Биография

Сын France Pejot и Maurice Jarre, Жан-Мишель Жар (Jean-Michel Jarre) появился на свет в Лионе 24 августа 1948 года. С детских лет он жил в мире музыки, его дед – изобретатель одного из первых звукоснимателей для проигрывателей виниловых дисков, а его отец Морис Жар, начиная с пятидесятых годов, сочинял музыку к фильмам, ставшим впоследствии известными и популярными во всем мире. В 1953 году родители Жан-Мишеля разводятся, и Морис Жар покидает семью, чтобы поселиться в Соединенных Штатах.

В пять лет Жан-Мишель начинает учиться игре на фортепиано. Параллельно с занятиями в школе он берет уроки гармонии, контрапункта и фуги у Jeannine Reuff в консерватории Парижа. Атмосфера шестидесятых годов повлияла на то, что он прогуливал уроки в школе, а явление англо-саксонской музыки заставило его играть на электрогитаре в группах-однодневках. Вместе с группой Mystere IV он выиграет первый приз Le festival de rues de Paris. Оставив филологию, Жар продолжает учиться музыке. В 1968 году он входит в Groupe de recherche musicales, возглавляемую Pierre Schaeffer. Там он открывает для себя сольфеджио, охватывающее совокупность всех звуков, окружающих нас. Тогда же он, еле сводя концы с концами, начинает оборудовать свою собственную студию звукозаписи и приобретать электронные инструменты, несмотря на финансовые трудности.

В 1969 году Жар становится автором электроакустической пьесы Happiness Is A Sad Song, написанной в «Группе музыкальных исследований» для Дома культуры Реймса. В том же году он сочинит La Cage и Erosmachine, две небольших инструментальных пьесы для магнитоальбома. Его стиль сформировался, его принадлежность к электронной музыке становится очевидной. Его творческий путь начинается там, где заканчивается у многих композиторов. По случаю установки нового потолка в L’opera de Paris Жар становится руководителем балета, названного Aor. Первый раз электроакустическая музыка вошла в зал L’opera de Paris. Aor – это музыка, состоящая из семи частей, сопоставленных цветам радуги. Жан-Мишель Жар станет самым молодым исполнителем, выступавшим в этом престижном зале. Вопреки мнению критики Aor будет исполнен 17 раз. Это была первая подобная попытка после двух других балетов: Dorian Gray Norbert'a Schumcki и Le Labyrinthe Joseph'a Lazzini. В 1971 году выходит его первый альбом Deserted Palace, который заинтересует нескольких эксцентриков.

Жан-Мишель Жар продолжает исследовать все средства выразительности. Он пробует писать музыку к фильмам (Les granges brulee) и к заставкам телепередач. Он также сочиняет для радио RTL, фоновую музыку для аэропорта Orly, а также для рекламы Nestle, Pepsi-Cola. Он также активно сочиняет для многих певцов и является залогом успеха многих из них в семидесятые годы. Жар пишет для Christophe, Francoise Hardy, Gerard'a Lenorman и больше всего для Patrick'a Juvet. Такие песни, как Les mots bleus, Senorita и Ou sont les femmes? будут приняты людьми всех возрастов, и публика признает их одними из самых красивых песен.

Между тем, эти сотрудничества не отдаляли Жара от его экспериментальной работы. Жан-Мишель тогда же решает броситься с головой в то, что он по-настоящему любит – электронную музыку. Так он сочиняет Oxygene. Любопытно, что перед тем, как он вышел, ни один издатель не заинтересовался этой музыкой. Но Francis Dreyfus был очарован этой музыкой. Человек, который открыл для Франции David'a Bowie и Pink Floyd, возьмет Жара под свое крыло. Он верит в успех. Звукозаписывающие компании, отказавшиеся издать альбом, кусали локти. Oxygene покорит весь мир, многократно станет «золотым» диском, он займет первую строчку в хит-парадах всего мира. Тогда же Жан-Мишель Жар будет выбран человеком года в Соединенных Штатах журналом People. Жан-Мишель сочинил настоящую электронную симфонию, далекую от повторяющейся, безжизненной и бесчувственной, как у Kraftwerk, музыки. Синтезаторы здесь приобрели душу и совершили переворот в синтезированной музыке, которая тогда ограничивалась лишь набором шумов и грубых звуков, в ней не было поэзии. Жан-Мишель переносит нас к новым звуковым пейзажам, наполненным чувствами. Главная часть альбома Oxygene: part 4 будет использована в заставках многих телевизионных передач. В 1981 этот альбом послужит музыкой к австралийскому фильму Gallipoli Peter'a Weir'a. На сегодняшний день продано 12 миллионов копий Oxygene! Также в 1976 году родился первый ребенок Жара, Emilie.

Следующий его альбом Equinoxe достигнет успеха в 35 странах, будет продано 7 миллионов экземпляров. Благодаря этому альбому Жар получит мировое признание. 7 октября 1978 года он свяжет свою судьбу с английской актрисой Charlotte Rampling. От их брака родился сын David. Жан-Мишель Жар также станет создателем концепции Les Villes En Concert. 14 июля 1979 года Париж был парализован первым концертом Жара. В тот вечер 1 миллион любопытных зрителей собралось на Place De La Concorde, чтобы увидеть этот концерт. Жар в первый раз войдет в «Книгу рекордов Гиннеса» за наибольшее количество зрителей на концерте под открытым небом. После принцип мега-концертов был использован Rolling Stones, U2, Pink Floyd и многими другими.

Les Chants Magnetiques, следующий альбом, вышедший в 1981 году, так же принес Жару большой успех. Он войдет в десятку наиболее продаваемых альбомов в Европе и станет многократно золотым. В октябре 1981 года Жан-Мишель Жар улетает в Китай для серии из 5 концертов. Это событие, не имевшее места прежде: западный артист не выступал в этой стране после смерти Мао. На переговоры с властью ушло 2 года. На концертах в Китае Жар добьется успеха благодаря тонкому объединению национальных китайских инструментов с синтезаторной технологией. Столкновение двух культур. Жар вернется из Китая с единственным разрешенным к экспорту правительством мотоциклом с коляской. Альбом, последовавший за этой поездкой, станет одним из самых богатых в дискографии Жара.

В 1983 году он встретился с группой художников, которые организовали выставку в универмагах. Эта выставка включала живопись и скульптуру, но им не хватает музыки. Они попросили известного музыканта сочинить музыкальное оформление к выставке. Жар согласился. Этот тридцатиминутный альбом будет готов после трех месяцев экспериментирования. Во время работы над этой музыкой Жар сравнивает свой будущий альбом с картиной или скульптурой: каждая вещь уникальна. Так он решает изготовить диск в единственном экземпляре и выставить на продажу. Чтобы сделать свой поступок более зрелищным, Жар уничтожил все матрицы на глазах у судебного исполнителя. После использования на выставке Musique pour supermarche была продана на аукционе в гостинице Drouot 6 июля 1983 года за 70 000 французских франков, это самый дорогой альбом, проданный на территории Франции! Собранные деньги были отданы молодым художникам. В тот же день Жар отправляется на радио RTL и дает разрешение проиграть альбом целиком в первый, последний и единственный раз в мире. Жар завершит свой поступок, бросив в прямом эфире по радио «Попробуйте скопировать!» Этот провокационный поступок останется единственным в истории дисков.

Zoolook выйдет в 1984 году и в очередной раз приведет в восторг всех поклонников Жара. Музыкант не попадет в ловушку повторений, ему удастся обновить свою музыку. Этот новый альбом прославляет человеческий голос – наиболее совершенный инструмент. В новых произведениях звучат слова многих языков мира, измененные и по-новому окрашенные волшебными синтезаторами музыканта. В записи альбома участвовали Laurie Anderson, Marcus Miller, Yogi Horton и Adrian Belew.

Следующий этап в творчестве Жара отмечен реализацией его одного из самых амбициозных проектов. NASA заказала у него концерт, чтобы отметить свое двадцатипятилетие и стопятидесятилетие штата Texas. Все было готово для большого праздника. Rendez-vous Houston должно было поразить весь мир новинкой: музыкой, сыгранной и записанной в космосе. Космонавт Ron McNair должен был исполнить на саксофоне одно из произведений прямо с борта космического корабля Challenger. Оба музыканта репетировали до конца. Было предусмотрено все: изображение должно было передаваться с корабля и проецироваться на одно из зданий, переделанное в гигантский экран. К несчастью, Жан-Мишель Жар потеряет своего друга при взрыве корабля. Весь мир ужаснулся этой трагедии. Концерт в Хьюстоне будет воспринят как дань уважения всей Америке. Шесть месяцев спустя Жан-Мишель реализует свою давнюю мечту: сыграть в Лионе, его родном городе. Концерт был приурочен к приезду папы Иоанн-Павла II. Концерт в Лионе совпал со временем, когда Францию захлестнула волна террора. Концерт чуть не отменили. Но зеленый свет был дан после мобилизации служб безопасности. Rendez-vous Lyon оставит яркий след в памяти благодаря звуку лазерной арфы и хора.

Жан-Мишель Жар никогда не был равнодушен к глобальным проблемам человечества. Альбом Revolutions станет его криком против ужасов апартеида. Жар еще раз сталкивает культуры. Диск будет посвящен Dulcie September, одной из жертв апартеида, убитой в Париже 28 марта 1988 года. Однако выход диска будет отмечен цензурой! Причина? Арабское пение в Revolution, revolutions. Франция переживала время террористических актов. Этот альбом также станет поводом для нового концерта в Лондоне, в старом порту Docklands, одном из самых мрачных мест английской столицы. Концерт прерывался несколько раз, поскольку шел под дождем, который повредил часть инструментов. В конечном счете, англичане увидели два концерта, 8 и 9 октября. Магия Жара совершилась в очередной раз. Старые кварталы вновь обрели жизнь под дождем и предстали перед восхищенными глазами 200 000 зрителей.

В мае 1989 года по случаю столетия Эйфелевой башни Жар, нарушив традицию своих масштабных концертов, подарил Железной даме мини-концерт продолжительностью около 20 минут, транслировавшийся по Mondovision. В 1989 году Франция также отмечала двухсотлетие своей революции, и это был идеальный повод для такого артиста, как Жан-Мишель Жар. У него была идея концерта в Лионе, в квартале Minguettes, пережившем немало горячих событий, являющимся символом быстрой урбанизации. Этот квартал должен был быть разрушен для того, чтобы расчистить место под строительство новых домов. Жар придавал большое значение охране окружающей среды и решает дать концерт в этом месте, прямо перед перестройкой, таким образом он решил отметить революцию, но не прошедшую, а грядущую. Однако организационные проблемы помешали осуществлению проекта. Все еще в 1989 году Жар организует большую выставку. «Концерт изображений» прошёл в «Фотографическом зале Парижа» с 6 июня по 17 сентября. На этой выставке были представлены фотографии с концертов, начиная от площади Согласия и до Лондона. Посетители также могли поиграть на знаменитой лазерной арфе и послушать пре-версию альбома En attendant Cousteau.

В 1990 году Жар соглашается сочинить музыкальную тему для компании «Лионские воды». Он перерабатывает одно из своих первых произведений и сочиняет Remanance, которая на самом деле представляет собой одну из версий Calypso 2. 14 июля Жар устраивает новый необыкновенный концерт под аркой Обороны. Пирамидальная сцена была установлена точно на прямой между аркой Обороны и Триумфальной аркой. На концерте присутствовало 2,5 миллиона человек, новый мировой рекорд для бесплатных концертов. Это шоу совпало с выходом нового альбома Жара En attendant Cousteau. Для его записи Жар привлек лучший ансамбль ударников из Тринидада Amaco renegades. Этот альбом посвящен Кусто, борцу за охрану природы. Кусто для Жан-Мишеля является одной из самых уважаемых личностей во Франции и в мире. Французский музыкант станет одним из известных людей, подписавших знаменитую петицию Кусто. Эти два великих человека будут сотрудничать в 1992 году в «Палаване, последнем убежище». В этот документальный фильм войдут лучшие вещи Жара и музыка, специально сочиненная для фильма.

Число проектов музыканта увеличивается, и они начинают сливаться. 11 июля 1991 года Солнце встретилось с Луной. Жан-Мишель Жар работал над Concert de l'?clipse, который должен был длиться в течение всего этого события. Шоу должно было состояться в городе Teotihuacan (Мексика), а сцена должна была быть установлена перед Пирамидой Солнца. Но многочисленные проблемы (помехи, недостаток насыпи, крушение в Атлантическом океане корабля с оборудованием) помешали артисту поставить этот спектакль. Жан-Мишель называет это время периодом разочарований в его творчестве. 1992 год станет одним из самых загруженных для Жан-Мишеля Жара. 21 марта он становится на один день главным редактором журнала Figaro. Он готовит небольшое лазерное шоу во Дворце съездов Парижа (Le Palis des Congr?s de Paris) в пользу обездоленных детей, но этот проект, в конечном счете, не будет реализован. Для того чтобы отметить факт продажи 100 миллионов наручных часов в течение 8 лет, фирма Swatch попросила Жара поставить мега-спектакль в городе Zermatt. Вопреки обыкновению он не участвовал в концерте, поскольку вся музыка будет проиграна с жесткого диска. Это позволило Жару больше сконцентрироваться на визуализации шоу. Во время этого большого праздника Swatch представит прототип, первые наручные часы с музыкальным боем. Так родились часы Swatch MusiCall. Тему боя сочинил Жан-Мишель Жар. Ее, впрочем, можно услышать в Chronologie. Швейцарская компания станет партнером Жан-Мишеля во время его турне Europe en concert.

Этот год очень пышно закончится в Южной Африке, куда Жар был приглашён, чтобы отпраздновать открытие дворца «Затерянный город». Так же, как и в предыдущем спектакле, живого концерта не было, Жар записал концерт заранее на кассету. Зато на своём первом концерте в Южной Африке Жар настоял на участии местных музыкантов. Совместно с Cedric Sampson он переработал свои произведения, чтобы достичь атмосферы южноафриканских ритмов. Volcanic dance был сочинен Жан-Мишелем специально для южноафриканских ударников. В 1993 году Жан-Мишель ЖАР был избран посланником доброй воли ЮНЕСКО (UNESCO). Его цель – дать серию концертов в стратегических для ЮНЕСКО местах. Его новый альбом «Хронология» выйдет 23 мая 1993 года. Первый сингл «Хронология 4», стремительно ворвется во французский хит-парад и сразу же займет первое место. Этот новый альбом станет поводом для серии концертов. Первый раз Жан-Мишель уезжает в турне по Европе. «Европа в концерте» – это 15 концертов в 7 разных странах. С июля по октябрь Жан-Мишель осветит гору святого Михаила, стадион «Уэмбли», Брюссель, Барселону и даже Версаль. Турне принесет большой успех, собрав около 660 000 зрителей.

