Биография

Девакант (англ. Devakant, родился в 1955 году в городе Риверсайд, штат Калифорния, США) - американский мультиинструменталист, начал играть на трубе в 7 лет, на флейте в 15 лет, на фортепиано и скрипке в 17 лет. В Калифорнийском университете в Беркли он изучал классическую гармонию и композицию. Также изучал североиндийскую классическую музыку, будучи студентом музыкального колледжа Али Акбар в Марин Каунти, Калифорния. В Индию он впервые приехал в 1978 году, чтобы обучаться вокалу. За 15 лет он путешествовал по Индии много раз, прожив там, в общей сложности более 7 лет. В Бомбее он обучался у всемирно известного мастера индийской флейты Hariprasad Chaurasia. Также он освоил игру на Sarangi и Rudra Veena, двух малоизвестных, но очень старых древнеиндийских инструментах древнеиндийских инструментах. Devakant освоил игру на таких инструментах, как trumpet, bamboo flute, bass flute, violin, viola, electric violin, Celtic harp, piano, kyotaku, koto, zither, Tibetan trumpet и Taiko drum. На протяжении всей своей жизни Devakant учился как у мастеров музыки, так и у мастеров медитации. Он чувствовал, что с помощью практики медитации сможет создавать более глубокую музыку. Девакант много путешествовал по индуистским, джайнским и буддистским храмам, посещал тибетские монастыри и другие священные места, собирая зёрна, которые прорастут в его собственные музыкальные произведения. Девакант не только музыкант, но ещё и скульптор, и художник.

Дискография

1990 Eagle’s Flight

1990 Oceanic

1991 Door of Eternity

1992 Mystery Dances

1993 Concert in Japan

1994 Inner Explosion

1996 Sounds from Beyond

1996 The Narrow Road - To the Deeper Interrior

1997 Sacred Dances

2000 Seven Dreams

2001 Dreams & Visions [with Tomoe]

2003 Inside… is Forever

2004 Blowing Zen

2004 Mystic

2007 Inner Space

2009 A Healing Journey [with Susan Gregg]

2010 The Way Home

2012 Body & Soul

2014 Doors of Paradise - Choral Symphony in C#

Ссылки

http://www.devakant.com/ – Официальный сайт

Биография

Дойтер – немецкий музыкант, исполняющий медитативную музыку, основанную на смешении различных стилей и направлений.

Родился Георг Дойтер 1 февраля 1945 года в послевоенной Германии в городе Фалькенхаген. Самостоятельно учился играть на гитаре, флейте, гармонике, и вообще на любом инструменте, который только мог достать. Однако серьезно занялся музыкой лишь после того, как попал в автокатастрофу в двадцатилетнем возрасте.

Его первый альбом был выпущен в 1970 году и назывался незатейливо – D. Этот альбом обозначил начало музыкальной карьеры Дойтера, который начал закладывать основы нового жанра, экспериментируя с различными музыкальными инструментами и смешивая различные стили и направления музыки. Дойтер стоял у истоков музыки нью-эйдж, – именно его объединённое звучание электронных и акустических инструментов, приправленных звуками природы, положило начало стилю нью-эйдж.

В течение 1970-х – 1980-х годов Дойтер путешествовал по Азии в поисках духовного и творческого вдохновения. В течение длительного времени жил в ашраме Ошо в Пуне (Индия) и являлся его учеником, взяв себе имя Чайтанья Хари. При помощи кассетной звукозаписи, подготовил ряд музыкальных композиций, которые использовались остальными учениками Ошо – саньясинами – в качестве фона для медитаций. При записи этой музыки Дойтер использовал как электронные синтезаторы, так и традиционные индийские музыкальные инструменты. Кроме того, Дойтер добавлял в музыку различные акустические эффекты, которые делали его мелодии плавными и расслабляющими. В Пуне Дойтер работал вместе с такими музыкантами, как Анугама, Карунеш и Гови.

В начале 1990-х Дойтер разорвал контракт с немецкой звукозаписывающей компанией Kuckuck Schallplatten, которая до этого выпускала альбомы Дойтера, и подписал контракт с американским издателем из Санта-Фе (штат Нью-Мексико) «New Earth Records», которым владели его товарищи, бывшие ученики Ошо, Брикку Шобер и Вадуда Парадизо. Новый контракт оказался очень прибыльным, поскольку музыку Дойтера стали приобретать, чтобы использовать в сеансах Рейки, на сеансах массажа, в школах медитации и т. д.

В настоящее время Дойтер продолжает экспериментировать с различными музыкальными инструментами, включая барабаны, флейты, кото, ситар, фортепиано и т. д.

Tibet – Nada Himalaya 2 Творец в высшей степени безмятежной и красивой музыки, Deuter, конечно же, не мог обделить вниманием величественные Гималаи, обитель загадок, чистоты и вечного покоя. Если до этого альбомы композитора были исполнены на самых разнообразных инструментах, с предпочтением флейт и пианино, то этот диск записан при помощи тибетских поющих чаш, разнокалиберных колокольчиков и звуков природы. Выбор инструментов идеален для иллюстрации великих гор – действительно, звуковой ряд альбома словно воссоздает в воображении слушателя белые снега, зеленые долины, холодный ветер, и невероятные пейзажи, открывающиеся с вершин. Гималаи – это еще и нерушимый символ вечности, и музыка это ярко подчеркивает – здесь правят бал бесконечные гудения и гармоничные вибрации, словно изгоняющие из окружающего мира все бренное и сиюминутное, наполняющие взамен покоем и светом. И перезвон колокольчиков и чаш, уносимый эхом в бесконечность, и шум дождя, и песни ветра – все это словно переносит в далекий мир, непередаваемо другой, но, тем не менее, существующий рядом с нами, пусть и не всегда замечаемый. Можно провести параллели с некоторыми альбомами другого немецкого композитора, Клауса Визе, великого адепта поющих чаш и запредельных звучаний, но музыка Дойтера все-таки больше ориентирована на релакс и отдых. Что ее удивительных качеств нисколько не умаляет. Обязательный диск для тех, кто не мыслит свою жизнь без дымки благовоний, медитаций, и для тех, кто мечтает припасть когда-нибудь к белоснежному снегу Джомолунгмы и посмотреть с вершины на такое близкое небо.

Atmospheres Дойтер и раньше демонстрировал свое увлечение полотнами художников-импрессионистов, считая их идеи близкими своему творчеству – достаточно вспомнить картину Ван Гога «Оливковые деревья», использованную в оформлении наполненного зажигательной, искрящейся энергией диска Sun Spirit. В случае «Атмосфер» источником вдохновения для музыканта послужил пейзаж Клода Моне «Кувшинки», работа предельно простая и, в тоже время поразительная, притягивающая внимание своей нарочитой недосказанностью и демонтирующая методы живописи, прокладывающие дорогу к последующим экспериментам в области абстрактного искусства. Созерцая это полотно, Дойтер задумал выразить свои переживания тем способом, в котором он давно уже достиг совершенства – он решил написать свою картину, заменив краски звуками. Возможно, на данный момент это самая минималистичная работа Дойтера. Он даже не стал давать композициям названия, здесь нас ждет только сквозная нумерация на разных языках, словно слушатели должны сами придумать названия для картин, возникающих в воображении благодаря заботливым и трогательным партиям инструментов,. Кстати, об инструментах – здесь Дойтер отдает предпочтение фортепиано, любимая им флейта солирует только в девятом треке, также в качестве аккомпанемента иногда присутствуют переливы гитарных струн и задумчивая виолончель вкупе с ветряными колокольчиками и гонгами), раз за разом выдавая несложные, трогательные импровизации, звучание которых в полном соответствии с названием альбома можно назвать атмосферным. Легкие касания клавиш порождают звуковую «капель», падающую на поверхность воды и порождающую череду медленно расходящихся кругов, выразителем которых в музыкальном плане становится привычный для маэстро амбиентный бэкграунд. Иногда музыка переносит в лес, омытый недавним дождем, иногда переправляет на берег океана или к подножью гор, по склонам которых текут звонкие ручьи – конечно же, представить себя путешественником по этим местам слушателю помогают звуки природы, искусно вплетенные в музыкальное полотно. Не приходится сомневаться в том, что с первых же нот поклонники творчества Дойтера узнают его фирменный стиль – ведь за стремлением автора быть лаконичным и избежать четко очерченных музыкальных форм чувствуется талант Творца, создающего проникновенные произведения, звуки которых заботливо окутывают слушателя, напевая ему гармоничные колыбельные, которые резко контрастируют с хаосом и шумом привычной среды обитания. «Атмосферы» – это канонический релиз в стилистике нью-эйдж, возвышающийся над множеством поделок на тему «музыки для исцеления» примерно также, как шедевр Моне занимает обособленное место на фоне сотни тысяч безвестных пейзажей.

