Биография

Он никогда по-настоящему не чувствовал себя комфортно в различных типах музыки, которые изучал или с которыми соприкасался. Его не устраивали четко обозначенные рамки, он искал такой тип музыкального выражения, который сочетал бы их все вместе, выходил за их пределы, такой тип музыки, который был бы более универсален и в то же время более утончен, чем большинство из них. Свою музыку он относит к «пейсли» стилю, и это название он придумал сам. «Пейсли» – это пестрая и изящная, как кашемировая ткань, величественная и спокойная музыка.

Спокойная, но запоминающаяся, наводящая на мысль, а не объясняющая обстоятельно. Дающая аудитории возможность отыскать глубоко скрытые тайны, словно спрятанные в развалинах сокровища. Оставляющей паузы, которые служат местами отдыха между нотами и являются своего рода спусковыми механизмами для воображения слушателей. Это синтез классической индийской музыки, эмбиента, футуристических космических настроений, духовных традиций и невыразимой свободы, позволяющей слушателю соединять свое «Я» с тем «потоком», который сопровождает «настоящую» Музыку, рядом с которой стоит и имя Ал Громера Хана.

Он родился 8 апреля 1946 года в замке Гогентан, расположенном в альпийских предгорьях Баварии недалеко от Констанцкого озера. Детские годы провел в Англии, Марокко и Индии, где его отец работал в Министерстве иностранных дел. Его первым музыкальным увлечением были мелодичные колокольчики, которые носили на шее баварские коровы, когда паслись на альпийских лугах. С самого начала он отказался от академической и дипломатической карьеры, которую его родители прочили ему, так как еще в детстве у него возник глубокий интерес к тайнам звука, независимо от того, исходил ли он от изящной орнаментики индийских струнных инструментов, барабанов Северной Африки или даже от «поющих» телеграфных проводов в суровые баварские зимы. Он обнаружил свойства Музыки как Запаха и Чувства отдаленной Музыки – как он это называет. Эти принципы он постиг в одну из грозовых весенних ночей, когда, проснувшись, уловил отголоски медного духового оркестра, который играл в соседней баварской деревушке, находившейся в нескольких милях. И хотя он понимал, что на деле это были не самые лучшие музыканты, музыка эта тем не менее вызвала в нем такое ощущение счастья, что в ту же ночь он проникся стремлением когда-нибудь создать тот «абстрактный» тип звуковой поэзии, который производил бы на слушателя такой же эффект, как если бы источник ее находился где-то далеко, на расстоянии, с точки зрения времени и пространства. Это произошло еще в 50-х годах и, задолго до того, как появилась электронная музыка.

В 60-е годы в Лондоне 20-летний длинноволосый хиппи Ал Громер знакомится с удивительным кругом ярких личностей, с которыми он предпринял огромное количество многокультурных музыкальных экспериментов и которые оказали на него сильное влияние. Лаосский принц Тиан на Чампассак (Tiane na Champassak) познакомил его с тантрическим искусством, поп-звезда Марк Болан (Marc Bolan) приглашал его на ночные концерты джазовой импровизации. С Майком Фиггисом (Mike Figgis) (в настоящее время преуспевающий голливудский режиссер) изучал психологический феномен слухового восприятия. Ведущий джазовый саксофонист Ронни Скотт (Ronnie Scott) из знаменитого «Джаз-клуба Ронни Скотта» познакомил его с такими титанами джаза, как Бен Вебстер (Ben Webster), Макс Роуч (Max Roach) и Майлз Девис (Miles Davis), и, кроме того, с английским юмором. Проповедовавший вегетарианский образ жизни гуру Сэм Грэгз (Sam Gregs) познакомил его с таким тонким понятием, как «ты есть то, что ты ешь», а Кат Стивенс (Cat Stevans), теперь Юсуф Ислам (Yussuf Islam) – с английской поэзией. Многие музыканты из разных стран способствовали в этот период формированию Ала как музыкальной индивидуальности. Это происходило с 1965 до, приблизительно, 1969 года. Но решающее музыкальное влияние на его карьеру сказалось в величии изящества и стиля, объединенных в лице Уштада Вилаята Хана, великого индийского мастера игры на ситаре. Их встреча произошла 1968 году.

«Один вид Вилаят Хана, даже не сыгравшего ни единой музыкальной нотки, подтверждал в моей душе то, что я всегда чувствовал: Если человек состоит из одной только музыки, то музыка всегда будет интересной. Он также проявлял и то, что я также ощущал: человек может быть тоскующим по прошлому, элегантным, устремленным в будущее и простым, сострадательным, сильным и утонченным одновременно» – говорит Ал. Встреча с Вилаят Ханом произвела на молодого, но уже умудренного Ала такое воздействие, вызвала такие сильные и яркие воспоминания о прошлых жизнях и мирах, что это привело его к тому, что он стал изучать и практиковать исключительно индийскую музыку. В 1971 году Ал вернулся из Индии уже как опытный музыкант в Баварию, где продолжал упражняться в игре на ситаре и по-прежнему принимал участие в многочисленных проектах новой интернациональной музыки. Среди сотрудничавших с ним музыкантов были и Дойтер (Deuter), один из родоначальников стиля Нью-эйдж. «Помнится, в году 71 я дал Дойтеру небольшую книгу под названием «Я есть Врата», так как полагал, что она заинтересует его. Он взял книгу и, должно быть, ее тоже прочитал, потому что это были беседы Шри Раджниш, (Shri Rajnesh) который позднее стал духовным наставником Дойтера» – вспоминает Ал.

Первые 10 лет – учеба под руководством прославленных кхан-сахибов Имрата и Раиса Хана, которые на традиционной церемонии приняли его в знаменитую династию Ханов, играющих на ситаре и сурбахаре, а другие 10 лет – учеба по «живым» записям выступлений Вилаят Хана в маленькой комнате в Мюнхене. «В те годы я был настолько опьянен витиеватыми мелодиями Вилаят Хана, что едва ли мог думать о чем-либо другом или говорить о чем-нибудь ином с посетителем. Я даже забывал принимать пищу, и если бы моя любимая жена Уте не обеспечивала меня едой и деньгами в те дни, то я уверен, что сегодня меня бы вообще не было. Помню, как сижу среди ночи на сложенном шерстяном одеяле, передо мной полупустая чашка чая, текущие по лицу слезы радости, смех, клокочущий в груди, и тихие ситарные изысканные мелодии Вилаята, льющиеся из маленького магнитофона. Мысль о том, что человеком моего возраста может руководить желание заниматься делом ради денег, казалась мне абсурдной, тогда как все что нам требуется, так это только доступ в тайники нашей собственной души с помощью музыки и хорошей чашки чая».

Этот период «опьянения» длился до конца 80-ых годов, пока внезапно не прервался появлением 13-летней дочери, обратившейся к нему с просьбой помочь ей деньгами. Тогда-то Ал и решил, что пришло время поделиться со своей аудиторией своим видением, прекрасными новыми впечатлениями, которые, как ему казалось, он уже пережил в прошлом, и своей способностью достигать самых возвышенных сфер человеческой души. «В моем сознании стала укрепляться уверенность, что в мире живут с полмиллиона людей, которые в глубине души стремятся к эмоциональному выражению как раз того типа, который меня переполнял. И я решил, что достичь этих родственных мне по стилю и настроению людей я могу не только путем «живого» исполнения ситарной музыки перед ними, но, прежде всего посредством звукозаписи. Итак, я начал создавать новый звукокартинный тип записываемой музыки, цель которой состоит в том, чтобы пленить слушателей своей красотой, а не поразить их чрезмерной громкостью, обилием нот, сверхвысокой выразительностью или удушающим жестким построением. CD, на мой взгляд, являл собой идеальный формат для такого рода усилий. Переживал я это очень сильно и эмоционально. До меня стало доходить, что не каждый родившийся обладает склонностью к исследованию человеческих эмоций с помощью музыки так глубоко и так широко, и был так доведен до предела, как я. Я почувствовал, что – однажды, когда технология и рациональный ум станут основным движущим фактором в человеческом поведении – мне придется прийти к этим людям и обратиться к ним: «Послушайте, мы действительно живем в удивительное и необычное время, в то время, когда музыка отражает самые пагубные чувства и извращенные идеи. Существует более высший план для всего этого.

Не нужно отчаиваться, даже если ваше сознание заполняют нелепые мысли, если во внешнем мире для вас все представляется бессмысленным и вы чувствуете себя страшно одиноким, не волнуйтесь, ибо вас по-прежнему окружают душевные люди, которые работают с музыкой, и музыка несет им надежду и силу. Вилаят Хан, один из крупнейших музыкантов-мистиков этого столетия, дал мне эту уверенность, когда я находился еще в трансовом состоянии после выступления. Я пришел к нему, еще не совсем придя в себя. Он обнял меня и сказал следующее: «Родной мой, ваша музыка находится под защитой и освящена, и ее услышат многие любители музыки». Вторая причина, почему я в свои 40 лет решил записывать мою музыку, была более земной: мне пришлось зарабатывать деньги, чтобы помочь своей дочери».

Итак, примерно в 1985 году Ал приступил к созданию собственной студии звукозаписи The Paisley Room в Мюнхене, которая представляет собой скромную комнату с высоким деревянным помостом, где лежит вдвое сложенное одеяло. Сидя на нем, Ал ежедневно проводит 3-часовые упражнения на ситаре и медитацию, а также сочиняет и записывает музыку. Здесь он приступил к исследованию и созданию «Пейсли-стиля» – результату своих лет «опьянения». Он также разработал 99 принципов, которые являют собой манифест, относительно новой медитационной музыки. Первый из них гласит: «Только влюбленный может написать песнь любви» и, исходя из первого принципа, раскрываются остальные 98. Другими словами, первый принцип – при тщательном рассмотрении – содержит и обнаружит все остальные 98 принципов. Суть «манифеста» Ала состоит в следующем: если человек хочет создавать красивую музыку, то, прежде всего ему следует быть самому красивым. Интересный человек будет непроизвольно создавать красивую и интересную музыку. Все прочее, включая практику, учебу, технические и технологические средства, вторично.

«Сохраняйте простоту», – говорит Ал, – если вы будете совершенствовать простой и подлинный ритуал, то красота и сложность музыки проявятся сами по себе». Он критикует высокомерие западных музыкальных деятелей по отношению к «примитивным» музыкальным культурам, указывая на то, что «и Африка, и Аравийский полуостров, и Китай, и Индия имели свои классические системы музыки со свойственной им научной и духовной базой задолго до того, как возникла «цивилизация на Западе». По причине суровых климатических условий северного полушария мы обнаруживаем повышенный интерес к материальным средствам выживания, что в свою очередь привело к повышенному интересу к жесткой структуре в том, что называется классическая музыка. Если не придерживаться простоты структуры, то отсутствует всякая импровизация, а без импровизации любая попытка переноса на более высший и эмоционально утонченный план – тщетна». В настоящее время 49-летний Ал Громер Хан живет и работает в Мюнхене и издается на компании New Earth Records, выпускающую музыку для людей находящихся на Пути, и специализирующуюся на world и new age музыке. «Мне всегда нравился мой статус художника андеграунда, поскольку я могу прийти к тем людям, к которым хочу обратиться в первую очередь. Моим самым высшим достижением являются паузы, которые я оставляю между нотами. Нам надо жить жизнью, которая имеет смысл с точки зрения духа и окружающей среды, или иными словами: как только вы получите доступ к более скрытым областям подсознания благодаря возвышенным разновидностям музыки, то сразу же исчезнет потребность в сложной технической аппаратуре: вам будет довольно лишь выйти на природу и сесть под дерево».

Tantra Electronica Подобно тому, как Тантра является не только сексуальной практикой, как это часто принято считать, так и этот альбом, посвященный данному восточному учению, не является просто музыкальным сопровождением для сексуальной активности. Хотя, безусловно, может быть использован и в этом качестве. Но на самом деле Tantra Electronica гораздо глубже и богаче в своем наборе символов, образов и философских идей, эта музыка объединяет вокруг таинства Тантры загадочную архаику и технологичную современность, мудрость Востока, перенятую Западной цивилизацией, представители которой хлынули в Индию и другие страны учить азы и практиковаться в древнем искусстве. Посвященный мастер игры на ситаре, немецкий композитор Эль Громер Хан, пригласил электронщика Эмина Коррано для создания этого альбома, ставшего очередным исследованием Тантрической темы после диска Tantra Drums. Согласно названию, электроники здесь действительно много – гипнотическое биение ритмов, смешанных с индийской перкуссией, медленно стелящийся сизым дымом благовоний глубокий амбиент, в котором порой просто вязнет время со своим неумолимым бегом, а также различные эффекты, регулярно уносящиеся вереницей в звездное небо. Или же блуждающие в окружающих джунглях, сквозь которые путник прокладывает дорогу к храму любви Коджурахо, сплетенные тела каменных статуй, на стенах которого приоткроют завесу тайны над древним, весьма творческим процессом. Полученные знания можно будет потом принести под своды сакрального убежища, которое заполнится запахом ароматических смесей и манящими стонами (Pleasure Palace), а четкие, напористые пульсации направят потоки энергии, циркулирующие между двумя сплетенными телами, в правильном направлении. Так что местами это очень эротический, возбуждающий альбом, а местами его пространство заполнено созерцательной, словно пребывающей в состоянии глубокой медитации музыки, которая медленно раскрывается перед слушателем, обнажая интересные детали и располагая к размышлениям. О чем-то вещает мужской голос, взрывается активностью лесная чаща, шепчут лесные духи и завораживают своим пением апсары, а в следующую минуту, отрешившись от реальности, ловишь себя на том, что рассматриваешь поверхность замшелого камня, пытаясь прочитать в узоре его трещин древнее послание, открывающее связь между Макрокосмосом и Микрокосмосом (Black Stone with Drilling). Прекрасный и по-настоящему тантрический диск.

Tibet Shakti – Tibetan Singing Bowls Новый альбом не нуждающегося в представлении Мастера Эль Громер Хана неожиданно посвящен звучанию тибетских поющих чаш, что может немного удивить тех, кто ждет он него искусной игры на ситаре в сочетании с глубоким амбиентным наполнением, но зато наглядно демонстрирует стремление музыканта освоить новые звуковые пространства. Или, может быть, попытаться занять место, по трагическим, но необратимым причинам «освобожденное» его другом и коллегой Клаусом Визе? Что ж, прослушивание Tibet Shakti вызывает определенные ассоциации с творчеством почившего маэстро – правда, очень быстро выявляется разница в подходе двух исполнителей к такому непростому инструменту, как поющие чаши. Если Визе (когда отставлял синтезаторы в сторону) предпочитал извлекать звуки путем плавных и равномерных движений деревянным стиком по краю чаш, то Хан использует более традиционную для звуковых целителей эпохи нью-эйдж технику: он слегка ударяет по чаше и следит за медленно разливающимися резонансами и обертонами, отправляя за ними вслед новые звуковые волны — и так до бесконечности, для которой сложно придумать другой более подходящий саундтрек. Постепенно, продвигаясь по фонетическим отрезкам священного слова Samatha, замечаешь, что эти волны замедляются, минималистичный темп снижается, а вслед за ними замедляется и течение мыслей, приходит покой и осознание некоего перехода – в состояние прояснения и внутренней ясности, не замаранной хаотичным напором образов, воспоминаний и размышлений. Вместо них – чистота, свет, блаженство и подлинная тишина, обнаженная этими трансцендентными звуками. Конечно, Tibet Shakti – это, прежде всего, музыка для практики и медитации, она требует к себе внимания и не относится к категории тех релизов, которые можно просто послушать на досуге. Но за ее нарочито прикладным характером скрывается глубокое содержание и утонченное обращение со сложным (хотя на дилетантский взгляд очень простым) инструментом, позволяющим извлечь из себя максимум только в руках тонко чувствующего профессионала. Так что для кого-то новинка от Эль Громер Хана – «еще один альбом с чашами», а для кого-то – сокровищница звуков, позволяющая заглянуть, в первую очередь, вглубь себя, открывая высоты, не сравнимые с Гималайскими горами и глубины, сравнимые только с бесконечными просторами Космоса.

Another Kind of Silence Чем меньше доза – тем сильнее воздействие. Этот принцип, лежащий в основе гомеопатии (положительный эффект которой, впрочем, так и остается под вопросом) и парфюмерии лег в основу этого альбома Эль Громер Хана, музыка с которого была использована в фильме Highway World режиссера Мартина Шмитта – это, впрочем, сугубо справочная информация, не раскрывающая сути этой замечательной работы. Все ее суть – в понятии «минимализм», которому здесь соответствует тишина, та самая субстанция мистиков, дающая возможность познать всю чистоту и глубину звука, а заодно и познать себя, предавшись медитации, глубоким раздумьям или просто став участником чайной церемонии, для которой этот альбом, как и многие поздние релиза Хана, имеющие лейбл TeaTime, отлично подходят в качестве сопровождения. Треки Another Kind of Silence можно очень условно, но всем же разделить на три типа, разнящиеся только в том, каков их основной компонент. Здесь много чистого, невесомого, почти что неосязаемого амбиента, выстилающего тропки в миры абсолютного покоя и равновесия. Музыка не очень сложная и «навороченная», подкупающая как раз простотой и легкостью, за пеленой которой вас может посетить мечтательная сонливость, а вместе с ней легко вспомнить о «концертах сна» Роберта Рича, базировавшихся на примерно таких комфортных созвучиях. Иногда (и это второй тип) эти созвучия уплотняются до коротких клавишных импровизаций, оставляющих более существенные «следы» в невесомости парящих звуков. А тогда, когда привыкший к неким канонам от маэстро Хана слушатель начинает недоумевать по поводу отсутствия одного очень важного элемента звучания, то, пожалуйста, в дело вступает ситар, окончательно уводя от реальности, остающейся в памяти, пожалуй, только песнями арабских уличных музыкантов, да изредка пульсирующим трайбл-ритмом, иссушенным палящим солнцем пустыни и способным напомнить о многочисленных звуковых миражах, созданных Стивом Роачем. Эти ассоциации, однако, не значат, что Another Kind of Silence спешит кому-то подражать – это значит, что автор этого альбома находится на одной волне с мэтрами амбиента, создавая свою уникальную музыку, ставшую еще одним изысканным даром Тишины. Что еще нужно, чтобы отправиться прямиком в Нирвану? Разве что чашечку чая.

Far Go «Far Go» – фирменный амбиент от мастера Эль Громер Хана, узнаваемый в первых же секунд Jasmin Blossom Day и не теряющий своего гипнотического очарования до самых последних мгновений неожиданно склонившегося к джазу трека I Walk Everywhere. И это идеальная музыка для летней жары, помогающая пережить ярость палящего солнца хотя бы замещением образов: слушаешь эту музыку и тут же вырываешься из душных бетонных стен мегаполиса, уносишься куда-то на Восток (а, может быть, даже «когда-то», ибо время застывает и нарушает свой бег, смешивая эпохи), туда, где барханы, где пыльные улочки маленьких городков, жаркий песок на маршрутах Шелкового Пути, крики погонщиков верблюдов, вращающиеся в экстатическом танце дервиши, величественные дворцы и минареты. Все это здесь, среди расплавленного в полуденном зное электронном эмбиенте, формирующем дрожащие, растекающиеся в воздухе миражи, в медленно тающее марево которых вплетены этериальные голоса ангелов (или не менее загадочная немецкая речь), шелестящая, словно стелящаяся вокруг восточная перкуссия и глубоко спрятанный медленный ритм таблы, взбивающий нежные облака неоформленных, скорее, просто угадываемых мелодий. Конечно же, Эль Громер Хан не обходится без ситара, хотя этот инструмент выступает не часто и только «по делу», на нем исполняются классические индийские раги (посвященные учителям музыканта), усиливающие круговорот ориентальных образов в голове. Но часто музыка склоняется к неясным, полудремотным абстракциям, уходит в аморфный гул, обволакивающий и расслабленный, как послеобеденный сон. Far Go (состоящий по большей мере из нового материала Мастера, но содержащий также несколько переработанных треков с его предыдущих релизов), как и положено талантливой амбиентной работе, можно описать буквально двумя-тремя предложениями, не растекаясь мыслями по древу, в то время, как сами композиции опишут и покажут вам необозримо большее, уводя от реальности и даря полный покой. Красивая, объемная, никуда не спешащая музыка Вечности.

