наиболее «симфонические» сочинения, взятые с самых известных альбомов: Kojiki и Thinking of You, не забыта и уже, похоже, вечная классика Silk Road, также присутствует один неизданный ранее трек Kokoro part 2. Но начинается все с эпического Heaven & Earth, вобравшего в себя самые яркие, эпические и драматические моменты из саундтрека к фильму Оливера Стоуна. Это грандиозное начало не только задает правильный эмоциональный вектор слушателям и зрителям, но и дает возможность прочувствовать тягу исполнителя к большим, монументальным формам музыки. Умиротворенность нью-эйджа (не заброшенная, впрочем, окончательно тогда, когда музыкант берет в руки флейту и начинает вести к чувственным высотам простую и медитативную ориентальную мелодию Mercury) все-таки уступает место академическому размаху – благо, симфонический оркестр справляется со своей задачей на отлично и придает привычным пассажам Мастера и космическим звукам его синтезаторов новые краски и эмоции, что хорошо ощущается на протяжении всего альбома, не только на отрезке неба и земли, но и в таких ярких моментах, как Kokoro 2, Orochi и Matsuri. Так что можно смело констатировать, что Китаро не зря оказался в этом году на перепутье Великого Шелкового Пути – Стамбул с его особенной энергетикой как никогда кстати помог его вдохновляющей музыке раскрыться во всей красе, и даже старые, хорошо знакомые и проверенные вещи аура этого города наполнила немного загадочной и чувственной новизной. В последние годы с именем Маэстро на обложке вышло много The Best, но Symphony Live in Istanbul, пусть и содержит все сплошь знакомые названия, представляет собой нечто новое и гораздо более интересное. Не пропустите.

Интервью

Ваша музыка достаточно хорошо известна в России и Беларуси, но нашим читателям интересно было бы узнать, как Вы пришли к ней.

Дело в том, что я родился в глубине Японии, на ферме, где выращивали рис и все вокруг были вегетарианцами. Меня воспитывали и обучали в традиционном духе дзэн-буддизма и синтоизма, но в то же время мир вокруг уже не был таким изолированным и поделенным на части, как раньше. Поэтому я воспринял свою миссию как помощь людям стать еще ближе друг другу и проникнуться духом мира. Моя музыка способствует этому, она черпает энергию из самой природы и дает ее всем слушателям.

Какие исполнители оказали на Вас наибольшее влияние?

Я начинал, как большинство моих сверстников. Моими кумирами были поначалу американские блюзмены – Би Би Кинг, Отис Реддинг и, разумеется, английские рок-группы. Да и позже Пинк Флойд, Кинг Кримсон, Майк Олдфилд и другой прогрессивный рок также дали мне очень много для моего музыкального мировоззрения. Я самостоятельно учился играть на гитаре и выступал в школьной рок-группе. Потом я переключился на бас и, в конце концов, сел за клавишные. Первым музыкальным впечатлением, которое перевернуло все мое мироощущение, были Tangerine Dreams. Я начал пробовать сочинять сам и практически с того момента перестал систематически слушать чужую музыку. Я все еще не могу считать себя профессиональным музыкантом. Я с наслаждением учусь всему и получаю огромное удовольствие от своих выступлений. Честно говоря, я хотел бы сохранить в себе дух любительства: в нем можно черпать вдохновение.

Вы смешали Восток и Запад в Вашей музыке. Считаете ли Вы, что чистые стили и направления не могут уже быть продуктивными?

У каждого народа есть свои музыкальные традиции, но я предлагаю делать на их базисе новую музыку. Это моя основная идея: новое звучание на традиционной основе. Проект Kitaro's World Of Music опирается именно на этот принцип. В какую страну бы я ни приезжал, я стараюсь найти и приобрести интересные редкие инструменты, в основном ударные, да и всякие другие. Позже я использую их в своих композициях для создания соответствующих образов. Но вообще-то смешивание различных музыкальных традиций само по себе уже стало какой-то традицией. Фольклор инспирировал развитие многих жанров, в том числе и джаза, когда сотрудничество Диззи Гиллеспи в 40-е годы с латиноамериканскими музыкантами привело к возникновению афрокубинского стиля. Я обычно использую много электроники, но иногда я начинаю ощущать нехватку обычных акустических инструментов, чтобы сделать музыку более естественной. Мне кажется, еще много традиционных направлений остается неизвестными, но сейчас наступает самое время для них.