Reiki Hands of Love Дойтер, стоящий у истоков жанра «нью эйдж» музыкант, оказавший на его формирование неоценимое влияние, является еще и практикующим мастером Рейки, системы исцеления с помощью специальных положений рук и обмена энергии – вот почему эта популярная в мире духовных практик и альтернативного исцеления тема стала частым гостем в его музыке, ведь именно музыка призвана создавать необходимый фон для практикующих, являясь одним из значительных элементов процессов исцеления. В его дискографии есть альбом Reiki Hands of Light, успешный бестселлер, и новый диск, о котором пойдет речь, стал прямым продолжателем воплощенных тогда (да и на протяжении всего творчества музыканта) идей. Не изобретая велосипед, Дойтер работает по вполне сложившимся канонам: давно замечено, что для Рейки идеально подходят нежные, невесомые звуки пианино, и именно оно солирует в открывающих диск композициях, сопровождаемое обволакивающим амбиентным бэкграундом с легким восточным уклоном, создающим манящие прозрачные силуэты в дымке утреннего тумана, сквозь который пробиваются первые солнечные лучи, обещая солнечный и ясный день. Также одну из главных ролей играют столь любимые Дойтером японские флейты сякухаси, их звук обволакивает теплым, расслабляющим коконом, создавая ощущение уюта и безопасности. Акустическая гитара с ее медленными, никуда не спешащими аккордами, создает атмосферу солнечного побережья, а голоса ангелов, спускающиеся с небес, расширяют омываемую волнами линию горизонта до Вселенских, бесконечных просторов. Музыка Reiki Hands of Love заряжена привычными образами природы, помогающими создать так называемую «зону комфорта», воображаемое место, где всегда царит полное спокойствие, и куда не проникает эхо проблем и шум современного мира – здесь тихо журчат ручьи, неся свои прозрачные воды к океану, шелестит зеленая трава, огромные облака медленно плывут по бесконечному голубому миру. Здесь царит тишина, о которой многие уже забыли в суете мегаполисов и которая способна реально исцелять. Но, пожалуй, главное достоинство музыки Дойтера (не только на этом, достаточно типичном для Маэстро альбоме, что, однако, реально должно восприниматься как признак мастерства) – это ощущение чистой и безграничной любви. Его музыка, нежно касаясь тайных и вечных уголков души, словно шепчет «я люблю тебя», и это наполняет слушателя теплом и радостью, совсем независимо от того, верит ли он в целительную силу прикосновений рук. Ведь сейчас он соприкасается с куда более древней и мощной силой, исцеляющей тело и дух – со светом Любви. В пробуждении этого света Дойтеру по-прежнему нет равных, что он в очередной раз и доказал, записав идеальный альбом для отдыха, медитации и исцеления.

Nada Himalaya Очаровательный Восток навсегда останется первоисточником вездесущего вдохновения, что находит музыкантов, исследующих медитативное, всеобъемлющее звучание, когда на древнем наречии начинают шептаться кроны деревьев, а пронзительные стоны скалистых вершин переходят в волнообразные напевы, которые прокладывают русла горным рекам. Представленный альбом немецкого композитора Георга Дойтера – это целая умиротворяющая симфония тибетских чаш, отправляющая музыкальных путешественников прямиком под заснеженные высоты Тибета, где покоится повелитель ветров, где любой шорох тянет за собой бескислородные пряди разряженных, приглушенных нот, что сливаются в гулкие песнопения невиданных существ, нашедших обетованный край в части величественных Гималаев, скрытой от обычного взгляда. Странник чувствует, что его ноги теряют всякую опору, больше ничто не задерживает его на земной поверхности, он нашел прямой выход в безграничную сферу, связывающую все существующие и канувшие в лету миры и цивилизации. Nada – это потусторонний звук, который охватывает собой Гималаи; это тот самый звук, из которого произрастает насыщенная звуковая палитра, рисующая мистику Востока – именно эта музыка отныне играет в голове у путника, поднявшегося к серебристым верховьям через обилие горных хребтов. Хватит всего одного вдоха, чтобы начать впитывать горный воздух, и достаточно сделать только шаг, чтобы от основания добраться до поднебесной воды ручья, отражающего падающие на равнины звезды и даровавшего жизнь планете Земля.

Tibet – Nada Himalaya 2 Второй альбом Дойтера, посвященный таинственной атмосфере Гималаев, рассказывает легенды о забытых пилигримах, которые, поселившись высоко в горах, оставили свои имена среди обилия наскальных надписей, выветренных впоследствии эрозией. Обращение любого неподатливого или острого камня в пески времени здесь происходит незатейливо, а тугие лианы готовы в мгновение ока стянуть горло крикливого пришельца, нарушающего многолетний покой. Следует быть предельно осторожным не только в собственных речах, но и в мыслях, чтобы по воле случая не попасться на глаза хранителям горных чертогов – созданиям, кого именуют «Сатори». Они убьют вас сразу же, как только вы о чем-то подумаете, но незамедлительно убегут в страхе, если ваши помыслы окажутся лишенными всякого помысла. Каждая из композиций открывает перед взором невероятные панорамы, являющиеся, словно во сне или в видении – извилистые, широкополые гиганты, вмещающие раскидистые во все стороны ветви солнечного света, уходят далеко за облака, а белоснежные хлопья бесконечно осыпают нетронутые долины. На Джомолунгме ощущается безвременный контакт с Вселенной. Вершина мира внезапно оказывается самой низкой точкой, хочется подняться куда-то выше, тысячи мотыльков разлетаются в последней молитве, произнесенной неподвижными губами.