Inner Witness На своем новейшем альбоме маэстро Эль Громер Хан продолжает исследовать абсолютный Звук – тот самый Звук, который держит своими вибрациями в равновесии Микро и Макрокосмос, помогает остановить внутри каждого из нас кажущийся раздражающе-бесконечным внутренний монолог и устанавливает прочные взаимосвязи между прошлым и будущим, пронзая само Время. Если перед прослушиванием Inner Witness охватить беглым взглядом дискографию этого музыканта, особенно ее сравнительно «недавние» пополнения, то можно решить для себя, что Мастер и на очередном релизе продолжает использовать темы и приемы, уже неоднократно находившие отражение в его работах – но внимательному слушателю этот диск может раскрыться в роли opus magnum, творения, охватывающего все основные элементы творческой философии немецкого кудесника, и подводящее его к новым, непознанным еще никем рубежам познания музыки. В атмосферном, словно чуть растопленном полуденным маревом амбиенте, иногда склонном к интровертным абстракциям и порой к фрагментарности, когда слушателю является не законченная «музыкальная фраза», а ее мимолетный фрагмент, неосязаемыми миражами повисают и тут же возносятся восточные мелодии и философская невозмутимость ситара, то проводя тенью восточных минаретов сквозь пыльный зной арабских улочек, запечатленных в свое время на альбоме Sufi, то немного иронично «рассуждая» о глобализации и о влиянии ислама в современном мире (см. Universal Halal), одновременно напоминая об истории величественного Space Hotel. Или же неясными реверсами проносятся в тишине, навеянной Mahogany Nights, чьи-то сновидения, за которыми можно подсмотреть, следуя за тихими клавишными партиями, прозрачным гулом электроники и многообещающими (может быть, даже грядущим обращением к образам Kamasutra Experience) мягкими трансовыми ритмами, иногда нарочито восточно-архаичными, а иногда вполне современно-урбанистическими. Современность вообще играет большую роль в философии Хана – он явно не зацикливается, как многие, на зачастую герметически замкнутом восхищении прошлым, «мир сейчас» (взять, хотя бы, тот же джаз, сыгравший огромную роль в истории освоения звуковых и внутренних территорий) тоже кажется ему интересным и богатым на события и проявления того самого Звука, не знающего ограничений. Надо только уметь слушать, что Эль и делает на протяжении десятилетий, объединяя блаженную неподвижность ангельских голосов с динамикой реальной жизни, не разбивающей узоры из плотного дыма храмовых благовоний, а наоборот, придающий им завораживающе-необычные формы, манящие своей изменчивой неповторимостью. Как это делает и музыка Inner Witness, привносящая чувственность в состояние глубокой медитации и соединяющая все лучшее, что создано Мастером в необычайно плодотворном душевном и творческом порыве. Очередной шедевр, несущий ощутимую порцию гармонии этому миру: внешнему и внутреннему.

The Alchemy of Happiness У каждого человека свое представление о счастье, вот отчего так трудно вывести универсальную, всех устраивающую формулу этого состояния. Не скажу, что два выдающихся музыканта, чьи имена украшают обложку диска, смогли добиться определенного прогресса на пути познания счастья и его выражения с помощью музыки, но они однозначно добились того, чтобы в их творении в полной мере нашли свое воплощение все те аспекты, без которых добиться этого состояния все-таки нельзя: тут комфорт, покой, душевное равновесие и погружение в подлинную Тишину и Негу мироздания, за которыми уже существенным, но довеском следуют деньги, признание, здоровье и прочие важные, но в масштабах Вселенной, увы, быстро проходящие вещи. Альянс (который уже, увы, никогда больше не повторится по независящим от его участников причинам) Эль Громер Хана и Клауса Визе был давно уже ожидаем: соотечественники, избравшие для себя восточную философию и музыку в качестве жизненных ориентиров, они пересекались еще в группе Popol Vuh, да и вообще, их мировоззрения, казавшиеся такими близкими при прослушивании сольных работ, должны были выступить в роли магнита, притягивающего их друг к другу. И вот, в 2006-м, на свет появился диск The Alchemy of Happiness – час чистого наслаждения, который вы можете повторить бесконечное количество раз и все равно, эти благие и тихие звуки вас не утомят. Стилистически это нью эйдж, замешанный на глубоко ушедшем в восточные гармонии медитативных практик атмосферном амбиенте (судя по всему, за этой проникновенно-мягкий и чистый гул отвечает Визе, используя поющие чаши и синтезаторы, хотя формально его участие здесь обозначено ролью продюсера), поверх которого стелятся размеренные импровизации Хана на ситаре и скользящие гитарные звуки. Простое и эффектное сочетание, помогающее добиться эффекта «бесконечной музыки»: если вы поставите этот диск на repeat, то записанные на нем звуки будут медленно дрейфовать вокруг вас по комнате, раз за разом представая различными эмоциональными оттенками – в зависимости от момента, когда вы обратите на них внимание. Тем не менее, в этом умиротворенном фоне при желании можно найти все то, что ассоциируется с названием этого диска: немного трепетной романтики, заложенной в простой и гармоничной красоте скрытых здесь мелодий, немного ожидания какого-то чуда, ощущение полного покоя и сладкая истома, растекающаяся в груди медоточивыми индийскими рагами ситара, когда мир предстает местом понятным, светлым и комфортным, где всегда есть место добрым чувствам и людям. Как знать, может быть, одного из них ждет женщина с картины Эдварда Хоппера на обложке CD. Идеальная музыка для медитации.

Turya «Turya» приглашает в путешествие по миру, где время замедлило свой бег, и никто никуда не спешит. Где дремотные образы полуденных снов, в полном соответствии с заветами восточных мистиков, облекаются в физические формы и отправляются бродить по тихим улочкам городков, воссоздавая видения немного сказочного прошлого и живописные оазисы вдоль серых стен домов, на перекрестках дорог, возле железнодорожных путей, по которым неспешно катит Стамбульский поезд, в чьих окнах открываются живописные виды древней и прекрасной столицы. Двадцатиминутная поездка Stamboul Train станет для вас главным, связующим событием этого альбома Эль Громер Хана, на котором маэстро сконцентрирован на более электронном, амбиентном звучании, но не забывает отрабатывать и все характерные приемы своего творчества, наслаивая прозрачные звуковые миражи на медитативные раги, сыгранные на ситаре, задействуя в нужных местах клавиши и абсолютно неземные голоса (в частности, в The Paisley Handicap солирует Мартина Коппельштеллер, известная исполнительница классических произведений), обвитые дымчатым, растопленным звучанием синтезаторов. Каждая из композиций на диске имеет свое звучание, отличное по различным параметрам, что превращает альбом Turya в изысканный и сложный калейдоскоп, в котором оживают не только звуки, но и образы (как вполне реальные, так и абстрактные, отсылающие к индивидуальному духовному опыту) и даже запахи, эта пряная экзотика далеких восточных стран, окутывающая шафраном, корицей и дурманом храмовых благовоний. А что Стамбульский поезд? Он медленно набирает ритм (с помощью минималистичной перкуссии) и катит себе вперед, мимо пробегают его железные собратья, время скользит между необязательным вагонным диалогом, чашечкой ароматного чая и теплой дремой. Отличная вещь. Красочный и глубокий этно-амбиент от одного из лучших мастеров в этом деле.

Lalita Расплавляющий зной летнего полдня где-то в восточной стране, застывшей в своем существовании на тонкой грани между современностью и выжженной до седины древности. Приятно горчащий, медленно остывающий чай, результат продолжительной чайной церемонии. Звуки, влетающие в широко открытое окно, смешивающие умиротворяющий киртан и доносящийся из хриплого радиоприемника блюз. И дымка сонных миражей, с преобладающим на этот раз количеством прозрачных, манящих фигур, в очертаниях которых угадываются контуры женских тел – просто потому, что новый альбом немецкого маэстро Эль Громер Хана посвящен размышлениям о женственной ипостаси природы, мира и божественного начала, вот откуда в музыке Lalita впервые со времен совместного альбома c Аменией Куни, столько сладостных и мистических девичьих вокализов. Вроде бы не меняя привычной стилистики своего творчества, Эль Громер Хан выдает в должном количестве все те же медитативные треки, построенные на партиях ситара, нью-эйджевых клавишных, разливистом гуле поющих чащ, голосе Уте Громера, гитарных завихрениях, переливах и шумах от Питера Мауну, гипнотизирующем ритме таблы и манипуляциях с электроникой, за которые отвечает Эмиль Коррадо. Так рождается спокойный и уравновешенный амбиент, объединяющий что-то глубоко подсознательное с самыми обыденными вещами, окружающими нас со всех сторон, венчающий духовные практики и архаичные церемонии с высокой поэзией и современной андеграундной культурой (ну да, мистикам иногда приходится читать свои мантры чуть ли под хип-хоп бит, замедленный в несколько раз). И немного типичной Хановской абстракции, когда все понятное и знакомое истончается, трется об острые грани реальности, тает и стелется бархатистым, белым туманом, в очередной раз намекая на несущественность материальных объектов и повседневных ритуалов. И тогда приходят они: звуки блюза с улицы, горький чай, душная тишина полуденных снов и женские фантомы. Может быть, одна буква в названии альбома все-таки позволит ассоциации с героиней знаменитого романа, также ставшего женским символом? Тогда добавьте ко всему перечисленному еще и затертый книжный томик с вашим пальцем между страниц, выступающим в роли закладки. И музыку, музыку Эль Громер Хана, так чудесно передающую эту обстановку, тоже не забудьте – новый его альбом, кстати, чудо как в этом плане хорош.

Turya Турья – чистое, незамутненное сознание, просветленный ум, возвысившийся над двойственностями. Это состояние ума, вмещающее все другие возможные состояния – сна, бодрствования и сна без сновидений. То, откуда человек приходит и куда возвращается. Индийская философия разработала методы развития сознания до этого уровня при жизни человека. Если говорить обобщенно, то все сводится к тому, чтобы быть полностью погруженным в Сейчас, не упускать ничего из происходящего ни снаружи, ни внутри тела и ума. Все мысли, ощущения, все поступающие в сознание импульсы – все должно быть осознано, но при этом не подвержено оценкам, анализу, суждениям. Полное спокойствие, в основе которого лежит парадокс – быть во всем, наполниться миром до краев, и ни во что из этого не вовлекаться, оставаясь полностью неподвижным. Несомненно, это что-то из разряда искусств – «искусство быть», если можно так выразиться. Вот уже 40 лет, как музыка Ал Громер Хана витает в пространстве, где-то между стилями и обозначениями, между слушателями и радиостанциями. Его музыка полна свободного, тихого, умиротворенного дыхания. Музыка, дарующая простор не, сколько для воображения, сколько для размышления. Неспешные переливы индийского ситара, легко текущие амбиентные ручейки звуков и общая прозрачность всего музыкального полотна – все это делает музыку Хана больше, чем просто хорошим амбиентом. В ней есть прикосновение того, о чем шла речь выше – чистого, незамутненного сложными концепциями восприятия. Простое «быть» посреди такого же простого «сейчас». Что, как ни музыка, может помочь нам в этом, когда вокруг так много отвлекающих факторов, затягивающих в водоворот какой-то другой, искусственной и суетливой жизни. Как определить что искусственно, а что нет, спросите вы? Вопрос достаточно сложный, но ответить на него может каждый сам для себя. Ведь каждый человек всегда чувствует это, пусть и мимоходом, не придавая значения. Пока мы гонимся за чем-то внешним – красотой, деньгами, успехом, авторитетом, признанием, – что-то все равно остается и зовет, словно родимый дом. Место, которому принадлежат наши душа и сердце, которое находится ни где-нибудь, а внутри нас. Место, где ничего не требуется и никуда не нужно спешить. И если вы забыли туда дорогу, музыка покажет путь.

Интервью

Ал Громер Хан. Интервью для сайта KLEM.RU

Как начались ваши занятия музыкой? Каким образом возник интерес к Индии?

Я жил в Лондоне с 1966 по 1971 годы – в самый расцвет идей Flower Power. Индийская музыка для ситара была тогда на пике моды. В 1966 году я посетил концерт Рави Шанкара в маленьком клубе в Сохо. Публики было человек 50. Концерт организовал Тарик Али. Сама музыка в тот момент не произвела на меня особого впечатления. С таким же успехом я бы мог послушать и монгольскую музыку или музыку Бурунди. Мое подлинное посвящение состоялось в Вестминстерском аббатстве пару лет спустя на концерте Вилайат Хана (Vilayat Khan). Скажу кратко: Индия обладает древней и многослойной культурой. Если кто-то говорит вам, что ему интересны все аспекты индийской культуры, то, скорее всего, он никогда там не был. В Индии можно обрести величайшую мудрость и лицезреть величайшую глупость. Есть много вещей в индийской культуре, которые кажутся мне неприемлемыми, и в то же самое время другие аспекты ее культуры составляют ядро моей музыки и творческой мотивации. Все это я отразил в автобиографическом романе The White Mogul. В плане индийской музыки я связан только с Вилайат Ханом. (И в религиозном аспекте – с шактизмом). В течение семи лет я учился у младшего брата Вилайат Хана – Имрата, и прошел вместе с ним церемонию Гандхабанд – обряд посвящения, в 1975 году, после нескольких визитов в Индию. Уже много лет я не был в Индии, и не думаю, что в современной Индии я увижу что-то интересное для меня. Большую часть современной индийской музыки я могу ценить лишь в плане технического мастерства исполнителей, а не как достижение искусства. Большинство индийских музыкантов ныне смотрят на музыку как на ремесло, которым волен заниматься каждый. К тому же многие из этих музыкантов достаточно скучны в общении. Но все-таки есть очень важный фактор в музыке, фактор, на который мне постоянно указывал Клаус Визе: «Кто этот человек и кем он является? Чего он способен добиться?» Ответь для себя на эти вопросы.

Расскажите, пожалуйста, о вашей работе с Popol Vuh над альбомом Yoga.

В 1974 году я предложил президенту мюнхенского лейбла Prom Records Йехуде Цвику записать музыку для людей, которые занимаются хатха-йогой и нуждаются в музыке для релаксации. Он посмеялся надо мной и сказал: «Когда я хочу расслабиться – то пью шнапс». Я ушел от него и заговорил об этом с Флорианом Фрике. Он подумал, что идея музыки для йоги интересна и сулит коммерческий успех. В результате мы решились на совместный проект: он арендует нам студию и заплатит за запись, а я приглашу индийских музыкантов, обеспечу их жильем, питанием и расплачусь с ними. Как решили – так и сделали. Pandit Sankha Chatterjee играл на табле, Beena Chatterjee была вокалисткой, на саранги играл Peter Muller, а я – на ситаре. Сессия прошла удачно, Флориан забрал запись домой, сказав, что отправит ее своему лейблу в Кельне для издания. Прошли месяцы, затем годы – новостей не было. Наконец, однажды мой друг прислал мне из Италии диск – «Popol Vuh, Yoga – Флориан Фрике с индийскими музыкантами». На обложке была фотография Флориана на цветочном поле и более никаких имен. Затем альбом переиздали на CD. Чаттержди обиделся и спросил у меня, почему нет его имени. В начале 90-х я проконсультировался с адвокатом насчет того, как заставить Флориана хотя бы упомянуть имена музыкантов и заплатить авторские. Немецкое авторское общество GEMA потребовало от нас предоставить партитуры песен в европейской нотации. И хотя индийская музыка не может быть передана европейской нотацией – я сделал все, что мог. В GEMA засомневались, что партии ситара могут принадлежать мне, как вдруг однажды Флориан пришел в офис к моему адвокату и сделал официальное заявление, что я, по крайней мере частично – сочинитель этого альбома. Заявление было отправлено в авторское общество, и с тех пор я смог хоть что-то получить за Yoga. Хотя, по прошествии 20 лет, можно сказать, что прибыли оказались не слишком высокими. Мой адвокат рассказал, что Флориан выглядел человеком пьющим и болезненным, когда приходил к нему. Я уважаю Флориана за его интуитивное вИдение и творческую энергию, за его жертвоприношение на алтарь музыки. Что касается дел бизнеса... то я его давно простил.

На сборнике Hesse Between Music 1977 года есть ваша работа с Питером-Михелем Хамелем (P.M. Hamel). Это просто сессионная работа или вы хорошо знакомы?

Когда в 1971 году я вернулся из своей первой поездки по Индии, то был приглашен на вечеринку в доме Герда Штайна (Gerd Stein). Штайн несколько раз останавливался у меня во время моего пятилетнего пребывания в Лондоне. Там ему повезло официально раздобыть копию фильма Д.А. Пеннебейкера про Боба Дилана, благодаря чему Герд смог открыть в Мюнхене компанию по прокату и производству кинофильмов. На той вечеринке я и познакомился впервые с Флорианом Фрике, Клаусом Визе, знаменитостями из мира моды и музыки, а также с Питером Хамелем. Поскольку музыка для ситара была на пике моды – на следующий день мой телефон не остывал от звонков. Тогда завязались важные для меня в дальнейшем отношения. Питер Хамель тоже проникся ко мне чем-то вроде симпатии, но вскоре я понял, что в отличие от Клауса и Флориана, он был из тех людей, что смотрят на искусство как на средство, а не как на цель. Его академически сухое отношение к сочинению музыки, карьерное мышление и нацеленность на конкуренцию не внушали мне приязни. Я думаю, как композитор он не обладал собственным оригинальным вИдением. Я не увидел в его работах ничего интересного. Запись, которую вы упомянули, была сделана в студии Музыкальной Академии Мюнхена. Я играл старинную индийскую мелодию – рагу Бхайрави (raga Bhairavi), которую сделал популярной Вилайат Хан. Но это было ранее 1977 года – году в 74-ом. После этого я встречал Хамеля несколько раз, но в дальнейшем старался не попадаться ему на пути.

Расскажите об истории ваших совместных альбомов с Клаусом Визе.

Большая часть истории альбомов In High Places и Alchemy of Happiness уже рассказана мною в статье о Клаусе Визе. В восьмидесятые годы я и Клаус провели огромное количество времени вместе, экспериментируя со звуками. Клаус снимал две комнаты у своего коллеги Улли Шахтнера (Ulli Schachtner) в районе Весслинг. Эксперименты с предельно медленным и ровным звучанием, в ходе которых, как мне казалось, Клаус испытывал мое терпение, эволюционировали в альбом In High Places. Лично я никогда не был совершенно доволен дронами, которые тянулись целую вечность – у меня возникало подозрение: не пытается ли Клаус превратить в свое достоинство тот факт, что он не может просто сыграть на инструменте? Однако в некоторых случаях я ощущал, что музыкальный фрагмент может (и должен) звучать дольше, чем привычные 4-7 минут. Клаус постоянно вдохновлял меня на то, чтобы создавать более длинные версии коротких композиций. «Терапевтам для их работы нужны более продолжительные музыкальные фрагменты», – приговаривал он. Мне кажется, он в существенной степени ориентировался на этот сегмент рынка. Клаус услышал в In High Places что-то такое, чего не мог услышать там я. Он постоянно возвращался к высокой оценке данного альбома и думал, что его стоит переиздать на CD 20 лет спустя. Ну а я не разделял его отношения и сомневался насчет того, стоит ли переиздавать в цифровом виде кассету 1984 года. Сомневаюсь до сих пор. Клаус Визе оказал самое важное влияние на мои взгляды на музыку. Я уверен, что уже говорил об этом раньше: он беспощадно отвергал любое отношение к музыке как к развлечению, отвергал мысль, что музыка должна ориентироваться на запросы потребителей. Он настаивал: существует «музыка внутри музыки» (music inside the music), и ее нужно почувствовать и найти. С другой стороны, на мой взгляд, он выбирал очень общие и коммерчески ориентированные названия для своих альбомов, типа Zen и т.д. Что касается его участия в Alchemy of Happiness, то музыкально оно было более-менее близким к нулю. Однако именно Клаус открыл для меня произведения аль-Газали (Al Gazali) [средневековый персидский философ и мистик, один из основателей суфизма] и предложил использовать такое название альбома – «Алхимия счастья». Клаус считал, что именно эта музыка воплощает в себе «космос» великого суфийского поэта. Когда диск вышел в свет, жена спросила у меня с ехидцей: «А что Клаус реально сделал для этого альбома?» «Он ему понравился», – ответил я.

2015 год.