После нескольких месяцев отдыха Жар еще раз отправится к берегам Китая. Его пригласят для организации церемонии открытия нового стадиона в Гонконге. Это был его второй визит в Китай. В том же 1994 году планировался еще один концерт, но, в конце концов, он был отменен. Концерт должен был состояться 18 июня на Рейнштадионе (Rheinstadion) Дюссельдорфа, в Германии. Новый амбициозный проект Жан-Мишеля Жара был связан с празднованием года терпимости и пятидесятилетия ЮНЕСКО. Первый Concert pour la tol?rance состоялся в 1995 году в Париже, у подножия Эйфелевой башни. Этот спектакль реализует давнюю мечту Жан-Мишеля: увидеть Железную даму, изменившуюся в цвете. На концерте будет присутствовать 1 200 000 зрителей, новый успех. Первоначально другие «Концерты за терпимость» должны были пройти в других символичных местах: Бейруте и Атланте, городе Мартина Лютера Кинга. К несчастью, единственный концерт у Эйфелевой башни завершит проект. В следующем году Жан-Мишель ЖАР совместно с Министерством культуры Франции открывает свой первый сайт в Интернете «Пространство за терпимость». Его официальный сайт www.jeanmicheljarre.com откроется в 1997 году. 20 лет спустя после мирового успеха «Кислорода» Жан-Мишель ЖАР возвращается к истокам, записывая продолжение – «Кислород 7-13». В этот раз он смешивает синтезаторы той эпохи и новой технологии. «Кислород 7-13» займёт самые высокие позиции в европейских хит-парадах, его лучшая позиция – 2-ое место в Австрии.

Этот новый альбом послужил поводом для новой серии концертов. Вопреки концепции «Городов в концерте», когда архитектура города служила декорацией мега-спектакля, Жан-Мишель решит провести свое турне в залах. Он объяснит своё решение желанием играть перед небольшим числом зрителей и желанием усилить контакт с публикой. Oxygen indoor tour прошёл в Европе с мая по июнь. Вторая часть турне прошла во Франции в течение октября. Вопреки этому «закрытому» туру, Жар не порвал с большими концертами и принял приглашение мэра Москвы, Юрия Лужкова, участвовать в праздновании 850-летия русской столицы. Концерт проходил перед МГУ, зданием в 400 м длиною и 250 м высотою. В ходе спектакля на фасад университета проецировались кадры из истории Москвы. Одним из незабываемых моментов концерта была связь с космонавтами, находившимися на борту космической станции «Мир». Московские власти оценили количество зрителей Oxygen in Moscow в 3,5 миллиона человек! Такого скопления народа в Москве не было со времен похорон Сталина в 1953 году!

В 1998 году состоялось большое спортивное событие – Кубок мира по футболу, прошедший во Франции. Жан-Мишель будет участвовать в своей манере в этом большом празднике. Кроме Appolo 440, сделавшего ремикс – Rendex-vous '98, Жар сотрудничает с Tetsuya Komuro, известным в Японии артистом, они вместе сочиняют гимн следующего Кубка мира 2002 года, который пройдет одновременно и в Японии, и в Южной Корее. Эта композиция, названная Together now, порывает с традиционной музыкой Жара, поскольку он напишет песню со словами на английском языке, исполненную японкой. Музыка очень стремительна, и очень трудно узнать почерк Жара. Он также примет участие в церемонии закрытия Кубка мира во Франции, это будет новый концерт у подножия Эйфелевой башни. Никто не видел прежде подобного шоу. La nuit electronique стала грандиозным вечером техно, где вместе с Жаром на сцене играли самые известные представители этого жанра: Аполлон 440, DJ Cam, Тецуя Комуро, Claude Monnet, Resistence D, Trigga и KDD. Каждый из них исполнил ремиксы на произведения французского композитора, своеобразное «живое» продолжение альбома ремиксов Odyssey Through Oxygen. Несмотря на присутствие 600 тысяч зрителей, «Электронная ночь» не будет принята публикой. Зрители начали покидать Марсово поле уже после одного-двух часов концерта. Жан-Мишель ЖАР понял, что публика была озадачена этим концертом, он скажет, что у него было желание сделать что-то другое.

Последнее представление Жара в 1998 году состоялось на выставке Apple по случаю выпуска нового компьютера iMac. Это шоу, происходившее в зале, было приурочено к 50-летию электронной музыки. Но концерт был насыщен, прежде всего, различными визуализациями. Все изображения, проецировавшиеся на экран, были трехмерные, чтобы зрители могли оценить эти эффекты, им перед началом концерта были выданы специальные очки. 2000 год, без всякого сомнения, является началом нового этапа в творчестве Жан-Мишеля Жара. В ночь с 31 декабря 1999 года на 1 января 2000 года он исполнил оперу у подножия пирамид Египта, озаглавленную 12 r?ves du Soleil. Как всегда все прошло с большим размахом: бюджет в 9,5 млн. долларов, 1000 артистов (танцоров, певцов, музыкантов) и 10 тон пиротехнических веществ. Hosni Moubarak, президент Египта, присутствовал на концерте, который транслировался на весь мир. Концерт продолжался до первых лучей Солнца в 9 часов утра. Новый альбом также явился новым начинанием. Озаглавленный Metamorphoses, этот новый диск является экспериментальным в плане работы над звуком и не имеет ничего общего с предыдущими альбомами. Жан-Мишель Жар уходит от своих музыкальных традиций и чисто коммерческих проектов – «Хронологии» и «Кислорода 7-13» – чтобы возвратиться к экспериментам со звуком – путь, которым он шел в 80-х годах. Выход «Метаморфоз» был отмечен небольшим представлением Жан-Мишеля Жара в парижском кафе Man ray cafe, принадлежащем Johnny Depp. Жар – самый известный французский композитор и самый продаваемый: на сегодняшний день продано около 60 миллионов его дисков.

Интервью

Jean-Michel Jarre: Making the Steamroller Fly

Жан-Мишель Жарр: Помню, когда я был подростком, я был абсолютно очарован выставкой французского художника-абстракциониста по имени Пьер Соллаж. Она проходила в Музее современного искусства в Париже. Мне было 14 или 15 лет, и я был глубоко впечатлен его картинами, которые все были черно-белыми, и представляли собой чистые структуры и уровни, без сюжета, без цветов. Когда я впервые познакомился с синтезатором, я понял, что впервые в истории музыки композитор может манипулировать звуками и частотами так, как это делает живописец с красками. Начинал я со всего, что только мог приобрести, будь это магнитофон или радиоприемник. Одну из своих первых записей я сделал именно с помощью старого радио. Я переключился на диапазон коротких волн, записывал все эти странные электрические звуки, играл с ними. Когда я начал играть в рок-группе, я и там занимался тем, что использовал и микшировал электронные звуки различного происхождения. Группа наша была довольно «панковой». Я смешивал звучания электрогитары, флейты, электрооргана со странными электронными звуками. Запись можно было замедлить, ускорить, пустить наоборот, в общем, все то, что сегодня в электронной музыке используется весьма часто.

Френсис Дрейфус, продюсер: Когда я в первый раз пообщался с молодым человеком по имени Жан-Мишель Жарр, я, в общем-то, мало что понял из того, что он говорил, но одно я понял тогда определенно, а именно то, что синтезатор – это не просто электронный прибор, гаджет. Жарр убедил меня, что к концу столетия синтезатор станет полноправным музыкальным инструментом.

Жан-Мишель Жарр: Звучание альбома Oxygene во многом обусловлено моим вынужденным минималистичным подходом к записи музыки. Поэтому и сама концепция альбома была минималистичной, она построена на идее взаимодействия стихий: океан, который бьет волнами по скалам, ветер, который склоняет деревья в лесу. Химия природы, вот что вдохновляло меня. Природа, выраженная в звуке.

Френсис Дрейфус: Если честно, я не очень верю в возможности электронной музыки. Но когда мы говорим о Жарре, это совсем другая история.

Артур Кларк, писатель-фантаст: Не помню точно, когда я впервые познакомился с музыкой Жарра, но зато точно помню, что это были его альбомы Oxygene и Equinoxe. Не знаю, как он сам отнесется к этому факту, но именно эти первые два альбома до сих пор остаются в числе моих самых любимых.

Жан-Мишель Жарр: Для меня действительно странно то, что в 60- и 70-е годы электронная музыка воспринималась только в связи с научной фантастикой. Она использовалась в большинстве фантастических фильмов. Я никогда не считал, что такая связь обязательна. Выдающееся исключение из этого правила – это фильм «2001. Космическая одиссея». Ведь это – не только фильм, это что-то вроде визуальной оперы. Он очень сильно повлиял на меня.

Артур Кларк: Мне приятно знать, что он получил заряд вдохновения от «2001». Я, в свою очередь, благодарен ему за вдохновение, которое получил я. Когда я писал роман «2010. Космическая одиссея-2», я часто включал музыку Жана-Мишеля.

Жан-Мишель Жарр: Мой первый концерт в Париже (14 июля 1979, на Площади Согласия) был первым воплощением идеи объединить электронную музыку и визуальные образы. Я и сам еще точно не знал тогда, чего я хочу. Но я знал, что есть нечто объединяющее между местом, в котором проходит концерт, его архитектурой, общим окружением. В некотором смысле, все это перекликается с французской традицией представлять музыку на открытом пространстве, вне стен, и сопровождать ее некой визуальной концепцией.

Френсис Дрейфус: Я помню, как я находился тогда на сцене вместе с Жаном-Мишелем, за два часа до начала шоу. Мы стояли за синтезаторами, мы были скрыты за ними. Потому что на сцене находилось огромное количество синтезаторов. И вот, Жан-Мишель наклонился над одним из них и говорит мне: «Смотри, смотри! Что это?» Я посмотрел, и, хотя я был убежден в том, что такое невозможно, я увидел, что на Елисейские Поля словно кто-то пролил огромное чернильное пятно, которое стремительно расширяется. Жан-Мишель вновь спросил меня, что это. А это была огромная толпа собирающихся зрителей. Мик Джаггер тоже был там. Я слышал, как он потом разговаривал с Жаном-Мишелем, и как он сказал что-то вроде: «Ну, парень, я такого в жизни своей еще не видывал!» Мы были приятно польщены, конечно, ведь это говорил сам Мик Джаггер, большой человек!

Жан-Мишель Жарр: Каждый альбом обладает своей спецификой. Но альбомы Oxygene и Equinoxe, благодаря аналоговому звучанию, благодаря тому, что я работал с инструментами буквально физически, осязаемо, занимают особое место. Еще таким же особенным альбомом является Zoolook. Ведь он основан на голосовых и вокальных сэмплах. Я пригласил Лори Андерсон, потому что я люблю ее творчество. Мы с ней решили, что было бы интересно создать язык, слова которого не обладали ли бы каким-либо смыслом, в котором есть только чувства. Я объездил много стран, записывая голоса. И я смешал их так, как во время записи смешивают звуки инструментов. Oxygene и Equinoxe были первой иностранной музыкой, которая звучала в эфире китайского радио (В 1981 году концерт транслировался по китайскому радио (полмиллиарда слушателей) – мировой рекорд радиоаудитории концерта западного исполнителя).

Шарлотта Рэмплинг, актриса, жена (теперь уже бывшая): Первый концерт в Пекине был экстраординарным. Он проходил на очень большом стадионе. На него пришли в основном чиновники, политики, военноначальники. И никто не аплодировал. Они вообще сидели бесшумно.

Жан-Мишель Жарр: После этого концерта мы решили сами купить билеты. Скупить все билеты было нетрудно, это обошлось нам всего в несколько сотен долларов. И мы все эти билеты раздали молодым ребятам, на улицах. Так что на второй концерт собрались уже НАСТОЯЩИЕ зрители. И это было что-то необыкновенное. Это было все равно, что выступать на другой планете, на Марсе, или на Луне. Китайская аудитория – самая отзывчивая из всех, которые я знаю. Во время концерта в Шанхае они в буквальном смысле подбрасывали друг друга в воздух. Так, как бросают мячи! Во всем этом было какое-то поистине бразильское безумие.

Жан-Мишель Жарр (о концерте в Хьюстоне в 1985 году): Агентство NASA предложило мне создать проект к 25-летию Космического Центра имени Линды Джонсона. У нас родилась идея установить связь с космосом, с астронавтами. Первым астронавтом, с которым я познакомился лично, был Брюс МакКандлесс, отважный человек, который первым в мире вышел в открытый космос, будучи не присоединенным к космическому кораблю. Он предложил участие своего друга, Рональда МакНэйера, который как раз готовился к следующему полету. Рон раньше был джазовым музыкантом, он играл на саксофоне. Мы решили, что я напишу музыку специально для него, и он затем исполнит ее в условиях космической невесомости. Я помню, как раз незадолго до взлета, Рон позвонил мне и сказал: «Все готово, увидимся на следующей неделе, смотри по телевизору наш старт». Но случилось так, что корабль Challenger взорвался. Это был ужасный удар для меня. Мы собирались отменить концерт. Но мне позвонил МакКандлесс. Он сказал, что мне нельзя этого делать, потому что этот концерт должен будет посвящен памяти всех погибших астронавтов.

Артур Кларк: Концерт состоялся. Соло на саксофоне исполнил другой музыкант (Kirk Whalum). Он играл очень эмоционально. Вообще, эта пьеса – одно из самых трогательных музыкальных произведений, которые я знаю.

Жан-Мишель Жарр: Я навсегда сохраню в своем сердце память о Роне, его улыбку.

Жан-Мишель Жарр: Моя мама во время войны была участницей Сопротивления. Но она никогда подробно не рассказывала об этой борьбе. Немцы трижды вызывали ее на допросы, а затем она была отправлена в концентрационный лагерь.

Франс Пежо (France Pejot (1914-2010)), мама: Жан-Мишель часто расспрашивал меня о годах войны, однако я очень мало рассказываю об этом. Он очень интересовался тем, что я пережила. Потому что об этом можно было бы написать целый роман.

Жан-Мишель Жарр: Среди знакомых моей мамы была одна очень неординарная женщина.

Франс Пежо: Она получила наследство и открыла джазовый клуб. Клуб назвали «Кот-рыболов» (Le Chat Qui Peche). Он очень быстро стал лучшим джазовым клубом в Париже.

Жан-Мишель Жарр: Я часто, по выходным дням, приходил в этот клуб вместе с мамой. Там я открыл для себя джаз. Я помню, как на мой день рождения, когда мне исполнилось 10 лет, для меня играл трубач Чэт Бейкер. Он усадил меня на крышку пианино и играл прямо передо мной. Даже сейчас, когда я рассказываю об этом, я все еще ощущаю дыхание его трубы у своей груди. Джаз подарил мне понимание того, что сама музыка может быть содержательной. Музыка без слов.

Жан-Мишель Жарр: Мой отец (композитор Maurice Jarre) в начале своей карьеры был перкуссионистом. Он играл музыку для одной из театральных трупп. Затем он стал сам писать музыку, саундтреки к фильмам, и тогда он переехал в Лос-Анджелес. В детстве я был вполне счастливым ребенком, полным энергии, однако некая печаль всегда была со мной. Думаю, одной из причин этого было отсутствие рядом отца. Я не видел его с тех пор, как мне исполнилось пять, вплоть до восемнадцати лет. Я все понимаю, я полон уважения, я очень ценю его музыку, однако что-то между нами все же было разрушено навсегда.

Франс Пежо: Когда Жан-Мишель уже много лет серьезно учился музыке, он присоединился к группе музыкальных исследований, которой руководил Пьер Шаффер. Именно он познакомил Жана-Мишеля с синтезаторами.

Жан-Мишель Жарр: Пьер Шаффер открыл для меня то, что единственная разница между шумом и музыкальным звуком заключается в твоих намерениях. Любой звук может стать музыкой. Стук молотка по столу, стук дождя по окну, шум проезжающей машины. Все зависит от контекста, в который ты включаешь эти звуки. И тогда они могут стать музыкой.

Записано по документальному фильму Making the Steamroller Fly.

Перевод: Андрей Гирный.