Дискография

1971 D

1972 Aum

1975 Osho Nataraj Music For Meditation

1975 Tea from an Empty Cup

1976 Celebration

1976 Riding the Bull

1978 Haleakala

1980 Osho Nadabrahma Meditation

1981 Silence Is the Answer 2CD

1982 Cicada

1984 Nirvana Road

1984 Phantasiereisen

1985 San

1986 Call of the Unknown - Selected Pieces 1972-1986

1988 Land of Enchantment

1990 Osho Kundalini Meditation

1990 Healing Hypno Trances

1990 Bashos Pond

1990 Petrified Forest

1991 Sands of Time 2CD

1992 Ecstasy

1992 Henon

1992 Tao Te King

1993 Relax

1995 Inside [with Dr. G. Bayer]

1995 Terra Magica - Planet of Light

1995 Klange der Liebe Relaxation

1995 In Trance Hypno

1995 Chakras

1996 Wind & Mountain

1996 Tu dir gut

1997 Nada Himalaya

1998 Mandala Meditation

1998 Die Blaue Blume

1998 Chakra

1999 Garden of the Gods

2000 Mannerrituale Music & Words

2000 Frauenrituale Music & Words

2000 Osho Gourishankar Meditation

2000 Sun Spirit

2001 Buddha Nature

2002 Klange der Liebe [with Peter Lauster]

2002 Like the Wind in the Trees

2002 Reiki Hands of Light

2002 Reiki Wellness [with Anugama & Kamal]

2002 Songs to the Goddess [with Annette Cantor]

2003 Osho Dynamic Meditation

2003 Osho Whirling Meditation

2003 Sea & Silence

2004 Earth Blue

2005 East of the Full Moon

2005 Sufi Breathing [with Bayer]

2006 Koyasan - Reiki Sound Healing

2006 Venus Rising

2008 Atmospheres

2008 Spiritual Healing

2008 Tibet - Nada Himalaya 2

2009 Angel Touch

2009 Eternity

2009 Notes From A Planet

2010 Mystery Of Light

2011 Empty Sky

2012 Flowers of Silence

2012 Ocean Waves

2012 Reiki Healing

2013 Dream Time

2015 Illumination of the Heart

2015 Mystic Voyage

2015 Reiki Hands of Love

2016 Immortelle

Ссылки

http://www.newearthrecords.com/web/pc/Deuter2_NER.asp – Англоязычный сайт

Биография

Имя Constance Demby хорошо знакомо каждому любителю инструментальной музыки. Она по праву считается одним из пионеров музыки нью-эйдж, об этой женщине писали и продолжают писать крупнейшие американские издания. Исполнительницу называют «королевой космической музыки». И в этом жанре Демби – нстоящий первопроходец. Ее музыка производит очень сильное эмоциональное воздействие, даже спустя много лет после выхода многих ее альбомов от слушателей продолжают поступать все новые восторженные отклики на них.

Потомственная калифорнийка, Констанс Демби родилась в Окленде. Классические занятия по фортепьяно начала в возрасте восьми лет. После переезда на восточное побережье, ее занятия расширились, и включили в себя живопись и скульптуру. В 70-х годах она давала концерты и мультимедиа-презентации по всему восточному побережью. В начале 80-х был основан ее собственный лейбл и выпущены ее первые альбомы медитативной космической музыки Skies Above Skies и Sunborne. Раскрытие ее музыкального таланта продолжалось после ее возвращения на родину в Северную Калифорнию. Здесь началось ее экспериментирование с электронной аппаратурой. Двумя годами позже был выпущен альбом Sacred Space Music. Студия Демби стала полностью электронной с развитием процесса цифрового семплирования, и альбом Novus Magnificat, созданный в 1986 году, был оценен критиками как «the Mozart Requiem of the New Age». Set Free (1989) был провозглашен как «первоклассное сочинение». После этого последовал международный тур Констанс по Европе, Египту, Южной Америке, Канарских Островах, Японии и Индонезии. Следующий альбом Aeterna (1995) был назван, «музыка 21-ого столетия, достойная, чтобы стать классикой».

Аудитория Констанс Демби продолжала расти, а она продолжала активно работать, выступая с концертами и записывая новые проекты. Многие исполнители черпали свое вдохновение в музыке Констанс Демби. Что же такого особенного в ее музыке, и почему она вызывает столь большой интерес? А между тем вышеприведенная характеристика: Демби – «королева космической музыки» принадлежит другому замечательному музыканту Майклу Хоппе (Michael Hoppe). И по его словам, она пользуется не только любовью слушателей, но и большим уважением среди музыкантов. И если попытаться кратко описать ее музыку, то возникают трудности. Да, в мелодиях Констанс чувствуется классическая структура. И это не удивительно, потому что с двенадцати лет она выступала с концертами, исполняя классику. И вроде в ее музыке нет ничего такого уж особенного. Если вы послушаете какой-нибудь ее альбом «на ходу, на бегу», он может вам ничем не запомниться. Констанс считает, что ее музыку надо слушать таким образом: «Никаких раздражителей, наушники на полную громкость, дать свободно проявляться всем возникающим при прослушивании эмоциям». Музыка Констанс Демби – это музыка оттенков, скрытые на первый, поверхностный взгляд мелодические линии начинают проявляться только при внимательном прослушивании. К тому же, она мастерски использует многоголосья и очень необычные тембры звуков.

Надо сказать, что Демби пионер не только в музыке. Ее таланты очень разносторонни. Она и музыкант, и художник, и скульптор, и мультимедиа-продюсер, и разработчик музыкальных инструментов. На последнем ее увлечении остановимся немного подробнее. Звучание ее музыки нетрадиционно еще и потому, что она использует музыкальные инструменты, которые разработала сама, позволяющие извлекать звуки с необычными тембрами. Из инструментов Констанс наиболее известны два – это «космический колокол» (Space Bass) и «китовый парус» (Whale Sail). Если описывать достаточно грубо, то первый представляет собой горизонтальный лист металла, в который воткнуты вертикально расположенные стальные и медные стержни, покрывающие диапазон в пять октав. При этом на данном инструменте можно играть, как на ударных, а можно извлекать звуки с помощью смычка. Второй инструмент – «китовый парус» – является родным братом «космического колокола» и представляет собой вертикально расположенный стальной лист, крепящийся с помощью проволоки, что позволяет ему свободно изгибаться и издавать глубокие, резонирующие звуки при ударе палочкой или проведении смычком. Констанс Демби активно использует не только музыкальные инструменты собственной разработки, но и народные. Так, в ее альбоме Sacred Space Music можно услышать сантур – разновидность цимбал, инструмент, пришедший к нам из древней Персии, являющийся дальним предком современного пианино. И этот инструмент очень органично звучит в сочетании с синтезатором. Демби выступала с концертами во многих странах по всему миру. США, Европа, Япония, Египет, Южная Америка и даже Канарские Острова – вот богатая география ее поездок. Кроме этого, она много пишет музыки к фильмам, работая в основном с независимыми компаниями.

Sacred Spacemusic используется многими врачами и целителями как ворота к священному внутреннему пространству. The Longing, первая сторона, исследует глубокие неуловимые чувства тоски и печали. Вторая часть Radiance постепенно развивается в обширный хор для бессловесных голосов и синтезатора, создавая ощущение непрерывного подъема.

Novus Magnificat – этот альбом, ставший классикой нью эйдж музыки, проведет вас через путешествие от подавленных эмоций к светлым и ясным чувствам духовного озарения.

Set Free заслуживает место рядом с классическим альбомом космической музыки Novus Magnificat. Радостная и величественная музыка, использующая ритуалистические и праздничные ритмы Полинезии и Африки. Величественный астрономический рейс для внутренних путешественников.

Aeterna – на создание этого альбома автора вдохновили романтические произведения Рахманинова и Чайковского. У этого альбома мощная эмоциональная вибрация. Особенно он помогает открыть сердце. Aeterna стремиться обнажить подавленные чувства, провести сквозь завесу слез, активизировать и осознать то, что требует исцеления.

Sanctum Sanctuorum – величественная, священная симфоническая музыка, Грегорианское пение, атмосфера эмбиента. Путешествие в священный мир возвышенности и ясности.

Интервью

Как чувствуется, Вы создаете Вашу музыку в глубокой медитации. Как Вы сами ощущаете свою музыку?

Я просто открываюсь – и музыка начинает течь. Мне не нужно быть в каком-то специальном состоянии или в медитации. Большая часть приготовлений, около 95%, заключается в том, чтобы заставить электронное оборудование нормально работать. Я – это моя музыка, она обычно находится прямо на поверхности, в ожидании того, чтобы я начала. Когда мои дела позволяют мне сочинять музыку, она всегда здесь и готова выйти наружу.

Что Ваша музыка значит для Вас?