Огромное спасибо герцогу Альба с сайта klem.ru

Дискография

1970 Divan I Khas

1989 Music from An Eastern Rosegarden

1990 Mahogany Nights

1991 The God Perfume II

1993 Beautiful Marva

1994 Konya

1995 Monsoon Point [with Amelia Cuni]

1996 Attar

1996 Black Marble & Sweet Fire [with Kai Taschner]

1996 Kama Sutra [with Jorz Evers & Shah]

1997 Space Hotel

1998 Tantra Drums

2000 Almond Blossom Day

2000 Kamasutra Experience

2000 Sufi

2002 Future Lounge

2002 Lexus

2004 Tantra Electronica [with Emin Corrado]

2005 The Alchemy Of Happiness [with Klaus Wiese]

2006 Turya

2011 Foret Diplomatique

2012 Kula Jazz - Tantric Miniatures

2013 Far Go - Raga & Ambient Studies

2014 Tibet Shakti

2015 Lalita

2015 Utopia

2016 Chakra Noir

2016 Day of the Beloved

Ссылки

Биография

Музыка яркая и близкая душе – это музыка, характерная для пианиста Кевина Керна. Видимо не зря его очень удачный дебютный альбом In the Enchanted Garden довольно хорошо известен и является любимым более чем в 40 странах всего мира. Чудесные, ясные мелодии радуют сердце своим легким прикосновением. Эти близкие, поэтические композиции льются нежно и задумчиво. Тихим светом вливается перебор струн акустической гитары. Нет лишних приукрашиваний, простота, но вместе с тем необычайное богатство звуков фортепиано. Пятый альбом Embracing the Wind – еще одно мелодичное и поистине музыкальное путешествие к светлой стороне нашей жизни. Kern – мастер простых, незатейливых мелодий, очень добрых и искренних. Это идеальная музыка для отдыха и поднятия настроения. Многие из своих композиций Kevin пишет с мыслью о том, что они могут послужить фоном для занятия каким-нибудь делом или для отдыха, поэтому они очень мелодичные, без неожиданных резких звуков.

Его музыка нежна, как шелк и легка, как весенний ветер. Большинство композиций Embracing the Wind легкие, радостные и солнечные, но одна из них, возможно самая красивая, – Childhood Remembered – грустная и немного ностальгическая. Он записал композицию со скрипачом Jeremy Cohen'ом, сыгравшим замечательное соло, наглядно показавшем всю красоту и остроту этой вещи. Совместно с гитаристом Davis'ом Ramey Kevin записал такие композиции как Through Your Eyes, Bathed in Dawn's и A Secret Grove. Above the Clouds небольшая композиция, но очень красочная, витиеватая, чем-то напоминающая отрывки из мелодий Yanni, сыгранных на синтезаторе или фортепиано. Fantasia's Lullaby также очаровательна, наполнена теплотой и радостью новой жизни. Заключительная композиция альбома A Gentle Whisper вполне может сравниться с акварелью, нежным размытием цветов, без ярких красок и резких линий.

In My Life – четвертый альбом этого многими любимого пианиста, очередное собрание палитры чудесных мелодий, продуманных и законченных, великолепно им исполненных. В нем также можно заметить признаки ухода Керна в новую область творчества, где он развивает свой талант и предстает в новом образе. В этот альбом входят две прекрасные аранжировки на песни Элтона Джона и Леннона. In My Life поражает красотой и сбалансированностью композиций, радует сердце и успокаивает душу. Для альбома Summer Daydreams характерны необычайные сплетения звуков, состоящие из звучания скрипки, виолончели и кларнета, причудливо смешанных с мягкими, но яркими, звуками фортепиано. Это смешение настолько неуловимо и вместе с тем так необычайно красиво, что для очень многих почитателей new age и просто хорошей музыки, этот альбом будет просто неоценимым подарком. Простые и легкие, похожие на мелодии Шопена, композиции Керна неожиданно рассыпаются необычайными красками. Его прекрасная игра на фортепиано буквально очаровывает вас. Подобное очарование особенно характерно для альбома Beyond the Sundial. Этот альбом очень любим во всем мире. Мелодии Керна прекрасны в своей простоте, наполнены любовью и потому очень близки к сердцу.

More Than Words Морской бриз, одинокий пляж, волны докатываются до берега, размывая песок. Ласково блестящее заходящее солнце вот-вот и скроется за горизонтом. Тепло сердца, душевный покой, чрезвычайная легкость движений. Гармония, которая возникает как будто ниоткуда. Все это обретаешь, когда слушаешь музыку Кевина Керна. Нежное прикосновение пальцев извлекает из рояля нежные мелодии, они восхищают своей красотой. Инструментальная пластика дана не каждому композитору, но Kevin достиг в ней наивысшего мастерства. Музыка сердца, музыка души, музыка любви. Все эти слова относятся к его творчеству. Всего у композитора шесть альбомов, один из которых More Than Words, под музыку которого я и пишу эту рецензию. Новый альбом – это компиляция из старых вещей с двумя новыми композициями. Четырнадцать блестящих фортепианных вариаций, каждая из которых несет свое настроение. Оформление альбома просто великолепное. Нежные зелено-голубые тона, водопад падающих нот и одинокий рояль подчеркивают глубину фортепианных мотивов. Отличная музыка для отдыха и расслабления.

Дискография

1996 In The Enchanted Garden

1997 Beyond The Sundial

1998 Summer Daydreams

1999 In My Life

2001 Embracing The Wind

2002 More Than Words - The Best of Kevin Kern

2003 The Winding Path

2004 Asia Concert 2CD

2005 Imagination's Light

2009 Endless Blue Sky

2010 Harmony Moment 2CD

2011 Enchanted Piano

2012 Christmas

2013 Because I Love You [single]

2014 Always Near - A Romantic Collection

2016 When I Remember

Ссылки

http://www.realmusic.com/a_kern.htm - Официальный сайт

Биография

Кевин Кендл (родился в 1966 году) – музыкант и композитор, работающий в жанре захватывающей, атмосферной инструментальной музыки. Он использует клавишные, синтезаторы и сэмплеры для создания вызывающих звуковых ландшафтов, на которые затем накладываются звуки природы, которые Кевин записывает недалеко от своего дома в сельской местности Хартфордшира.

Участвовал в сборниках под псевдонимом Helios. Несколько альбомов записал в сотрудничестве с Llewellyn. Альбомы Aerial Vistas и Spring в своё время достигли высоких мест в Топ50 лучших инструментальных альбомов.

Его музыка вдохновлена природой и пейзажами и очень подходит для любой ситуации, где необходима успокаивающая атмосфера, например, для ароматерапии, терапевтических процедур или релаксации в домашних условиях. Тщательное программирование и подбор звуков придают музыке органичное, неподвластное времени звучание.

Кевин занимается музыкой с восьми лет и с тех пор создавал музыку для театров и продюсерских компаний, в том числе для телевидения BBC. Его музыка использовалась по всему миру в различных передачах, а серия альбомов Eventide Music была представлена на радио BBC в Великобритании.

Он давно осознал силу воздействия музыки на настроение и создающую атмосферу, а также её расслабляющие свойства. В 1992 году он начал выпускать альбомы своей музыки, чтобы слушатели могли насладиться её волшебным звучанием. Своеобразный музыкальный стиль Кевина сформировался из ощущения, что большая часть так называемой «нью-эйдж» музыки мало чем может заинтересовать слушателя и воспринимается безвкусной и неинтересной. В противоположность этому он выпустил ряд высококачественных альбомов, которыми можно наслаждаться как при активном прослушивании, так и в качестве фоновой музыки.

Будучи квалифицированным пилотом, Кевин находит дополнительный стимул для своей музыки, летая над вдохновляющими его пейзажами и паря среди захватывающих дух облаков.

«…Способность Кевина передавать ваши чувства поистине замечательна…» (Джаспер Лейбатт, журнал Ambience, Австралия).

Helios – это псевдоним, под которым Кевин пишет и продюсирует музыку в стиле чиллаут с 2002 года. Первым проектом, в котором он принял участие, стала серия Buddha Experience, состоящая из 5 двойных компакт-дисков с чиллаут-музыкой в стиле дзен. Некоторые из треков, созданных для этих дисков, также выходили под названием Project Rainbow.

В 2016 году Helios спродюсировал и смикшировал новую свежую компиляцию Paradise Chillout для лейбла Paradise Music. В него вошли 4 трека Helios, включая новый ремикс на классическую Tree Top, а также специально отобранные композиции из музыкальной линейки Paradise Music. Более часа свежего, расслабляющего, блаженного прослушивания, идеального для спа-салонов, лечебных центров, нейл-баров, а также для тех, кто ищет дома возможности для создания идеальной современной расслабляющей атмосферы.

Light from Orion – это первый релиз в новой захватывающей серии Кевина Кендла Deep Skies, музыка, вдохновлённая созвездием Ориона. Внимательно посмотрите на фон этой страницы. Это не сгенерированная компьютером графика, а фотография – это невероятное место действительно существует, это туманность Конская голова. В Орионе есть несколько удивительных объектов – звёзды-сверхгиганты, красивые звёздообразующие туманности – именно они послужили вдохновением для создания удивительных звуков на этом альбоме. Самые неземные и небесные звуки Кевина Кендла на сегодняшний день! «…Все отличительные черты лучших американских пионеров космической синтезаторной музыки середины-конца восьмидесятых, в сочетании с лучшими влияниями таких музыкантов, как Серри и Стернс. Но совершенно волшебное ощущение и атмосфера музыки отличают его даже от тех великих музыкантов…» (Энди Джи, CD Services, Шотландия).

Lagoon of Eternity – долгожданный второй релиз из захватывающей серии Кевина Кендла Deep Skies. Вдохновлённая созвездием Стрельца и множеством чудес, которые оно таит в себе, музыка этого альбома дрейфует и клубится, как и удивительные объекты, которые она описывает. Стрелец содержит множество красивейших объектов, включая туманности и звёздные скопления. Они изображены в завораживающих атмосферных звуковых облаках, в которых присутствуют никогда ранее не звучавшие «вихревые» текстуры, созданные Кевином специально для этого альбома. Среди объектов, отражённых в музыке этого альбома, – туманность Лагуна и Тройная туманность.

Light from the Pleiades – третий альбом из получившей широкую известность серии Deep Skies, вдохновлённый созвездием Плеяд, рассеянным звёздным скоплением, окутанным легендами и тайнами, этот альбом продолжает музыкальное путешествие в самые дальние уголки космоса. Семь главных звёзд в скоплении Плеяд названы в честь мифологических семи дочерей богов Атласа и Плейоны, и эти семь сестёр часто изображаются танцующими в радостной, похожей на транс задумчивости. Этот аспект передаётся в некоторых музыкальных произведениях мягким ритмичным звучанием, но при этом сохраняется огромное, просторное дрейфующее звучание, которым славятся Deep Skies. «…Это новая и захватывающая музыка – удивительная запись, появившаяся, казалось бы, как гром среди ясного неба…» (Билл Бинкельман, New Age Reporter, США).

Light from Andromeda – четвёртый релиз в получившей широкое признание серии альбомов космической музыки Deep Skies Кевина Кендла. Вдохновлённый внушающей благоговение галактикой Андромеды, также известной как M31, музыка этого альбома продолжает путешествие в глубокий космос, сопровождаемая бескрайними пространствами бесплотного, дрейфующего звука, где атмосфера и текстура заменяют мелодию, позволяя сознанию свободно блуждать. Галактика Андромеды – красивая спиральная галактика, расположенная примерно в 2,5 миллионах световых лет от Земли, в созвездии Андромеды. Вместе со своим близким двойником, нашей собственной галактикой Млечный Путь, они являются доминирующими гигантскими галактиками нашей местной группы. В отличие от большинства галактик, Андромеда и Млечный Путь фактически сближаются друг с другом, и их возможное столкновение или слияние произойдёт примерно через 4,5 миллиарда лет…

Illumination – пятый релиз в получившей широкое признание серии альбомов космической музыки Deep Skies Кевина Кендла. Вдохновлённый скоплением галактик в созвездии Девы и божественным великолепием Вселенной в целом, название альбома отражает не только свет, излучаемый этими удивительными небесными чудесами, но и представляет собой личное озарение и развитие духовного сознания.

Интервью

Красота заколдованного сердца

Когда я слушал ваши альбомы, я был удивлен: ваша музыка невероятно красива и гармонична. Она полна эстетики и интеллекта! Это просто божественные мелодии, которые помогают расслабиться и успокоить душу. Кроме того, использование звуков природы в вашем творчестве выполнено мастерски. Что вдохновляет вас на создание этой музыки?

Ну, во-первых, спасибо за добрые слова! Я очень вдохновлен природой и ландшафтами английской сельской местности, и я пытаюсь передать в музыке то, что я чувствую, когда я вижу дивный закат или красивое образование облаков. Живя в сельской местности, я могу легко записывать естественное звучание пения птиц или рек и ручьев на DAT (обычно очень рано утром!). Я делаю это, когда чувствую, что это будет гармонировать с музыкой, что это будет дополнять альбом.

Расскажите мне немного о вашем прошлом. Откуда вы? Когда вы начали заниматься музыкой? Ваш музыкальный стиль изменялся на протяжении многих лет?

Я родился в Perivale, в Западном Лондоне, в Англии, в 1966 году в доме, где жила моя семья, и где до сих пор живут мои родители. Дом находится рядом с полем для гольфа с большим количеством деревьев и шпилем церкви на расстоянии. Вид отличался в каждом сезоне. Осенью эфирные туманы поднимались и повисали на высоте талии башни со шпилем, утратив при этом вид ниже, но оставляя при этом очень ясным верх. Я ходил в школу через эти туманы, и эти странные пейзажи, которые и до сих пор очень вдохновляют меня в музыке, что я пишу сегодня. Вы можете услышать то, что я называю «туманной» звуковой текстурой всей моей работы. Есть еще кое-что, что очень сильно повлияло на меня, и хотя это может звучать как рядовое клише, это абсолютная правда! Был повторяющийся сон, в котором я слышал красивые мелодии. Я повторял музыкальные знаки, которые я теперь знаю, чтобы писать музыку похожую на музыку Стива Райха, Филипа Гласса и минималистской композиторской школы. Мне, наверное, было тогда приблизительно года 3 или 4, но я помню это очень ясно. Опять же, вы можете услышать это влияние в моей музыке. По воспоминаниям моих родителей, я обнаружил способности к музыке с очень ранних лет, подпевал песни на радио и пел детские песенки! Так что, мои родители отправили меня на уроки фортепиано, когда мне было 8 лет. В то время у меня не было большого интереса к гаммам и обучению музыкальным азам. Я был больше увлечен играми со своими друзьями! Итак, обучаясь музыке в течение примерно трех лет, я был очень близок к тому, чтобы бросить обучение. И тогда очень дальновидные учителя музыки в школе обратили мое внимание на Tubular Bells Майка Олдфилда, что играли тогда в школьном собрании в течение нескольких недель. Я был очарован этой музыкой, которая была ближе всего к той, что я слышал в своих музыкальных «гипнотических сеансах» моих ранних воспоминаний. Это ознаменовало для меня поворотный момент. Я начал с энтузиазмом писать свои собственные композиции для фортепиано. К концу этого учебного года, я дал первое публичное выступление моего собственного сочинения в этом же школьном собрании! Другой поворотный момент был, когда я обнаружил, синтезаторы. Впервые я услышал эту замечательную музыку на программе BBC о Ginger Baker, барабанщике из группы Cream. Я написал на BBC, спрашивая, что это была за музыка. Оказалось, что это была 3 + 3 с альбома Spiral Vangelis. У меня было много проблем с поиском этого альбома в магазинах в то время, и примерно через три месяца я обнаружил его в музыкальном магазине в разделе альбомов под названием Moog Synthesizer. Опять те же повторяющиеся, гипнотические линии были там, и целый ряд звуков, которые я никогда не слышал раньше – я обнаружил синтезатор! Теперь назад для меня не было пути. В дополнение к фортепиано, я научился играть на гобое, классической гитаре и на церковном органе в школе, правда, только до промежуточного уровня. Но я обнаружил, что опыт игры на духовых инструментах и гитаре дал мне неоценимое понимание того, как эти инструменты играют, что значительно помогло и помогает в адаптации моей сегодняшней техники игры, чтобы сделать звук синтезатора, как реального инструмента. Например, если вы играете на синтезаторе со звучанием флейты, но так, как вы обычно играете на фортепиано, то звук не будет похож на настоящую флейту. Но если выразить звук таким же образом как флейта, звук становится правдивым. Я очень верю в эту идею. Хотя в школе, я слушал Майк Олдфилд, Вангелис и также обнаружил (среди прочих) Tangerine Dream, Brian Eno, Томита и Iasos. Все они в значительной степени повлияли на мой музыкальный стиль сегодня. Кстати, Iasos стал теперь моим большим другом через интернет, что просто удивительно для меня! Но в музыкальной школе в то время, я, тем не менее, продолжал изучать классическую музыку. По окончании школы, я провел большую часть 1980-х годов в поп-мире, писал песни с известным вокалистом Карлом Чапманом. Итак, подведем итог, у меня есть широкий музыкальный кругозор в пределах от классики до поп, джаз, и нью-эйдж и эмбиент.

Вы объединяете много различных звуков в своих композициях. Я прослушал много ваших альбомов и наслаждался очень высококачественным продуктом, если можно так сказать: вы не только отличный композитор и исполнитель, но и звукорежиссер очень высокого уровня. Что вы считаете самым важным аспектом создания музыки? Какие инструменты вы хотели бы использовать больше всего и почему?

Я самоучка, как инженер и продюсер. Когда я начинал писать свои собственные композиции, я экспериментировал с маленькими кассетными магнитофонами, делал примитивные многодорожечные наложения путем прослушивания одной дорожки, записывая другую, наращивал слои музыки частями. Очевидно, что качество звука было тогда ужасно! Но это не прошло даром, это дало отличную подготовку в основных методах многоканальной записи. Но я прогрессировал, моя студия постоянно обновляется новыми предметами записывающего оборудования и инструментами. Многоканальная запись и массив синтезаторов как старых, так и новых, дают огромную палитру звуковых возможностей. Я думаю, что самое главное для меня в создании моей музыки является практика работы: я эволюционировал. Для меня, производство и инженерная сторона музыки является неотъемлемой частью процесса творчества. Так как я использую много реальных звуков, я не могу работать в традиционном стиле, где все части вначале записываются на магнитную ленту или жесткий диск, а затем позднее сводятся, добавляются эффекты, реверберации и так далее. Синтезатор конечно может звучать совершенно по-разному и без определенного эффекта, но для меня эффект или некая изюминка должен быть там с самого начала. Другими словами, для меня традиционное сведение и производственные фазы записи развиваются наряду с процессом выстраивания композиции. Если говорить о моем любимом инструменте, то я должен сказать, что это синтезатор Roland JV-1080. У меня есть выбор Roland и Korg, но JV-1080 выделяется как чудесная универсальная «рабочая лошадка», которая всегда дает желаемые результаты. Он способен создавать невероятно магические, плавучие, фоновые текстуры, которые я люблю использовать, плюс великолепный звук сольных инструментов, таких как фортепиано и духовых. Хороший друг, тоже музыкант, спросил меня однажды, какой инструмент я использую. Когда я сказал, что это в основном Roland JV-1080, он воскликнул: «Этого не может быть – он у меня есть!» Этим я хотел подчеркнуть универсальность инструмента – он будет звучать совершенно иначе в руках другого музыканта. Большая часть моей музыки сосредоточена вокруг этого инструмента.

Давайте поговорим о вашем лейбле Eventide Music. Скажите, пожалуйста, как все начиналось? Какие альбомы, выпущенные Eventide музыки наиболее дороги вам и почему?