Дискография

1971 La Cage [single]

1972 Deserted Palace

1976 Oxygene

1977 Oxygene 2 [single]

1978 Equinoxe

1978 Equinoxe Part 5 [promo]

1979 Equinoxe 4 [promo]

1979 Equinoxe 4 [single]

1981 Magnetic Fields

1981 Magnetic Fields (part 4) [single]

1982 Orient Express [single]

1982 Souvenir of China [single]

1982 The Concerts in China 2CD [live]

1983 Music for Supermarkets

1983 Musik aus Zeit und Raum

1983 The Essential

1984 Zoolook

1984 Zoolook [maxi-single]

1985 The Essential 1976 - 1986

1986 Rendez-Vous

1986 Rendez-Vous 4 [remix]

1987 In Concert Houston-Lyon [live]

1987 Rendez-Vous II Houston [single]

1987 Rendez-Vous Lyon [single]

1988 London Kid [with Hank Marvin] [remix]

1988 London Kid [with Hank Marvin] [remixed]

1988 London Kid [with Hank Marvin] [single]

1988 Revolutions

1988 Revolutions [single]

1989 Jarre Live [live]

1989 Oxygene [maxi-single]

1990 Calypso [maxi-single]

1990 Paris La Defense

1990 Waiting For Cousteau

1991 Images - The Best of [Disques Dreyfus]

1991 Images - The Best of [Polydor]

1991 Zoolook - Oxygene VI [remix]

1993 Chronologie

1993 Chronologie 2 [single]

1993 Chronologie 8 [remix]

1993 Chronologie Part 4 [promo]

1993 Chronologie Part 4 [remix]

1993 Chronologie Part 4 [remixes]

1993 Chronologie Part 4 [single]

1994 Chronologie Part 6 - Slam & Gat Decor Remixes [remix]

1994 Hong Kong 2CD [live]

1994 Rarities

1995 Jarremix

1995 Rarities 2

1997 Chronologie [remastered]

1997 Cities in Concert Houston-Lyon [remastered]

1997 Complete Oxygene 2CD [limited edition]

1997 Images - The Best of [remastered]

1997 Oxygene 7 [remix]

1997 Oxygene 7 [remixed]

1997 Oxygene 7 [single]

1997 Oxygene 7-13

1997 Oxygene 8 [extended remix]

1997 Oxygene 8 [promo]

1997 Oxygene 8 [remix]

1997 Oxygene 8 [remixed]

1997 Oxygene 8 [remixes]

1997 Oxygene 8 [single]

1997 Oxygene 10 [remix]

1997 Oxygene 10 [remixed]

1997 Oxygene 10 [single]

1997 Oxygen in Moscow [promo]

1997 Rarities 3

1997 Revolutions [remastered]

1997 Waiting for Cousteau [remastered]

1997 Zoolook [remastered]

1998 Electronic Night [with Tetsuya TK Komuro] [live]

1998 Odyssey Through O2

1998 Oxygene 10 [remix]

1998 Oxygene in the Ghetto [remix]

1998 Rendez-Vous 98 [with Apollo 440] [remix]

1998 The Singles Collection '98

1998 Together Now [with Tetsuya TK Komuro] [remix]

1999 C'est La Vie [feat. Natacha Atlas] [remixed]

1999 C'est La Vie [with Natacha Atlas] [remix]

1999 The 12 Dreams of the Sun

2000 C'est La Vie [promo]

2000 Metamorphoses

2000 Metamorphoses [promo]

2000 Tout est Bleu [promo]

2000 Tout Est Bleu [remix]

2000 Tout est Bleu [remixed]

2001 Interior Music

2001 Rendezvous in Space

2002 Sessions 2000

2003 Aerology [promo]

2003 Geometry of Love

2003 Les Granges Brulees [soundtrack] [remastered]

2004 Aero

2004 Aerology - Remix by Neimo [promo]

2004 Aerology - Remixed by Paul Hartnoll [promo]

2004 Aerology [promo]

2004 Jarre in China [live]

2004 The Essential

2005 Solidarnosc Live [live]

2005 Space of Freedom

2006 Printemps de Bourges 2002 [live]

2006 Sublime Mix

2007 Oxygene - Live in Your Living Room [live]

2007 Oxygene - New Master Recording

2007 Re-Oxygene

2007 Teo & Tea

2007 Teo & Tea [single]

2007 Vintage [remixes]

2011 Essentials & Rarities 2CD [remastered]

2014 Cities in Concert Houston-Lyon [remastered]

2014 Destination Docklands - The London Concert [remastered]

2014 Equinoxe [remastered]

2014 Magnetic Fields [remastered]

2014 Oxygene [remastered]

2014 The Concerts in China 2CD [remastered]

2015 Conquistador [single] [with Gesaffelstein]

2015 Electronica 1 - The Time Machine

2015 Essential Recollection

2015 Glory [single] [with M83]

2015 Remix EP [1] [with friends]

2015 Rendez-Vous [remastered]

2015 Watching You [single] [with 3D (Massive Attack)]

2015 Zero Gravity - Above & Beyond Remix [with Tangerine Dream]

2015 Zero Gravity [single] [with Tangerine Dream]

2015 Zoolook [remastered]

2016 Electronica 2 - The Heart of Noise

2016 The Heart of Noise Pt. 1 & Pt. 2

Ссылки

http://www.jeanmicheljarre.com/ - Официальный сайт

Биография

Isgaard (ледяной сад – исландский) – это проект одной талантливой немецкой девушки по имени, собственно, Isgaard. Ее первый альбом Golden Key является весьма привлекательным на слух, – завораживающим по своей шелковой музыкальной атмосфере и безупречному, диапазоном в три октавы, вокалу. Isgaard поет ровно, спокойно, размеренно, красиво. Голосовые переходы с одной октавы на другую совершенно незаметны, они совершенно мягкие и гладкие. Что, конечно, не может не радовать всякого любителя хорошей музыки, натруженного ежедневными надрывными сипами и пшиковыми потугами заморских и доморощенных поп-певичек, вылетающими из любой мало-мальски приглядной уличной колонки.

На композиции Fold Your Hands and Pray блестящим образом построена контрастирующая вокальная линия, когда идет поочередный спуск по октаве соответственно мужского и женского вокалов, ложащихся друг на друга по принципу домино, – столь же естественно, сколь естественно снежинки превращаются в лазурную зимнюю перину.

Впрочем, Golden Key порадовал не только своим голосовым оформлениeм, но и, безусловно, музыкальным тоже. Единственное, что мне доводилось ранее слышать из подобного, является, пожалуй, Enya, – та же атмосферная завеса, но у Isgaard она более сочна, насыщена, полифонична и разнопланова. Пианино, приятнейшая симфоническая компоновка, основные (но не единственные!) составляющие которой – скрипка и виолончель, арфа (эдакая «бриллиантовая россыпь»), лютня, какая-то невнятная дудка – вот звуковой базис ее первой пластинки. Помимо прочего, музыканты не брезгуют и всяческими эффектами, как то: звуками раскатистого грома, накрапывающего дождя (Earth Song), волнующего безмятежную воздушную гладь ветра (No Way Back To Eden), а также балаганной шумихой и трелью певчих птиц (Dreams Will Never Die). Есть пара отрицательных (сугубо мое мнение) моментов, а именно – заметное наличие «микрофоночных» подпевок и единожды – применение эффекта радиопомех для завершения композиции (Fold Your Hands And Pray), что в данном, системообразующем, контексте, наверное, простительно.

Что здесь еще интересного. Пожалуй, следующее: песня Earth Song есть ничто иное, как своеобразный кавер на одноименную песнь Майкла Джексона. Ну и, вдовесок, – на последнем треке (Dreams Will Never Die) помимо вокала Isgaard присутствует чувственно-оперный вокал «very special guest» Piero Mazzoccheti, который вполне уместно подчеркивает вокальный позитив солистки. И если не вдаваться в лирические подробности, то сия музыка станет прекрасной путеводной дорожкой в мир сeltic и/или folk, оставаясь при том возвышенной, чувственной и искренней субстанцией, наполненной изрядной долей сентиментальности и разума, насколько применимы эти понятия к понятию «pop». И пусть же ледяное оцепенение каменной кладки согреет дыхание выпеченных хлебов; пусть ладони, натруженные ратной работой, задрожат от случайного прикосновения пальцев, исколотых тонкой иглой, ведь к Вам в дом стучится романтический недуг, упоительный любовный бред, – Golden Key, что преобразил сам мир мечты, наполненный соловьиным безумством, журчанием фонтана и переливами росинок, зажженных луной. Распахните врата пред миром благоразумных фантазий!

Дискография

2004 Golden Key

2003 Golden Key [single]

2004 Secret Gaarden

2005 One World [with Kind Of Blue & David Serami]

2008 Wooden Houses

2011 Curfew meets Isgaard

2011 Curfew meets Isgaard - Snowflakes in June [single]

2012 Playing God

2012 Playing God [remix]

2012 Playing God [single]

2014 Naked

2015 The Early Days

Ссылки

http://www.isgaard.com/ - Официальный сайт

Биография

Indra – проект румынского электронщика, не настолько раскрученный как такие монстры как Klaus Schulze или Tangerine Dream, однако же, любой из его альбомов исключительно интересен, добротно сделан и вообще, можно сказать, что его творчество является некоей квинтэссенцией жанра. Удивительно, что при таком уровне исполнительского мастерства, он очень мало известен за пределами своей страны да и в Румынии поклонников отнюдь не миллионы.

Дискография

1993 Exemplificari Discipol

1993 Turning Away

1993 Kingdom of Light

1993 Parallel Time

1993 Space

1994 Plenitude

1994 Magic Collection

1994 Seven

1994 Cosmic Sound

1994 Colosseum

1995 Self Game

1995 Tales From Arabia

1996 The Way Out

1997 Helios Arena

1997 Disco Rustic

1998 Echo In Time

1999 Ocean Of Slience

1999 Sideral Music

1999 Star Traveller

1999 Whispers Of Nature

2000 Millennium Live 2000

2001 Ultimate Nexus

2003 Kumari [bootleg]

2005 Pleasure

2005 Signs

2005 The Call Of Shiva vol. 1

2005 The Call Of Shiva vol. 2

2006 Flux

2006 Generation

2006 Maharaj

2006 Tantric Celebration 1 Kali

2006 The Challenge

2007 Tantric Celebration 2 Tara

2007 Tantric Celebration 3 Tripura Sundari

2008 Tantric Celebration 4 Bhuvaneshvari

2009 Tantric Celebration 5 Tripura Bhairavi

2009 Tantric Celebration 6 Chinnamasta

2009 Tantric Celebration 7 Dhumavati

2010 The Pyramid Concert

2010 Kingdom of Light [remastered]

2010 Live in the Salt Mine 2007

2010 Parallel Time [remastered]

2010 Tantric Celebration 8 Bagalamukhi

2010 Turning Away [remastered]

2011 Interactive Play 2CD [remastered]

2011 Plenitude [remastered]

2012 Tantric Celebration 9 - Matangi

2013 Thunderbolt - Live at the Black Sea

2015 Archives - Ruby One

2015 Archives - Ruby Two

2015 Archives - Ruby Three

2015 Archives - Ruby Four

2015 Archives - Ruby Five

2015 Archives - Emerald One

2015 Archives - Emerald Two

2015 Archives - Emerald Three

2015 Archives - Emerald Four

2015 Archives - Emerald Five

2015-Archives - Gold One

2015-Archives - Gold Two

2015 Archives - Gold Three

2015 Archives - Gold Four

2015 Archives - Gold Five

2015 Archives - Diamond One

2015 Archives - Diamond Four

2016 Archives - Diamond Two

2016 Archives - Diamond Three

2016 Archives - Diamond Five

2016 Archives - Platinum One

Ссылки

http://www.indramusic.ro/ - Официальный сайт

Биография

Klaus Hoffmann-Hoock родился в 1951 году в немецком городе Дуйсбурге. В шестидесятых годах он прошел подготовку в качестве гитариста и барабанщика. В 1969 году он основал свою первую группу, Archaeopteryx, а затем в 1971 году Impuls. Impuls гастролирует, среди прочего, в качестве поддержки, действовать Nektar, UFO и голландской прогроковой группы Earth & Fire. Никакие официальные записи не остаются от обеих групп, хотя одна из сохранившихся концертных записей 1971 года Импульса показывает большую часть музыкальных идей Клауса, которые появятся в 1980-х и 1990-х. Длительная инструментальная композиция называется Azrael, в которой четко прослеживается влияние раннего Pink Floyd, а также Nektar и Hawkwind.

В 1972 году Клаус посетил концерт британской группы Genesis и услышал их великолепный трек Watcher of the skies. Это событие превратило Клауса в настоящего поклонника электронной музыки. В 1973 году Клаус купил MiniMoog, инструмент, сделанный известным Китом Эмерсоном. Со временем он соберет большую коллекцию старинных клавишных и синтезаторов, вплоть до крайне редкого Mark V Mellotron, ранее принадлежавшего Клаусу Шульце.

В 1976-1978 годы Клаус, как клавишник, гитарист и автор текстов, играл в немецкой группе Alma Ata. Группа выпустила три сингла и два альбома в 1976 году и альбом Dreams в 1977 году. Некоторые наработки из группы Alma Ata слышны в более поздних работах Клауса. А некоторые фрагменты живых треков от Impuls и Alma Ata стали основой треков группы Mind Over Matter, таких как Children of the Midnight и Shangri-La. Также в этот период Клаус писал музыку для фильмов и рекламных роликов.

В начале 1980-х к Клаусу присоединился клавишник Georg Mahr и поэт-песенник Andreas Hub и была создана группа под названием Cosmic Hoffmann. В этом составе в 1982 году вышел единственный 7 "-сингл под названием Weltraumboogie. Коммерческого успеха у сингла (вышел вместе с треком Space-Disco) не получилось, но в настоящее время пользуется спросом у коллекционеров.

Период 1983-1985 годов был временем подготовки к чему-то совершенно новому. Клаус работал над пьесой под названием Paradise. В 1986 году попутешествовав по миру, Клаус основывает группу Mind Over Matter. Группу, которая смешала в своем творчестве звуки Востока и Запада, в результате чего получилась волшебная музыка, создающая невообразимые картины в воображении слушателя. Клаус играет на разных музыкальных инструментах. Это электрогитара, клавишные, флейта, а также восточные инструменты, такие как непальский handchimes, балийский bamboophone и ситар. Он приглашал разных музыкантов для записи в своей Quasar Studio. Одно было ясно: Mind Over Matter будет делать музыку, которая не может сравниться ни с чем. Сэмплы из Шри-Ланки, Таиланда, Индии, Индонезии, Бирмы и Тибета будут сопровождать тихую электронную музыку, перемежающиеся вспышками психоделический электрогитары и клавишных. Группу, которая бы была на первых местах в германских чартах, таких как Schwingungen Wahl.

Mind Over Matter: первые десять лет.

Дебютный альбом Mind Over Matter был выпущен на виниле в 1987 году под названием Music for Paradise. В нем один длинный трек и несколько коротких треков. Клаус играл на клавишных, гитаре и флейте в сопровождении нескольких музыкантов (Peter Jorgens – табла и Heinz Weidenbruck – бас-гитара и электрическое фортепиано). Альбом начинается с 22-х минутного эпического трека  Paradise, состоящего из четырех частей об элементах воздуха, воды, огня и земли. За ним следуют The End of Time (вокал француза Yves Greder) и шриланкийские Kandy Sweets. Финальный трек The Silence, написанный совместно с Michael Gruterich, это space-rock в самом чистом виде. Michael Gruterich играл на Mellotron и MiniMoog на этом треке.