Моя музыка – песня моей души, тоска моего сердца, самая моя сущность. Для этого я и пришла на эту планету, чтобы донести до слушателя гармонии, затрагивающие его, помочь им открывать и исцелять, подняться к более высоким состояниям сознания. Однажды мне было сказано, что я занимаюсь не «музыкой». Это было названо «системами передачи данных, закодированных звуком», и также указано, что это «говорит людям, что делать». Другими словами, моя музыка – это система, передающая закодированную в звуке информацию, которая пробуждает, исцеляет, просвещает и преобразует.

Является ли музыка чем-то, с чем Вы живете постоянно?

Я живу в тишине. Таким образом мои уши остаются «чистыми» и избегают нежелательных воздействий. Я не слушаю много музыки, а когда хочу слушать, часто выбираю свою, и она уводит меня туда, куда я хочу.

Ваша музыка глубоко эмоциональна. Она помогает эмоциям высвобождаться. Что Вы можете рассказать об этом?

Пожалуйста, поймите, что я не планирую этого; когда я сочиняю, у меня нет готовых концепций. Я просто открываюсь, начинаю играть, а эмоции и темы льются сами, как вода. Когда процесс начинается, темы естественным образом собираются в согласованное целое, и организуется необходимый материал. Здесь важно помнить, что подлинное, медиумическое вдохновение рождается не в уме. Быть открытым каналом, через который может течь Источник, означает, что вы «уступаете дорогу». Источником могут быть учителя, ангелы, Мастера Света или просто ваше Высшее Я. Поскольку мы все, по большому счету – одно тело, один ум, одно сердце, одна душа, можно сказать, что я – канал универсальной энергии, которая и есть мы. Это напоминает мне мое название Бога – «Бог Мы». Мы – это Бог, а Бог – это мы. Разделения нет. И Бог – это не то, что нужно искать вне себя. Бог или Дух – это вечная энергия всех вещей, каждого живого существа и каждого человеческого сердца.

Вот некоторые письма от любителей музыки об ее эмоциональных качестваx: «Мелодия встряхнула меня и подняла, а потом унесла в другой мир. С нарастающей интенсивностью и эмоциональной глубиной в симфонических частях, она полностью раскрыла мою сущность, моя грудь болела от глубоких рыданий». «Там есть композиции, на которых вы буквально чувствуете тоску и вы будете плакать. C этой музыкой невозможно не оглянуться на свою жизнь. Я редко встречал музыку, вызывающую столько чувств и образов. Сказать, что она изменит вашу жизнь, было бы, пожалуй, шаблонно и мелодраматично, но я гарантирую, что она поразит вас в самое сердце».

Как Вы сочиняете музыку?

Часто она долго вынашивается, как ребенок. В это время мелодии собираются, растут, иногда годами. А что касается процесса композиции – я просто сажусь за инструменты, и внутри хватает материала, чтобы все это выразить. Мне не нужно куда-то идти или на чем-то специально фокусироваться. Музыка всегда здесь, она ждет выражения. Процесс сочинительства. Я начинаю импровизировать и, что-то завладевает моим вниманием, фраза, несколько нот, чувство. Это начинается каплями, капли превращаются в поток, поток – в реку, река впадает в океан и вскоре меня захлестывают океанские волны творчества. Творческий процесс полностью овладевает мной, я бы описала это, как заниматься любовью с вселенной. Действительно чудесное ощущение. Это напоминает о том, что наше естественное состояние – творчество. Но, пожалуйста, учтите, что в процессе сочинительства неизбежны многочисленные переключения между левым и правым полушариями, потому что композитор управляет электронным оркестром, и со всем этим оборудованием нужно правильно работать, иначе весь творческий процесс остановится на полпути. То есть приходиться твердо стоять на ногах в трехмерном мире и одновременно в более высоких измерениях, когда получаешь оттуда музыку. Это хорошая тренировка – быть тут и там одновременно. Это тренирует мозг.

Готовитесь ли Вы как-то к этому процессу? Может быть, совершаете какие-то медитации? Какие духовные системы и техники Вы практикуете? Какими методами Вы пользуетесь?

Хотя я изучала и практиковала различные системы медитации, я больше не делаю специальных медитаций. Я доросла до практики простого пребывания в моменте, насколько я могу. Это происходит все время, это не есть что-то особое, так, чтобы было нужно остановиться и обратить на что-то внимание. Полностью присутствовать в настоящем времени, в каждый момент – это само по себе практика. Нет особой необходимости в специальной медитации с вспоминанием от момента к моменту, хотя всегда хорошо иметь тихие мгновения наедине с собой среди активной деятельности. Но в наши дни, когда рождается новый век и новое сознание, те из нас, у кого много работы, активны с утра до ночи. Так что вспоминание от момента к моменту и практично, и необходимо для таких, как я. Я верю в то, что поиска нет. Искать больше нечего. Мы и есть те, кого мы ищем. То, чего мы жаждем – внутри нас, нужно только глубже заглянуть. Дух-Источник-Бог – это вечная энергия всех вещей. Это в сердце. Бог не вне нас, его не нужно искать в церкви или посредством другого человека, священника или Гуру. Хотя иногда они могут помочь, указывая путь и служа лестницей для духовного поиска. Наши духовные учителя помогают открыть дверь и увидеть путь. Хотя эпоха гуру кончилась, многие еще предпочитают иметь в своей жизни Мастера, а где бы мы ни были на пути – это всегда то, что нужно для данного времени и места. В конечном счете, никто другой не нужен во взаимоотношениях с собой и Богом. Просто остановиться, успокоить ум, дыхание, помнить принципы, которым меня учили, пойти внутрь, к центру, в центр – это можно сделать моментально и вы там, и вот вы. Всемирные медитации и групповые медитации для помощи людям Земли – это важные события и мощные практики, когда тысячи, иногда миллионы умов сфокусированы на позитивной молитве, чтобы помочь нашей Матери Земле. Когда столь многие собираются с добрыми намерениями – это большая сила.

Мы чувствуем, что людям нашей маленькой планеты пришло время объединяться, пришло время для пробуждения духа, пришло время каждому почувствовать себя частью Общего Дома по имени Человечество. Эти идеи несет нью эйдж. Стремитесь ли Вы в своем творчестве донести эти идеи до людей?

Да, я каждый день говорю и работаю в соответствии с этими принципами. Обычно те, кто приходит на концерты, уже знакомы с принципами нью эйджа. Надеюсь, что в будущем концерты привлекут больше людей, еще не осознающих эти принципы, и им станут доступны более высокие вибрации и принципы. Правильная музыка может изменить наш мир. Музыка более чем что-либо на этой планете, является Универсальным Языком, выражением Всеобщей Энергии. Музыка – это Слово Божье. Это посредник и сообщение, которое могут понять все люди, независимо от того, на каком языке они говорят. Музыка – это состояние сознания, а большая часть музыки, которую, насколько я знаю, слушают люди, относится к очень низкому состоянию сознания.