Многим слушателям у нас полюбились альбомы The World Of Kitaro, Silk Road Suite, Kojiki. Нравится ли Вам работать с симфоническими оркестрами? Собираетесь ли Вы еще записать подобные аранжировки?

Я очень люблю записываться и выступать с большими оркестрами, однако это весьма дорого и требует больших затрат времени на подготовку. Я, например, потратил три с половиной месяца на запись альбома Mandala, хотя там не такой уж большой оркестр. Обычно я предварительно делаю все партии на синтезаторе, а потом мой аранжировщик Рэнди Миллер расписывает партитуру. Конечно, это необыкновенное ощущение – сидеть впереди оркестра из 100 человек: такой живой объемный звук невозможно передать никакими средствами.

Каково Ваше восприятие современного и традиционного джаза? Влияет ли каким-либо образом на вашу музыкальную философию?

Я черпаю вдохновение из самых различных источников. В некотором роде я изолировал себя от современной массовой культуры – у меня нет ни телевизора, ни радио, я не читаю газет. Но я ценю современный джаз, прежде всего за его свободу, которая есть и у моих музыкантов: они всегда имеют право на импровизацию. Я люблю и традиционный джаз за его стойкость и приверженность определенным творческим схемам. Я люблю просто музыку, вне всяких рамок и жанров, и поэтому я могу двигаться в любом направлении.

Вы говорите о том, что Ваша музыка в своей основе духовна. Однако очень многие люди склонны связывать духовность напрямую с религией. Что Вы можете сказать по этому поводу?

Музыка – это просто музыка. К религии она не имеет никакого отношения. Но она может быть очень мощным оружием, и это уже вопрос, для чего она будет использоваться – для исцеления или разрушения. Молекулы, которыми мы окружены и которые несут вибрации музыки, могут дать нам больше здоровья и душевной гармонии.

Считается, что Ваши композиции носят визуальный характер, но что в таком случае лежит в их основе? Можете ли Вы сказать, что в природе вдохновляет Вас больше всего?

Да, я в основном черпаю свои идеи непосредственно из природы. Я стараюсь открыть сам источник звуков. Иногда это происходит во время прогулок среди деревьев, и свист ветра в листве складывается в очень интересные сочетания, иногда на открытом пространстве, в поле. Когда окружающие меня звуки находят путь в душу, рождается музыка. Бывая в городе, я люблю пройтись по очень людной улице и понаблюдать за толпой, прислушаться к ней. Но через три-четыре дня я чувствую, что нужно уезжать оттуда – в горы, на побережье, куда-нибудь. Там я впитываю в себя самые разные звуки – ветра, замерзающей воды. Иногда, если долго вслушиваться в бульканье падающих капель воды, то можно уловить совершенно особые, низкочастотные колебания. На самом деле, мы не отделены от мира снаружи нас, мы – его часть. Мы все должны уважать природу.

Что Вы думаете о связи исполнителя и аудитории, как она влияет на саму музыку?

Моя задача – это передать энергию музыки из космоса через мое тело и донести ее до слушателя. Я пытаюсь установить связь со всеми слушателями, и молодыми, и старыми, но не со всеми это происходит сразу, и, конечно, я это чувствую. Иногда на концерте сидит три или четыре поколения людей, и со всеми бывает контакт. Это просто здорово.

Есть ли у Вас какие-то особые требования к музыкантам, с которыми Вы играете?

Я люблю работать с самыми разными исполнителями. Мне довелось играть и с Микки Хартом из «Грейтфул Дэд», и с Яном Андерсоном из «Йес». Работать с различными людьми означает получать дополнительный толчок, источник вдохновения. В процессе сочинения мелодии мы оцениваем то, что у нас всех получается, и это помогает добиться цели. Главное – быть творческой личностью.

Есть ли у Вас время просто слушать музыку?

Сейчас я очень редко делаю это. Мне совершенно достаточно звуков природы.