Второй альбом под названием The Colours of Life  был выпущен в 1988 году одновременно и на виниле и на компакт-диске. CD-версия альбома содержит бонус-трек Paradise с первого альбома. Peter Jorgens, Yves Greder, Heinz Weidenbruck и Michael Gruterich снова участвовали в записи. К ним присоединились Freddy Fredstein-Platzek  (фортепиано) и Jugen Scholl. Альбом состоит из одного длинного трека на 38 минут, разделенного на четыре части, которые описывают круг жизни. В первой части, La Vie (The Dance of Life), слышен голос новорожденного сына Клауса Тими. Одна из частей, Ganga (The River of Life) будет постоянно исполняться на концертах группы. Это поразительный трек с сильными басовыми партиями и впечатляющими клавишными в стиле прогрессивного рока. The Colours of Life стал последним альбомом Клауса на виниле.

В сентябре 1989 года прошел в небольшой тур Mind Over Matter. Первый концерт состоялся 16 сентября на Wending Festival в Mortsel, Антверпен, Бельгия. Группа выступала в составе: Peter Jorgens (percussion), Michael Gruterich (keyboards) & Holger Guyens (percussion). Также участвовала и жена Клауса Dagmar, представленная под именем: Dagi Daydream-Hoffmann. Mind over Matter выступали на этом фестивале первыми. Также на нем выступали Purfoze и Patrick Kosmos. Восемь дней спустя в Бремене выступление было повторено, где к группе присоединился Peter Seiler и Software. Выступление состояло из треков с двух альбомов, в число которых входили не только полные версии Paradise и Ganga, но и несколько новых треков. Одним из них был великолепный трек Children of the Midnight. Эта 22-минутная пьеса, состоящая из четырех частей (Night of Oblivion, The March of the Seduced Children, In search of the Sunlight и The Dawning of Bliss) была вдохновлена альбомом Song of the marching children  (1973) написанного группой Earth & Fire. Сейчас Children of the Midnight является одним из лучших треков группы Mind Over Matter. Пьеса начинается мягко, далее в середине очень мощно звучат электрогитары и клавишные, и заканчивается пьеса нежной перкуссией. Пьеса также являлась фоном для Dagi Daydream , поскольку ее выступление во время этого трека станет неотъемлемой частью шоу.

Трек был официально выпущен в 1990 году на третьем альбоме группы Mind Over Matter Trance'n'Dance. Peter Jorgens & Michael Gruterich играли на ударных, а Dagi была вокалисткой. Альбом также включает трек, исполненный вместе с Spacelab (детище Peter Mergener). В треке Mahatma  записан голос великого индийского лидера и спиритуалиста Mahatma Gandhi. На альбоме присутствует в качестве бонуса трек с первого альбома группы (The Silence) и трек Jack the Bear, который будет исполняться на бис на многих концертах Mind Over Matter. Вокалистом на треке Jack the Bear  был Aggi Fiegler , в то время как на живых концертах эту песню пела Dagi. В 1990 году концертов не было, и Клаус подготовил материал для альбома Fragrance. Альбом был записан и смикширован Klaus Schulze в Moldau Musikstudio.

В 1991 году был выпущен компакт-диск ремикс-версии Music for Paradise. Третья часть Paradise была на 2,5 минуты длиннее оригинальной версии. Компакт-диск также содержит два интересных бонус-трека: North Star и живая версия Ganga (The River of Life), записанная на дебютном концерте в Mortsel в 1989 году.

В марте, апреле и мае 1991 года Mind over Matter гастролировал в Германии и Нидерландах, продвигая альбом Trance'n'Dance, включая и пять концертов в Stellarium в Erkrath. Сет-лист этого Tour de Trance состоял из не только старых, но популярных Paradise, Ganga, Kandy Sweets и The end of time, но и жесткой версии Children of the Midnight и других треков нового альбома. Три трека с концерта 16 марта в высшей музыкальной школе в Кельне транслировались по немецкому радио (Nachtmuzik им WDR). Кроме Peter Jorgens, Holger Guyens и Dagi в группе появились клавишники Cherif Khalil и Michael Hubrach. В шоу Nachtmuzik также выступили танцоры Luciano Chandra и Elke Dirx. В ноябре 1991 года группа (теперь без Michael Hubrach) выступила на Synthesizer Multi Media Festival в Кельне с коротким и немного другим сет-листом, включающим новый трек Sentimental Russia. Этот трек, написанный в 1980 году, впервые появился на CD Obsessions в 1992 году, который также включал ремикс (танцевальную версию) трека Jack the Bear.

В 1991 году Клаус дважды выступал с голландским музыкантом Ron Boots. Первый раз это было на KLEM Day в городе Бреда 21 сентября во время спонтанного концерта Ron Boots, Bas Broekhuis и знаменитого барабанщика Harald Grosskopf. Этот успешный эксперимент был повторен (без Harald Grosskopf, но с Eric van der Heijden и John Kerr) 2 ноября в Кельне во время Synthesizer Multi Media Festival. Эту голландско-англо-немецкую группу называли M.O.R.E., что означало Music of Ron and Eric. Клаус участвовал в исполнении Desert Clouds, трека с альбома Ron Boots Ghost of a mist, играя в нем на гитаре.

В 1992 году был издан альбом In Search of Eternity. Концепция альбома был похожа на предыдущий: один длинный трек и три более короткие части, на этот раз без каких-либо бонус-треков. К Клаусу присоединились его старые друзья Georg Mahr и Michael Gruterich на клавишных. В записи альбома также принимали участие Cheriff Khalil (ударные), Andreas Besler (бас-гитара) и бельгийский электронный музыкант Patrick Kosmos. 22-минутный трек Journey to Eternity очень впечатляет. Разделенная на пять частей (Behind the Gates of Samsara, At the Seam of Forever, The Lotus is Opening, Whispers from Beyond и In Touch with Eternity), пьеса заполнена электрогитарой, флейтой и Hammond organ (Georg Mahr). Это сплав прогрока и электронной музыки, в том же стиле записан и более короткий трек Pilgrims of Eternity. Этот трек с мощной бас-линией и энергичными клавишными является идеальной композицией, исполняемой в начале концерта. Трек Monolith написан в соавторстве с Patrick Kosmos. Patrick его исполнил на KLEM Day 3 сентября 1989 года, где Клаус неожиданно сыграл на гитаре (незадолго до первого тура Mind Over Matter). Patrick Kosmos позже включил свою версию трека Monolith в свой концертный альбом 1993 года Virtual Reality. Последним треком идет Dawn, красивая композиция, написанная Michael Gruterich.

31 октября 1992 года Mind over Matter выступил на KLEM Day в городе Breda. Некоторые зрители были потрясены использованием электрической гитары на фестивали синтезаторов, но для большинства зрителей стало ясно, что Клаус и его группа были в отличной форме. Выступление начиналось с трека Pilgrims of Eternity, далее следовали эпические треки Children of the Midnight и Journey to Eternity. После коротких треков Monolith и Jack the Bear (в исполнении Dagi) последовал вызов на бис с мощным треком Ganga. Клаус играл на гитаре, флейте и тибетском Mediationtube, на ударных играли Holger Guyens и Peter Jorgens (последний также играл и на гитаре), на клавишных играли Cherif Khalil и Georg Mahr. Mahr играл на органе Hammond. Dagi контролировала весь ход выступления. Это был единственный концерт Mind over Matter  в 1992 году. Сам Клаус в качестве гостя присутствовал на выступлении M.O.R.E. в сентябре 1992 года в Эйндховене. Один из трех треков, на которых Клаус играл на гитаре (Unitas Special) был выпущен в 1992 году на альбоме M.O.R.E. под названием Live – by popular demand.

В 1993 году после четырех успешных студийных альбомов, пришло время для концертного альбома. Это был Live In Concert на котором присутствовали три трека с KLEM-concert и два с Tour de Trance 1991 года. У этого альбома было высокое качество записи и CD-буклет включал в себя несколько превосходных картин. Для людей, не знающих ничего о творчестве Mind over Matter, этот многогранный альбом поможет разобраться в творчестве группы. Также Клаус много сотрудничал с M.O.R.E. В феврале Клаус присоединился к ним на концерте в Эйндховене, где он играл на гитаре на одном треке Different Stories and Twisted Tales вместе с Ron Boots. В сентябре Клаус участвовал еще в трех концертах в Koln, Eindhoven и Nijmegen. Трек с концерта в Эйндховене под названием Aftermath был выпущен в 1999 году на альбоме Joie de Vivre – Live Again, в записи которого принимали участие Ron Boots с друзьями.

В том же 1993 году Mind over Matter начала гастролировать, начиная с фестиваля KLEM Day. Состав группы был таков: Klaus, Dagi, Peter Jorgens, Michael Gruterich и танцовщица Sally Sales. В этом составе группа просуществовала до лета 1996 года. 18, 19 сентября и 9 октября 1993 года Mind over Matter сыграли шесть концертов (по два каждый день) в Stellarium города Erkrath. Сет-лист включал большую часть KLEM-concert, но без трека Monolith и был дополнен тремя новыми удивительными треками, имеющими азиатские корни: In a Mogul's Garden, Rainy Kathmandu и Sri Ram (первоначально называвшегося Sri Ram Chant). Концерт в Lunen во время KLEM NRW Festival 26 марта 1994 года был выпущен на видео под названием Mind over Matter in Concert. Во время концерта в Кельне в декабре аудитории был представлен еще один новый трек, это 18-минутная пьеса Shangri-La. Этот трек назван в честь известной утопической земли в Азии (из знаменитого романа Lost Horizon). В нем можно услышать замечательный вокал Dagi и широкий спектр инструментов. Клаус записал четыре новых трека в своей Quasar studio вместе с Peter Kluge (флейты) и Udo Winkler (табла). Он также сделал ремикс трека 1982 года Space-Disco (The Cosmic Hoffmann), который он переименовал в Air India. В промежутке между записями он поучаствовал в записи альбома Peter Mergener Creatures 2 - Let There Be More Light.

В 1995 году Mind over Matter выпустила четыре новых трека и ремикс Air India на считающемся самым лучшим альбоме под названием Palace of the Winds. На альбоме имеется три бонус-трека: отредактированная версия Shangri-La, концертный трек M.O.R.E., записанный в Nijmegen в ноябре 1993 года (Himalaya) и удивительный электронный трек 1976 года, названный в честь Тибета (Roof of the World). Большая часть нового альбома была исполнена во время пяти концертов в Sonsbeck-Hamb и Erkrath в сентябре и ноябре 1995 года. Клаус также нашел время, чтобы играть на ситаре на альбоме The House of S. Phrenia немецкой группы Solar Project и выпустить еще один старый трек, электронный шедевр Rohan Rider 1980 года. Этот трек, основанный на произведениях Дж. Р. Р. Толкиен, можно найти на альбоме Schwingungen-Club presents New Instrumental Music.

1996 год – десятый год существования группы. Если оглянуться назад, то можно увидеть внушительную дискографию, состоящую из пяти выдающихся студийных альбомов и одного концертного альбома. После концерта под открытым небом в Duisburg 30 июня Mind over Matter отмечает свое 10-летие концертом в Sonsbeck-Hamb 23 августа. Танцовщица Amira была заменена на Sally Sales. Сет-лист был мечтой каждого поклонника группы, поскольку он включает все пять эпохальных композиций: Paradise, The colours of life (за исключением четвертой части), Children of the Midnight, Journey to Eternity и Shangri-La. Также исполняли и старые, проверенные временем треки, такие как The End of Time, Mahatma и Jack the Bear. Появился красивый трек Rainy Kathmandu и новое произведение, называемое Avatar (которое позже стало именоваться Beyond). Клаус изначально планировали выпустить видео этого успешного выступления, но так и не реализовал свою задумку. Хотелось бы надеяться, что концерт будет выпущен в будущем.

Новые направления.

1997 год внес свои изменения в Mind over Matter. Из-за проблем со здоровьем Michael Gruterich был заменен Robert Valet, клавишником группы Solar Project. Из-за огромного спроса Клаус решил сделать ремикс на три популярных трека Mind over Matter, добавить два новых (The World of Koto и Distant Echoes) и свести их в единый альбом, который известен как «тихий альбом». Много поклонников просило Клауса создать альбом расслабляющей и спокойной музыки для медитации. Альбом был выпущен на лейбле Brain-Food и получил название Shambala, названный в честь буддийского внутреннего пути к духовному просветлению. В записи участвовал Volker Kuinke. Dreamy Kathmandu, Brahmaputra и Shambhala являются ремиксами треков Rainy Kathmandu, Ganga и Paradise.

Первая возможность для поклонников услышать живую музыку этого альбома была на голландском Alpha Centauri Festival в Huizen 1 марта 1997 года. Gunther Lemmen выступал в качестве танцора и Mind over Matter (как хедлайнер) сыграли Dreamy Kathmandu, Brahmaputra и несколько старых треков. Полный концерт был выпущен на видео (Live In Concert). 31 мая Mind over Matter отыграла свой первый концерт в Соединенном Королевстве на EMMA Festival в Derby, а в июне группа выступала под открытым небом на фестивале в Duisburg. Совместно с Volker Kuinke были сыграны два немецких концерта в августе и октябре в Sonsbeck-Hamb и Versmold. Во время этих концертов были исполнены новые треки, такие как Freak Street, Thunderchild и Magic Garden. Они появятся на альбоме Avatar, выпущенном в 1998 году. Концерт в Versmold был выпущен на видео в 1998 году. Это отличное видео, которое представляет особый интерес, поскольку оно включает в себя концертную версию Spacelab (Trance’n’Dance).

1998 год был очень напряженным для Клауса и стал годом больших перемен. Прежде всего, альбом Avatar оправдал свои ожидания. Альбом имел два бонус-трека, отредактированную версию Thunderchild и концертный трек с 10-го юбилейного концерта 1996 года (Beyond). Он начинается с Thunderchild с участием Dagi (вокал) и Volker Kuinke, исполняющего Shangri-La. После медитативного трека Magic Garden и своеобразного Freak Street (заполненного этническими звуками в исполнении Georg Mahr на MiniMoog) начинается трек Avatar's dream с Dieter Kuhlsdom (вокал) и Armin Koppen (синтезаторы и бас-гитара). Этот трек является приквелом к секвенсорному треку Avatar. Название взято из образов аватар, человеческих существ, посланных Богом, чтобы защитить мир от несправедливости и обмана, что часто видит Клаус в своих путешествиях по Азии. Avatar был написан Клауса совместно с молодым и талантливым электронным музыкантом по имени Stephen Parsick (родился в 1972 году в Moers) участник группы RAMP. Музыкантов свела вместе любовь к старым синтезаторам, инструментам, которые сделали основателей Берлинской школы Klaus Schulze и Tangerine Dream мастерами электронной музыки в 1970-х годах. Клаус уже работал со Стивеном в сентябре 1996 года, сочиняя и записывая четыре дорожки для сольного альбома Парсика. Эти треки (Submerging, Close beneath the Surface, Cosmic Jellyfish и Quicksilver), наряду с треком Стивена Green Depth (ремикс Клауса написанный в июне-июле 1997 года) и два трека 1994 года (сольные пьесы Стивена, написанные в домашней студии) появились на альбоме Стивена Traces of the past. Клаус играл на Space Guitar и Mellotron, в то время как Стивен – на синтезаторах, органах и секвенсорах. Очень интересно сравнить 15-минутный трек Стивена Close beneath the surface с 20-минутной пьесой Mind over Matter под названием Avatar, так как оба трека были написаны и исполнены Клаусом и Стивеном, вероятно, в одно и то же время. Оба трека, кажется, вышли из той же основной музыкальной идеи и возвращаются к истокам Берлинской школы электроники.