Музыка изменяет жизнь, вот несколько писем от слушателей: « ...Вы привели нас обоих на новые высоты. Мы достигли нового видения мира и более интенсивного осознания того, что на самом деле истинно и важно в этом мире. Спасибо за вашу исключительную, уникальную музыку». «...Меня зовут Катрина, и когда мне было 9 лет, мне попалась кассета Констанс Демби Set Free. Теперь мне 13, и с тех пор я не слышала музыки, которая может сравниться с той, что создала Констанс Демби. Я ставила ее моим друзьям, но никто не понял, что в ней такого особенного. Мне эта музыка помогает понять жизнь. Она так могуча, что шлет мне послания о мире, и тогда я плачу и думаю о том, как мы загрязняем землю. Благодаря этой музыке я поняла, что когда вырасту, посвящу себя тому, чтобы сделать этот мир лучше». «Музыка Констанс Демби быстро оказывается выше большей части остального. Трудно выбрать, с какого из ее альбомов лучше начать: я бы сказал, что нужно иметь их все. У каждого своя уникальность и очарование. А все вместе они как бы рассказывают некую историю. С ее музыкой нужно быть осторожным: легко перестараться, потому что ее хочется слушать снова и снова. Она удивительна, и услышав любую ее работу, вы, как остальные ее фаны, будете с нетерпением ждать выхода следующей». И, тем не менее, многие могут услышать музыку Констанс Демби, но она никак их не затронет. Они совершенно не поймут, что в ней такого особенного. Если любая музыка – это вибрации определенного вида, то музыка Констанс Демби – это, безусловно, очень тонкие вибрации. Чтобы их воспринимать, необходима специальная настройка, неподготовленный человек просто может не войти в то состояние, когда эта музыка станет реальна для него. И если человек подавляет свои эмоции, если он «закапсулирован» в своих проблемах, замкнут на себе, ему также будет очень сложно воспринять эту музыку. Если слушатель не будет открыт, непредвзят, то он может запросто пропустить те оттенки, из которых складывается музыка Демби. Это как тонкий аромат дикого цветка. Если сорвать цветок, то аромата не будет, и если препарировать его, разложить на составные части, то можно что-то сказать о строении цветка, но никак нельзя описать его аромат. И это – главное достоинство цветка, а не количество его лепестков или что-то еще. Так и музыка Констанс Демби. В ней важно все: и структура, и богатая палитра звуков, и необычные их сочетания, и многоголосья на заднем плане, и мелодизм основных партий клавишных, и что-то еще, трудно поддающееся определению. Она складывается из всего этого и она уже большее, чем просто сумма всего этого. Перейдем теперь к самым известным альбомам Констанс Демби. Точнее, пусть исполнительница сама расскажет о них.

В Вашем альбоме Aeterna чувствуется классическая структура. Как мы знаем из прессы, музыка Рахманинова была одним из источников вдохновения при работе над этим альбомом. В Novus Magnificat чувствуется влияние Баха. Не могли бы Вы рассказать о влиянии классической музыки на Ваше творчество? Что она значит для Вас? Что Вы в ней предпочитаете?

С 8 лет я начала учиться классике. Классика легко пришла ко мне, как будто я ее уже знала, как будто я уже играла это много раз. Я училась только 4 или 5 лет. С тех пор все приходило само, включая мой нынешний главный инструмент – симфонический оркестр и хор в исполнении синтезатора. Обозревателям нужно сослаться на что-то знакомое, вроде Рахманинова или Баха. Им нужно писать в традиционном формате. А мне не нужно ссылаться на них, хотя они, как и другие классики, живут в моей музыкальной памяти. Мне не нужен какой бы то ни было композитор, живой или ушедший, в качестве источника моей музыки. Мелодии альбома Aeterna жили своей жизнью, я не цитировала Рахманинова. В альбоме Novus Magnificat, в начале 2-й части, я отдала дань уважения Баху. Эта мелодия просто пролилась сквозь творческий процесс. Это просто случилось, поскольку я открыта и позволяю прийти всему, что приходит. Творящий находится в состоянии отдачи. Он в состоянии незнания. У него нет предвзятости. Нет плана. Нет ума. Если делать музыку умом, то и слушатель попадет только в сферу ума, а музыка нужна не для этого. Она должна вести в сферы души и сердца. Ходить по краю часто приходится на концертах, потому что на концертах я играю с энергией момента, вместе с энергией душ и сердец, собравшихся в зале. С первой ноты эта энергия овладевает мной. Так что же действительно, помогает слушателю достичь таких глубин? Я уверена, что это не только музыка. Это сознание и намерение, которое стоит за музыкой, ведет нас внутрь себя. Это Вспоминание. Это Мелодии Вспоминания.

Какой из Ваших альбомов наиболее дорог и близок Вам?

Novus Magnificat и Aeterna – они как Большой Папа и Большая Мама в моем каталоге. Я всегда рекомендую вначале их, а затем те, кому нравится моя музыка, обычно хотят послушать все остальное.

Не могли бы Вы рассказать об альбоме Aeterna подробнее?

У этого альбома мощная эмоциональная вибрация, особенно он помогает открыть сердце. Людям необходимо войти в контакт со своим эмоциональным телом. Этот альбом посвящен исцелению сердца, а одна из дорог в Новый Век – это работа с эмоциональным телом. Aeterna стремится обнажить чувства, в том числе подавленные. Он стремится проникнуть за завесу слез, которая есть в каждом человеческом сердце. Я получила множество сообщений от слушателей, что его «вначале трудно слушать», – так много чувств выходит наружу. Учителя медитации писали мне, что на группах приходилось выключать эту музыку, потому что слишком многое поднималось в душах участников. Затем эти же люди сообщали мне, что, прослушав эту музыку несколько раз, они слушают ее снова. Если просто продолжать ее слушать, она действительно наладит чувства и поправит то, что нужно. Музыка действительно работает так: она активизирует и помогает осознать то, что требует исцеления. Нужно только не забывать «дышать» через чувства и шире открываться, позволяя эмоциям проходить через вас. Если сопротивляться чувствам, исцеления не будет. Просто отдайтесь, и чувствуйте все это.

От любителя музыки: «...Я лично испытал такое глубокое эмоциональное и духовное ощущение, что больше недели не мог даже говорить об Aeterna. Эта музыка буквально проникает в тело и работает с эмоциями и эмоциональными барьерами, которые не дают людям вспомнить, кто они и зачем они здесь. Ваша музыка так могуча – она проникает глубже, чем сознательный ум, и активизирует воспоминание чего-то очень знакомого, очень глубокого, того, что, я думаю, и является сердцевиной человеческого сознания. Я просто не могу этим наслушаться».

Каковы Ваши творческие планы? Над чем Вы сейчас работаете?

Я работаю над музыкой к фильму для проекта I Am.

Какова Ваша личная жизнь? Что Вы любите и чего не любите? Каковы Ваши интересы в жизни? Есть ли у Вас семья? Кто Ваши друзья?

Я люблю свою работу, которая для меня скорее игра. Вообще я все время работаю над разными проектами. Для развлечения я хожу в рестораны, в кино, участвую в различных мероприятиях, а также играю со своими друзьями. Что же касается семьи – у меня есть сын, который живет вместе со мной, в Лос-Анжелесе.

Что бы Вы еще хотели сказать читателям нашего журнала?

Сейчас невероятное время для нашей планеты, многие парадигмы старого мира разваливаются. Новый мир рождается, а старый умирает и на планетарном, и на личном уровне. Если что-то уходит из вашей жизни, или если оказывается, что сфера вашей жизни разваливается – просто отпустите это и знайте, что вместо уходящего придет что-то новое и лучшее. Дух-Бог-Источник – не вне вас, он внутри вашего сердца. Это чувство, эту вибрацию можно вспомнить через правильную музыку.

Дискография

1978 Skies above Skies

1980 Sunborne

1982 Sacred Space Music

1984 Constance Demby at Alaron: Live Concert

1986 Novus Magnificat: through the Stargate

1987 Light of this World

1989 Set Free

1995 Aeterna

1996 Sonic Immersion

1998 The Heart Meditation

1998 The Beloved

2000 Attunement

2000 Faces of the Christ

2003 Sanctum Sanctuorum

2003 Live in Tokyo

2004 Spirit Trance

2005 Signals from Space

2006 Set Free - The Definitive Edition

2011 Ambrosial Waves – Healing Waters

2013 Ambrosial Waves - Tidal Pools

Ссылки

http://www.constancedemby.com/ - Официальный сайт

Биография

Delerium – побочный проект участников индастриал-коллектива Front Line Assembly Билла Либа (Bill Leeb) и Риса Фалбера (Rhys Fulber), работавших вместе в период с 1987 по 1997 гг. Базируясь в Ванкувере, группа выпустила больше 10 альбомов, причудливо смешивая даб, индастриал, эмбиент и григорианские песнопения. Отец-основатель Delerium Бил Либ (Вильгельм Шредер) родился в 1966 г. в Австрии, но уже в 4-х летнем возрасте оказался с семьей в Канаде, а еще через десятилетие, 14-ти летним начал карьеру музыканта в группе «Skinny Puppy», которую покинул примерно в 1985-м, задумав FLA.