Достигнув отсутствия интереса написания поп-песни, я вернулся к своим нью-эйдж музыкальным корням, и к идее записи альбома в этом стиле. Это было в 1991 году, сразу после того как мы встретились с моей будущей женой Джули и немногим позже поженились. Мы провели наш медовый месяц на греческом острове Родос, где нашли замечательный уединенный залив. Там мы провели много времени, просто расслабляясь на берегу моря. Я чувствовал вдохновение от звука набегающих волн на берег, и я начал сочинять музыку в голове, что я делаю довольно часто. Когда пришло время возвращаться домой, я написал первую половину того, что стал моим альбом Watermusic, который я записал в начале 1992 года. Все это, конечно, стало возможным в связи с появлением DAT, доступным средством высококачественной цифровой записи. Я отправил Watermusic шести дистрибьюторам, работающими с направлением нью-эйдж в Великобритании, и двое из них были заинтересованы в альбоме. Я издал альбом в Anam Music, небольшой новой дистрибьюторской компании, год спустя. В 1993 году там же вышел и второй альбом, Autumn, но в начале 1994 года Anam Music закрылись, и я столкнулся с проблемами поиска нового лейбла. Работая с Anam Music, я понял, что надо открывать собственный лейбл, что и было сделано. В то же время, я начал работу над альбомом, вдохновленный погодными проявлениями природы, происходящими вечерами. Я остановился на имени Eventide, так же как и для этого альбома. Это имело эффект, и имя Eventide прочно утвердилось в сознании людей в области New Age музыки. Я продолжал выпускать по альбому в год на лейбле Eventide Music, делать все сам – записи, производство и продажу. Интересно, что в одной из этих шести компаний, в которые я предлагал Watermusic, встретил Джеймса Ашера, который почувствовал, что в Watermusic было что-то новое, чтобы предложить слушателю, и мы подружились. С помощью Джеймса я познакомился со многими исполнителями New Age. Мой альбом 1995 года First Light, вдохновленный восходами, был записан у Джеймса Ашера в Starfield Studios в Лондоне, и Джеймс еще стал сопродюсером. Мы по-прежнему с ним очень хорошие друзья. Следующими альбомами были Aerial Vistas в 1996 году, вдохновленный видами пейзажей с воздуха, как воображаемая поездка на воздушном шаре, и Spring в 1998 году, вдохновленный сезоном духа возрождения и новой жизни. В течение этого периода у меня родились два классных парня, Сэм и Том. Aerial Vistas, Spring и свой последующий Clouds я посвятил им.

Хочу отметить, что вы сочиняли музыку, которая была использована для театральных постановок и на телевидении, в том числе и на BBC. Расскажите, пожалуйста, об этой стороне вашей творческой работы?

Еще в школе я писал музыку для постановок в Questors театра в Илинг, в Западном Лондоне. Также я записывал музыку для пилотной программы BBC Television под названием «Море веры», которая помогла продажам за рубежом. Музыка на моей Eventide публикуется в библиотеке музыки, и в этом качестве была использована на многих телевизионных и вещательных программ по всему миру, особенно в Японии, что само по себе очень интересно!

Вы играли на клавишных в течение пяти лет с группой McCalla совместно с известным вокалистом Ноэлем МакКэлой и саксофонистом Энди Гамильтоном. Расскажите об этом периоде вашей музыкальной карьеры более подробно.

В конце 1980-х годов, я искал новый стиль, новое направление. Однажды моя сестра убедила меня послушать группу, в которой, как она считала, были блестящие музыканты. Я пошел на концерт на самом деле не ожидая ничего особенного, но я обалдел от чистой музыкальности и превосходного вокала Ноэля МакКэла. Они играли самую блестящую смесь джаза и соул, и это был набор тех признаков очень высокого качества исходного материала, который для меня является тем, что мне тогда было очень интересно. Я немного понаслаждался записями, а потом подошел к группе и предложил свои услуги на клавишных. Просто в то время они искали музыканта, чтобы замещать регулярного клавишника. Через две недели после этого, я был уже с ними на сцене. Партии клавишных разучил по кассетным альбомам, что они имели в те времена! В течение следующих пяти лет я сыграл много концертов с ними по всей Великобритании, мы играли на площадках, таких как Jazz Cafe в Лондоне, и я стал их постоянным клавишником. Я также записал два альбома с ними, Push & Pull и Hot from the Smoke. Это была большая честь быть связанным с музыкантами такого калибра, которые играли с такими мэтрами как Пол Маккартни, Мэдди Прайор (от Steeleye Span) и Mанфред Мэнн. Ноэль МакКэлла еще пел в Earth Band Манфреда Манна. Он остается, на мой взгляд, одним из величайших вокалистов соул в современном мире. Я ушел из группы в 1996 году, в ожидании появления моего первого сына, Сэма.

Как у вас произошло «знакомство» с New World Music? Хочу отметить, что они выпустили не менее трех ваших альбомов в 2000 году! Планируете ли вы дальнейшие релизы с New World Music?

Я оказался в центре внимания New World Music летом 1998 года через моего давнего друга музыканта Llewellyn. Они попросили о встрече и предложили мне контракт на запись для их лейбла, который я принял. На первой встрече мы обсуждали возможные концепции альбома. Одна из идей, которую я желал воплотить, была вдохновлена облачными образованиями, и так уж случилось, что председатель Нового Света рассматривает эту концепцию в то же время – счастливое совпадение! Я работал над Clouds в течение последующего года, и, завершив работу осенью 1999 года, у меня запланированы еще релизы с New World Music в 2001 году, и я ожидаю дальнейших проектов в 2002 году.

Давайте поговорим о ваших альбомах более подробно. Ваши атмосферные релаксации из альбома Clouds вдохновлены красотой неба. Расскажите мне о вдохновении альбома.

Я уже давно был вдохновлен постоянно меняющимися формами и настроениями, что облака создают в небе. Существует тенденция, что та красота, что происходит у нас над головами, считается само собой разумеющейся для большинства людей, и это печально! На самом деле в облаках существует огромная красота и величие, что я и хотел донести до слушателя, причем специфичные для каждого типа облаков. Это был замечательный проект, я исследовал облачные образования, что заставляет их формироваться, на каких высотах, и т.д. Этот альбом был для меня отличной возможностью использовать легкие, воздушные, плавающие текстуры, которые стали визитной карточкой моей работы. Тем не менее, более мощная, величественная сторона моей музыки показана на треке «кучево-дождевых», ведь грозовые облака иногда называют «наковальней». В таких тучах есть потрясающее величие. Для другого трека я создал звуковой коллаж, изображающий сильные восходящие потоки воздуха, расширяющиеся облака во внешних слоях атмосферы. Это можно услышать на треке, начинаясь как глубокий гул, двигаясь вверх по частотному спектру, ведущей в каждой крещендо музыки.

Альбом Pure Peace является оригинальной обработкой знаменитой Pachelbel Canon. Вы работали над этим проектом вместе с Llewellyn, другим музыкантом активно работающим для New World Music. В этом альбоме можно также услышать мягкий вокал жены Llewellyn Джулианы. Что привело Вас к сотрудничеству с этими талантливыми музыкантами?

Как упоминалось ранее, я знал Llewellyn и Джулиану задолго до того, как мы все стали работать с New World Music, и вообще, мы живем очень близко друг к другу в Хартфордшире! Мы всегда хотели сделать вместе альбом, и когда появилась такая возможность, сделали в стиле New Age версию известной Canon Pachelbel.

Почему вы решили интерпретировать такую известную работу? Ваша версия Canon идеально подходит для медитации и в терапевтических целях.

Существовало несколько предыдущих New Age версий Canon Pachelbel. В своей версии Pure Peace, мы хотели создать качественный вариант Canon, который был бы приятным и его было бы интересно слушать, просто как музыку, но также пригодной и для фона, для отдыха. Llewellyn и я изобразили поток, начиная с его источника высоко в горах, стекающего через леса и деревни, дальше он набирает силу и размер и вырастает в реку. Наконец река достигает моря, где ее путешествие обретает естественный финал. Мы решили, что я буду производить интерпретацию Canon изображением горных источников реки и ее путешествие по сельской местности к морю, а Llewellyn будет производить свою собственную интерпретацию изображая сам океан. Моя часть Source to Sea начинается высоко в свежем горном воздухе, Canon едва узнаваем, но постепенно проявляется к главной теме струнного оркестра. Я попытался с уважением относиться к оригинальному произведению, с помощью звука струнного оркестра в различных частях, но попытался вдохнуть новую жизнь в эту музыку моего собственного музыкального видения. В отличие от этого, в интерпретации Llewellyn в By the Shore больше окружающей среды, его собственного стиля, использования кельтских звуков и замечательного мягкого вокала Джулианы. Скрипичные партии играл Тори Донован. Мы оба очень довольны получившимся альбомом, он стал одним из самых популярных альбомов, издававшихся в New World Music!

Кевин, скажите, практикуете ли вы медитацию или любые другие духовные техники? Каковы ваши взгляды на духовность в целом?

Я полностью открыт в духовных вопросах. Я считаю, что есть жизненная сила намного больше и сильнее, чем человеческая раса, которая имеет силу творения и регенерации. Может быть, это то, что мы знаем, как «Природа», может быть, что-то еще – я не знаю. Я не религиозен, хотя я знаю, должна быть своего рода жизнь после смерти – есть слишком много доказательств, чтобы утверждать обратное! Я не практикую фактические техники медитации – моя самая большая любовь, это любовь к музыке, и это главная сила в моей жизни. Я получаю от нее все, что нужно. Радость и эмоции я испытывал не так давно, например, когда прослушивал качественно новую часть моего нового трека. Это невозможно описать словами, и это чувство, вероятно неизвестно для большинства людей, за исключением, думаю, других музыкантов. И именно это чувство, очень близко к духовности, как я могу себе это представить!

Кто из других музыкантов, какие другие музыканты New World Music вам наиболее близки?

Я счастлив, что вступил в контакт со многими ведущими музыкантами в области New Age музыки, как и тех, кто работает с New World Music, так и тех, кто работает самостоятельно. В New World Music, я бы назвал Llewellyn, James Asher, Medwyn Goodall и Stuart Jones особенно хорошими друзьями. Я выполняю мастеринг для New World Music, подготавливаю студийные записи других музыкантов для выпуска на CD, поэтому я имею дело со многими другими художниками New World Music, но я знаю их не так хорошо. Вне New World Music, мы хорошие друзья с Найджелом Шоу (Nigel Shaw), действительно талантливым, успешным и независимым New Age музыкантом в Великобритании. Найджел работает в Seventh Wave Music и очень много помогал мне на протяжении многих лет с советами и контактами. Мартин Уокер, который пишет для Sound, также мой большой друг и талантливый независимый New Age исполнитель. Он работает на Yew Tree Music в своем доме в графстве Глостершир. Я также знаком по интернету с Тони О'Коннором (Tony O'Connor) из Австралии, он очень лестно отзывался о моих альбомах, а также из Австралии с Яном Камероном Смитом (Ian Cameron Smith), блестящим гитаристом, с которым я встречался несколько раз во время его визитов в Великобританию. Ян, по сути, только что записал несколько прекрасных классических гитарных партий для моего следующего альбома! Как я уже говорил, я был взволнован, когда познакомился с одним из моих музыкальных кумиров Iasos по электронной почте пару лет назад. Я не забыл еще, как купил его альбом The Angels of Comfort в 1978 году, когда мне было 12 лет и как был взволнован ее небесными текстурами. Это здорово, что на сегодня он является действительно уникальным музыкантом и без сомнения одним из истинных пионеров New Age музыки!

Я почти забыл спросить вас о другом проекте Tarot, который был выпущен в New World Music в 2000 году. Что вдохновило вас написать и исполнить музыку для этого проекта? Разве это, так или иначе, связано с вашими интересами в жизни?

Я был очень взволнован, имея возможность работать над этим альбомом. Работая в тесном сотрудничестве с хорошо известным экспертом Таро здесь, в Великобритании, Стивом Хаунсомом, я выпустил альбом с изображением первых 11 карт Старших Арканов колоды карт Таро. Я очень мало знал о Таро, когда начал проект, но с помощью Стива, я узнал все о символике и энергиях, связанных с каждой карты. Это очень позитивный альбом, и я чувствую, что он содержит кое-что из моей лучшей музыки на сегодняшний день. Некоторые люди, мне кажется, боятся Таро по незнанию. Это просто не тот случай. Стив использует Таро лечебным образом, чтобы освободить энергию и привнести комфорт. Я провел 14 месяцев работы над альбомом Tarot, прилагая все усилия, чтобы включить в музыку, насколько мог, уникальную энергию каждой карты. Во время записи этого альбома, были моменты, когда я не чувствовал себя полностью ответственным за музыку. Я творил, почти как если бы у меня была помощь извне. Для меня Tarot особенный – это альбом, которым, я надеюсь, люди могут наслаждаться просто как музыкальным альбомом – вы не должны быть связаны с Таро, чтобы слушать эту музыку!

В общем, каковы ваши жизненные интересы и увлечения? Расскажите о вашем доме и семейной жизни. Что вам нравится, что вы делаете помимо создания музыки?

Мои интересы довольно широки, хотя у меня немного свободного времени, чтобы отдаваться сполна любому из них! Я люблю просто проводить время дома с семьей, с Джули, Сэмом и Томом. Мне нравится заниматься в моем саду, и мне очень нравится готовить, особенно тайскую пищу. Я также увлекаюсь фотографией. Мы живем рядом с маленьким рынком города Бэлдок, находящегося в сельской местности Хартфордшир, примерно в 50 милях к северу от Лондона. Бэлдок имеет римские корни, и наш дом на самом деле стоит на месте первоначального римского города Бэлдок. В городе есть много интересных старых зданий, некоторые дома датируются 16-го веком и в настоящее время в них находятся рестораны.

Я должен спросить вас о ваших творческих планах! Что за альбомы мы можем ожидать от вас в ближайшем будущем? Каковы ваши долгосрочные планы?

У меня со дня на день выйдет новый альбом под названием Pure Dreaming, который рисует идеальный день в музыке, от свежей утренней атмосферы первого трека Skylark, вдохновленного пением птиц, мы слышим также локально весну и лето. В последнем треке Nightfall день заканчивается. Я почти закончил работу над еще одним альбомом, который будет называться Flowers, изображающим в музыке 8 из моих любимых цветов. Это тот альбом, в который Ян Камерон Смит добавил несколько превосходных классических гитарных партий. Эта музыка будет и поднимать настроение и расслаблять!

Вы принадлежите к поколению новой эпохи художников. Как бы вы охарактеризовали в музыке New Age себя? Почему вы работаете в этом жанре?

Вы правы, есть новое поколение композиторов New Age. С моей собственной точки зрения, я пытаюсь создать музыку высокого качества, которую интересно слушать. Слишком много так называемой New Age музыки в прошлом, было невероятно мягким и скучным. Я был разочарован во многих случаях при покупке релизов New Age – скучно и неинтересно. Так что, я всегда стараюсь создавать музыку, имея в виду конечного слушателя, и прежде всего, в виде альбома, который можно слушать, но также и пригодным для использования для медитации или релаксации. К счастью, этот акцент на качество музыки, кажется, набирает силу, и более мягкая и примитивная музыка отойдет на второй план. Надеемся, что это приведет к некому креативу фантастической музыки в ближайшие годы! Я работаю в этом жанре музыки просто потому, что я люблю его – я был в контакте с ним прямо с тех ранних грез с их гипнотическими звуками, и он предоставил мне способ выразить себя в звуке.

И, в заключение, я хотел бы спросить вас, не хотели бы вы сказать что-нибудь своим поклонникам в Беларуси и России?

Я хотел бы поблагодарить Нью-эйдж любителей в Беларуси и России, за то, что нашли время, чтобы прочитать это интервью, и надеюсь, что моя музыка может коснуться их жизни в некотором роде. Музыка является универсальной формой общения, которая превосходит любые языковые барьеры – через него я посылаю вам свою любовь и самые теплые пожелания. Я также хотел бы поблагодарить вас, Серж, за приглашение принять участие в этом интервью – спасибо!

Серж Козловский, 2001 год.

Дискография

1993 Autumn

1994 Eventide

1995 First Light

1996 Aerial Vistas

1998 Spring

2000 Clouds – Music Inspired by the Beauty of the Sky

2000 Pure Peace [with Llewellyn]

2000 The Mind, Sould & Body Series – Tarot

2001 Flowers

2001 Pure Dreaming

2002 Music for Yoga Volume 1 – Relaxing Yoga

2003 Deep Skies 1 – Light from Orion

2003 Butterflies

2004 Deep Skies 2 – Lagoon of Eternity

2004 Distant Horizons vol. 1 – Music for Reiki

2004 Distant Horizons vol. 2 – Music for Reiki

2006 Journey to Atlantis [with Llewellyn]

2007 New Age Atmospheres – Tranquility [with Rod Jones]

2007 The Medicine of Sound [with Venerable Choesang & Chris Conway]

2007 Water Music

2007 Winter

2008 Deep Skies 3 – Light from the Pleiades

2010 The Mandarin’s Garden

2011 Deep Skies 4 – Light from Andromeda

2011 Summer

2012 The Leaves of Paradise

2013 Clouds 2 – Music Inspired by the Beauty of the Sky

2014 Deep Skies 5 – Illumination

2015 Rise – Peace Meditations with Music [with Richard Lawrence]

2016 Journey to Atlantis – Extended Play [with Llewellyn]

2016 Journey to Atlantis – Hidden Treasures – Single Edition [with Llewellyn]

2018 Terra – Music for Mother Earth

2020 Deep Skies 6 – Laniakea

2020 Evening Reflections [with Jack Golding]

2021 Deep Skies Live Experience 2CD

2021 Inner Peace – Wellness & Harmony

2021 Peaceful Mind – Wellness & Wellbeing

2022 Insight

2022 Aurora

2023 Norfolk Landscapes

2023 Sand Patterns – Chillout Mix

2024 Afterglow

Aetherium

2005-Music for Relaxation & Healing – Healing Gold

2006 2006-Music for Relaxation & Healing – Chakra Gold

2013 Music for Relaxation & Healing – Healing Gold – Full Album Continuous Mix

2013 Natural Sounds with Music – Tibetan Healing Bowls with Relaxing Music

2014 Music for Guided Meditation – Full Album Continuous Mix

2014 Music for Relaxation & Healing – Chakra Gold – Full Album Continuous Mix – Bonus Edition

Helios

2016 Paradise Chillout – Extended Play

2016 Paradise Chillout – Tree Top

Ссылки

http://kevinkendle.com/ - Официальный сайт

Биография

Detlef Keller родился в 1959 году в Дуйсбурге, Германия. В 1974 году купил свой первый синтезатор – Crumar DS2. Вдохновленный примером Клауса Шульц, Tangerine Dream и Vangelis, он приобретает Crumar Performer, Korg MS10, Korg SQ10, Korg  JX3P, Korg JX8P и т.д. и в последующие годы начинает писать такую же музыку. В 1993 году он выпустил компакт-кассета Klanggedanken, которую он предлагает исключительно в кругу знакомых.

В ноябре 1993 года он знакомится в Гельзенкирхене с голландским ударником и клавишником Bas Broekhuis и на лейбле Audioworks появляется первый компакт-диск The Story of the Clouds. Весной 1994 года Bas знакомит его с Mario Schoenwaelder.

В июле 1994 года он посещает в Берлине летний фестиваль в планетарии на Munsterdamm. Там Bas и Mario приглашают его присоединиться к ним в сентябре и выступить на первом совместном концерте. Это будет его первое выступление на публике! Трио Broekhuis, Keller & Schoenwaelder основано!

Different Faces Это очевидное продолжение работы The Other Faces. Открывает путешествие первый очень неплохой секвенсорный эпизод, со временем (примерно к 6 минуте) повышающий темп. Затем тембр изменяется, становясь более резко определенным. Насыщенные клавишные вновь расцветают, но принимают более гипнотический оттенок. Темп энергичен, но все же смягчен. К 9 минуте, музыкальные «петли» становятся более плотными, и в целом музыка захватывает. Интенсивность нарастает, активный секвенсорный звук приобретает Jarre-подобный характер. Различные элементы в звуковых мелизмах медленно начинают понижаться, оставляя главную последовательность, и это происходит весьма умело. И когда кажется, что энергия уже никогда не будет исчезать, с началом восемнадцатой минуты, секвенсорные отступают полностью, уступая плывущей атмосфере, и после почти 27 роскошных минут трек наконец заканчивается. Face Four – более короткая дорожка, менее 13 минут, и потому сразу открывается секвенсорной последовательностью, без долгих «фанфар», и в скором времени добавляются струнные. Через четыре минуты мы снова оказываемся в середине великолепной среднетемповой пьесы, которая прекрасно комбинирует различные электронные стили. Энергия здесь более ограниченна, чем в более быстром первом треке, но это только приятно. Без сомнений, любой трек этого компакт-диске является по-настоящему синтетическим и электронным. Заключительная дорожка наиболее длинная и представляет собой наиболее классические Schulze-подобные пассажи. Клавишное соло медленно блуждает в течение первых минут, мало чем отличаясь от моих любимых работ Klaus Schulze подобно его Body Love Vol. II. В то время как это продолжается, медленно нарастает пульсирующий секвенсорный темп, который терпеливо ведет нас, даруя наслаждение путешествием. До самого конца музыка остается спокойной и сдержанной, возвышенно заканчивая великолепный диск.