Дав небольшой отдых Mind over Matter, Клаус решил выступить вместе со Stephen под именем Cosmic Hoffmann, именем, которое он не использовал с 1982 года. 14 марта 1998 года дуэт выступил (в сопровождении Dagi) на Hansesaal в Lunen используя старые синтезаторы, секвенсоры и подлинный Mellotron M400. Выступление было поистине удивительно: несколько треков Mind over Matter (The World of Koto, Magic Garden и North Star), старая композиция 1978 года Howling Wolves и три электронных шедевра: The Gate of Lahore part 1, Beyond the Galaxy (раньше Desert Thunder) и Wanderers of Time (совместно Ron Boots). Эти три концертных трека появились на первом альбоме Cosmic Hoffmann под названием Beyond the Galaxy, выпущенный в 1999 году. Альбом также включает в себя два студийных трека, которые издавались в 1996 и 1997 годах Howling Wolves (с Horst Theis на синтезаторах) и The Gate of Lahore part 2.

Но в 1998 году были и другие изменения. Клаус совместно с художником и музыкантом Hans-Werner Fassbender написал ремикс Silence the River. 20 ноября 1998 года они выступили на импровизированном концерте в Gebaude der FAA Gesellschaft fur berufliche Bildung в Monchengladbach. Поводом стало открытие выставки картин в Hans-Werner Fassbender. Инновационная 53-минутная пьеса называется Heartbeat (в двух частях), на ней Клаус сыграл на Megatron и цифровом Mellotron, а Fassbender – на клавишных и гитаре. Пьеса состоит из очень тихой, мечтательной электронной музыки, начинающейся и заканчивающейся звуком бьющегося сердца. Полностью пьеса была выпущена в 2000 году на альбоме Heartbeat Klaus Hoffmann-Hoock (впервые под своим собственным именем) и Hans-Werner Fassbender. Это был первый релиз в серии Encounter Series нового лейбла Клауса Heart and Mind. В 1998 году Клаус также участвовал в записи двух треков (на Mellotron) альбома Rot группы Menschenfischer и написал ремикс для альбома Nodular группы RAMP.

Несмотря на занятость Клауса в новых проектах, сопровождавшихся превосходными отзывами в электронных музыкальных журналах, он не забывал и о Mind over Matter. 20 февраля 1999 года группа дала три (!) концерта в Stellarium в Erkrath. В концерте участвовали также Dagi, Robert Valet, Volker Kuinke, Peter Jorgens и барабанщик Josef Gotz. Кроме Mahatma, Ganga и Thunderchild, большинство треков были взяты из альбома Palace of the Winds (Shangri-La, In a Mogul's Garden, Rainy Kathmandu и Sri Ram). Большим сюрпризом оказалась исполненная на концерте версия замечательного трека Set the Controls for the Heart of the Sun группы Pink Floyd (с их альбома 1968 года A saucerful of secrets), в исполнении Dagi в стиле самих Mind over Matter. Эта концертная версия появилась в 2000 году на альбоме Signs of Life (Pink Floyd tribute). Любопытно, что название группы на этой компиляции была Mindala, а не Mind over Matter.

Выступления в феврале 1999 года были настолько превосходны, что было бы стыдно не выпустить что-нибудь из этих концертов. К счастью, Клаус решил выпустить второй концертный альбом Mind Over Matter в 2000 году. Under the Stars включала четыре трека с потрясающего шоу в Erkrath, пусть и под немного другими названиями (например, как A Night in Mogul's Garden и Mellow Kathmandu). Также были добавлены два трека из других концертов (с участием Michael Gruterich и Stephen Parsick): La Vie (The Dance of Life) и The world of Koto. После этого релиза Клаус в основном сосредоточился на Cosmic Hoffmann. 29 мая 1999 года он и Стивен выступали на Schallwende Sommerfest в Essen-Steele. На этом концерте были сыграны три новых впечатляющих атмосферных трека. В декабре концерт был повторен. А затем в начале 2000 года был выпущен альбом Shiva Connection.

Shiva Connection оказался намного лучше, чем Beyond the Galaxy. Помпезные секвенсоры и кричащая гитара еще никогда не были представлены в таком большом количестве. Как и его предшественник, новый альбом представляет собой смесь старых и новых концертных и студийных работ. Студийные треки Lightstar Rising и A few miles beyond Infinity датируются соответственно 1977 и 1994 годами. Последний трек, возможно, был записан во время сессий Palace of the Winds. Interstellar Rollercoaster, Space Arbour и Hi-flyin' Shiva взяты с концертов со Стивеном с мая по декабрь 1999 года. Готический Shiva Connection является новым захватывающим студийным треком. Поклонники Richard Wright будут рады послушать волшебный трек Interstellar Rollercoaster со звучащими 20 минут в стиле Pink Floyd органами. Альбом является настоящим шедевром.

10 сентября 2000 Cosmic Hoffmann выступил на E-Live Day (который заменил KLEM Day) в Veldhoven. Это было выступление Клауса, Стивена и Даги, о котором еще долго не забудут все присутствовавшие на концерте. В концерте были исполнены версии композиций Hi-flyin' Shiva и Interstellar Rollercoaster, а также три пьесы из первого альбома и трек Mind over Matter (The World of Koto). Аудитория была очень впечатлена. 23 июня 2001 Клаус и Стивен снова выступили в Великобритании в Jodrell Bank Planetarium в Knutsford. Выступление было похоже на предыдущие концерты, был добавлен только один новый трек May I see your passport, please?

Последнее появление Клауса в качестве гостя на сцене было во время концерта Pyramid Peak 25 марта 2000 года (E-Live Festival в Huizen), где он сыграл на гитаре в треке Fish'n Love в одноименном альбоме Pyramid Peak. Помимо альбомов Mind over Matter и Cosmic Hoffmann Клаус также выпустил на лейбле Masterbits несколько этнических, с азиатскими мотивами, композиций (Miditation, World Zone – The Far East volume 1 и Vokales aus aller Welt). Он также сотрудничает с другими любителями Mellotron в создании сэмплов, включая вышеупомянутые Watcher of the Skies (на M-Tron Tape Banks volume 2).

Будущее.

Klaus Hoffmann-Hoock является одним из лучших электронных музыкантов и продюсеров нашего времени. На сегодняшний день он является одним из лучших исполнителей – наряду со Stephen Parsick и Bernd Kistenmacher – Новой Берлинской школы электронной музыки. Альбомы Cosmic Hoffmann мгновенно стали классикой жанра. Клаус ответственен за возрождение Берлинской школы в 1990-х годах, периоде, в котором монстры классической электронной музыки – Tangerine Dream, Klaus Schulze и другие – не могли создать что-нибудь стоящее. Но нужно сказать, что Клаус не копирует старую музыку, он под сильным влиянием 1970-х годов создает нечто совершенно новое, синтез секвенсоров Берлинской школы, новых космических идей и высокого мастерства исполнения. Так же, как он, синтезировав азиатскую и западную музыку, создал Mind over Matter.

Когда он выпустит свой новый альбом Mind over Matter? Что еще скрыто в архивах Клауса в Sonsbeck? И услышим ли мы еще его космическую музыку? Можно лишь только надеяться.

Дискография

2001 Heartbeat [with Hans-Werner Fassbender]

2003 Psychedelic Breakfast [with friends]

2006 Vision of Asia [with Peter Mergener]

2007 Conundrum [with Bernhard Wostheinrich]

Cosmic Hoffmann

1982 Weltraumboogie/Space-Disco [single]

1999 Beyond the Galaxy

2000 Shiva Connection

2005 Electric Trick

2007 Space Gems

2008 Outerspace Gems

2009 Hypernova

2010 Astral Journey

Ссылки

http://www.mindala.de/ – Официальный сайт

Биография

Himekami – проект японского композитора Ёсиаки Хоси (родился в 1946 г.).

В 1971 году Хоси выиграл первый приз в национальном конкурсе органистов, много выступал с концертами; позже большее внимание стал уделять композиторской деятельности. Первая пластинка вышла в 1981 году, с тех пор музыкант записал массу альбомов и саундтреков; среди последних работ можно отметить Blue Flower (2003) и Aoi Hana (2003), Huan Xiang Shui Huz Huan (2003), Kaze No Densetsu (2004).

В отличие от Китаро проект Himekami ближе к традиционной японской музыке. Возможно, потому что Клаус Шульце не оказал никакого влияния на Хоси. Очень вероятно, что девизом творчества композитора служит фраза «Гармония, Гармония и ещё раз Гармония» – здесь нет резких смен ритма или режущих слух звуков, эта музыка, с позволения сказать – музыка душевного равновесия.  Помимо распространенных «Лунной воды», «Богиня Снега» он выпустил еще порядка 50 альбомов (если считать сборники The Best, синглы и другое). Ранние проекты исполнителя, были выпущены под именем Himekami Sensation. В США его альбомы изданы лейблом Higher Octave Music.

Несмотря на то, что музыка Хоси отличается от той, что пишут Китаро, Gandalf и другие, специалисты объединяют их творчество в один жанр Electronic New Age. Музыка Himekami сочетает в себе элементы традиционной японской, симфонической музыки и синтезированные звуки природы. Композиции исполнителя можно услышать в некоторых японских фильмах, по японскому TV и даже в японских играх (Suikoden III яркий тому пример). Также он известен своими выступлениями в храмах, церквях Японии.

Дискография

1982 Himekami

1982 Sensation - Tohno

1983 Himekami Densetsu

1984 Mahoroba [with YAS-KAZ]

1985-Kaidoh [with YAS-KAZ]

1985 Zenzeisyon Jishenchuanshuo

1985 Oku No Hosomichi

1986 Hokuten Genso

1986 Kitaten Genso

1986 Special

1986 Super Best

1987 Setufu

1987 Xuepu

1987 Snow Music

1988 Toki-wo-Mitsumete

1989 Himekami Fudoki

1989 Moonwater

1990 Ihatovo Hitakami

1991 All Time Hits 3CD

1991 Snow Goddess

1992 Kaido - Camino del Mar [with YAS-KAZ]

1992 Zipangu

1993 Homura

1993 Journey to Zipangu

1993 Zipangu Cipango

1993 Beitian Huan Xiang

1993 Super Best

1993 Yan

1994 Lo Mejor II

1994 Best II - Toh'i-Kaze

1994 Tsugaru

1994 To I Kaze

1995 Tokiwo Tsumuide Himekami TV Selection

1995 Jodo Mandara (Jodo Garden Concert)

1995 Mayoiga

1996 Kaze-No-Johmon

1997 Kaze-no-Johmon II - Toki No Sora

1997 Toki-Wo Tsumuide

1998 Kamigami-no-Uta [singles]

1997-Toki-Wo Tsumuide

1998 Joumon Kairyu - Kaze No Joumon III

1998 Shinra-Banshoh 2CD

1999 Seed

2000 Millennium Prayer

2000 Mirai No Hitomi

2000 Sennen Kairo

2002 Genso Suikoden 3 Original Game Soundtrack 2CD

2002 Kaze No Uta

2003 Huan Xiang Shui Huz Huan

2003 Blue Flower

2003 Aoi-Hana

2004 Kaze-no-Densetsu

2004 Sokyu No Koe - Voice's Best

2008 Ama Takami no Kuni

2011 Golden Best 2CD

2011 Starry Tales [soundtrack]

2013 Nature's Beauty - Four Seasons of Japan

2013 Voyage to Another World

Ссылки

http://www.himekami.jp/english/index.html – Официальный сайт

Биография

David Hicken – весьма популярный ныне композитор, пианист, органист. Люди называют его «фортепианным поэтом». Родился он в Вулверхэмптоне (Англия, графство Шропшир), в семье музыкантов. Заниматься музыкой начал очень рано. Ему не было и четырех лет, когда он впервые сел за фортепиано, а чуть позже «освоил» кларнет и орган. Учился в Королевском музыкальном колледже в Лондоне.

Еще будучи подростком, дал ряд сольных концертов в Соборе Святого Павла, Вестминстерском соборе, в Часовне Святого Георгия в Виндзоре, удостоился многих наград от Ассоциации Королевских музыкальных школ. В шестнадцать лет окончил колледж и уже через год получил стипендию в Консерватории Пибоди в Балтиморе (США), в девятнадцать – подписал первый в своей жизни «настоящий» контракт с компанией President Records и выпустил собственный диск The Final Toccata.

Какое-то время жил в Лос-Анджелесе, путешествовал, подолгу останавливаясь в Таиланде и Шри-Ланке. Работал органистом и руководителем хора, преподавал, был солистом Вестчестерского симфонического оркестра и музыкальным директором в нескольких достаточно известных церквях. Выпустил семь дисков классической фортепианной и оригинальной органной музыки.

Наибольший успех выпал на долю его трилогии: Angels, Goddess, Faeries. Эти три альбома были тепло встречены публикой, и сегодня продаются по всему миру.

В настоящее время Дэвид Хикен живет на северном берегу острова Оаху (Гавайи), увлекается подводным плаванием, любит прокатиться на велосипеде по живописным горным тропинкам и, конечно же, пишет свою прекрасную, изысканную музыку.

«Я хотел создать музыку, которая несла бы радость, мир, гармонию, надежду», – говорит он и далее отмечает в своем буклете: «Моя цель состоит в создании музыки, которая бы обогащала жизнь моей аудитории и помогала избавиться от стрессов повседневной жизни».

Дискография

2005 The Shadow of You

2007 Angels

2007 Goddess

2008 Faeries

2013 Carols of Christmas

2013 Serenity - The Best of

Ссылки

www.davidhicken.com – Официальный сайт

Биография

Хосе Анхел Хевиа Виласко родился 11 октября 1967 в городе Вилависиоза, которая находится в маленькой испанской провинции Астуриас, отделенной от основной Испании Кантабрийской горной грядой. Первый раз Хевиа увидел волынки в возрасте 4 лет, когда он вместе со своим дедушкой был в Аманди. Вид человека с волынкой произвёл сильное впечатление на юного Хосе Анхела. Слияние волынщика, его музыки и его инструмента казалось для него магическим. С этого момента Хевиа начинает брать уроки игры на волынке.

Три раза в неделю, после школы, он ездил в город Гиджон. Армандо Фемандез, его учитель, учит его игре в традиционном стиле. Он приезжал домой в полночь и весь следующий день практиковался тому, чему его научили на занятиях, так что для других дел времени не оставалось. Его сестра, Мария Хосе, заметив, что барабанщики аккомпанируют всем волынщикам, решила поучаствовать. Один из лучших барабанщиков Вилависиоза, Сабино Кифуентес, согласился обучить ее всем традиционным ритмам в своём доме. После занятий Хевиа брал свою волынку и начинал играть, чтобы его сестра могла попробовать аккомпанировать ему. Все это часто оборачивалось большим шумом до тех пор, пока мамин подзатыльник не решал проблему. Вскоре после того, как они начали выступать вместе, их выступления уже не ограничивались их городком и они стали все чаще появляться в других городах.

С 1985 года Хосе Анхел начинает давать уроки игры и вскоре формирует группу вместе со своими учениками. С этого момента начинается новый период в его жизни. В это время волынки неожиданно становятся популярными среди молодежи Астуриаса, и музыкальные кружки растут как на дрожжах. Хосе Анхел лично основывает школы в своем родном городе Виллависиозе, а также в Кандасе, Рибадеселле и Мьересе, откуда появляются все новые и новые группы. В это время он также сотрудничает и записывается с различными фолк-группами. В то же время он изучает испанскую филологию в университете, но его реальной профессией становится музыка и волынка. В этом же году он разрабатывает миди-волынку. Все началось с того, что он пытался решить проблему, которая есть у каждого музыканта, репетирующего дома: как не раздражать соседей. В конце концов, он и его ученик Альберто Ариас, который был программистом, создали нечто вроде пластиковой шкалы с кнопками как у игрового автомата. В конечном счете, это и стало миди-волынкой, которая потом станет эмблемой и необходимой частью его работы.