Вильгельм Шредер, после переезда в Канаду сменивший имя на  Билл Либ, родился в Австрии, с детства занимался музыкой и уже в 14 лет начал свою карьеру в группе Skinny Puppy. Замысел проекта FrontLine Assembly родился в его голове уже тогда: мрачная брутальная музыка, раскрывающая самые темные стороны человеческой психики, прельщала его самого, и эта идея помогла ему обрести единомышленников. Одним из них был Рис Фалбер (Rhys Fulber). Эти двое долго работали в коллективе FrontLine Assembly, фактически были его авторами и вдохновителями. Но, видимо, амплуа и несколько футуристическая, даже в чем-то киберпанковая, атмосфера их не очень прельщала, да и не давала на ней зациклиться. По словам Риса Фалбера, любовь к электронной музыке ему привели родители, еще в нежном возрасте бравшие мальчика на концерты Kraftwerk, в 1986 ему подарили первый синтезатор, и спустя три года он уже вполне профессионально начал заниматься электронной музыкой.

В 1988 году, не прекращая работы в группе FrontLine Assembly, они пошли в совершенно другом направлении. На этот раз, не уходя от основной темы темной стороны человеческой души, их взоры обернулись к историческому прошлому и связанными с ним войнами, к духовным побуждениям человека и неизменному отчаянию. В новом проекте объединены под одной обложкой каббализм и религиозные гонения, этнические напевы Востока и церковные хоры. Само название Delerium происходит от латинского слова delirium – бред, видения, лихорадка. Изначально проект задумывался именно как отражение поисков самих авторов в попытке понять себя, передача внутреннего состояния Либа и Фалбера.

Первый альбом Delerium так и назывался: Faces, Forms And Illusions – «Лица, формы и иллюзии». Вышедший в 1989 году, этот диск по музыкальному наполнению представлял собой мрачноватый, несколько давящий эмбиент, но в отличие от музыки FrontLine Assembly, в нем явственно прослеживались арабские напевы, в нескольких композициях встречаются этнические бэк-вокалы. В альбоме даже названия имеют свою собственную атмосферу, отличную от FLA, в них чувствуется мрачный дух средневековья, мистики и некой загадочности: Sword Of Islam, Hidden Mask, Monuments Of Deceit, Certain Trust. Впоследствии, уже, когда музыка Делериум стала даже более популярна, чем FLA, было принято решение переиздать первые альбомы с некоторыми исправлениями. В частности, первый альбом был переиздан в конце девяностых, причем из него была убрана композиция New Dawn, а вместо нее добавлен трек Dark Star.

Но тогда, в восьмидесятых годах, Делериум оставался всего лишь побочным андеграунд-проектом, и вряд ли широкие слои населения могли обратить на него внимания. В те времена создателям не требовалось угождать публике многолетней отточкой звука и подборкой сэмплов, их слушатели в то время были проще и неприхотливее, потому следующий альбом, без особенных угрызений совести, был издан в том же году. Диск Morpheus стал более похож по звучанию на FLA, хотя основная ориентация в нем сохранялась, скорее, на средневеково-мистическую тематику. Темный, психоделический эмбиент этого альбома прекрасно подходит в качестве фоновой музыки, саундтреков и для создания атмосферы, когда совсем тяжело на душе. После прослушивания становится немного легче: понимаешь, что все могло бы быть и хуже.

Следом, в 1990 и 1991 годах чередой выходят еще два альбома группы: Syrophenikan и Stone Tower (Каменная башня), в них создатели начинают проводить эксперименты: музыка кое-где становится не такой колючей, а почти совсем гладкой, трагически-одиозной. Появляются композиции, подобные Twilight Rituals – очень спокойная, тихая, со звучащей на заднем плане литанией. Женские крики из Red Hill – создается атмосфера фильма ужасов: готическая, жутковатая. Благодаря обилию выпускаемых каждый год дисков, Делериум начинает набирать обороты, но все еще остается андеграунд-проектом. Специально для заинтересовавшихся группой в 1991-м создатели выпускают свой первый сборник: Spiritual Archives (Духовные архивы), куда вошли лучшие композиции и несколько совершенно новых треков.

После выпуска альбома авторы замолкают на целых три года, начинают даже поговаривать, что Делериума «больше не будет». И вот в 1994 году они вновь появляются на сцене, при том, совсем не с пустыми руками. Их музыка изменилась: Либ и Фалбер выпускают двойной альбом Spheres и Spheres II – альбом посвящен дальним космическим полетам и исследованию самой большой окружающей нас загадки – Вселенной. Величественно смотрящиеся элементы неосимфонизма и космические звуки, более гладкое, мягкое звучание действительно меняют их музыку. За прошедшие три года появились новые средства и возможности для экспериментов. В качестве эксперимента появляется в 1994 году и побочный проект, на этот раз уже самого Делериума – просуществовавшая несколько лет группа Synaesthesia. Официально автором музыки записан несуществующий человек, на самом же деле композиторами были все те же Либ и Фалбер.

1994 год стал переломным для Делериума. Тогда продюсеры впервые встретились с вокалисткой Kristy Thirsk (Кристи Тирск), и группа впервые записывает вокальные партии. Кристи – счастливая обладательница уникального голоса. Прекрасно владея диапазоном от низкого грудного стона до самых высоких тонов, она сохраняет чистоту своего голоса при любом тембре. Более того, ее отличительной чертой является, так называемый «ангельский вокал» – очень высокие, сливающиеся с музыкой голосовые партии, создающие незабываемую церковно-литургическую атмосферу. Как и в оперном пении, слова становятся малоразличимы, зато в качестве бэк-вокала это умение используется совершенно уникальным образом.

На первые две песни Делериума: Flowers Become Screens и Incantation были тут же сняты клипы, и началась ротация на радио и телевидении. Создатели почувствовали, что вот он – ключ к успеху. В 94-м году появляется новый альбом Semantic Spaces – на этот раз направленность проекта опять претерпела изменения, теперь уже очень ощутимые. Спокойный эмбиент более не устраивал Либа и Фалбера. Идеальным окружением для двух песен стал альбом, наполненный этническими сэмплами, мелодичной музыкой с нотами романтики и легкого транса – и, конечно же, голосом Кристи Тирск. Ее потрясающие вокальные партии во Flatlands, мужское пение и звуки дождя в Gateway и литания из Ressurrection – все создает атмосферу альбома, в чем-то похожего на альбомы Enigma. В эти года Делериум обычно стали приписывать к жанру enigmatic, впрочем, и это было ошибкой.

Настоящий успех группы пришел в 1997 году, с выходом альбома Karma. Либ и Фалбер на полную катушку использовали новый имидж, открывшиеся им возможности по съемке клипов и выпуске синглов. Практически все песни приглашенных вокалисток были изданы отдельными синглами вместе с ремиксами, на телевидение попали сразу несколько видеороликов. Такую судьбу разделили песни Heaven's Earth, Euphoria, Duende, но дальше всех их обошла песня Silence, исполненная канадской певицей Sarah McLachlan (Сарой МакЛахлэн) и ставшая хитом практически во всех странах мира.