Что Вы знаете о России и ее народе?

Очень немного. Я слышал, что это красивая большая страна и мне бы хотелось побывать там. Мне очень интересны ее история и культура.

Последний, традиционный вопрос. Планируете ли вы тур по России, и если да, то когда?

Во всяком случае, не в этом году: расписание запланированных концертов уже не позволит. Нам предстоят выступления в Америке и в Китае. Там должны состояться грандиозные шоу в помещениях на 20 тысяч мест и больше. Но я обязательно в будущем приеду выступать в вашей стране.

Интервью 2

Аманда Патрик. Интервью с Китаро.

Вы как-то говорили, что самым важным элементом в Вашей музыке являются чувства. Возможно, именно поэтому она так глубоко трогает сердца слушателей?

Почти всю свою музыку я создаю в горах Колорадо. Мне необходимо быть в одиночестве, и это похоже на медитацию. Много времени я провожу в заботах о своем доме и саде, пребываю на природе. Это нужно мне даже больше, чем сочинение музыки, потому что пока я работаю, я слышу природу, наблюдаю за природой, а затем возвращаюсь в студию и перевожу этот опыт на язык музыки. Я считаю, что это очень важно – проводить время без музыки, и только затем возвращаться к музыке. Молодые люди думают, что от музыки нельзя отвлекаться ни на минуту. А я говорю о том, что музыка не должна быть тяжелой работой. Музыка должна быть легким делом. Для меня важнее то, сколько времени мы, музыканты, можем проводить на природе.

Значит, Ваша музыка, как и Ваша жизнь, посвящены природе?

 Да.

Что это, то самое важное, что Вы хотите передать через музыку?

Во время сочинения музыки я не думаю ни о чем. Музыка гораздо глубже, чем слова. Необходимо естественное состояние, то, что называется вдохновением. Тщетно пытаться вызвать вдохновение искусственно, ничего не получится. Только когда оно приходит само, тогда будет достойный результат. Когда вдохновения нет, когда я пытаюсь добиться его, ничего не происходит. Так что для меня это вопрос естественных процессов и естественной жизни.

Что делает Вас счастливым?

Музыка. Она действительно является очень важной частью меня самого. Музыка для меня – как магическое путешествие. Я перемещаюсь в другие места, другие времена. Или даже в космос, собственный космос. Музыка незаменима для таких путешествий. Музыка – это билет.

То же самое происходит со мной, когда я слушаю Вашу музыку. Я очень хорошо помню, когда я впервые, 12 лет назад, услышала Ваш альбом Silk Road (Шелковый путь). Когда я слушаю его сейчас, впечатления все такие же свежие. Как Вы сами думаете, Ваша музыка меняется с течением времени?

Мне кажется, моя музыка следует за моим возрастом. В некоторой степени она меняется, но вообще моя философская основа музыки звучит так: «Ничего не меняется». Конечно, меняются технологии, инструменты. Но если отдаться во власть технологии, можно потерять духовное начало музыки. Я ожидаю от людей более глубокого восприятия, ведь звуки влияют на наше самочувствие. А также они влияют на нашу планету.

Вы верите, что Ваша музыка нравится планете?

Я люблю чувствовать звуковые колебания, делиться этими колебаниями с людьми. Именно поэтому я каждую осень на горе Фудзияма провожу церемонию игры на барабанах. Она длится всю ночь. Это – ежегодное событие.

Вы делаете это один?

В первый год я был один. Этой традиции уже десять лет. В настоящее время в ней участвуют около семисот человек. И все с барабанами. Это действительно мощно.

Именно это заряжает Вас энергией, окутывает Вас энергией Земли?

Да. Причем там можно наблюдать самые настоящие чудеса. В прошлом году нас застал сильный тайфун. Мы были там всю ночь, но не могли бить в барабаны. А в позапрошлом году было идеальное полнолуние и идеальный рассвет. Луна заходила за горизонт, и одновременно с противоположной стороны всходило солнце. Это было чудо. Так что все зависит от того, насколько человек способен ощущать необыкновенное за обычными вещами.

Эта церемония открыта для всех?

Да, чем больше людей, тем лучше.