В создании этой волынки так же принял участие электротехник Мигель Допико. Свою карьеру солиста Хосе Анхел начал в 1997 году. Он записал свой первый альбом Tierra de nadie (No Man's Land), который сразу стал успехом национального и международного масштаба. Его альбом, поддержанный мировым турне, бал выпущен более чем в 40 странах и во многих из них занял первые места в хит-парадах. Было продано более чем 2 миллиона дисков. Таким образом, альбом стал мультизолотым и мультисеребрянным во многих странах: Италии, Венгрии, Новой Зеландии, Бельгии и Португалии. Второй альбом Hevia выходит в 2000 году под названием Al Otro Lado (The Other Side). С этим альбомом музыкант отправился в новый тур по многим странам. В следующем году он исполнил свою мечту и ввел в строй фабрику музыкальных инструментов (arpha.com) в Гуадарамме. В 2003 году вышел его следующий альбом – Etnico Ma Non Troppo.

Дискография

1998 Tierra De Nadie (No Man's Land)

2001 The Other Side

2003 Etnico Ma Non Troppo

2007 Obsession

2009 Lo Mejor De

Ссылки

http://www.hevia.es/ - Официальный сайт

Биография

Стивен Халперн – известный композитор музыки для расслабления и целительства. С 1971, года Халперн начал эксперименты со звуком, сознанием, влиянием волн мозговой активности на процессы исцеления и эффектом фотографий Кирилиан. За более чем 30 лет  работы он как никто другой много сделал для популяризации и использования музыки для исцеления и сохранения здоровья. Путешествуя и читая лекции о влиянии музыки на здоровье, он получил международное признание.

Доктор Халперн использует музыку для увеличения способности тела излечивать себя, приводить к балансу и гармонии. Используя специальное музыкальное оборудование, он сочиняет музыку, синхронизирующую работу мозговых полушарий, усиливающую амплитуду альфа волн, связанную с  чувством благополучия и удовлетворенности. Стивен Халперн является автором более чем 60 музыкальных альбомов. Он автор, многочисленных статей, и редактор ежемесячного информационного бюллетеня. Музыка Халперна – идеальный музыкальный фон для занятий йогой, массажа, медитации, и методов целительства всех видов. Его записи используются в целительских центрах, приютах, школах и офисах во всем мире. Музыка Халперна – это музыка исцеляющих медитаций. Она наполнена светом и ангельской исцеляющей энергией. Эта музыка поднимает энергетическую вибрацию любого окружающего пространства.

Spectrum Suite (Спектральная Сюита). Этот альбом специально написан, чтобы пригласить Вас в путешествие через чакры. Эта музыка чакр создает в человеческом теле  некоторый диапазон вибраций, который особенно подходит для релаксации и исцеления. Это хороший метод для вхождения в более высокие состояния сознания. Вы почувствуете эту музыку в своем третьем глазе.

Inner Peace (Внутренний Мир). Внутренний Мир создает изящный оазис ясности. Музыка лирическая, с искрящейся ангельской соразмерностью и мультислоистыми оркестровками, которые открывают сердце и преображают душу. Идеальна для медитации, молитвы и ускоренных методов обучения.

Accelerating Self-Healing (Ускорение Самоисцеления). Уполномочьте собственную внутреннюю мудрость вашего тела начать процессы самоисцеления. Усильте вашу иммунную систему и укрепите здоровье, уменьшая ваше напряжение. Это произойдет, так как Вы слушаете эту красивую и релаксирующую музыку. Рекомендуется для страдающих от хронических и острых болезней в больницах, приютах,  лечебницах и других заведениях здравоохранения.

Music for Sound Healing (Музыка для Исцеления Звуком). Используйте терапевтическую силу музыки, и наслаждайтесь более высокими уровнями здоровья и благосостояния с этим уникальным CD! Много ведущих медиков (таких как Dr. Herbert Benson, Dr. Andrew Weil and Dr. Deepak Chopra) полагают, что расслабление является фундаментальным компонентом хорошего здоровья. Специально написанная музыка Стивена создает пространство, время и тишину, чтобы эффективно вызвать вашу реакцию расслабления. Слушая эту запись, Вы заметите, что Вы дышите более медленно и глубоко. И что ваше напряжение тает. Это – «Эффект Халперна».  Музыка для Исцеления Звуком создает успокаивающую и преображающую среду для выздоровления.

Sound Chi (Звук Чи). Feng Shui – искусство Китая, основанное на гармонических соотношениях в природе. Этот альбом - идеальный звук, чтобы поднять вашу Chi (энергию жизни) и увеличить качество вашего Feng Shui. Электропиано, бамбуковую и серебряную флейту, дополняют мелодии певчих птиц, ветра и воды.

Comfort Zone (Зона Комфорта). Добро пожаловать в Зону Комфорта. Ваш личный оазис отдыха. Изящная музыка, на сольном фортепиано и электропиано обеспечивает атмосферное окружение, которое является, и функциональным и мастерски исполненным. Зону Комфорта можно слушать во многих случаях: на работе, дома, с друзьями или семейством. Закройте ваши глаза, глубоко вздохните, и наслаждайтесь расслаблением и возрождением от нахождения в вашей Зоне Комфорта.

The Sacred Chorde (Священный аккорд). Французский  целитель звуком Фабиен Маман создал необыкновенный 77-струнный инструмент, monochorde. Его тон производит захватывающее дух звучание, передающее колебания исцеления и приводящее в гармонию тело, разум и дух. Вдохновенная игра Халперна на рояле добавляет в дуэт кельтского духа, индийских раг и блюзовой музыки.

Chakra Suite Есть люди, диски, книги и фильмы, значение которых трудно переоценить, оглядываясь на произошедшие события лет так через тридцать-сорок. Как знать, каким бы путем пошло развитие музыки new age (и было бы оно, это развитие), если бы в 1975 году американский композитор Стивен Халперн, до этого подвизавшийся на ниве джаза, не выпустил бы альбом Spectrum Suite. По легенде, уже тогда в названии диска должно было фигурировать слово Chakra однако издателям показалось, что малознакомое (!) понятие из восточной философии покупателя привлечь не сможет – знали бы, что их ждет спустя пять-десять лет. Знал об этом автор, хорошо ориентировавшийся в духовных поисках своего времени и называвший композиции Harmonic Convergence и Ascension, отражая важные события, вдохновленные ченнелингом и прочими явлениями. Диск Халперна рынок взорвал – очень хорошо продавался, оккупировал альтернативные чарты, разошелся на цитаты, оказался во множестве клиник и медицинских центров, и сделал все для того, чтобы его избрали той самой точкой отсчета, с которой и начался new age (стоить отметить, что у европейского слушателя на этот счет несколько иное мнение, но речь сейчас не об этом). Слушая Chakra Suite сейчас, можно испытать и восторг от прикосновения к легенде, и легкое недоумение. В распоряжении Стивена было электронное пианино и пара синтезаторов, при помощи которых и были сочинены эти непродолжительные, легкие, кажущиеся прозрачными и воздушными композиции, звонкими переливами входящие в личное пространство слушателя и примерно на час заставляющие его забыть о невзгодах и прочих малоприятных вещах, несовместимых с этой магией звуков. Для диска существуют правила прослушивания, варианты работы с треками, схемы и графики того, как эти композиции воздействуют на ауру человека и прочищают чакры – и этому, честно говоря, хочется верить. При всем этом ни одна из композиций диска не кажется сложной или какой-то особенно виртуозной, здесь, скорее, правит минимализм, и часто посещает ощущение того, что, выйди Chakra Suite сейчас, он бы просто затерялся среди аналогичных релизов, будучи несовременным и излишне простым. Но, все равно, очень значимая и весомая работа, о которой забудут не скоро и которой предстоит еще много переизданий, ведь сила творчества либо есть, либо ее нет – а здесь все понятно с первых же аккордов. Вспомни, как все начиналось.

Gifts of the Angels Среди множества альбомов классика и практически основоположника стиля new age Стивена Халперна удивленный слушатель найдет не так много (для такого количества) «оригинальных» произведений. В основном в последнее время Халперн специализируется на издании т.н. «вспомогательных» релизов, помогающих при тех или иных проблемах со здоровьем или жизненных неурядицах. По этим компиляциям (желая охватить с их помощью весь спектр человеческого бытия, «Доктор Звук» дошел уже до создания работ, направленных на лечение простатита, сей факт любой циничный слушатель может списать на излишнее самомнение и желание просто заработать на проблеме, не прилагая никаких усилий) кочуют легко узнаваемые хиты композитора, такие, как Radiance, Angels of Music и классический Canon in D Major Пахельбеля, открытый именно Халперном для широких нью-эйджевых кругов, отчего эта композиция существует в сотнях, если не тысячах вариантах, успев набить оскомину. Но я говорю с позиции настоящего времени – а ведь Gifts of the Angels увидел свет в начале девяностых и стал настоящим откровением для тогда еще не сильно избалованных поклонников нью-эйджа. Цель компиляции проста – собрать под одной обложкой проверенные композиции (а также несколько новых вещей), так или иначе связанные с понятием «ангельской музыки», которая обычно выражается возвышенными хоралами, ниспадающими вниз лучами божественного света и необременительной музыкой, в которой легко почувствовать пленительные сакральные интонации. Все это сделано для того, чтобы диск стал замечательным подспорьем для сеансов массажа, целительства, медитаций и контактов с ангелами-хранителями (первые пункты уже воспринимаются как нечто должное, поэтому иногда стоит ориентировать поклонников на более экзотические вещи, чтобы привлечь их внимание). Здесь все условия выполнены в полной мере, а сочинения, изначально лишенные ангельских прелюдий, были дополнены синтезаторными партиями, имитирующие гармоничное пение небесных обитателей. Халперн исполняет свои невесомые мелодии на синтезаторе, гораздо реже пересаживаясь за пианино, чтобы выдать что-то экспрессивное и эмоционально зараженное, как, например, Celestial Prophecy, всегда оставаясь творцом светлых, безмятежных произведений, которые спешат дотронуться до души каждого из слушателей, перестроить потоки энергии и дать силу для самопознания и открытия целого мира вокруг себя – или же просто помогают расслабиться и легко уснуть, что в наше время кажется даже более существенным. Слушатели отвечают благодарностью – как и многие работы Стивена, Gifts of the Angels был сразу же признан шедевром, и сейчас, спустя годы, ее рекомендуют первым делом тем, кто хочет открыть для себя мир возвышенной и духовной музыки. Я присоединюсь к тем, кто советует услышать этот диск, равно как и прочие альбомы композитора – несмотря на нарочитую простоту, в этих звуках проявлено множество положительных вибраций, чистого, незамутненного позитива и всепроникающего тепла. Действительно, это дар ангелов, верите вы в них или нет.

Deep Alpha В последние годы среди музыкантов и поклонников нью-эйдж вошло в обиход понятие «зона релаксации» (relaxation zone), которым принято обозначать эффект от прослушивания направленной на расслабление и борьбу со стрессом музыки, помогающей как бы создать вокруг слушателя идеальное комфортное пространство, в котором он обретает полный покой. Пожалуй, не будет излишним преувеличением фраза о том, что одним из талантливейших «архитекторов» таких зон является американский композитор Стивен Халперн, на счету которого не только множество поистине революционных в рамках жанра релизов, не только престижные премии, но и искренняя любовь поклонников, для многих из которых его музыка открыла в двери в дивный мир — мир, который на самом деле всегда был внутри них, просто не было времени и сил отыскать его. Deep Alpha — новый альбом Стивена в серии High Coherence Soundscape, в рамках которой автор создает композиции на основе частот головного мозга, отвечающих за расслабление, отдых и креативность. Альфа-волны дарят глубокий покой вместе с чудесной музыкой Халперна, которую узнаешь с первых же нот: по кристально чистым переборам клавиш электронного пианино Родес, звучание которого, вдохновленное джазовыми импровизациями, легло в основу стиля Стивена; по ниспадающему эху ангельских голосов; по изящным изгибам струнной секции; по звукам окружающего мира, который общается с нами шумом набегающих волн и дуновением ветра. По тому извечному пути, который мелодии, направляемые Мастером, проделывают на протяжении альбома, следуя в начале за зовом гобоя (его партии исполняет Пол МакКэндлсс) и постепенно, сквозь фракталы памяти и спирали галактик, приближаясь к познанию величественной и вечной Музыки Сфер, каноны которой «обычные» инструменты воспроизвести не могут, уступая место тягучему, погружающему в себя амбиенту, расчерченному курсивом вибрирующего баса Майкла Манринга. Поднятые волной звуков, этот путь проделываем и мы, слушатели, в чьи души проникает кристально чистая энергия обновления, открывая потаенные двери в божественные зоны нашего естества, выталкивая наши «Я» на просторы бесконечной Вселенной в то время, как вибрации указанных выше частот обустраивают внутри нас уютные зоны релаксации. Может быть, это все звучит высокопарно, но простая рекомендация, допустимая по отношению к другому автору, здесь была бы лишней, т.к. музыка Стивена Халперна в рекомендациях не нуждается. Deep Alpha — музыка мира невидимого и мира необозримого.

Seaside Slumber Конечно, многим музыкантам и исполнителям было бы не очень приятно услышать в свой адрес фразу «я отлично выспался под вашу музыку». Но есть и те, для кого эти слова станут настоящей похвалой, подлинным признанием их талантов. Один из них – гениальный композитор Стивен Халперн, более трех десятилетий сочиняющий музыку для релаксации, медитации, духовных практик и медицинских процедур, для борьбы с последствиями стресса и другими психическими проблемами. Для данного издания серии Metamusic (музыка в сочетании с сигналами Хеми-Синк института Монро) был выбрал альбом Стивена Ocean Suite, специально предназначенный для глубокого сна. В него вошло десять инструментальных композиций (последняя, одиннадцатая, дает возможность Великому Мировому Океану выступить «сольно») сыгранных на фортепиано и электронном пианино, спокойные, расслабленные мелодии которых соседствуют с шумом мягко набегающих на берег волн. Все что вам потребуется при прослушивании Seaside Slumber, это: воспроизводящая аппаратура, наушники, комфортная обстановка, которую не нарушит неожиданный шум или визит. Отличным вариантом стал бы гамак, подвешенный между пальмами недалеко от берега, но это вполне можно заменить, просто визуализируя обложку диска. Вот и все, все остальное эта простая и легкая музыка вместе с сигналами, синхронизирующими полушария мозга на нужной частоте, сделает сама, отправляя ваше сознание в странствие по фазам сна, подарив сначала теплую негу и неглубокую дрему (начальные треки, сыгранные на фортепиано) и постепенно закрепляя и углубляя это состояние до спокойного, размеренного сна, дарующего отдых и расслабление. Очень эффективное средство для ликвидации бессонницы и нервозности, поэтому не стоит слушать Seaside Slumber за рулем или во время работы с механическими объектами и предметами – но это, пожалуй, единственное ограничение, во всех остальных случаях альбом заслуживает только положительных оценок и строгих рекомендаций. Красивая и комфортная, нежная и ласковая, дружелюбная музыка настоящего Мастера.