Мрачная атмосфера Делериума, казалось бы, ушла, уступила место некоему загадочному образу новой музыки, но главное, что в нем осталось – выразилось в текстах. До сих пор посвященные боли и страданиям заблудшей души, тексты эти не скупы на красивые обороты: «Каждый нерв, подобно мотыльку, кружащему надо мною, сияет...», «Я слишком высоко взлетела, но никогда не умела летать, и низко пав, я была благодарна...» и в то же время они повествуют о боли и смерти. В них любовь – обязательно служение, а предательство обязательно карается смертью. Неизвестно, что послужило причиной разрыва сотрудничества, но после Кармы Фалбер ушел из проекта. Вскоре его покинула и «богиня Делериума» Кристи. Фалбер занялся сольным проектом, им была задумана группа Conjure One.

Нового альбома проекта, созданного отцом-основателем Биллом Либом, после Кармы ждали с повышенным интересом. Вышедший в 2000 году десятый по счету альбом Poem, названный так в честь композиции The Poem For Byzantium (Поэма о Византии), стал в высшей степени эклектичным проектом. В нем собрались элементы и рок, и поп, и этнической музыки, и присущие чисто Делериуму композиции. Приглашенные вокалистки исполнили разноплановые песни, и чисто инструментальные треки, как это всегда было присуще Делериуму, были на высоте. Размах рекламной кампании был более скромным, то ли из-за отсутствия средств, то ли проекту уже не нужны были подобные методы. К диску были изданы два сингла: Innocent и Underwater, и на них же сняты два клипа.

На данный момент последний альбом Делериума, Chimera был выпущен в 2003 году, и после Poem встречен был многими достаточно холодно. С 94-го года проект далеко ушел от былого стиля enigmatic, вновь установив свою собственную музыку. Благодаря вернувшимся для записи альбома в проект Рису Фалберу и Кристи Тирск музыкальные подкладки песен звучат просто волшебно, высокие, летящие звуки бэк-вокала и записанная самой вокалисткой композиция Returning явно на высоте. Два инструментальных трека: Serenity и Eternal Odyssey представляют собой совершенно незабываемое зрелище, но сам стиль претерпел очень сильные изменения. Сам Либ называет его ethereal-pop. Действительно, благодаря музыке и общей атмосфере альбома, он кажется каким-то эфирным, воздушным, но то, что это поп-музыка, видно даже самым преданным поклонникам. На не совсем удачный альбом был снят всего один клип, даже череда из трех синглов, незадолго до альбома изданный сборник ремиксов не смогли подогреть интереса к продажам – после Кармы продажи каждого альбома проекта становятся все меньше и меньше, несмотря на долгую и кропотливую работу по его подготовке и выверенные до мельчайшего звука композиции.

Сам Либ говорит, что идея Делериума во многом исчерпала себя. Они с Фалбером сделали и воплотили все, что хотели сделать, любые задуманные ими эксперименты были претворены в жизнь, и он даже просто не представляет, что еще можно сделать с проектом. Да и зачем, когда есть столько планов и групп, с которыми эти композиторы в разное время сотрудничали, когда есть столько брендов, под которыми они выпускали свою музыку. Они прекрасно отдают себе отчет, что в какой-то момент лишились всех своих старых слушателей, отойдя от стиля андеграунд и перейдя к качественно новой музыке, но они делали именно то, что желали делать. То, что считали правильным. В планах создателей стоит пункт: выпустить в ближайшие два года более темный, готический инструментальный альбом, но уже с использованием новых технологий и накопленного за годы работы опыта, и посмотреть на реакцию публики на него. Быть может, история Делериума еще будет продолжена. За несколько лет все еще может измениться, могут быть найдены новые темы и вдохновляющие мотивы. Пока что группа выпускает диск The Best of с несколькими неизданными ранее композициями, что не дает нам забыть о ней.  Продажи Делериума давно уже превысили продажи их основного проекта FrontLine Assembly и балансируют примерно на одном уровне за счет выпуска синглов, дисков с неизданными ранее песнями и сборников, так что скорая смерть проекту не грозит, и чисто коммерческие мотивы стоят не на последнем, но и не на первом месте. Остается надеяться и верить, что авторы найдут новое по смыслу направление своего творчества, найдут в себе силы и желание работать в совершенно новом направлении, как они делали не раз, смогут не обращать внимание на неуспех последнего их виража в сторону поп-музыки и не раз еще порадуют нас своими работами. Что бы они ни делали, их музыка остается на том уровне, чтобы порадовать нас, под каким бы названием она не издавалась, даже если это будет непривычное нашему глазу и слуху слово Delerium.

Другие проекты

Другим важным проектом Bill Leeb и Rhys Fulber является Front Line Assembly, именно с него и началось сотрудничество двух музыкантов. FLA – это другая сторона Delerium: колючий мужской вокал, засемплированные гитары, социальные тексты, мрачные обложки дисков, – вот отличительные черты культовой группы в стиле EBM (Electro Body Music). За свою 18-летнюю историю проект выпустил более 50 альбомов, последний из них, Civilization, вышел в феврале 2004 г.

Conjure One – сольный проект Rhys Fulber, еще более легкий и воздушный чем Delerium. В качестве вокалисток приглашены известные певицы (например, Sinead O'Connor). В дискографии пока только один одноименный альбом, второй планируется в середине 2005 г.

Noise Unit изначально был проектом Bill Leeb и Marc Verhaeghen (из The Klinik), и только позже стал просто одним из побочных проектов дуэта Leeb/Fulber. По стилю это FLA с техно оттенком, кроме того, сюда попадали некоторые вещи, которые не вошли в альбомы FLA. В дискографии 5 альбомов, последний вышел в 1997 году.

Intermix – наиболее танцевально-ориентированный проект, звучание которого является смесью house/techno с элементами других проектов, таких как Front Line Assembly и Delerium, в более поздних альбомах сделан упор на hardcore techno. В дискографии 3 альбома.

Synaesthesia – первоначально задумывался для выпуска не подошедших под формат Delerium вещей, затем стал жить собственной жизнью, Либ и Фалбер стали экспериментировать с эмбиентом и дарк эмбиентом. По ощущениям напоминает Delerium до-Semantic Spaces эпохи. В дискографии 3 номерных альбома.

Pro>Tech – еще один побочный проект Bill Leeb в сотрудничестве с Chris Peterson, альбом полностью инструментальный, эдакая мозаика из элементов творчества Bill Leeb и Rhys Fulber, тут и звучание FLA, и Delerium, и Noise Unit. В дискографии 1 альбом.

Equinox – последний по времени из сайд-проектов, эксперименты Bill Leeb со стилем drum'n'bass. В дискографии 1 альбом.