Entspannung Pur – Pur Relaxation – Wonderful Healing & Chill Out Music По началу, конечно, эта идея кажется немного странной: три известных исполнителя электронной музыки, представители последнего действительно имеющего вес поколения «берлинки», решили записать музыку для релаксации и медитации, которую многие слушатели презрительно называют звуковыми обоями. Идея тем более выглядит странновато, если учесть, что пик подобных, зачастую даже лишенных упоминания их авторов релизов (с морем на обложке, предложением откинуться на спинку кресла, закрыть глаза и визуализировать райские уголки планеты, с необязательным, но частым DVD с видовыми зарисовками) уже прошел. Правда, стоит вспомнить о том, что после развала культового лейбла Innovative Communication многие его резиденты кинулись сочинять такую вот музыку и продавать ее через DaMusic, компанию, имеющую прямое отношение к деятельности Manikin, так что некое «следование заветам» в этом неожиданном релизе можно найти. Неожиданном, но, безусловно, интересном, никак не фоновом: все-таки за ваш релакс здесь отвечают музыканты с большой буквы, четко знающие свое дело. Детлеф Келлер в Regeneration постоянно помогает регенерировать простой, но привлекательной мелодии, пропуская ее через моменты растворяющей тишины и через достаточно яркие, оркестровые пассажи, растворенные в льющемся свете морского рассвета. Мелодия, как сказано, простая, буквально сыграна двумя пальцами, но способна задеть: не только расслабленным настроением, сколько некой затаившейся меланхолией, от которой совсем недалеко до светлой, романтической грусти. Марио Шонвальдер выстраивает свой трек по канонам берлинки, начиная с длинного, амбиентного вступления, из абстракций которого совсем не ясно, во что все может развиться в дальнейшем. Потом возникает неплохая, но уже менее ощутимая, нежели у предшественника, тема, мягкие секвенции и синтезаторные калейдоскопы, заставляющие образы, возникающие перед вашим внутренним взором, постоянно меняться, не успевая обрести четкость форм и оставаясь аморфными, дремотными видениями. Томас Фангер решил соблюсти вообще все традиции нью эйджа, взяв за основу The Inner Light мотивы индийских раг, звуки тамбуры и ритмы таблы, плюс характерный электронный бэкграунд. Его трек, пожалуй, больше всего подходит для визуализации обложки этого релиза, это приятная, легкая и манящая своими образами вещь, под которую можно плодотворно помедитировать. Удачный жанровый эксперимент. Снобам от электроники, свято чтущих берлинку и ее адептов за что-то «прогрессивное», может не пойти, но это не вина Томаса, Марио и Детлефа – надо просто уметь расслабляться. Для этих целей и был записал данный альбом. Как-нибудь осенним или зимним вечером вернитесь к нему и впустите тепло, солнце и море в свою жизнь снова.

Дискография

1989 Live in Concert Berlin [with Mario Schonwalder & friends]

1994 The Story of the Clouds

1996 Loops & Beats 2CD [with Mario Schonwalder]

1996 Ways of the Rainbow

1997 444 Oscillators - More Loops [with Mario Schonwalder]

1997 Gladbeck Live [with Mario Schonwalder]

1997 Live At Markus Kirche 2CD [with Mario Schonwalder]

1997 Sakrale Tone [with Mario Schonwalder]

1997 The Other Face

1998 Concerts 2CD [with Mario Schonwalder]

1998 Masquerade

1998 More Loops [with Mario Schonwalder]

1999 Behind the Tears

1999 EM – Weihnacht

1999 The Annazaal Tapes [with Mario Schonwalder][bootleg]

1999 The Two Piece Box [with Mario Schonwalder]

2000 Bologna 2000 [with Mario Schonwalder]

2000 The Reason Why... Live At the Jodrell Bank [with Mario Schonwalder]

2000 The Reason Why... Part Two [with Mario Schonwalder]

2001 Gorlice [Live Poland] 2CD [with Mario Schonwalder]

2001 Jodrell Bank 2001 2CD [with Mario Schonwalder]

2001 One Summer Night in Galicia 2CD [with Mario Schonwalder]

2001 The Reason Why Part. II [with Mario Schonwalder]

2002 Different Faces

2003 Noir [with Mario Schonwalder]

2004 Eintrittskarte [with Mario Schonwalder & Friends]

2004 HJ 2004 [with Mario Schonwalder][bootleg]

2004 Timeshift [with Mario Schonwalder & Friends]

2005 Harmonic Steps 2CD

2006 Concerts 2CD [with Mario Schonwalder] [reissue]

2007 Loops & Beats 2CD [with Mario Schonwalder] [reissue]

2011 Long Distances [with Mario Schonwalder]

2013 Entspannung Pur - Pure Relaxation [with Thomas Fanger & Mario Schonwalder ]

2013 The Reason Why - Live at the Jodrell Bank 2CD [with Mario Schonwalder]

2014 M.O.B.S. - Aus dem Nichts

2016 Collectors Items (1996 - 2007) [with Mario Schonwalder]

2016 The Breakfast Event

Ссылки

http://www.detlef-keller.de/ – Официальный сайт

Биография

Снатам Каур по праву считается популярнейшей Нью Эйдж исполнительницей нашего времени. Десять ее альбомов ежегодно продаются тиражом более 50 000 экземпляров по всему миру. Каур стала единственной артисткой, чьи три альбома попали в ТОП-20 в течение одного года. Кстати, альбомы Снатам Каур не покидают ТОП-20 с 2004 года. А в 2003 году Снатам Каур номинировалась на Грэмми в категории «Лучший Нью Эйдж исполнитель». Каждый год Снатам Каур дает около 100 шоу по всему миру.

Snatam Kaur – певица и музыкант – родилась в 1972 году в США, штат Колорадо. Когда Снатам было два года, ее родители стали проявлять интерес к культуре и религии Индии. Когда ей исполнилось шесть лет, они отправились в эту страну в путешествие, вернувшись затем на родину. В школе Снатам играла в школьном оркестре на скрипке и участвовала во всех школьных мероприятиях и концертах. После ее окончания Снатам поступила в Миллс Колледж в Окленде, штат Калифорния, где получила степень бакалавра по биохимии. После колледжа она некоторое время жила в Индии, изучая культуру и духовные практики. Вернувшись, она обосновалась в Юджине, штат Орегон. В 1997 году Снатам начала карьеру биохимика пищевой промышленности.

Однако популярность она завоевала не на химическом, но на музыкальном поприще. После нескольких лет выступлений с группой The Peace Family она начала сольную карьеру.

Музыка Снатам наполнена восточными мотивами с оттенком индийской культуры, мантрами из кундалини-йоги, харибжаджан-сингх-йоги, а также ее собственными текстами. Знатоки и ценители утверждают, что ее голос – мощнейшее сочетание сладости, чистоты и силы. Уникальная интерпретация музыки рождается из ее души. Снатам Каур может петь как в стиле традиционного гурбани киртана, так и американской фолк-музыки, джаза, рока и других музыкальных направлений.

Лучшая мировая исполнительница музыки в стиле Нью Эйдж Дэва Премал о Снатам Каур: «Для меня Снатам, как сестра. У нас похожая сердечная связь с нашими духовными мастерами. Энергетически мы встречаемся здесь, в музыке…».

Evening Prayer (Kirtan Sohila) Вечерняя молитва занимает важное место в духовной практике сикхизма. Довольно длинный и очень (на мой непосвященный взгляд) сложный текст на языке гурмукхи начал создаваться еще в пятнадцатом веке первым Гуру сикхов Нанаком, затем свои строки сюда привносили Гуру Рам Дас и Гуру Арджан, образуя в итоге литературный, культурный и духовный канон, который ежедневно, перед отходом ко сну, произносят миллионы последователей этой религии. На новом альбоме Снатам Каур мы можем услышать, как звучит эта молитва в «чистом виде», финальная часть диска, Recitation, содержит исполнение в состоянии покоя и тишины, без музыкального сопровождения. И даже в этом «практичном» варианте молитва занимает без малого девять минут! Музыкальная же версия звучит более сорока минут, во время которых Снатам Каур и ее друзья аккомпаниаторы (среди которых стоит отметить великолепного гитариста Симоне Селло, мастера игры на малом ситаре-эсрадже Бенджи Вертеймера, клавишника и аранжировщика, а также продюсера этого и многих предыдущих альбомов исполнительницы Томаса Баркью), создают уютный мир равновесия и тишины. Ничто не должно потревожить духовное пространство молящегося человека, лишь тихая музыка, которая, однако, не теряется безликим фоном, а прекрасно заполняет паузы между пением. Даря радость простых, но очень красивых и одухотворенных мелодий и мягкого ритма, «отбитого» на табле Сатнамом Сингхом Рамготрой, она служит отличным партнером в этой полной, безграничной близости с окружающим миром и Богом. Снатам Каур, рассказывая в своем блоге об этом релизе, вспоминает о том, какое важное значение имела эта вечерняя молитва в ее детстве, как долго и внимательно она разучивала ее текст, который теперь она от всего сердца передает своей дочери, начав ее инициацию в духовный мир с колыбели. Наверное, в случае с этой удивительной женщиной колыбель – один из самых подходящих и сильных образов. Голос Снатам – это голос женщины, и, прежде всего, матери, это голос чистых помыслов и искренних надежд, голос, который в любой ситуации, чтобы не случилось, всегда приласкает и уверит в том, что все и всегда будет Хорошо. После этой молитвы, устанавливающей баланс между человеком и природными элементами, принято отходить ко сну, смею вас заверить, это будет отличный, спокойный и беззаботный сон. Прекрасный релиз с очень душевной и проникновенной музыкой, помогающей перекинуть прочный мостик между мирским и божественным.

Light of the Naam Как день встретишь, так его и проведешь — не нуждающаяся в доказательствах людей религиозных или, напротив, сугубо рациональных представителей нашего общества истина, подтверждение которой каждый из нас находил не единожды. С момента пробуждения мы формируем свое жизненное пространство, протягиваем нити взаимосвязей между событиями прошедшими и будущими, а наше настроение влияет не только на нас, но и на окружающих, по цепочке вписывая новые главы в глобальную историю взаимоотношений людей. Так что лучше подойти к началу дня со всей ответственностью. У упомянутых «близких к религии» людей, кстати, есть свои, отработанные веками способы. Один из них – чтение молитв или распевание особых духовных песен. Снатам Каур, ярчайшая звезда китран-музыки, воспитанная в традициях сикхизма, не просто знакомит нас с этими песнями-мантрами, она приглашает нас в свое личное пространство. Тексты, ставшие основой ее нового альбома Light of the Naam всегда были частью утренних ритуалов в ее семье на протяжении десятилетий, и теперь она решила дать возможность слушателям поучаствовать в них, и, как знать, почувствовать себя в какой-то мере членом ее семьи. Хотя, судя по всему, встречать солнечные лучи и настраиваться на гармонию пробуждающегося дня Снатам Каур предпочитает, в данном случае, в компании подруг-единомышленниц. Она, Сукмани Каур, Сири Киртан и Аджит Каур образуют квартет, создающий не просто музыку, а гармоничное и уютное пространство света, тепла и тишины. Это пространство постоянно расширяется, вырастая из чуть сонного умиротворения Waah Yantee, словно прощающейся с ночной тишиной, которую еще недавно тоже предваряли неспешные вечерние молитвы (настоятельно рекомендую послушать один из недавних альбомов Снатан Каур, посвященный этой теме) в радостные, придающие энергию ритмы таблы, поддержанные акустической гитарой, фисгармонией, флейтами и скрипками. Нельзя сказать, что голос Снатан, своими нежными, по-настоящему женскими интонациями способный напомнить кому-то голос матери, кому-то – любимой женщины, а кому-то – богини, играет здесь главную роль. Нет, все элементы Light of the Naam идеально сбалансированы и представляют собой единое целое: наставление к ежедневной практике, музыку для медитации (независимой от времени суток) или же просто изящный образец музыки для отдыха души и тела, выбирайте круг ее применения по своему желанию. Но не забудьте начать как-нибудь с этого альбома свое утро, и вы увидите, как день, независимо от погоды и времени года, становится светлым, освещаясь теплом вашей души и направляющей энергией замечательных женщин, подаривших нам это альбом. Превосходный релиз, впрочем, как всегда у Снатам Каур.

Дискография

2000 To Heaven and Beyond [with The Peace Family]

2002 Prem - Love

2003 Shanti

2004 Aadays Tisai Aadays

2004 Grace [with Guru Ganesha Singh]

2005 Celebrate Peace

2005 Mother's Blessing [with Prabhu Nam Kaur]

2006 Anand

2006 The Best of

2007 Amrit Vela: Sadhana Chants [with Tarn Taran Singh & Jai Jeet Sangeet Singh]

2007 Live In Concert

2008 Feeling Good Today

2008 Merge & Flow

2008 Joy Is Now [with Guru Ganesha Singh]

2008 The Best [with Guru Ganesha Singh]

2009 Liberation's Door

2010 The Essential - Sacred Chants for Healing

2010 Divine Birth

2011 Ras

2014 Light of the Naam - Morning Chants

Ссылки

http://www.snatamkaur.com/ – Официальный сайт

http://snatamkaur.ru/ – Русскоязычный сайт

Биография

«Элементы: Огонь, Вода, Воздух, Земля» Древнегреческие философы пролагали, что все вокруг состоит из крошечных частичек четырех стихий: земли, воды, огня и воздуха. Различия между вещами происходят от того, что соотношение этих частичек в предметах различное: в одних больше элементов огня, в других – воды, а в третьих – земли. Тем же обусловлены различия в душах людей: души одних людей пламенны, других – влажны, а третьих – воздушны.

В 2005 году известный композитор и пианист Peter Kater, лауреат премии Грэмми, выпустил на студии Real Music серию из четырёх альбомов Elements Series (серия «Элементы природы»), в которой каждый альбом посвящен одной из четырех стихий. Умиротворенная, трогательная, ласкающая слух – эта музыка идеально подходит для расслабления, сосредоточения, когда мы хотим прислушаться к внутреннему голосу.

Elements Series: Earth Священные ритмы Земли, выраженные в смене времен года, воплотились в утонченных мелодиях, исполненных композитором Peter Kater (фортепиано) вместе с Richard Hardy (разнообразные флейты) и Mike Hamilton (акустическая гитара). Сладкие звуки струн, легкая перкуссия, задумчивая тишина – все это найдет отклик в сердце. Вслушайтесь в сокровенные голоса Земли.

Elements Series: Water Кристально чистая, прозрачная, полная омолаживающих и придающих жизненную силу ионов, вода из ручья, бегущего меж скал, или из горного озера, или чистейшего океана. Этими мотивами и звуками наполнены задушевные фортепианные композиции Peter Kater, исполненные вместе с легендарным Paul McCandless (гобой, английский рожок) и Mike Hamilton (акустическая гитара). Прикоснитесь к воде – основе жизни.

Elements Series: Air Композиции этого альбома парят в небе всё выше и выше, вместе со звуками фортепиано (Peter Kater), бамбуковых и серебряных флейт (Richard Hardy), гобоя, кларнета, саксофона и свистулек (Paul McCandless). Пусть музыка лёгким ветерком увлечет вас в танец облаков.

Elements Series: Fire Огонь души, пробуждающий внутренние силы, страсти и чувства. Человек создан, чтобы искать и найти свет, возродиться из пепла и гореть звездой, даря тепло и освещая путь к высоким целям. Этот яркий и насыщенный альбом был создан композитором Peter Kater (фортепиано) совместно с Paul McCandless (гобой, английский рожок, свистульки, саксофон) и виртуозным скрипачом Ludwig Girdland. Их музыка перенесет вас туда, где нет ничего невозможного, в мир Вечного Солнечного Света.

Light Body Сложно не заметить, как наш мир день за днем меняется не в лучшую сторону, как растет в нем количество негатива, резко портится психическое и эмоциональное здоровье людей, многие из которых теряют иммунитет перед необратимыми потерями и сложностями. Но сложно и не оценить старания тех творческих личностей, которые всегда протягивают руку помощи, облекая позитивные и помогающие пережить сложные периоды жизни эмоции в форму подлинного, идущего от всей души искусства. Один из этих людей поклонникам музыки нью-эйдж точно не нуждается в представлении – на счету Питера Катера десятки альбомов, семь номинаций на Грэмми и искренняя любовь слушателей. Каждый его новый альбом – это повод для ожидания, и вот, наконец, это ожидание окончено, свет увидел диск Light Body, созданный Питером при участии известного музыканта Пол МакКэнлесса и вокалистки Триши Боуден, которая основала лейбл Mysterium Music для издания этого релиза. Остро чувствуя потребности современного слушателя, Питер ориентирует энергетические потоки своей музыки на борьбу с ежедневным стрессом, депрессией, психическими травмами и горем от утраты близких и родных. И, охватывая эти неприятные, но неизбежные темы, Катер одновременно задает мощный положительный настрой, ссылаясь на основные аспекты учения Нового Времени, которые гласят, что всех нас ждет Трансформация, Перерождение, открытие новых аспектов бытия и Вечность, в которой все проблемы могут быть решены, если все мы вместе приложим максимум усилий, развивая свою духовную сущность и просто помогая друг другу. Звучание альбома Light Body, в котором музыка использует в качестве карты семь чакр энергетического тела человека, очень спокойно, размеренно, оно идеально подходит для медитации и релаксации, не выступая только в качестве фона, но каждой своей мелодией прокладывая тропинку к сердцу слушателя, прикасаясь к душевным ранам и исцеляя их будто бы рукою ангела, тихий и неземной голос которого кажется таким похожим на голос Триши Боуден. Обитающая в мире теплых летних дождей, океанских волн и очаровательных закатов и астральных миражей музыка Катера дополнена благородным звучанием горна, мягкими полутонами романтичного саксофона и тонким пением этнических флейт, что усиливает позитивный эффект, возносит дух на невиданные ранее высоты и помогает поверить, что все будет хорошо, всегда и везде. И, пожалуй, главное достоинство этого прекрасного, воодушевляющего и очень красивого в своей близости к «иным» состояниям и мирам диска в том, что это ощущение не исчезает сразу после прослушивания, оставаясь со слушателем надолго. Превосходно.

Heart of the Universe [with Snatam Kaur] Минувший год был богат на интересные музыкальные события и релизы, которые не останутся достоянием только этих стремительно промелькнувших трехсот шестидесяти пяти дней, но займут достойное место в нашей памяти и наших сердцах. Совместный альбом двух величайших артистов нью-эйдж музыки нашего времени – одно из таких событий, мимо которого просто невозможно пройти мимо. На альбоме «Сердце Вселенной» свои силы, чувства и энергии объединяют виртуозный пианист, композитор и исполнитель Питер Катер и звезда киртана Снатам Каур. Для обоих музыкантов год был успешным и плодотворным – Катер выпустил отличный сольный альбом, принесший в его актив восьмую номинацию на Грэмми, «Вечерняя молитва» Каур и ее многочисленные живые выступления в разных уголках мира тоже были чудо как хороши и позитивны. Тем не менее, у этой пары хватило сил для записи этого великолепного альбома, где в поисках Бога, в потоках проникновенного света и божественного тепла объединились превосходный голос и духоподъемная музыка, которая может быть и изысканно нежной, и предельно романтичной, и будоражаще-экспрессивной. Музыка Питера, как всегда, идеально подходит для поиска в глубинах своей души уютного и комфортного уголка, где горит частичка непознанной и высшей энергии. Она, эта музыка, при всей своей легкости и простоте, просто не может оставить слушателя равнодушным. Прозрачный и изящный узор мелодии дополняют оркестровые аранжировки в исполнении Симфонического Оркестр Македонского Радио, придавая (наравне с гобоем, флейтами, басами и перкуссией) композициям поистине саундтрековый размах – но только в тех местах, где это нужно, всплески активности не рушат интимность и хрупкую красоту Heart of the Universe, сложенную не только из нот, но и из слов священных молитв сикхов, переведенных на английский язык и спетых Снатам. О ней и ее голосе я могу сказать только одно – если бы я снова был маленьким ребенком и смог выбирать (представим себе такую ситуацию) того, кто будет петь мне колыбельные, я бы определенно попросил об этом Снатам. Настолько ее голос кажется близким и каким-то даже родным. На Heart of the Universe этот голос поет о стремлении к Богу, о величественной любви, и о тех благословенных моментах, когда одного взгляда в глаза любимого человека достаточно, чтобы найти свое счастье. Ну, и конечно, об окружающем нас мире, огромном, непознанном, со своими темными уголками, но все же созданного Любовью и ею же наполненного. И знаете что? После прослушивания диска в это хочется верить. Да ладно, в это действительно веришь, когда под звуки музыки серые зимние облака пронзает луч света, заливая все вокруг своим сиянием. Когда простая на первый взгляд мелодия вдруг что-то сжимает и переворачивает в душе – мягко, аккуратно, но до слез, которые могут пролиться благодатным дождем искупления и прощения. Heart of the Universe — очень эмоциональный диск, его музыка словно принимает тебя в свои объятья и доверительно шепчет на ухо те самые слова, которые ты так хотел услышать все это время. И на перекрестках нот, в ослепляющем сиянии божественного света, вы легко почувствуете, как сердце Вселенной размеренно пульсирует внутри вас. Превосходный релиз.