Вы сказали, что Ваша музыка не сильно меняется со временем. Но ведь она отражает Ваше внутреннее развитие?

Я никогда не учился музыке, но я каким-то образом могу ощущать гармонию, музыку. Моя музыка не основана на классических традициях. Она вне правил, и едва ли сравнима с какой-либо другой музыкой. То же самое и со мной. Ничего не изменяется, только моя энергия.

Какое Ваше произведение нравится Вам больше всего?

Сейчас это последняя песня из нового альбома Gaia. Я сочинил музыку в своей студии, затем вылетел в Японию, там записал голос певца (без музыки) и вернулся в Америку. Здесь я попробовал соединить пение и музыку, и все сошлось просто идеально – высота тона, темп. Для меня это – чудо. Певец не слышал этой музыки. Я записал его пение, и оно идеально легло на музыку. Это было чудо.

Какую музыку Вы слушаете?

Часто я слушаю классику. Например, Дебюсси. Для меня классическая музыка более содержательна и визуальна. Это мне нравится, я люблю представлять себе визуальные образы. Я – человек воображения.

Перевод: Андрей Гирный.

Дискография

1978 Ten Kai - Astral Trip

1979 Full Moon Story

1979 Oasis

1980 In Person Digital

1980 Ki

1980 Silk Road I

1980 Silk Road II

1980 Silk Road Suite

1981 Best of

1981 Silk Road III (Tunhuang)

1981 The World of Kitaro

1982 Queen Millennia

1982 Symphonic Suite Queen Millennia

1982 Live in Budokan

1983 Silk Road IV Ten-Jiku (India)

1983 Silver Cloud

1984 Live in Asia

1986 Tenku

1986 Toward the West

1987 The Light of the Spirit

1988 Ten Years 2CD

1989 The Gyuto Monks

1990 Selections from Kojiki

1991 Live in America

1991 Shanghai 1920

1992 Dream

1992 Lady of Dreams

1993 Heaven & Earth

1994 Mandala

1994 Tokusen II 2CD

1995 An Enchanted Evening

1996 Kitaro's World of Music Featuring (Yu-Xiao Guang)

1996 Kitaro's World of Music (Nawang Khechog)

1996 Peace on Earth

1996 Sakura. Melodies of Japan

1997 Cirque Ingenieux

1997 Kitaromita 1 [with Isao Tomita]

1997 Kojiki

1997 The Soong Sisters [with Randy Miller]

1997 The Essential Collection

1998 Gaia. Onbashira

1998 Healing Forest

1998 Romantic Ballads

1998 Six Musical Portraits

1998 Twin Best (Astral Trip/From Astral)

1999 Best of volume 2

1999 Golden Fund

1999 Hits collection '99

1999 Live House of Blues

1999 Noah's Ark

1999 Shikoku 88 kasho

1999 Shikoku 88 Temples

1999 Thinking of You

2000 Nile [single]

2001 An Ancient Journey 2CD

2001 Ancient

2002 Ashu Chakan

2002 Asian Cafe

2002 Best of Silk Road

2002 Daylight, Moonlight - Live in Yakushiji 2CD

2002 Mizu Ni Inori Te

2003 Ninja Scroll

2003 Sacred Journey of Ku-Kai volume 1

2005-Live in Bangkok 2CD

2005 Live in Shanghai 2CD

2005 Sacred Journey of Ku-Kai volume 2

2006 Spiritual Garden

2006 The Essential Kitaro

2007 Sacred Journey of Ku-Kai volume 3

2008 The Definitive Collection

2009 Best of 4CD

2009 Impressions of the West Lake

2009 Live Singapore

2009 Toyo's Camera

2010 442, Live with Honor, Die with Dignity

2010 Grammy Nominated

2010 Sacred Journey of Ku-Kai volume 4

2013 Final Call

2013 Tamayura

2013 The Quintessential

2014 Symphony Live in Istanbul

2016 Asian Cafe

Ссылки

http://www.kitaro.net/ - Официальный сайт

Биография

Немецкий музыкант и композитор Bernd Kistenmacher по праву считается новатором «Берлинской Школы» электронной музыки, который открыл новые стороны этого жанра, и стал применять их в своих произведениях. Bernd Kistenmacher родился в 1960 в Берлине. 30 лет его отец играл на фортепьяно ради забавы и пытался обучить игре сына. Эта идея была не очень хорошей, потому что образование было слишком серьезным и Bernd быстро потерял интерес к этому хобби. Но его любовь к клавишным инструментам осталась.