Lake of Souls В нашей стране жанр «управляемой медитации» (доступной на компакт-дисках или в сети Интернет и позволяющей заниматься дистанционно и тогда, когда это удобно, но не разрывая связи со своим наставником, чей голос проводит слушателя по внутренним мирам под расслабляющую музыку) еще не так сильно развит, как на Западе, где на пике интереса к различным духовным практикам появилось целое поколение целителей, учителей, мастеров и психологов, готовых решить все ваши проблемы и даже, согласно учению незабвенного Ошо, дать посвящение прямо на бегу, если это нужно. Хотя и в России некоторые наставники делают первые шаги и прибегают к такому способу работы с учениками, и, не исключено, что однажды информация об этом появится на этих страницах. Пока же обратимся к типично западному продукту духовной жизни. Джефф Бэйкер рассказывает немного о себе в трехминутном вступлении, откуда (при достаточных навыках в английском языке, что затрудняет интеграцию подобных уроков в другие страны) мы узнаем, что этот молодой человек вобрал в себя все, что только актуально в среде адептов Новой Эры. Он целитель, чьи старания направлены на альтернативное лечение раковых заболеваний, мастер сатсангов, ведущий семинаров, медиум, занимается поиском пропавших людей, сотрудничая с полицией, а также служит проводником для духовной сущности по имени Илья (Elijah), может быть, ветхозаветного пророка, которого сам Джефф называет просто своим лучшим другом. Вместе с другом Бейкер приглашает всех желающих совершить путешествие к мифическому озеру душ, откуда мы все вышли и в водах которого когда-нибудь растворимся, вписав свои духовные имена и деяния в Хроники Акаши. Можно сказать, что Lake of Souls – это медитация через визуализацию, во время которой человек, ведомый медленной и вкрадчивой речью (у Джеффа очень приятный голос и расслабляющие интонации, если слушая вступление, еще можно уловить в его словах нотки вальяжности, то за час в его компании он сильно располагает к себе), должен контролировать свое дыхание, представлять спуски и подъемы по лестницам, погружение в то самое озеро и делать прочие вещи, способствующие предельной концентрации, но не слишком сложные. Все хорошо, но, спросите вы, зачем это тем, кто плохо владеет языком и вполне может воспользоваться отечественными аналогами? Отвечу просто – волшебство здесь творит Стивен Халперн и его космическая, ангельская музыка, которую очень трудно заподозрить в принадлежности к бренному миру. Потоки лучистого света и тепла, голоса ангелов и кристально чистые мелодии идеально дополняют голос, усиливая его эффект до такой степени, что можно совершенно не понимать, о чем идет речь, и, в то же время, легко проникнутся настроением, почувствовать себя полностью расслабленным и свободным. Комбинация усилий Бейкера и его старшего товарища дает сильный и яркий эффект, можно не понять ни слова и просто послушать диск от начала до конца, чтобы ощутить его. Одним словом, душевно.

Deep Theta 2.0 Продолжение и, одновременно, «апгрейд» знаменитой серии релизов Стивена Халперна Brainwave Entrainment Music, последний релиз которой, Deep Alpha (кстати, тоже получивший продолжение в виде порядкового номера 2.0) в 2012 году был номинирован на Грэмми. В этой серии «Доктор Звука» Халперн использует в сочетании со своей релаксационной музыкой частоты, «настраивающие» мозг человека на определенные позитивные состояния. На данном релизе, как ясно из его названия, эта частота равна 4 Гц, это частота тета-волн мозга, которые соответствуют глубокой медитации. Эти диски очень хорошо зарекомендовали себя как среди профессиональных целителей, так и среди обычных слушателей, но Стивен решил пойти еще дальше и «усилил» музыку звучанием духовых инструментов. Выбор не случайно пал на бамбуковые флейты, индийскую бансури и китайскую сякухаси – эти инструменты имеют долгую историю и на протяжении веков были тесно связаны с духовными практиками, такими, как йога и искусство медитации. Для записи альбома Стивен пригласил трех выдающихся мастеров: Жорже Альфано, Шауки Рода и Ронни Нагетсу Селдина, исполнителей с индивидуальным звучанием и, в то же время, очень бережно относящихся к «первородному», исконному звучанию своих инструментов. Теперь Deep Theta 2.0 – это не только фирменная деликатная музыка Халперна, сыгранная на его любимом пианино Родеса и раскрывающая бесконечные и комфортные пространства внутреннего и внешнего космоса с помощью синтезаторов, генерирующих небесные атмосферы и ангельские хоралы. Теперь эта метафизическая музыка обрела подлинное и живое дыхание вечности, материализующееся в бесконечный океан комфорта, в котором сознание буквально растворяется, становится единым целым с этой древней энергией. «Усиление» эффекта от использования «правильных» частот головного мозга достигается еще и за счет природных звуков – ласково шумят волны, тихо что-то шепчет ветер, уносятся в бесконечность сакральные сигналы планеты Земля, вливаясь в Симфонию Космоса. Все это: пианино, синтезаторы, флейты, сгенерированные частоты и окружающие шумы, создают в итоге впечатляющий эффект полной сонастройки с этим невероятно ярким и прекрасным миром, даже если еще минуту назад вы прибывали не в самом лучшем настроении и испытывали нервное напряжение. «Превосходный альбом для медитации и отдыха» — так, наверное, можно сказать о каждом (из семидесяти с лишним, подумать только!) альбоме Халперна, но именно сейчас этот мастер в своем творчестве стремительно вышел на совершенно новый уровень и готов открыть вам совершенно изумительные вещи, пока еще спящие в глубинах вашей души.

Sacred Name Sacred Codes Джей Джей Хуртак – один из видных учителей и просветителей Новой Эры. Его основные научные специализации: египтология, история и археология, он преподает в Калифорнийском Университете, консультировал НАСА и тесно общался со знаменитыми астронавтами. Также он является одним из создателей Академии Наук Будущего, нью-эйджевой организации, призванной изучать возможности и эволюцию человеческого и космического разума. Его самая известная работа – «Книга Эноха», является запечатленными на бумаге откровениями Эноха/Тота (да, речь идет и о ченнелинге), представителе внеземной цивилизации, с которым Хутрак вступил в контакт в 1970 году и который когда-то направлял развитие нашей цивилизации в Древнем Египте. Далее – захватывающий фантастический поток грандиозных идей, пересекающийся с метафизическими посланиями Метатрона и Крайона. Квинтэссенция этих идей изложена самим автором в прологе (переход на высший уровень бытия, митахондрическая ДНК и ее слои, нуждающиеся в активации, энергетическое тело и прочее) к этому альбому, записанному им вместе со своей спутницей Дезри и знаменитым композитором Стивеном Халперном. Не буду скрывать, что в основном этот альбом и был изначально интересен участием в нем Маэстро, однако, в процессе прослушивания большое впечатление произвели и «вербальные послания», пропетые четой Хуртак и их друзьями. Говоря о Sacred Name Sacred Codes, сложно не вспомнить о другом Мастере исследования звуковых пространств Вселенной, о Джонатане Голдмане. Так же как в его творчестве, здесь прослеживается связь звуков и энергетики, их влияние на человека и Вселенную, желание исследовать силу древних гармоний, нашедшей свое воплощение с сакральных именах Бога, одним их которых (и, наверное, самым мистическим) было Ягве, или же, согласно транскрипции Хуртака, Y-H-W-H. Распевая его на протяжении всего альбома, исполнители не просто повторяют слова, они дают слушателю установку, энергетические ориентиры, способные привести к гармонии. Объединяющие идеи нью эйджа приносят в альбом интонации древних языков и цивилизаций – шумерской, египетской и близких к ним, также слышны мотивы коренных американцев и прочих народов, история которых уходит корнями в далекие времена, и может быть, начало ее было положено едиными силами совсем другого уровня бытия. По-крайней мере, молитвы и послания, спетые здесь, содержат отсылки к некоему универсальному источнику и звучат (в основном за счет реверберации и эха, позволяющим превратить несколько голосов поистине в космический хор) гораздо древнее и глобальнее, нежели их «отголоски», запечатленные в культурах разных народов нашей планеты. Аккомпанирующий вокалистам Стивен Халперн привычно-бесподобен в создании легких и расслабленных композиций, в которых слышится, однако, необъятный космос: переливы пианино Родеса наложены на атмосферный, возносящийся в своей легкости и пронизанный будоражащей загадочностью эмбиент, в пространстве которого заманчиво перетекают потоки света и тепла, льются фонтанами звуки арф и пронзительно и тонко поют, вторя ангелам, флейты, соединяя свои голоса с дыханием Вечности. Подчас создается сильный трансовый эффект, а порой слушатель просто вылетает из реальности, но не стоит бояться такой реакции на музыку: авторы не пытаются залезть к вам в голову и оставить там свои коды насильно, они просто мастерски раскрывают существование другой реальности, присутствие которой всегда улавливали мудрецы и поэты, пытаясь выразить их в стихах, а сейчас удивительное и полное ежедневных чудес Новое Время делает ее ближе ко всем людям. Подпевайте – может быть, зародившиеся внутри вибрации помогут и вам легко и просто познать и принять ее путем раскрытия и усиления личного потенциала?

Ambient Alchemy Почти под занавес года, который подарил нам много интересной и яркой музыки, вышел совместный релиз двух выдающихся музыкантов, каждого из которых можно назвать не просто исполнителем, а творцом миров, взявшим на себя непростую миссию быть проводником для слушателей по реальным и вымышленным измерениям нашей безграничной Вселенной. Речь идет об альбоме Ambient Alchemy Стивена Халперна и Майкла Даймонда. Стивен – признанный классик и один из создателей жанра «нью эйдж», музыкальный терапевт с мировым именем и автор множества релизов. Майкл, может быть, известен чуть менее, и в его дискографии альбомов значительно меньше, что нисколько не принижает его талантов. К тому же именно его я могу назвать, в некотором роде, коллегой – он многие годы ведет блог, где размещает рецензии на современную инструментальную музыку. И именно Майкл, как подсказывает слух, занимает ведущую роль на этом альбоме, хотя границы в духе «кто, что и как делал» проводить, конечно же, неразумно. Разумно включить музыку, закрыть глаза и отправиться в путешествие: как и принято в мире «Новой Эры», авторы старательно охватывают множество важных тем и образов, взывая к подсознанию, Высшему Разуму, этническим мотивам (наглядно проявляющих себя тонкой вязью перкуссии и чарующими аккордами экзотических инструментов, когда речь заходит о Шамбале и Атлантиде), бездонному и непознанному Космосу, скрытым под толщей океана мирам и древним эзотерическим тайнам, которые можно познать только с помощью алхимии. На протяжении всего альбома Даймонд создает протяжно-бесконечные гитарные партии, создающими мистическое переплетение резонансов (его манеру легко можно сравнить с психоделическими импровизациями Роберта Фриппа), на фоне которых сосуществуют зачарованно-спокойные переборы струн. Добавьте к этому растекающийся в пространстве глубокий бас в исполнении одного из признанных в мире музыке басистов, Майкла Мэнринга, и вы получите неплохое представление об основе этого альбома, который может представлять интерес и для любителей «умного» рока. Все это плывет в бесконечность на фоне плавного синтезаторного эмбиента, важную роль в котором играет, конечно же, небесные интонации Халперна, хорошо знакомые его преданным поклонникам – здесь объединены пульсации незримой Вселенной, целебные вибрации Микромира и музыка Высших Сфер. Это создает умиротворяющий эффект, но авторы, однако, не стремятся к тому, чтобы слушатель «уплыл» и потерял нить повествования – напротив, они следят за тем, чтобы вам было интересно до самого конца, чтобы музыка порождала разнообразные образы и находила к глубинах души самые нужные струны, воздействуя на которые, она могла бы открыть вам новые грани реальности и ее многочисленных слоев. Выдающийся альбом.

Дискография

1977 The Rain Meditation [with Sunil K. Bose]

1978 Ancient Echoes [with Georgia Kelly]

1982 Whisper On the Wind

1985 Spectrum Suite

1986 Shared Visions [with David Friesen]

1987 Among Friends

1989 Radiance

1991 Effortless Relaxation

1991 Radiant Healh & Well-Being

1991 Self Esteem

1992 Higher Ground

1993 Dawn

1993 Eastern Peace

1994 Crystal Suite

1994 Enhancing Creativity

1994 Gifts of the Angels

1994 Sleep Soundly

1994 Spectrum Suite

1995 Trance-Zendance - Ambient Entrancement

1996 Afro-Desia [with Suru]

1996 In the Key of Healing

1998 Prophecies [with Dik Darnell]

1999 Music For Accelerated Learning

1999 Serenity Suite

2000 Deja Blues

2001 Music for Yoga

2002 Inner Peace

2002 Music for Healing

2003 Crystal Bowl Healing

2003 Ocean Suite

2005 Chakra Suite

2005 Tonal Alchemy

2005 Trance Zendance Ambient Entrancement

2006 Deep Journeys

2007 Drum Spirit [with Sound Medicine Band]

2007 In the OM Zone

2007 Peace Of Mind

2008 Relaxation Suite

2009 Seaside Slumber

2011 Deep Theta

2012 Deep Alpha - Brainwave Synchronization for Meditation & Healing

2012 Listen & Lose Weight

2012 Your Best Music for Sleep

2014 Ambient Alchemy [with Michael Diamond & Michael Manring]

2015 Among Friends - 1975-2015 - A 40 Years Retrospective

2015 Deep Alpha 2.0

Ссылки

Биография

Некоторые музыканты идут к своей вершине многие годы, а другие, подобно ярким звездам, вдруг вспыхивают на музыкальном небосводе и затем прочно обосновываются на нем. Николас Ганн как раз принадлежит к числу последних. Он стремительно ворвался в мир современной ньюэйджевой музыки и, похоже, практически сразу стал одним из тех, без кого сегодня эту музыку представить невозможно. Вообще, этот исполнитель интересен не только своим стремительным «прорывом», но, в первую очередь, своим уникальным талантом.

Николас Ганн – самый что ни на есть настоящий англичанин, родом из города Рочестера. Николас не музыкант-самоучка: за его плечами солидное классическое образование, которое он получил в Рочестерской Королевской школе музыки (Royal School Of Music). Именно в этом учебном заведении он выучился играть на флейте и изучил базовую теорию музыки. Затем после его окончания юноша направился в Южную Калифорнию, где и обосновался. Там он начал сочинять собственную музыку и поначалу исполнял ее друзьям, приходившим в его дом. Произведений становилось все больше, они были очень ярки, ни на что не похожи, и долго так продолжаться не могло: творчество Николаса должно было найти выход к широкой аудитории. И это произошло! В 1993 году Ганн записал на студии Real Music свой дебютный альбом, называвшийся Afternoon In Sedona. Успех этого диска был огромен. Что же особенного было в его мелодиях, что заставляло говорить о нем как о новом, выдающемся явлении в мире современной инструментальной музыки? Прежде всего, стиль Николаса был индивидуален и узнаваем с первых же аккордов. Музыкант нашел свое особое звучание: он соединил воедино нежную флейту и страстные «живые» барабаны, на которых, кстати, он тоже великолепно играет. Сюда же добавилась безупречная мелодическая линия электронных клавишных и иногда, очень тонко, что бы вы думали? Настоящая фламенковская гитара! Она придала музыке Ганна еще больше страсти и гармонии. И во всем этом еще присутствовал индейский колорит: у Николаса особая любовь к музыке коренных жителей континента. Произведения Ганна мелодичны, в них все тонко выверено: чувствуется хорошее музыкальное образование. Но если остановиться только на этом, будет упущено самое главное: музыка Ганна имеет духовные качества. Она обладает силой, страстностью, заражает своей энергией и при этом интеллигентна. Музыкант говорит на языке, доступном многим, стараясь донести до нас свой внутренний поиск. Николас так описал свою композицию Qomolangma: «В уме и сердце каждого человека есть место, где он может чувствовать всю мощь земли. Там мы можем найти покой и безмятежность, желание жить в гармонии с природой». И надо сказать, что все сочинения Николаса Ганна очень земные и естественные. В них проявляется скрытая мощь матери-земли, одухотворенная горячим сердцем исполнителя.