Civil War – The Untold Story [with Bobby Horton] В этот раз я сознательно не привожу список композиций – достаточно знать, что их на этом диске сорок три и что все они связаны с Гражданской Войной в США. Совместный альбом Питера Катера и Бобби Хортона представляет собой саундтрек к новейшему (зрители Америки начали его просмотр в феврале, буквально на днях) документальному сериалу «Гражданская Война – Нерассказанная История», посвященная драматическим моментам противостояния Северной и Южной армий в период сражений на Западном театре военных действий. Известный своими фортепианными альбомами Катер сочинил несколько клавишных мелодий в характерной нью эйджевой манере – они получились лирическими и меланхоличными, а необходимую дозу драматизма к ним добавляют фирменные оркестровки, создающие уникальный эмоциональный пейзаж, на фоне которого разворачиваются драматические события, воплотившие в себе честь, мужество, радость победителей и горечь проигравших (и неоднозначные итоги этих чувств), но, главное – они рассказывают простые человеческие истории, которым безоговорочно веришь. Образы официальной исторической хроники и старые фото семейных альбомов действительно получились очень живыми и яркими – во многом это заслуга Хортона, выступающего в качестве историка народной музыки. Его стараниями второе дыхание получают фольклорные мелодии Юга девятнадцатого века, сыгранные на банджо и губной гармошке в окружении чуть шальных, веселых скрипок, религиозные гимны и песни, которые переселенцы принесли на американский континент из Ирландии. Есть здесь композиции, непосредственно связанные с историческими персонажами: так, гимн How Firm a Foundation (его фрагменты использованы во многих композициях альбома) был любимым произведением президента Эндрю Джексона, который попросил исполнять его, лежа на смертном одре, да и генерал Роберт Ли называл эту вещь в числе своих фаворитов. Нервную дрожь и эмоциональную встряску вызывают маршевые ритмы и эпические звуки симфонического оркестра, которые погружают слушателя в грохот канонады и приводят в пороховой дым первой линии атакующего войска, когда адреналин кипит в жилах и лишь миг отделяет от бесчестия или вечной славы. А госпелы, сочиненные когда-то на хлопковых плантациях рабами и спетые в наше время участниками Spirituals Project Choir напоминают о том, что одним из последствий этой войны стала отмена рабства. Это один из тех талантливых саундтреков, которые отлично воспринимается и без «картинки». Здесь есть эпичность и интимность, воплощение разрушительной силы войны и моменты, ярко демонстрирующие персоналии, обычных людей, пойманных в эту жестокую ловушку эпохи и обстоятельств. Настоящая симфония, сочиненная людьми, которые не только уважают и любят свою историю, но и стараются извлечь из нее важные уроки.

Ritual [with R. Carlos Nakai] Пианист Питер Катер и флейтист Карлос Накаи спустя десятилетие снова объединили свои силы для того, чтобы записать очередной шедевр нью-эйдж музыки – а в том, что Ritual, равно как и его предшественники, рано или поздно получит подобный статус, сомневаться не приходиться ни единой секунды. Этим музыкантам, видимо, суждено работать вместе: да и не работа это, а следование некоему древнему и могучему зову, услышанному однажды в одном из мест Силы, что разбросаны по Земле и о которых знают вековые старики, мудрые шаманы и те, кто не утратил связи с Матерью-Природой. В одно из этих мест и зовут за собой слушателей Питер и Карлос: когда медленно спускаются сумерки и в мир приходит тишина, когда серп луны занимает свое место на небе в окружении ярких звезд, тогда в этом особом месте собираются люди. Они обсуждают, обмениваются информацией, поют песни-молитвы на уже почти забытых языках. Их общение – это вечная миграция идей, образов, мыслей и воспоминаний, плетущих тонкое кружево того, что мы называем бытием. Среди этих людей – не только Катер и Накаи, в этом «Ритуале» на равных правах созидателей прекрасной музыки участвуют джазовая легенда Пол МакКендлесс, виолончелист Жак Мореленбаум и вокалистка Триша Боуден (которая также является главой лейбла Mysterium Music, специализирующегося на изданиях новых работ Питера). Нельзя сказать, что в каждой композиции ее создатели выступают на равных: здесь традиционно сильно разделение треков на типично «Катеровские», с превалирующими партиями пианино, которым флейта только подыгрывает атмосферным шепотом – и эти треки звучат эмоционально более насыщенно, они буквально заряжены энергетикой, проникающей целебными волнами прямо в душу, — и на «типичные» треки Накая, для описания которых правильно (за отсутствием точного русского словесного аналога) использовать оригинальное английское название – spiritual. Это реально музыка духа, чистое вдохновение памятью предков, силой природы и загадочной глубиной ночного неба, срывающееся деликатными звуками с деревянной флейты, вслед которым в небеса воспаряют распевные вокализы, а сам Карлос рассказывает длинные истории на родном наречии. Пианинные композиции порой представлены с грандиозным размахом, который дополняют виртуозные соло на саксофоне, гобое и виолончели, а порой несут в себе деликатность мягкого вечернего джаза, который легко представить себе где-нибудь в стенах уютного салона. И все-таки все эти звуки легко вырываются из всех стен, минуют все преграды и спешат сюда, в место Силы, призывая идти за ними следом и даря подлинное удовольствие, тотальное расслабление и мощный эмоциональный заряд, после которого хочется жить с новой силой. И пусть этот Великий Ритуал явно происходит в волшебное, ночное время – эта музыка, при всей своей медитативности — не для спящих, а для Пробуждающихся. Во всех смыслах этого слова. Прекрасный альбом.

Дискография

1984 Inside-Out

1986 Anthem

1987 For Christmas

1987 The Fool and the Hummingbird

1988 Gateway

1989 Moments, Dreams & Visions

1990 Natives [with R. Carlos Nakai]

1991 Collection 83-90

1991 The Season

1991 Rooftops

1992 Homage

1992 Migration [with R. Carlos Nakai]

1992 Skeleton Woman

1992 Coming Home

1993  How the West Was Lost [with R. Carlos Nakai]

1993 Spirit

1994 Pursuit of Happiness

1994 Two Hearts

1994 Honorable Sky [with R. Carlos Nakai]

1995 How The West Was Lost Vol.2 [with R. Carlos Nakai]

1996 Soul Nature

1996 Improvisations in Concert [with R. Carlos Nakai]

1997 Comparsion

1998 Discovery Channel Eco - Challenge

1998 The Dance of Innocents [with Nawang Khechog]

1998 Winds Of Devotion

1998 Song For Humanity - A Celebration Of Ten Years [with Carlos Nakai]

1999 Birds Of Prey

2001 Essence

2001 Heart's Desire

2001 Throug Windows All Walls [with Carlos Nakai]

2002 Inner Works

2003 Piano

2003 Red Moon

2003 Xmas Ecstasy

2005 Elements Series: Earth

2005 Elements Series: Water

2005 Elements Series: Fire

2005 Elements Series: Air

2006 10 Questions For The Dalai Lama

2006 Eco-Challenge - Music From Discovery Channel

2007 Faces Of The Sun

2008 Ambrosia

2008 Cloud Hands

2008 In A Dream [with Dominic Miller]

2009 Piano Christmas

2009 Walk in Beauty [with Joseph Firecrow]

2010 Call Of Love

2011 Spa Aqua Pura

2011 Spa Euro

2011 Spa Southwest - Music for Relaxation, Massage & Healing

2012 Heart of the Universe [with Snatam Kaur]

2012 Light Body

2013 Illumination

2014 Miracle

2014 Ritual [with R. Carlos Nakai]

2015 Elements Series - Etheria

2015 Heart of Silence - Piano & Flute Meditations [with Michael Brant DeMaria]

2015 Solo Piano Improvisations & Compositions Inspired by Love

2016 Heart of the World - Colorado's National Parks

2016 Inner Passion [with Tina Guo]

Ссылки

http://www.peterkater.com/ - Официальный сайт

Биография

Карунеш (Бруно Ройтер) родился в 1956 в Кельне. Обучаться музыке маленький Бруно начал с раннего детства. Став дипломированным дизайнером, он почувствовал, что это было не то, чего он действительно хотел в жизни. После серьезной автомобильной катастрофы, в которой он едва не погиб, он решил оставить работу. В течение двух недель, он находился между жизнью и смертью, и этот опыт стал началом его духовного пути. В 1979 он сделал первую поездку в Индию, где получил посвящение в легендарном уже ашраме Ошо (Бхагавана Шри Раджниша) в Пуне. Там же он обрел и новое имя, под которым его и будут отныне знать любители мистической музыки во всем мире – Карунеш.

С самых первых своих шагов Карунеш оказался в интересной и дружелюбной компании – в созданном Ошо Институте музыки параллельно с ним работали такие звезды new age, как Анугама, Гови, Дойтер, Шастро. Через несколько лет компания разошлась по разным студиями и фирмам, однако дружеские отношения между музыкантами сохранились и по сей день: создатели «музыки из мира Ошо» – неизменные участники (а иногда – и продюсеры) музыкальных сессий друг друга. Вернувшись в Германию, Карунеш жил в коммуне Раджниша в Гамбурге в течение пяти лет. Здесь он мог развивать свой музыкальный творческий потенциал в духовном окружении. Он познакомился со многими музыкантами со всех континентов и развивал способность к совмещению различных стилей от различных культур в единый симбиоз – симбиоз, который несет его собственный уникальный и личный стиль «мелодий сердца».

Чуть позже Карунеш перешел под крыло новорожденной студии Nihtingale Records, специальностью которой стал мягкий синтезаторный new age. В скором времени Карунеш становится одним из самых известных музыкантов студии, а его первые записи заинтересовали не только ценителей «эзотерической» музыки, но и ведущих разнообразных тренингов и групп. В России музыку Карунеша вы сможете услышать на любом эзотерическом тренинге, ее взяли на вооружение не только последователи Ошо, но и множество других, весьма далеких от учения Шри Раджниша групп. Звучание этнических флейт, нежных колокольчиков и современных синтезаторов сочетается на дисках Карунеша со звуками природы – журчаньем ручья, пеним птиц, таинственными звуками джунглей. Эти удивительные по красоте мелодии говорят с нами на универсальном языке духовности и света, он успокаивают и исцеляют организм, благотворно влияют на энергетику, они идеально подходят и для сеанса релаксации или медитации, и для создания «интимного» музыкального фона.

В 1984 Карунеш выпускает первый альбом «Звуки Сердца», альбом, который быстро стал классикой жанра нью-эйдж.  Карунеш становится одним из лучших исполнителей в этом жанре. С 1992 года Карунеш живет в Мауи, Гавайи. В теплых тропических объятьях этого острова он пишет музыку, которая создает красивую, исцеляющую и священную атмосферу  для  тела, души и духа.

Sounds Of The Heart Музыка покоя и умиротворения, мелодии неспешного пробуждения, когда открываешь глаза и видишь, как и утренний свет начинает постепенно проявлять предметы в комнате, и ты вдруг ощущаешь благоухание куста сирени, чей силуэт покачивается под дуновением слабого ветерка за светлеющим оконным стеклом.

Heart Chakra Meditation Этот диск, выпущенный в специальной серии Института Ошо, представляет собой готовый медитационный комплекс для гармонизации сердечной чакры. Эти удивительные по красоте мелодии говорят с нами на универсальном языке духовности и света, он успокаивают и исцеляют организм, благотворно влияют на энергетику.

Secrets Of Life Эти удивительные по красоте мелодии говорят с нами на универсальном языке духовности и света, он успокаивают и исцеляют организм, благотворно влияют на энергетику, они идеально подходят и для сеанса релаксации или медитации, и для создания «интимного» музыкального фона. В музыкальном отношении этот альбом представляет собой некий симбиоз восточных веяний и западной традиционной музыкальной культуры.

The Way Of The Heart Эти сердечные мелодии, наложенные на мягкие ритмы, будут сопровождать Вас в путешествии сердца: успокоение и расслабление, наполненное радостью и жизнью. Эта музыка позволяет Вам найти место вашего собственного внутреннего благосостояния. Это то место, которое мы помним с нашего детства, когда все было связано с простыми и ясными чувствами сердца.

Global Spirit Опираясь на собственный опыт медитации, Карунеш создал превосходный образец музыки spiritual ambient. В музыке присутствуют африканские, индийские, арабские мотивы. Карунеш использует все больше и больше аутентичного вокала, облекая его в полную мощной динамики ритмическую структуру, характерную для хорошей западной танцевальной музыки, что роднит его творчество с работами еще одного известного музыканта и продюсера – Oliver Shanti. Как и Шанти, он создает очень и очень добротную и красивую музыку, критиковать которую может лишь очень уж привередливый слушатель. Этот альбом понравится как тем, кто давно отдал свои симпатии нью-эйдж, так и тем, кто впервые хотел бы познакомиться с подобной музыкой – в данном случае этот альбом может стать превосходным подарком для дорогих Вам людей. Следует отметить, что в создании двух последних альбомов Карунеша принимали участие такие известные музыканты, как Anugama, Govi и Shastro, духовные «дети» Ошо Шри Раджниша, а так же превосходный таблист Daniel Paul – в альбоме Secrets of Life.

Zen Breakfast Однажды утром в Мауи президент компании Terence Yallop, с его философией даосов и Тай Чи, и Карунеш встретились, чтобы поговорить об своих надеждах и мечтах. Их встреча и дальнейшее творческое сотрудничество и положило начало для написания этого альбома. Zen Breakfast – это очень спокойная музыка, медленная, немного индийского вокала и ситара, традиционные для Карунеша колокола. Zen Breakfast гораздо более глубок и лиричен, чем предыдущие динамичные Secrets of Life, Global Spirit и медитативный Way of the Heart.

Chakra Sounds Одна из самых ранних и самых удачных медитаций из мира Ошо Раджниша. Музыка этой медитации проходит сквозь семь энергетических центров – от Муладхара до Сахасрара-чакры, каждой из чакр посвящен отдельный музыкальный отрывок. В спокойной музыке Карунеша используется многослойный вокал, открывающий и гармонизирующий чакры, помогающий медитирующему остаться наедине с музыкой. Медитация состоит из трех сессий, каждая из которых содержит по семь музыкальных отрывков, заключает медитацию пятнадцать минут тишины. В музыке используются флейты, клавишные, сантур, колокольчики, мягкая перкуссия. Один из лучших альбомов почакровой медитации, отлично подходящий также для отдыха, расслабления и умиротворения ума.

Call of the Mystic Услышанный однажды зов мистика коренным образом изменил жизнь Бруно Рейтера, приведя его в Индию, в ашрам Ошо в Пуне, дав ему новое имя Карунеш, открыв в нем призвание композитора, который может разговаривать с людьми на сакральном языке души. Может быть, на альбоме «Зов Мистика» пробудились воспоминания о том времени, пробившись сквозь привычные аранжировки чудными ростками традиционной индийской музыки, «прорости» которым помогли друзья музыканта, звезды new age и world music. Часто можно услышать упреки, что последняя декада творчества Карунеша однообразна и ничего, кроме набора сэмплов и ритмов из звуковых библиотек Spectrasonics и Native Instruments не содержит. Конечно же, это не так – да, композитор создает узнаваемую с первых же нот музыку, ритмы и перкуссионные конструкции кочуют по последним дискам в произвольной последовательности, но в данном случае слова «исписался» и «не делает ничего нового» совершенно не применимы. Да, For the Joy of It All начнется, как и многие другие треки Мастера, ласкающим слух звоном ветряных колокольчиков и резонирующим гулом поющих чаш, а чуть позже мы услышим знакомые диалоги флейты и кристально-прозрачных клавиш на фоне амбиентной электроники. Я мог бы назвать множество вещей Карунеша, которые звучат точно также со времен одного из главных его хитов, Call of the Tribes. Но, все равно, каждый раз, чувствуя, как сердце замирает в груди, когда звучит невероятно красивая и «привычная» музыка этого композитора, я понимаю: это не повтор, это сокровище, найденное в конце долгого духовного путешествия. Это истинное знание, дающее этому человеку возможность создавать сбалансированную музыку, в которой ничего не надо менять, чтобы не потерять это равновесие, уравнявшее человека и Вселенную. Ну а тем критикам, которые часто вспоминают о звуковых библиотеках и искусственности музыки Карунеша, ответят признанные во всем мире исполнители. Гови, привнесший средиземноморской романтики со своей гитарой, Чинмайя Данстер и его сарод, звуки которого переносят на берега Великого Ганга или на залитые солнцем склоны священной горы Кайлаш, и Бикрам, его бансури помогает решить Карунешу проблему «искусственности» партий духовых инструментов. Участие этих музыкантов и отточенная стилистика самого Карунеша создают в итоге практически идеальный альбом, с большой долей экзотических интонаций и теми универсальными гармониями, которые понятны каждому человеку. Потому что стоит только закрыть глаза и расслабиться, как перед внутренним взором, благодаря звукам этой музыки, проносятся яркие, живые картины, а душа наполняется искренней радостью и теплом того истинного света, к которому каждого из нас может привести Зов Мистика.

Enlightenment Бруно Ройтер, более известный под именем Карунеш – человек, безусловно, достигший просветления. Это может понять любой человек, кто хоть раз услышал его красивую и светлую, раскрашенную яркими экзотическими красками музыку. Теперь же этот классик нью-эйдж музыки подготовил специальный сборник своих любимых композиций (вошедших на его альбомы, изданием которых с начала нулевых занимался лейбл Real Music), вполне способных принести свет мудрости и радости и в вашу жизнь. Стиль Карунеша легко узнаваем с первых же нот, а новые композиции тут же всплывают в памяти более ранними произведениями. Пока многие суетливо спорят, хорошо это или плохо, Карунеш неторопливо плетет тонкие ажурные нити медитативных мелодий, запускает привычные слуху и телу гипнотизирующие ритмы, присыпая умиротворяющий покров музыки щепотками «восточных специй» – партиями индийской скрипки, флейты бансури, звуками ситара и сарода и красивыми мужскими и женскими голосами, возносящими свои молитвы и песни навстречу Богу. Безусловно, здесь многое используется автором по нескольку раз, но эти раз и навсегда соединенные вместе звуки и ритмы образуют тщательно сбалансированный порядок, когда, кажется, стоит убрать один из этих элементов – и все разрушится, красота музыки истлеет, а ее мистическая сила, способная изменить что-то в глубинах души, иссякнет. Мягкое облако тонко звенящих колокольчиков, умиротворяющий резонанс поющих чаш, плавно текущие волны электроники…Абсолютная гармония, объединяющая каждый раз все звуки и сэмплы в одно маленькое, но чудо – изящную и легкую композицию, которая, проводя слушателя то по площади перед древним храмом, стены которого еще хранят эхо загадок Дзен, то по бамбуковой роще, залитой светом и теплым дождем, неизменно показывает, что жизнь состоит из радости, а радость – это и есть жизнь. Прекрасный подарок Мастера своим поклонникам.