Первой электронной композицией которую он прослушал, была Echoes от Pink Floyd образца 1972 года. Затем был Ruckzuck от Kraftwerk. Свой первый синтезатор он купил в ноябре 1982 года. Это был Korg Mono/Poly. Все его знания, касающиеся синтезаторов, были получены из книг и экспериментов со своими инструментами; он никогда не учился этому специально. Сначала его музыкальная деятельность была только хобби для него. Когда же он приобрел по настоящему профессиональные навыки, его родители стали по настоящему восторгаться сыном. В особенности, музыка Бернда нравилась Марио Шонвайлдеру (Mario Schonwalder) и тот, спустя несколько лет, тоже стал играть и сочинять музыку. Bernd стал известным в середине восьмидесятых, причиной были несколько композиций, которые вышли ограниченным тиражом вместе с альбомом Head-Visions, который получил большой успех, как со стороны критиков, так и со стороны простых слушателей.

В 1987 немецкое радио WDR избрало его Newcomer of The Year 1986 (Новый Талант 1986 года). Его второй альбом, Wake up in the Sun, был выпущен в том же году. В 1988, он выступает на French Electronic Festival и на KLEM Day Festival в Голландии. В 1989 выходит его третья работа Kaleidoscope. Он также играл в Zeiss Planetarium в Берлине, Дрездене (Восточная Германия) и других городах Германии. В 1990 он сочинил музыку для Berlin Theater, пьеса называлась Niemandsland, и выпустил свой компакт-диск Outlines. В 1991 выходит альбом Characters с Харальдом Гросскопфом (Harald Grosskopf). Вдвоем они дают несколько концертов. В 1992 Bernd выступает на фестивале в Бельгии (Flanders Festival), после чего выходит альбом Live & Studio Tapes 1992, а также еще раз выходит его первый альбом. С 1988 до 1996 он является владельцем лейбла Musique Intemporelle, который сам же и основал, где выпускает свои работы и работы других музыкантов.

Дискография

1985 Gieger Acoustic Halle Braunschweig

1985 Music from Outer Space

1986 Head-Visions

1986 Romantic Times

1987 Wake Up In The Sun

1988 Musique Intemporel [with Mario Schonwalder & Rolf Trostel]

1989 Kaleidoscope

1991 Outlines

1991 Characters [with Harald Grosskopf]

1992 Live & Studio Tapes 92

1996 Thoughts

1997 Compiled Dreams

1997 Starting Again

1997 Stadtgarten Live [with Harald Grosskopf]

1998  Contrasts vol. 1

1999 Berlin Live '85

1999  Contrasts vol. 2

1999 The Treasure Box

1999 My Little Universe 8CD

CD1 Romantic Times

CD2 Music From Outer Space

CD3 Berlin Live '85

CD4 Electronic Goes Benefit

CD5 Best Of Best

CD6 Dresden 08 89

CD7 The Treasure Box

CD8 Totally Versmold

2001 Un Viaggio Attraverso L'italia

2009 Celestial Movements

2010 Beyond The Deep

2010 Let It Out!

2012 Antimatter

2012 Best of - Patterns of Light

2012 Let it Out + Compressed Fluid

2013 Utopia

2014 Paradise

2016 Welcome to the Circus - Live in Concert 2014

Ссылки

Биография

Nawang Khechog – номинант Грэмми и самый известный в мире тибетский музыкант и композитор. Он первым из тибетцев смог пробиться на мировую музыкальную арену и добиться таких результатов. Он был монахом в течение 11 лет и изучал буддистскую философию под руководством Далай Ламы и многих других учителей. Наванг был и отшельником, занимаясь медитацией в тибетских предгорьях. Тибетский мультиинструменталист, Наванг привносит в современный мир красоту древней музыки своей страны. Он работал с огромным количеством западных музыкантов и исполнителей, и принимал участие в совместных с ними турах по разным странам и континентам.