Самые значительные события в творчестве Николаса случились позже. В 1994 году выходит его альбом Sacred Fire, а годом спустя The Music Of The Grand Canyon. Интересно, что оба этих альбома попали в главную десятку хит-парада журнала Billboard. Первый из этих дисков, Sacred Fire, выделялся не только фирменным «ганновским» звучанием, но также и тем, что в его записи участвовало много других разнообразных музыкантов. К примеру, в Odessa, часто крутившейся в разных танцевальных клубах, звучит вокал Кассандры Шеад (Casandra Sheard). В композиции From Heaven To Earth можно услышать известную скрипачку Карен Бриггс (Karen Briggs), принимавшую участие в записи альбомов и концертах Янни (Yanni). Но, наверное, главным украшением Sacred Fire стала классическая гитара Завье (Zavier). Его инструмент с мягкими нейлоновыми струнами гармонизирует музыку Николаса, придает ей завершенность. И если для Sacred Fire подходит просто множество самых добрых слов, то The Music Of The Grand Canyon, вышедший в серии The National Parks Series, изданной студией Real Music, можно смело назвать классикой жанра. Кто-то может засомневаться, а не слишком ли громко сказано? Но так и есть! Многие считают, что этот альбом, как и другие из этой же серии, войдет в музыкальную историю, и в будущем его будут изучать как пример какого-нибудь «канонического нью эйджа». В нем все сплавлено воедино: перкуссия, флейта, мелодичные клавишные, гитара, голоса индейцев и природные звуки. Причем разнообразнейшие природные звуки были записаны именно там, в Национальном парке. Это Его голос – голос Великого каньона.

«Как композитор и музыкант я верю, что все – земля, люди, объекты – резонирует с определенной частотой звука. Используя инструменты и звук, я перевожу эту энергию в изображения. Композиции альбома не обязательно посвящены тому, что я видел в Каньоне, скорее, это – отражение той частоты, которая ему присуща», – рассказывал Николас. И именно в этом я вижу главное достоинство альбома. Для меня The Music Of The Grand Canyon принадлежит к новому виду, который я называю visual music. Это та музыка, которая способствует визуализации, которая развертывает перед слушателем различные картины. Когда слушаешь, например, композицию Flight Over North Rim, словно сам пролетаешь над ним, и с высоты птичьего полета перед глазами развертывается его панорама. Стилю Ганна вообще свойственна широта, масштабность. Кроме того, исполнитель, привнося в свои произведения элементы, принадлежащие различным музыкальным традициям, и объединяя их своей индивидуальностью, создает музыку, которая становится уже больше, чем принадлежащей какой-то определенной культуре. Музыка приобретает глобальные, общечеловеческие черты, что, кстати, отличает лучшие образцы ньюэйджа в целом. «Звуки утесов, залитое лунным светом небо, далекое эхо, бирюзовые воды и меняющиеся радуги – все это я старался поместить в мои мелодии. Я чувствовал мощь Каньона и безмолвную песню внутри его. Закройте глаза и путешествуйте вместе с «Музыкой Великого каньона». На композиции Grand Canyon записан голос индейца навахо, рассказывающего под музыку Ганна об этом величественном памятнике природы. Интересная деталь: 10 процентов средств с продажи альбома Николас и студия Real Music решили отдать на нужды Ассоциации Великого каньона (Grand Canyon Association), занимающейся проектами по сохранению уникального заповедника. По оформлению этот диск – настоящее произведение искусства, один из самых лучших среди всех, что мне доводилось когда-либо видеть.

Николас не удовлетворился достигнутым: в 1996 году он выпускает свой следующий, ставший уже четвертым в его дискографии альбом Crossroads. Это был смелый, во многом экспериментаторский проект. Чувствовалось, что в его творчестве наступил переломный момент. Crossroads явил слушателям нового Ганна: более зрелого и вместе с тем утонченного. Кроме того, здесь особенно сильно проявилась любовь Николаса к индейской культуре. Может быть, изменения были связаны с тем, что впервые как соавтор и аранжировщик на Crossroads выступила жена Николаса – Шерил Ганн (Cheryl Gunn). Аранжировки усложнились, стало больше электроники, наряду с привычными живыми барабанами и флейтой Николаса, акустической гитарой Завье и голосами индейцев появились и скрипки, и акустическое пианино, и даже вокал: Шерил очень чувственно исполнила композицию Forever. Вообще, музыка Ганна стала более динамичной, эмоциональной, хотя Crossroads и получился стилистически расплывчатым и неровным. Чувствовалось, что исполнитель находился в творческом поиске, стремясь обновить саунд и найти новые средства для выражения своих идей. Может быть, из-за этих поисков музыка Crossroads (особенно, если в нее пристально не вслушиваться) казалась несколько противоречивой, и поклонникам творчества Николаса воспринять этот альбом было сложнее, чем его предыдущие работы. Поэтому успех Crossroads оказался куда скромнее, чем Sacred Fire или The Music Of The Grand Canyon. И если, прочитав эти строки, вы решите, что сей диск оказался попросту провальным, потому что Николас увлекся новациями и «завалил посевную», то я не буду вам возражать. Просто без этих поисков не было бы двух последующих превосходных альбомов, в которых музыкант обрел цельность и нашел новые формы выражения своих идей. Но об этом чуть позже. Возвращаясь же к Crossroads, замечу, что даже для самого взыскательного критика на альбоме было нечто, заставившее любого из них замолчать: удивительные по красоте композиции Crossroads, Forever и особенно Return Of The Butterfly. В них в полную силу раскрылся талант Ганна как мелодиста. В следующем, 1997 году сольных проектов у него не выходило, но это не значит, что Николас взял некую паузу. Он продолжал активно и плодотворно работать.

Музыкант принял участие в записи дебютного альбома Шерил Vanity Of Venus, вышедшего на Anagram Records. Ганн ассистировал своей жене и его влияние сильно чувствуется. Альбом получился романтичным, искренним и очень чувственным, что позволяло сравнивать этот диск с работами Энии (Enya). Похоже, Николас не только обрел свою любовь, но и успешно открывал новые горизонты своего творчества.

Альбом Passion In My Heart стал одним из самых значительных событий в ньюэйджевой музыке. Фирменные аранжировки Ганна остались прежними и вместе с тем чуть-чуть изменились. Они стали еще более эмоционально насыщенными. При этом музыка Николаса, как всегда, предельно точно и лаконично выражает его идеи. В результате своих поисков музыкант достиг, пожалуй, совершенства формы. Особенно мощно звучат следующие одна за другой и сливающиеся воедино композиции El Gavilan и Pale Moon Rising. Шерил помогала Николасу записывать этот альбом, приняв участие в создании аранжировок и исполнив партии на клавишных. Если каждого музыканта сравнить с какой-нибудь стихией, то Николас Ганн – это, безусловно, огонь, порой мягкий, согревающий душу, порой страстный, обжигающий. И еще маленький штришок к альбому: в Passion In My Heart, несомненно, присутствует сочетающаяся с вдохновленностью ясность разума. Ганн говорит, что в своей музыке он стремится отразить все хорошие стороны жизни. «Я изображаю мир, каким он должен быть, где все находится в балансе».

В июне 2001 года на молодой и активно развивающейся студии Earthtone Records вышел новый альбом Cheryl Gunn «The Sun At Midnight» (Полуночное солнце). Эту работу можно смело занести и в актив Николаса, выступившего не только как флейтист, но и как аранжировщик. Николас и Шерил – это скорее дуэт, они помогают друг другу, и даже не столь важно, под чьим именем выходит новый альбом. Здесь обязательно будет присутствовать «фирменный» почерк Николаса, это обязательно будет ньюэйдж высочайшей пробы. Шерил же вносит мягкость и женственность в музыку. Так и соединились два начала – мужское и женское не только в супружестве, но и в музыке. Николас создает музыку, которая поднимает дух, придает энергию. Она для того, чтобы жить в полную силу, тотально. Музыка Ганна для тех, кто хочет быть активным и действующим в этой жизни!

Beyond Grand Canyon Свое музыкальное путешествие по самым красивым и величественным местам американского континента Николас Ганн закономерно начал с Великого Каньона, но затем пришло время двигаться дальше – и в 2006 году на лейбле музыканта Gemini Sun вышел его очередной альбом, названный Beyond Grand Canyon. Его издали в серии Audio Visual Connect, в рамках которой каждый из альбомов (а среди авторов успели отметиться и 2002, и Дэвид Аркенстоун, и даже наш соотечественник Витас!) был дополнен DVD с видовыми фотографиями, дополнявшими звучащую музыку и делавшими ее поистине интерактивной. Путешествие Ганна за пределы Великого Каньона и его экскурс по прочим, не менее впечатляющим национальным паркам юга-востока Америки выглядело и звучало великолепно. По прошествии лет, в связи с выходом нового диска этого признанного мастера, молчавшего целых пять лет, лейбл Spring Hill Music решил переиздать лучшее из его дискографии, и первым среди вновь увидевших свет релизов стал этот диск: уже без видео сопровождения, но это не страшно – слушая музыку, вы все равно увидите те невероятные красоты, представшие взгляду Николаса, причем сможете сделать это, так сказать, в исторической перспективе, узрев не только настоящее, но и прошлое гигантских природных монументов, хранящих память Земли. Память и вдохновение – это то, что связывает эти места и музыку Николаса. В узнаваемой манере, сочетающей классическую музыку, нью эйдж и этнические мотивы с атмосферными зарисовками синтезаторов и полными эйфории вокализами (иногда напоминающими гимны Adiemus, но имеющими больше связи с «народными» традициями), он создает настоящую симфонию, передающую искренний восторг человека, оказавшегося в месте, где само время замерло в причудливых изгибах камней, где дожди и ветра вымывают из каменных пластов кости земли, где сквозь причудливые каменные арки преломляются закатные лучи. В этой симфонии есть отголоски событий запредельной давности, но Николаса больше интересуют истории не столь далекого прошлого, когда на этих просторах писалась новая история американского континента, вырастая из противостояния культур: культуры коренных жителей и культуры первых заокеанских поселенцев, культуры конкистадоров, осевших в Латинской Америке. Пересечение этих культур было, мягко говоря, драматичным, но в музыке Beyond Grand Canyon вы этого не услышите. Здесь правит гармония, объединившая в единое целое шаманскую перкуссию и пение деревянной флейты-пимак, темпераментность фламенко (за гитарные партии отвечают постоянный коллаборатор Николаса Джонатан Линстид, а также Омар Торрез) и эхо традиционной ирландской музыки. И эта гармония концентрирует внимание слушателя не на разобщенности наций, а, напротив, на их единстве, позволившим им покорить и объединить американскую землю. Так что, Beyond Grand Canyon – это не только живые пейзажи, нарисованные талантливым визионером, это еще и живые истории, уместившиеся в тринадцать композиций-глав, открывшиеся не менее талантливому рассказчику. И слушать их, переходя от восторженной эйфории до тихой романтичной интимности этой красивой музыки – невероятно интересно.

Twenty Years of Discovery Последние года полтора ознаменовали собой возвращение на сцену Николаса Ганна, выдающегося музыканта, молчание которого, вызванное различными причинами, до этого сильно затянулось – прежде всего, вышел его новый альбом, были переизданы некоторые релизы из его бэккаталога, а также, в качестве подарка и, одновременно, более ознакомительного издания, охватывающего все его творчество, самим музыкантом был подготовлен сборник, и котором и пойдет речь. Twenty Years of Discovery – одиннадцать «классических» треков Ганна, две композиции с его последнего диска и две новые, ранее не издававшиеся вещи. Достойный набор для того, чтобы открыть для себя этого автора, или вновь погрузиться с головой в мир его живописных музыкальных пейзажей, не только показывающих все природные красоты американского континента (национальные парки всегда занимали особое место в творчестве Николаса), но и позволяющих почувствовать истинный дух американской земли, в которую вложили свои силы самые разные народы. В музыке Ганна находят свое место мотивы коренных индейцев Северной Америки и музыкальные традиции Латинской Америки, на которые сильное влияние оказали испанские завоеватели – здесь органично звучат флейты индейские и флейты перуанские, а приглашенные аккомпаниаторы (стоит отметить давнюю и плодотворную дружбу с Джонатаном Линстидом, гением испанской гитары) наполняют живописные и эмоциональные пейзажи зажигательными темами в стиле фламенко. Органично смотрятся и классические мотивы, помогающие своей оркестровой мощью передать захватывающую дух красоту американских ландшафтов – и вот уже в жарком полуденном мареве, чуть тронутом деликатным дыханием флейты и шорохом перкуссии, перерастающей в темпераментные ритмы, вырастают вдалеке силуэты величественных скал и каньонов, древние барельефы, помнящие времена, когда земля только приобретала свой настоящий вид. Николас легко может поведать историю романтическую, пронизанную тонкой лирикой человеческих эмоций, может заставить вас двигаться в быстром танце, купаясь в жарких лучах полуденного солнца, а может превратить вас в застывших от изумления наблюдателей, впервые узревших истинные шедевры природы – каждый раз этот мультиинструменталист рассказывает нам историю Земли, которая стала его домом и музой. Может быть, именно поэтому его гениальную композицию Earth Story лично я готов слушать бесконечно долго. The Best Мастера, поиски и открытия которого продолжаются и наверняка не будут ограниченны отметкой в двадцать лет, так что этот диск можно смело считать важным, но промежуточным этапом в его наполненной изысканиями жизни. Красивая музыка, вплавляющая культуры и чувства в единое целое.

Дискография

1994 Afternoon In Sedona

1994 The Sacred Fire

1995 The Music of the Grand Canyon

1995 The Music of the Grand Canyon 2CD

1996 Crossroads

1998 Passion in My Heart

1999 Return to Grand Canyon

1999 Return to Grand Canyon 3CD

2001 The Great Southwest

2001 Selection

2002 A Christmas Classic

2002 Through the Great Smoky Mountains [a Musical Journey]

2003 Journey to Yellowstone

2004 Breathe

2005 Saura

2005 Season's Greetings from the Grand Canyon

2006 Beyond Grand Canyon

2007 Encanto [with Johannes Linstead]

2008 Live [with friends]

2012 Thirty-One Nights

2013 Beyond Grand Canyon - Music of the Great Southwest National Parks

2013 Twenty Years of Discovery

2015 Beauty - Under the Influence of Music [single]

2016 Celtic Wedding Processional

2016 Love - Under the Influence of Music

2016 Nature - Under the Influence of Music

2016 Under the Influence of Music - The Complete Series

Ссылки

http://www.nicholasgunn.com/ - Официальный сайт

Биография

Vanity Of Venus (Тщеславие Венеры) дебютный альбом жены Николаса Ганна – Cheryl Gunn (Шерил Ганн) выпущенный на Anagram Records. Альбом получился романтичным, искренним и очень чувственным. Николас ассистировал своей жене, и его влияние сильно чувствуется в музыке альбома. Второй альбом Cheryl Gunn The Sun At Midnight (Полуночное солнце) выпущен на студии Earthtone Records. В этой работе Николас, выступил не только как флейтист, но и как аранжировщик. Николас и Шерил – это скорее дуэт, они помогают друг другу, и даже не столь важно, под чьим именем выходит новый альбом. Здесь обязательно будет присутствовать «фирменный» почерк Николаса, это обязательно будет нью эйдж высочайшей пробы. Шерил же вносит мягкость и женственность в музыку.

Дискография

1997 Vanity Of Venus

1999 The Sun At Midnight

Ссылки