Colours of Light Тема «музыканты из мира Ошо и их влияние на развитие духовной музыки» объемна и многогранна. Тем не менее, верю, что однажды кто-то расставит все по своим местам и сможет, опираясь на давно ставшие классикой альбомы и мудрость Ошо, ответить на простой и, одновременно, сложный вопрос – что за знания простые европейские мужчины и женщины, пережившие ли, как Карунеш, страшную аварию с последующим посмертным опытом или просто услышавшие тихий зов в глубине своих сердец и последовавшие за ним в ашрамы и коммуны, получили из уст этого мистика? Что так раззадорило их творческое начало, дало такой толчок к развитию, что они, вернувшись обратно домой, фактически с нуля создали музыкальный жанр new age и сделали его безумно популярным среди самой широкой аудитории, в то время, как творения адептов других гуру в большинстве случаев так и оставались чем-то прикладным, «сугубо для своих»? Этот ответ наверняка можно найти и в этом альбоме («всего лишь» втором в дискографии Карунеша), и, думается мне, что заключен он в ощущении всеобъемлющей радости жизни. На дворе середина восьмидесятых, в немецкой студии Nightingale сидят одни будущие «звезды» — Deuter, Anugama, Shastro, Chinmaya Dunster, Kamal, и «перекачивают» свои знания и эмоции в музыкальные формы, задействуя передовые на тот момент технологии электронной музыки. Выросший во многом из new emotional music, издававшейся годами ранее на культовом лейбле Innovative Communications, альбом Colours of Light звучит ярко, очень позитивно искренне и немного наивно, автор уже формирует свой уникальный стиль, но еще смотрит по сторонам, его интересы широки, он черпает вдохновение и в восточных гармониях, перекладывая их на яркие, заводные ритмы, и в фэнтезийных произведениях. Поздняя медитативность Карунеша, полное равновесие его музыки, грандиозный микс культур с упором на пряные ароматы Индии – все это еще впереди, когда коллеги и друзья покинут Nightingale и станут творить собственные миры без оглядки на кого либо. Тогда Карунеш откроет богатые возможности сэмплирования, десятки звуковых библиотек и станет одной из ярчайших звезд жанра. А пока, полное ощущение, Colours of Light создает молодой человек, в сердце которого горит негасимый огонь истины и любви, позволяющий увидеть калейдоскоп ярких красок в самых привычных вещах, позволяющий радоваться белому песку на пляже, шороху волн, тихому дыханию ветра в лесной чаще, желтым страницам любимой книги и яркому солнцу, которое безвозмездно освещает путь перед нами и согревает нас своим теплом. В этом чудесном жизнерадостном настроении заключено великое обаяние этого альбома, который и спустя десятилетия легко дарит нам свои искренние и светлые эмоции. Классика new age, предназначенная не для позы Лотоса, а для более активных действий и движений.

Joy of Life К творчеству Карунеша за последнее время у некоторых слушателей, особенно тех, кто только открывает для себя его музыку, сложилось порой двоякое отношение. С одной стороны, не стоит избегать той темы, что многие его альбомы, начиная примерно с The Way of the Heart, звучат очень одинаково. Композиции строятся по единой схеме, из узнаваемых с первых же секунд фрагментов и сэмплов, среди которых поклонники выделили как наиболее часто повторяемые переливы колокольчиков, мягкие непрерывные ритмы таблы и характерный мелодизм немецкого композитора. С другой стороны, произведения Бруно Рейтера всегда стоило не столько слышать, сколько слушать, то есть не акцентировать внимание на технических вопросах и законах жанра, а становится сопричастным к этим лиричным и душевным посланиям мастера, приправленным экзотическими специями индийской музыки. При таком отношении творения Карунеша воспринимаются каждый раз в роли добрых знакомых, встреча с которыми всегда приятна и ожидаема, а время, проведенное в компании с ними, помогает почувствовать ту самую радость жизни, вынесенную в итоге в заглавие его очередного альбома. Хотя, признаться, некая схожесть релизов в какой-то момент начала выходить на первый план, затмевая собой интересные находки – видимо, и сам Карунеш это осознал, обратившись к своим друзьям, которые помогли ему записать Joy of Life. Признанный гений гитары Гови сыграл в нескольких композициях на ситаре и уде, внеся медитативный настрой классических индийских раг в пространство размеренных ритмов, живая энергетика которых позволит вам и замереть на месте, постигая тишину и безмятежность, и слиться с близкими людьми в экстатическом праздничном танце, объединяющем экспрессию рассвета и медленные движения закатного мира. В это пространство также вписано душевное пение бансури музыканта Бикрама (правы те мудрецы, которые считают, что с помощью этой флейты с нами говорит Бог), сарод Чинмайи Данстера, индийская скрипка Авинаша, который выступил здесь не только как приглашенный музыкант, но и как соавтор. Участие этих людей помогло наполнить Joy of Life жизнью в ее самых естественных и светлых проявлениях, движение ее извечных циклов вдохновляет исполнителей вести поиски истинного Я в новых, неизведанных местах (с привычных берегов Ганга и из тени высокогорных храмов мы переносимся и в пустыню Сахара, и в бамбуковые рощи Японии). А чтобы слушатель не потерялся на этом пути, Карунеш оставляет ему несколько приятных ориентиров – Longing for the Unknown звучит удачной попыткой повторить успех, пожалуй, самого известного хита Бруно Рейтера Punjab, да и песня Шрути кажется еще одним приветом из мира Global Spirit. Так что, это, безусловно, «еще один» диск Карунеша – но это очень классный диск, в котором объединяются усилия многих талантливых людей для того, чтобы вам, тем, кто возьмет в руки «Радость жизни», довелось в полной мере ее испытать.

Дискография

1987 Sounds Of The Heart

1989 Colours Of Light

1989 Sky's Beyond

1991 Heart Symphony

1992 Heart Chakra Meditation

1993 Beyond Body & Mind

1993-Osho Chakra Sounds Meditation

1996 Secrets Of Life

2000 The Way Of The Heart

2001 Silent Heart

2001 The Wanderer

2001 Zen Breakfast

2002 Nirvana Cafe

2002 Secret Of Life

2002 Silent Heart - A World of Sound & Silence

2002 The Very Best of 2CD

2003 Lifespring Innocence

2004 Beyond Heaven

2004 Call Of The Mystic

2004 Meditation Harmony

2005 Global Village

2005 Way of the Heart

2006 Joy of Life

2007 Global Spirit

2005 Way of the Heart

2007 Lifespring Spirituality

2007 World Compilation

2008 Enlightenment

2008 Greatest Hits 2CD

2008 Best of Meditative Compilation

2008 Best of Relax Compilation

2008 Heart Chakra Meditation

2009 Heart Chakra Meditation II

2009 Revelation

2010 Path of Compassion

2010 Beyond Time Compilation 1

2010 Dhadha Maat Babuni

2011 Enchantment

2012 Baby Massage

2012 Colors of the East

2014 Yoga Love

2015 A Journey to India

2015 Beyond Time

2016 Sun Within

Ссылки

http://www.karuneshmusic.com/ - Официальный сайт

Биография

Fridrik Karlsson (Фридрик Карлссон) – нидерландский гитарист. Творческая жизнь этого музыканта всегда была очень насыщенной. Получив образование в области классической и джаз-роковой гитары, он стал профессиональным музыкантом в шестнадцатилетнем возрасте.

Все началось с участия в группе Mezzoforte, возникшей в Рейкьявике в 1977 году и исполняющей музыку в стиле «фанки-фьюжн». Karlsson был один из ее создателей. Поначалу это была любительская студенческая группа, быстро завоевавшая популярность в своей стране. Затем группа перебазировалась в Лондон и постепенно приобрела более широкую известность. В 1990 году Fridrik Karlsson организовал новую группу аналогичного стиля Point Blank, куда вошли и некоторые бывшие члены Mezzoforte. Однако, далеко не всем известен тот факт, что у этого талантливого исполнителя есть и сольное творчество.

Fridrik Karlsson в 1996 году переезжает из родной Исландии в Англию и с тех пор вовлечен в различные проекты, включая гитарную партию в фильмах Evita (с участием Мадонны) и Phantom of the Opera (Призрак Оперы), а также в мировых бестселлерах – мюзиклах Jesus Christ Superstar (Иисус Христос – суперзвезда) и Saturday Night Fever (Лихорадка субботнего вечера). На телевидении Fridrik Karlsson принимает участие в аккомпанементе всемирно известных певцов и артистов, таких как Madonna, Jose Carreras, J.K. (Jamoriquay), Marty Pellow (Wet Wet Wet), Andy Williams, David Cassidy, Ronan Keating и Tom Jones. В это же время Fridrik является также гитаристом-резидентом нового TV-шоу X-Factor. Fridrik появился на различных альбомах и синглах Jose Carreras, Ronan Keating, Sheryl Crow, Will Young (UK popidole), Clay Atkin, Kelly Clarkson, Leann Rhimes, Cat Stevens and Ildivo.

Fridrik также известен как соавтор песен, наибольшее количество которых он написал для группы Mezzoforte. Кроме этого, он написал несколько популярных хитов, таких как Nighttime для исландских участников конкурса песни Евровидение-1993.

Fridrik записал песни для таких групп, как  N1+, Stjornin (в соавторстве с Johann Asmundsson), Model (в соавторстве с Gulli Briem), английская группа Shakatak (в которой он некоторое время играл на концертах), Gigabyte (в дуэте с Sigga из Heart 2 Heart) и многих других. В 1990 Frissi выпустил первый сольный альбом Point Blanc, к созданию которого он пригласил всех членов Mezzoforte наряду с Дэнни Готтлибом, Марком Игеном и Маноло Бадреной.

Fridrik проявляет огромный интерес к личному развитию и релаксационной практике, является обладателем сертификата Master Practitioner в NLP, Time Line Therapy и Hypnosis. Кроме того, он изучил индийскую науку Indian Ayurvedic подробно так же как Йогу, Reiki и древний Hawaian Huna. В 1996 Fridrik создал собственный лейбл River of Light Records, чтобы посвятить все свое свободное время любимой музыкальной практике в стиле New Age, которую он объединил в серию Feel Good Music Collection.

О группе Mezzoforte

Среди групп, начавших исполнять музыку стиля «фанки-фьюжн» вслед за ее создателями, нельзя не выделить Mezzoforte. Этот Mezzoforte – исландская фанк-, фьюжн-группа. Основана в 1977 году гитаристом Fridrik Karlsson и клавишником Eythor Gunnarsson. Коллектив возник в столице Исландии, городе Рейкьявик, в 1977 году. Поначалу это была любительская студенческая группа, быстро завоевавшая популярность в своей стране. В ее состав вошли: Fridrik Karlsson – гитара, Eythor Gunnarsson – клавишные, Johann Asmundsson – бас-гитара, Gunnlaugur Breim – барабаны, Kristin Svararsson – саксофон. Первое время их карьера строилась в Исландии, они подписали контракт с местной фирмой Steinar. Дебютный альбом Mezzoforte вышел в 1979 году и стал, по сути, первым исландским фанк-альбомом. Постепенно о группе Mezzoforte стало известно в ближайшей к ним Англии. Композиция Garden Party со второго альбома стала их первым хитом, попав в Британские Top-20 в 1983 году. Вскоре о группе узнали и в США, после того, как популярный трубач Herb Alpert наиграл свою версию этой мелодии. После того, как появился их следующий хит Rockall, группа перебазировалась в Лондон, постепенно приобрела более широкую известность, выступая на европейских фестивалях, разъезжая с гастролями. С Mezzoforte стали выступать вокалисты Chris Cameron и Noel McCalla. В 1990 году гитарист группы Fridrik Karlsson организовал новую группу аналогичного стиля Point Blank, куда вошли и некоторые бывшие члены Mezzoforte. Когда слушаешь записи этой группы, то не верится, что в этой крохотной островной стране, находящейся почти на Северном полюсе, могут так глубоко чувствовать то, пришло из недр черного этноса – музыку «фанки». На примере группы Mezzoforte еще раз становится ясно, что понятие «драйв» не связано с национальностью или расой, а также с климатическими условиями.

Дискография

1991 Point Blank

1997 River of Life

1998 Into the Light

1999 Hugar-Ro

2000 A New Day

2000 Mattur Hugans

2001 Harmony

2001 Good Morning

2001 Good Night

2001 Morgunn (Kvold) 2CD

2001 Total Wellbeing

2002 Harmonious Living

2002 Feng Shui

2003 Fullkomin Kyrrd

2004 Vellidan

2005 Tofrandi Andrumsloft

2006 Feng Shui

2006 Magical Atmosphere

2006 Magical Healing

2006 Modir og Barn

2007 Baby Love Well-Being

2007 Saeld

2007 Magical Relaxation

2007 Chillout Heaven

2007 Magical Crystals

2007 Magical Moods

2007 Magical Treatments

2007 Peace of Mind

2007 Total Balance

2007 Total Chillout

2007 Total Tranquillity

2008 Celtic Sunset

2008 Dream Away

2008 Magical Christmas

2008 Magical Relaxation

2008 Magical Spa

2008 Spiritual Fitness

2009 Pure Moods 2

2009 Tofrandi Jol

2010 Celtic Sunset

2010 Slokun og Vellidan

2012 Magical Moods

Mezzoforte

1979 Mezzoforte

1981 Octopus [i hakanum]

1983 Surprise Surprise [Thvilikt og annad eins]

1984 Observations

1984 Catching up with Mezzoforte

1985 Rising

1986 No Limits

1989 Playing for Time

1991 Fortissimos [Best of]

1994 Daybreak

1996 Monkey Fields

2003 The Very Best of Mezzoforte

2004 Forward Motion

2007 Anniversary Edition 2CD

2008 Live In Reykjavik

Ссылки

http://www.fridrik-karlsson.info/ – Официальный сайт

Биография

Камаль (Kamal) — это один из тех людей, которым современный нью эйдж по большому счету обязан своим существованием. Его музыка одновременно динамичная и успокаивающая, праздничная и задумчивая. Камаль начинал как классический гитарист, студент Музыкальной Консерватории Роберта Шумана. Классическая музыка сдерживала своими ограничениями. Камаль освоил бас-гитару и играл в джаз и рок-группах. В 1984 году он открыл для себя синтезаторы и секвенсоры и понял, что может производить сложные инструментовки и аранжировки, используя новую технологию.

Его первый альбом Silhouette был классикой New Age. Музыка, последовавшая за этой, может быть разделена на два основных стиля. В одном из них исполняются сочинения от медленных баллад до более живых народных мелодий.

Другой стиль, задумчивого размышления, стал хорошо известен среди целителей и врачевателей. Один критик, описывая музыку Камаля, охарактеризовал ее так: «Это прекрасный способ уйти от реальности, так как Камаль погружает нас в свой «очаровательный мир», где нам ничто не угрожает, и звук становится старым миром, в котором человек еще не выбрал свой жребий».

Надо сказать, что на Meistersinger Music Камаль успел выпустить одиннадцать альбомов, которые разошлись тиражом в несколько сот тысяч экземпляров. Он удостаивался многих наград, из которых стоить упомянуть престижную австралийскую Dolphin Award, присуждаемую австралийской Ассоциацией индустрии развлечений (Australian Entertainment Industry Association).

Quiet Earth К сожалению, большинство людей, живущих в мегаполисах, уже давно забыли, что такое тишина, вспоминая об этом «свойстве окружающего мира» только во время редких вылазок на лоно природы, туда, где цивилизация еще не раскинула свои бетонно-стальные сети. Немецкий композитор Камаль (имя которого навсегда вписало в ряды классиков new age музыки) в свое время из этих сетей успешно вырвался, переехав в Австралию, где теперь живет и работает с видом на океан на мысе Байрон. Так что, поверьте, он знает, что такое тишина и гармония, и знания свои успешно воплощает в красивой, мечтательной музыке альбома «Мир в тишине». Эта музыка – настоящее сновидение, неповторимый момент на границе реальности и мира грез, пойманный и преподнесенный слушателю с предельной аккуратностью истинного гения, полуденный сон которого состоит из зыбких, умиротворенных миражей, мерцающих на вспененном белыми барашками волн горизонте. Мягкие потоки электронного звука накатываются и неторопливо сменяют друг друга, «приземленные» клавиши ведут беседу с парящей на волне неуловимой мелодии флейтой, различные эффекты расширяют пространство композиции, насыщая ее приятными деталями – шумом волн, дуновением ветерка и самым первым, самым искренним смехом младенца. Раскинутая между холмов радуга, проносящиеся над головой белые громадины облаков, колыхание травы, сила прилива и материнское тепло океанических глубин. Эти и другие явления и ощущения, которые приходят на ум во время прослушивания, согласитесь, просты и даже обыденны, но без них трудно представить себе идеальное место для отдыха, невозможно услышать мир в первозданной тишине, несущей избавление от всего негативного. Пожалуй, это самый амбиентный и глубокий альбом в обширной (и обязательной к прослушиванию дискографии) Камаля. К тому же любители подобной музыки наверняка услышат в этих композициях отсылки к произведениям таких авторов, как Брайан Ино и Стив Роач, да и узнаваемое развитие одной из тем в Healing слушается знаком уважения к Вангелису и его знаменитому сочинению Memories of Green. Что же, в ряду этих мастеров Камалю самое место. Quiet Earth – идеальный диск для релаксации и визуализации, с каждым новым прослушиванием открывающий новые двери в мире вашей безграничной фантазии.

Zen Mama Конечно, дисков с музыкой для матери и ребенка выпущено великое множество, и среди них есть как явные шедевры, так и просто прикладные произведения. Тем не менее, владельцы лейбла New Earth Music еще в начале «нулевых» разработали оригинальную концепцию, призванную дать слушателям еще одну возможность почувствовать гармонию, которая связывает мать и ее дитя с самых первых дней зачатия, вспомнить состояния защищенности и комфорта, наполнявшие наши первые месяцы бытия. От разработки этой концепции до ее воплощения в жизнь прошло семь лет, но проект сдвинулся с места только тогда, когда Камаль услышал пение монахов из тибетского монастыря Гьюто. Под звуки песни Jis Pal Bhum Chung, которую уже 2500 лет поют, когда желают ребенку здоровья и долголетия, идея Zen Mama быстро обрела свое финальное воплощение и работа Камаля, уловившего тонкие взаимосвязи между гармонией мантр, голосами обитателей океана (который когда-то был утробой и колыбелью человечества) и легкой электронной музыкой, пошла быстрее и легче. Zen Mama начинается со звуков сердцебиения, проникающих сквозь кокон из мягких, расслабленных звуков и вибраций, плавно покачивающих маленького человечка на своих волнах. Первозвуки, бывшие когда-то для каждого из нас целой Вселенной, открывают путь к возвышенной гармонии, воплощенной в звучании мантр. Голоса монахов Гьюто действительно уникальны. Их резонирующее звучание и необычные, глубокие тембры погружают в особое медитативное состояние, а музыка Камаля, созданная при помощи поющих чаш и колокольчиков, воссоздает атмосферу горных храмов, где мудрецы постигают вечность тогда, когда начинают смотреть на мир глазами ребенка, открывая тайные грани бытия, скрытые за постоянными поисками ответов на вопросы, которые этих ответов совершенно не требуют. После получасовой глубокой медитации «Малютка Пуджа» слушатель переносится в мир мечтательной и красивой музыки Камаля, где клавишный орнамент оставляет следы на поверхности аморфного, текучего амбиента, растворенного набегающими океаническими волнами, в которых резвятся дельфины и горбатые киты. Их голоса, кажется, несут нам тоже послание, что и голоса монахов – послание радости, счастья и тепла, пожелание любви. Это искреннее пожелание должно сопровождать ребенка от первого движения в утробе матери до первого вздоха, и далее, через все радостные открытия и невзгоды, на протяжении всей жизни. А вариация на тему «Аве Мария» Чарльза Гуно выглядит гимном женщине, которая эту жизнь дает и оберегает. Чудесный и комфортный альбом, вершина творчества Камаля.