Tibetan Dream Journey В жизни Наванга Хечога понятия «музыкант» и «духовный учитель» слились воедино. Практикующий монах, он удостоился аудиенции с нынешним Далай-Ламой, затем, выбрав путь музыканта, создал замечательные произведения, удостоившиеся номинации на премию Грэмми и верхних строчек чартов. А еще он добился того, чтобы люди вокруг прислушивались не только к его музыке, но и к его словам. Его новый альбом Tibetan Dream Journey посвящен трем важнейшим темам, занимающим Хечога: собственно, в основу он заложил идеи Тибетской йоги сновидений, позволяющей человеку контролировать свои сны, трансформировать в этом состоянии негативные эмоции и переживать бесценный опыт. Но, политическая и социальная ситуация такова, что Наванг, как и все его соотечественники, во время этих осознанных сновидений грезят чаще всего о том, чтобы их страна наконец-то стала свободной. Свобода Тибету – вторая основа этого альбома, плавно перетекающую в третью, Вселенскую любовь, дарующую сочувствие, радость и мирное существование всем людей на планете. Иными словами, музыкант призывает к освобождению родной страны, но в его призывах нет радикализма и желания повернуть все на путь насилия – все строго наоборот. Бороться с помощью музыки, нести идеи в понятной форме и призывать не речами, а целительными, очищающими душу вибрациями – сложный, но самый правильный путь. На этом пути Навангу помогают многие известные люди, звезды шоу-бизнеса и политики. В создании Tibetan Dream Journey были замечены известные личности в мире world music, такие, как перкуссионист Тай Байро, виолончелист Джеймс Хопкинс, пианистка Дебора Шмит-Лобис и другие исполнители, привнесшие в созерцательную задумчивость восточной музыки ритмы из Южной Америки, размеренное звучание японского сямисэна и биение рамочного барабана. Сам Наванг, конечно же, играет на бамбуковой флейте, вплетая в кружево композиции звучание сразу нескольких инструментов, один из который словно уже перешагнул границу сна в своем мечтательно-медитативном пении, а второй по-прежнему пребывает в реальности. В реальности манящих гор Тибета, под раскачивающимися на ветру полотнищами молитвенных флагов, среди снежных вершин, окутанных белыми облаками. В этом разреженном воздухе звучат спокойные, гармоничные, проникновенные звуки, вечные, как сами эти горы. Равномерное дыхание заставляет следовать за собой, пульсации таблы задают ритм сердцу, усмиряя сильные эмоции и прогоняя негативные переживания прочь, заставляют закрыть глаза, но оставаться при этом в полном сознании. Движение сквозь уровни реальности проходит в окружении чуть атональных клавиш, богатой полиритмии, мягких эмбиентных эффектов и голосов, которые скоро сливаются в величественный хор, в котором поет сам Далай-Лама в окружении тысяч других лам и монахов. Могучий и громкий призыв к миру и свободе заставляет вспомнить о многом и о многих, в том числе и о тех, кто своим примером доказывает, что этот мир можно сделать спокойнее и гармоничнее – и именно им, лауреатам Нобелевской премии мира, посвящает Наванг самую проникновенную и эмоциональную вещь на этом альбоме, May All Be Kind to Each Other. Сильная и красивая работа мастера, предназначенная не только для медитаций, сеансов исцелений и духовных практик – но еще и для того, чтобы оглядеться вокруг, пробиться сквозь препоны сна и почувствовать всю силу Вселенской любви и помочь людям стать хотя бы чуть-чуть ближе друг к другу.

Дискография

1988 Sounds of Peace

1989 Rhythms of Peace

1991 Quiet Mind

1995 Karuna

1998 Winds of Devotion

1999 Tibet

2001 Best of 10 Years

2002 Tibetan Meditations, Music & Prayers for Opening the Heart

2003 Universal Love

2004 Music as Medicine

2007 Tibetan Meditation Music for Quiet Mind and Peaceful Heart

2009 The Dance Of Innocents [with Peter Kater]

2013 The Best of 25 Years - The Tibetan Healing Music 2CD

Ссылки

http://www.nawangkhechog.com/  – Официальный сайт