Mysterious Traveller Свой третий альбом немецкий композитор Камаль создавал под впечатлением от посещения различных живописных уголков планеты – солнечной Калифорнии, Гавайев, Австралии, которая чуть позже стала его новым домом. Наверное, из этой информации можно выделить главную особенность этой музыки – Камаль не старается передать атмосферу увиденных им мест (например, он не прибегает к использованию звуков природы, что для многих его коллег было бы логично), не стремится заставить нас увидеть промелькнувшие перед его взором красоты. Он просто делится своими впечатлениями, теми чувствами и ощущениями, которые остались у него в душе, он будто бы иногда посылает звуковые «открытки с приветами» тем друзьям, которых обрел в новых землях, но не открывает нам всех историй, предпочитая концентрировать внимание на эмоциональной составляющей музыки. Mysterious Traveller – работа уже зрелого мастера, за плечами которого несколько успешных дисков и поддержка друзей, таких же вдохновленных музыкантов, как и сам Камаль. А еще у него классическое музыкальное образование и сотрудничество с джазовыми и роковыми коллективами, где он выступал в качестве гитариста. Пригодившийся опыт нашел отражение и здесь, большинство мелодий («положенных» на характерные для начала девяностых электронные секвенции, запрограммированные в поисках того самого «грува») сыграно немцем на гитаре, которым вторят звонкие клавишные зарисовки и нежная романтика саксофона. Также один из его друзей, Джошуа, сыграл на бансури, флейте Пана и других духовых инструментах, обеспечив необходимый, но, повторюсь, здесь не преобладающий, экзотический колорит, который, однако, добавляет много ярких красок в искрящиеся светом и наполненные теплом работы Камаля. В плане синтезаторных аранжировок нельзя не отметить выбранную ориентацию на стилистику таких коллективов G.E.N.E. и Dancing Fantasy, наверняка Камаль был знаком с их альбомами, вышедшими на несколько лет раньше. Также иногда, но чуть менее заметна увлеченность музыкой Китаро. Но персональных наработок у Камаля все-таки больше, и он активно развивает именно свое звучание – романтическое и позитивное, с узнаваемыми лирическими гармониями, которые легко услышать и опознать. Для тех, кто ищет схожие эмоции в наше время, альбом Mysterious Traveller, который отметил свой двадцатилетний юбилей, должен стать настоящим подарком. В дальнейшем Камаль начал создавать глубокие медитативные произведения, основанные на духовных и целительных практиках и для них же в большей мере предназначенные – здесь же мы имеем возможность насладиться более динамичной музыкой (но также прекрасно подходящей для отдыха и релаксации), заряженной радостью жизни.

Papillon Уже одно название диска (papillon переводится с французского как бабочка) настраивает на легкость и ожидание чего-то радужного и яркого. Так оно в итоге и получилось – легко, ярко и позитивно. На своем десятом альбоме (если не считать сборники с музыкой из мира Ошо и коллекцию лучших вещей композитора, увидевшую свет в 1993 году) Камаль, двигаясь вперед как музыкант и расширяя границы своего индивидуального звучания за счет разнообразия этнических сэмплов, одновременно и вспоминает о своем прошлом, когда он был гитаристом в джазовых и рок группах. В результате у него получается колоритный фьюжн, где племенные ритмы и экзотические инструменты гармонично уживаются на одной территории с романтическим smooth jazz’ом, в котором заглавную партию может взять на себя акустическая гитара и саксофон. Здесь есть два практически эталонных джазовых хита – While You Were Gone и Over the Hills & A Wish Away, композиции очень лиричные, чувственные и превосходно аранжированные. Некоторые треки легко напомнят о ранних электронных релизах Камаля, а также о творчестве его коллег, Анугамы и Карунеша – с последним автор Papillon решил «породниться» с помощью звуков флейты в заглавной композиции, которые звучат очень уж в духе работ Бруно Рейтера. Темпераментный ремикс на этот хит выполнен в манере Deep Forest и тоже содержит узнаваемые этнические голоса и напевы, также как и Manjuh, построенный на знаменитой вокальной партии, из которой пару лет спустя продюсеры из Wisehand сделали свой самый знаменитый и единственный хит. Возвращаясь же непосредственно к Камалю, хочется отметить еще несколько треков с этого альбома – романтический и нежный Song of My Cloud, который композитор посвятил своей жене Гате (в буклете он называет ее белым весенним облаком, которое парит в его небе), заводной The Rhythm of Life и изящно закрывающий этот диск Between the Lines, исполненный на пианино, что для Камаля, в принципе, не свойственно. В целом альбом получился и ровным, и универсальным: хотите – танцуйте и радуйтесь жизни, древние, как мир ритмические основы к этому вполне располагают, а хотите – медитируйте и отдыхайте, или же дарите эту красивую музыку своим любимым, украшая ею ваши свидания тет-а-тет.

Интервью

Каким образом Вы пришли к идее создания нового альбома «Shamanic Healing»? Каковы основные идеи и концепция этого альбома?

Основная идея этого альбома родилась при встрече с Бхиккху (Bhikkhu) и Вадудой (Waduda) из компании «New Earth Records», когда мы завели разговор о том, чтобы сделать альбом о музыке для целительства. Вначале мы намеревались сделать альбом музыки для лечения по системе «рейки», но затем мы захотели включить в него и шаманскую музыку для медитации.

Почему Вы покинули немецкий лейбл «Meistersinger Music» и стали сотрудничать с «New Earth Records»? («New Earth Records» – компания, издающая new age и world-музыку, первоначально располагалась в Германии. Затем перебазировалась в Колорадо, США.)

Я покинул компанию «Meistersinger Music», так как во время работы на этом лейбле меня обманули в общем счете на большую сумму.

Какие музыкальные инструменты и оборудование Вы используете?

Я использую полный спектр оборудования: AKAI MPC3000, EMU e6400, KORG M1R, Alesis QS8, ROLAND JD990, Korg P-55, Korg Trinity Rack, Roland JP8000, Roland D70, Alesis D4, Yamaha TX816, Roland VS880, Cubase, Soundforge, Mackie 32/8/4/2, Lexicon PCM90, Sony R7, Sony HR, Boss SE-50, t.c.Finalizer. Я играю в основном на клавишных, бас-гитаре, акустической гитаре, перкуссии. Также я часто приглашаю музыкантов, которые играют на бамбуковой флейте, сякухати, скрипке и саксофоне.

Каковы Ваши личные музыкальные вкусы и предпочтения?

Я люблю world-музыку, фанк, поп и авангардный эмбиент.

Когда Вы начали сочинять и исполнять музыку?

Сочинять и исполнять музыку я начал в 1985 г., когда была изобретена система MIDI. Много лет я играл в Пуне на даршанах с Ошо (даршан – беседа Мастера с учениками). Я принимал участие в записи практически всех альбомов «Музыки из мира Ошо».

Какое у Вас образование, где Вы учились?

Я изучал электронику и музыку в Дюссельдорфе, Германия, и работал звукорежиссером в Государственном театре в Билефельде (Bielefeld), Германия. Затем я начал сотрудничество с фирмой «Meistersinger».

Кто повлиял больше всего на Вашу музыку и почему?

Я вырос на разнообразной музыке. Родители привили мне любовь к классической музыке, братья – интерес к джазу. Сначала я был поклонником «Биттлз», потом появились группа «Emerson, Lake And Palmer», «Jethro Tull», потом «Genesis» и «Tears For Fears», джаз-рок, так много всего! Я люблю музыку, которая сильна мелодически и эмоционально. Ритм очень важен для меня, хотя часто бывает трудно вплести его в музыку нью эйдж, не сделав ее при этом слишком агрессивной.

Откуда Вы родом?

Я родился 18 апреля 1956 г. в городе Билефельд (Bielefeld), Германия.

Пожалуйста, расскажите о Вашем пребывании в Пуне (Индия), в Ашраме Мастера Ошо.

Я принял Саньясу в 1982 г. и приезжал в Ашрам почти каждый год после того, как он был вновь основан в Пуне. Я бывал также и на Ранчо в США (Ранчо, или Раджнишпурам – коммуна Ошо, которая была организована в Орегоне в начале 80-х.), но в то время для меня было слишком дорого приезжать в Штаты и находиться там долго. Последний раз я побывал в Пуне в 1991 г. после смерти Ошо. Я играл на клавишных в Будда-холле, когда было объявлено о его смерти. Я последним покинул зал и пришел на кремацию Ошо.

Видели ли Вы Ошо, общались ли Вы с ним? Есть ли у Вас какие-либо связи с Ашрамом в Пуне сейчас?

Я никогда не общался с Ним лично. Но однажды я получил его взгляд как подтверждение того, что я исполнял для него музыку. Сейчас я не приезжаю в Пуну. У меня много текущих дел, а в Ашраме теперь, на мой взгляд, слишком много политики и денег.

Как долго продолжалось Ваше пребывание в Индии? Каковы Ваши впечатления от этой страны? Сколько раз Вы были в Индии?

Я люблю дух Индии. Я побывал в Гоа (Goa) и Махабалешва (Mahabaleshwa). Прекрасные места! Но Пуна слишком грязна. Даже в 1991 году надо было надевать на рот марлевую повязку, если надо ехать по городу. И она становилась черной через 15 минут! Такая загрязненность.

Расскажите, пожалуйста, о Ваших встречах в Пуне с другими музыкантами «из мира Ошо», такими как Дойтер (Deuter), Прем Джошуа (Prem Joshua), Карунеш (Karunesh), Харипрасад Чаурасья (Hariprasad Chaurasia) и другими. Поддерживаете ли Вы дружеские отношения с кем-то из них, и, может быть, сотрудничаете с ними в работе над какими-либо проектами?

Мы хорошие друзья с Дойтером, Джошуа и Карунешем. Джошуа принимал участие в записи некоторых моих альбомов, также мы много выступали вместе в Пуне, Мюнхене и Италии. Дойтера я, в основном, знаю по пребыванию в США. Я несколько раз встречался с Харипрасадом, и мы играли вместе на Сатсангах (Сатсанг – встреча Мастера с учениками).

Приходилось ли Вам писать музыку для медитаций Ошо, и для каких конкретно?

Я сделал программу «Into Silence» для Медитации «Nadabrahma». Я хотел назвать свою программу «Nadabrahma» и предложить ее как новую версию музыки для этой Медитации. Но Ашрам этого не захотел, и нам пришлось назвать ее иначе.

Как Вы сотрудничали с Ошо, когда создавали эту музыку?

Он просто был там, за два метра от нас, сидя в своем кресле. Он ничего не делал, и музыка приходила сама по себе!

Пожалуйста, скажите несколько слов об идее альбома «Blue Dawn», посвященного Ошо, и работе над ним.

Я сделал «Blue Dawn» после того, как провел много времени в Ашраме и каждый день исполнял музыку для Ошо. Этот альбом был во многом вдохновлен энергией Даршанов в старой Аудитории Чжуан Цзы (Tuang Tzu Auditorium), где Ошо сидел всего лишь на расстоянии вытянутой руки от меня. Это было очень вдохновляюще!

Каково Ваше настоящее имя?

Мартин Энгельс (Martin Engels).

Были ли у Вас какие-либо совместные проекты с Карунешем? Сотрудничаете ли вы сейчас (и каким образом)?

Мы работали вместе в Германии на студии «Nightingale». Но мы не выпускали каких-либо альбомов вместе.

Что значит для Вас Ваша музыка? Что Вы хотите передать Вашим слушателям своей музыкой?

Я считаю, что музыка оказывает существенное исцеляющее воздействие, как на психику человека, так и на его физические недуги. Музыка гармонизирует энергию тела, ума и сердца. Музыка, которую создаю я, отражает то, что необходимо привести в равновесие и исцелить во мне самом. И она входит в резонанс с другими людьми, которые нуждаются в таком же лечении и гармонизации. Я хочу создавать для людей положительные вибрации, помогать им расслабляться и наслаждаться жизнью. Я хочу оставить им выбор – либо слушать музыку внимательно, либо просто позволить ей звучать на заднем плане. Так что я хочу сделать нечто среднее: создавать музыку, которую достаточно интересно слушать, но не слишком агрессивную, которая требовала бы вашего внимания.

Каковы Ваши интересы и увлечения в жизни?

Я люблю пляж и природу. Люблю читать научную фантастику. Люблю путешествовать. Я преподаю курс саморазвития, который называется «Аватар» (AVATAR). У меня прекрасная, замечательная жена, которую зовут Гата (Ghata).

Мы слышали, что Вы много путешествуете. Какие места понравились Вам больше всего?

Я люблю то место, где я живу сейчас, – Австралию. Это одно из самых красивых мест на Земле. Я люблю США за динамику жизни, шум и природу. Я люблю Германию за весну и осень. Францию – за людей, язык и багеты. Италию – за пищу и старые дома.

В каком месте Австралии Вы живете сейчас?

Я живу в Байрон Бэй (Byron Bay), самой восточной точке Австралии. Здесь удивительный субтропический климат и самая изумительная природа, которую только можно вообразить! Я живу примерно в трех минутах ходьбы от пляжа. Возле пляжа всегда проплывают дельфины, часто можно плыть рядом с ними, находясь всего лишь в двух-трех метрах. Сейчас у нас сезон китов. Киты мигрируют из теплых северных вод со своими новорожденными детенышами к Антарктике. Они проплывают через нашу бухту каждый год в сентябре. Иногда, нырнув, можно услышать их голоса и песни, и часто видишь, как они вдалеке пускают фонтаны, прыгают и резвятся.

Расскажите, пожалуйста, о Ваших концертах, что были в последние годы.

В прошлом году я не давал концертов. Я выступал только на некоторых Сатсангах для Саньясинской Общины здесь, в Байрон Бэй.

Где Вы предпочитаете создавать и записывать музыку?

В моей домашней студии.

Каковы Ваши творческие планы на ближайшее будущее?

Я работаю над новым альбомом для компании «New Earth Records». На ней также выйдет мой альбом «Mystery Road» в декабре 1999 г.

Каких философских и религиозных взглядов Вы придерживаетесь?

Всего того, что способствует ответственности, любви и истине.

Каков Ваш духовный поиск?

Кто есть я?

Каковы долгосрочные цели Вашей жизни?

Я нахожусь в последнем семилетнем цикле жизни, когда энергия направлена на существование. В этот период я определю свое место в музыке, сделаю как можно больше, создам материальную основу жизни для себя и моей жены. А затем…

Что бы Вы хотели пожелать читателям нашего издания?

Когда вы принимаете ту точку зрения, что все существующее – это часть вас, что все, кто живет, – это часть вас, что любое суждение, которое вы делаете, – это суждение о себе, любая критика, которую вы признаете, – это самокритика, вы мудро распространите на себя ту безусловную любовь, которая будет светом вашего мира.

Дискография

1987 Silhouette

1988 The Quiet Earth - Silent Morning

1989 Blue Dawn

1991 Classics For Love

1991 In Wonder

1992 Mysterious Traveler

1993 The Quiet Earth – Dusk

1993 Collection

1993 Into Silence

1993 Osho Chakra Breathing

1994 Mistral

1994 Shadow of the Pines

1995 Reiki

1997 Papillon

1999 Shamanic Healing

2000 Mystery Road

2001 Reiki: Whale Songs

2005 Reiki Whale Dreaming

2008 Quiet Earth

2008 Whale Meditation

2010 Reiki Healing Mind

2010 Zen Mama [with Gyuto Monks of Tibet]

Ссылки

http://www.newearthrecords.com/web/pc/kamal2_NER.asp - Англоязычный сайт

Биография

Prem Joshua – мульти-инструменталист и композитор, пионер World-музыки. Родился в Германии. Некоторое время жил в ашраме Ошо. Ясная и отчетливая канва, которую выводит ситар (а иногда и саксофон), которую обвивают бамбуковая флейта и которой задает драйв табла, порой санскрит и суфийские стихи дополняют узор, который выводят соло инструменты. Не обошла Према и западная транс музыка. Синтезаторы добавляют мощь и драйв многим композициям и даже альбомам музыканта.

Сейчас Прем Джошуа – №1 по популярности музыкант в стиле World Music в Индии. Газета The Times of India назвала его новым гуру фьюжн. В 2003 году БиБиСи номинировала его на престижную премию World Music Listeners Award. Родившись в музыкальной семье в Германии, Джошуа начал заниматься игрой на флейте в пять лет. Подростком он выступал в различных рок, джаз и фьюжн группах, как флейтист и саксофонист. Однако его музыкальная неудовлетворенность и духовные поиски толкнули его в сторону культуры Индии. Он живо помнит, как услышал индийскую музыку в первый раз в 16 лет-пластинку исполнителя на ситаре Рави Шанкара: «Я никогда не слышал ничего подобного. Это выходило за рамки мною изведанного, нечто удивительно красивое и глубокое и в то же время навевавшее что-то очень хорошо знакомое». Этот новый опыт полностью изменил его восприятие музыки. Таким образом, в конце 70-х в возрасте 18 лет он покинул дом, бросил школу, свернул свои карьерные планы и поехал из Европы в Индию, следуя своему порыву.  Когда он прибыл в Индию, у него возникло ощущение узнавания, как будто он приехал домой! Однако это прибытие было как бы внешней стороной путешествия. Он встретил просветленного мистика Ошо. В присутствии этого человека с длинной белой бородой, глазами, глубокими как океан, и с сильным чувством юмора Джошуа постиг искусство «внутренней музыки» – Тишины. «Это было, как возвращение домой! Последующие годы я только и делал, что находился рядом с этим человеком, глубоко медитировал и играл, играл, играл. Здесь я нашел духовную и музыкальную пищу и удовлетворение, которого я искал. Я начал играть с музыкантами со всего мира и стал учиться у некоторых отличных индийских музыкантов, среди которых маэстро Устад Усман Хан, который стал моим учителем ситара».

Годами позже, в начале 90-х, когда Ошо Раджниш покинул эту землю, Джошуа вернулся на Запад после многих лет обучения в Индии. Он и его музыка совершенно изменились. Настало время реализации своих идей. На настоящий момент он выпустил 15 альбомов. Джошуа организует концертную группу Terra Incognita. Они выпустили 2 альбома на лейбле New Earth Records: No Goal But The Path (1991), Tribal Gathering (1992). В течение следующих 4 лет были выпущены 4 альбома, но уже под собственным именем: Tales Of A Dancing River (1993), Hamsafar (1994), Desert Visions (1995), Secret Of The Wind (1996). В 1998 году он выпустил альбом Mudra на своем лейбле. Вместе с голландским клавишником Манишем де Мур он создает необычное новое звучание, соединяя элементы транс-музыки с акустическим и мелодичным звучанием индийских инструментов. Альбом немедленно становится любимцем у поклонников World Music And Asian Anderground.

Затем последовал более спокойный «тантрический» альбом Sky Kisses Earth в 1999. Dance Of Shakti (2000) – снова более драйвовый альбом при участии датского студийного кудесника Риши. Легкие элементы drum’n’bass и транса сплелись со звуками индийских акустических инструментов и древних санскритских мантр. В 2001 он и его музыкальный соратник Маниш Вьяс выпустили свой первый совместный альбом после 15 лет сотрудничества. Water Down The Ganges – это коллекция треков с более медитативным и акустическим привкусом. В 2003 году вышло сразу 2 альбома, созданных духе Lounge, Ambient And Remix. Оба альбома представляют фирменный саунд Джошуа более широкой аудитории: Shiva Moon – Remixed By Maneesh De Moor, Dakini Lounge – Remixed. В 2004 году в альбоме Yatri он снова возвращается к истокам – к акустическому звучанию индийских инструментов. Этот альбом посвящен Индии, музыкальное выражение любви неиндийца к этой стране, передача сущности индийской музыки более доступным языком. Неудивительно, что «Ятри» оценили как поклонники Джошуа, так и любители индийской музыки в целом. В 2005 и 2006 годах Prem Joshua выпускает новые альбомы Ahir (2005) и Taranga (2006).

Дискография

1991 Terra Incognita - No Goal But The Path

1993 Terra Incognita - Tribal Gatering

1993 Tales Of A Dancing River

1994 Hamsafar

1995 Desert Visions

1997 Secret Of The Wind

1998 Mudra

1999 Sky Kisses Earth

2001 Dance Of Shakti

2001 Yoga Alive [with Chinmaya Dunster, Niladri Kumar, Hans Christian]

2002 Water Down The Ganges [with Manish Vyas]

2003 Shiva Moon

2004 Best of vol. 1

2004 Best of vol. 2

2004 Dakini Lounge [remixed]

2005 Yatri

2006 Ahir [with Chintan]

2006 Taranga

2008 In Concert [with Band]

2010 Luminous Secrets [with Band]

2014 Kashi - Songs from the India Within [with Chintan]

Ссылки

http://www.premjoshua.com/ - Официальный сайт