Дискография

1989 Faces, Forms & Illusions

1989 Morpheus

1990 Syrophenikan

1991 Euphoric

1991 Spiritual Archives

1991 Stone Tower

1994-Flowers Become Screens [single]

1994 Semantic Spaces

1994 Spheres

1994 Spheres 2

1995-Incantation - Flowers Become Screens [single]

1995 Reflections I

1996 Reflections II

1997-Duende [single]

1997 Euphoria (Firefly) [single]

1997 Faces Forms & Illusions [rerelease]

1997 Karma 2CD

1997 Karma [Japan]

1997 Karma [US]

1997 Morpheus [rerelease]

1997 Spheres [rerelease]

1997 Spheres II [rerelease]

1997 Spiritual Archives [rerelease]

1997 Stone Tower [rerelease]

1997 Syrophenikan [rerelease]

1998 Silence [Australia][remixes]

1998 Silence [DJ Tiesto remixes]

1998 Silence [fade sanctuary mix]

1998 Silence [remixes]

1999 Silence - Music from the Motion Picture Brokedown Palace

2000 Heaven's Earth 2CD [remix by Matt Darey]

2000 Heaven's Earth 2CD [remix by Matt Darey][Germany]

2000 Heaven's Earth [remixed by Matt Darey & Key South]

2000 Karma 2CD [rerelease]

2000 Poem 2CD

2000 Poem 2CD [limited edition]

2000 Sampler [single]

2000 Slinky: Inter-Continental 2CD

2000 Silence [Germany][remixes]

2000 Silence [US][remixes]

2001 Archives vol. 1 2CD

2001 Archives vol. 2 2CD

2001 Innocente (Falling in Love) [Australia][remixes]

2001 Innocente (Falling in Love) [DJ Tiesto Mixes]

2001 Innocente (Falling in Love) [UK][remixes]

2001 Innocente (Falling in Love) [US][remixes]

2001 Tomb Raider [soundtrack]

2001 Odyssey - The Remix Collection 2CD

2001 Silence [with Sarah McLachlan][remixes]

2001 Underwater 2CD [remixes]

2001 Underwater [remixes]

2002 Underwater [with Rani] [single]

2003 After All [with Jaele (of Lunik)][Promo CD]

2003 After All [with Jaele (of Lunik)][remix]

2003 After All [with Jaele (of Lunik)][remixes]

2003 After All [with Jaele (of Lunik)][single]

2003 Сhimera 2CD

2003 Chimera 2CD [UK]

2003 Chimera [Australia]

2003 Chimera [US Promo]

2003 Reflections

2004 Silence [with Sarah McLachlan][remixes]

2004 The Best of

2004 Truly [with Nerina Pallot][Promo CD]

2004 Truly [with Nerina Pallot][remixes]

2005 Silence - The Masterpieces

2006 Angelicus [remixes]

2006 Nuages Du Monde

2006 Nuages du Monde [Japan]

2006 Nuages du Monde [US]

2007 Angelicus [remix]

2007 Angelicus [remixes]

2007 Lost & Found [Promo CD]

2007 Lost & Found [single]

2007 Lost & Found [web single]

2008 Karma 2CD [rerelease]

2008 Silence [with Sarah McLachlan][Belgium][remixes]

2008 Silence [with Sarah McLachlan][Promo CD]

2008 Silence [with Sarah McLachlan][UK][remixes]

2008 Silence [with Sarah McLachlan][US][remixes]

2009 Chillout Friends

2010 Dust In Gravity [with Kreesha Turner][Promo CD]

2010 Dust In Gravity [with Kreesha Turner][single]

2010 Remixed - The Definitive Collection

2010 Remixed - The Definitive Collection [continuous mix]

2010 Voice (An Acoustic Collection)

2010 Voice (An Acoustic Collection) [promo CD]

2011 After All [with Jaele (of Lunik)][remixes]

2011 Silence [with Sarah McLachlan][remixes]

2012 Monarch [single]

2012 Music Box Opera

2012 Music Box Opera [deluxe edition]

2013 Chrysalis Heart [single]

2013 Music Box Opera 2CD [deluxe edition]

2015 Glimmer [with Emily Haines]

2015 Rarities & B-Sides

2016 Ritual [with Phildel]

Ссылки

http://www.delerium.com/ - Официальный сайт

Биография

Законные родители этого проекта, Michel Sanchez и Eric Mouquet могут уже сейчас считать себя Бенни и Бьорном этнической музыки. Семь лет они ухаживают за роскошными внеземными ландшафтами, которые рисует воображение поклонников их творчества. Их музыка оставляет после себя живописные миражи, имитирующие в условиях обыкновенной домашней комнаты атмосферу присутствия во влажных экваториальных лесах Африки и с легкостью превратит темные стены ночного клуба в зеленый оазис посреди безжизненной пустыни Сахары. Идея создания Deep Forest принадлежит Мишелю Санчесу (Michel Sanchez). Вместе с Эриком Муке (Eric Mouquet) они решили, что Deep Forest будет не отдельным артистом или группой, а концепцией, некоторым видением, что музыка Deep Forest будет не только танцевальной.

Идея начала воплощаться в 1991 году, когда Мишель и Эрик решили работать вместе. В то время Эрик писал, продюсировал и играл музыку в силе ритм энд блюз, а Мишель играл на органе. Во время совместного ужина, Эрик случайно услышал странную песню, играющую на магнитофоне Мишеля. Это была Sweet Lullaby. В это время Мишель начал интересоваться Африкой, пока изучал перкуссию в консерватории. Он начал собирать записи разных этнографов. Эрик был увлечен музыкой в стиле хаус и мягкими ритмами. Они решили обработать и стилизовать Sweet Lullaby и начали совместную работу в студии: сэмплировали звуки капеллы из Бурунди, Камеруна, Заира и Чада; обрабатывали, закольцовывали и сплетали мелодии. Так и родился Deep Forest, коллекция гармоничной музыки со всего мира. Когда был выпущен Deep Forest, примерно через год после MCMXC a.D. группы Enigma, некоторые люди начали обвинять Deep Forest в краже идеи сочетания народной песни с электронной музыкой. Действительно, оба альбома содержали похожие звуки и использовали звучание старинных инструментов. Фактически альбом Enigma был выпущен в 1990 году, когда Deep Forest ещё не были группой (их первый диск появился в 1992), так что можно считать, что музыка Enigma была скорее вдохновением.

Сравнение вторых альбомов этих групп (The CROSS of Changes и Boheme) также обнаружило много общего. Диск Enigma появился в декабре 1993, диск Deep Forest в середине 1995-го, и в обоих использовалась музыка Восточной Европы. Насколько известно, группы не контактируют и не планируют когда-нибудь работать вместе. Не смотря на использование похожих идей, можно считать, что Deep Forest вдохновляется музыкой Enigma, а не копирует её. Единственный известный инцидент с плагиатом относится к песне Freedom Cry из альбома Boheme. Суть в том, что человек, голос которого использовался в песне был неграмотен и подписался просто как XXX. После его смерти семья пыталась обвинить Deep Forest в нелегальном использовании голоса, но им это не удалось.

Deep Forest работал вместе с Питером Гейбриелом на записи саундтрека к фильму Strange Days, выпущенному в 1995-м. Трек While the Earth Sleeps с этого альбома был выпущен как сингл, а The Coral Lounge можно услышать только на самом альбоме. Deep Forest также работали вместе с африканским певцом Локуа Канзой (Lokua Kanza). Авэ Мария в их исполнении вошла в сборник World Christmas, выпущенный в октябре 1996-го.

Поначалу они и сами не верили в свой успех. Они четко понимали, что их проект никак не вписывался во временные рамки и не мог быть отнесен к какой-либо из установившихся в музыкальной индустрии категорий. «На тот момент это было чем-то немыслимо новым, – рассказывает Мишель. – По радио вы бы не услышали даже нескольких песен типа нашей «Sweet Lullaby». Там крутили музыку для нервных и душевно больных людей. И мы боялись наткнуться на обыкновение непонимание». «Поэтому, чтобы не очень огорчать себя, стали заниматься музыкой ради собственного удовольствия, – продолжает линию Эрик. – Мы просто хотели получить моральное удовлетворение оттого, что оперировали новыми звуками, и, возможно, создали бы свое направление». Очень скоро их музыка для домашнего прослушивания приобрела широкую популярность. Посыпались номинации, награды, «золотые» и «платиновые» титулы. Альбомы «Deep Forest» (1992) и «Boheme» (1995) заняли не последнее место среди лучших современных работ в стиле «world music». Мишель и Эрик получили доступ к богатой звуковой коллекции, собранной музыковедами со всего мира. Прихватывая с собой сумочки с DAT-ами и стереомикрофонами, они регулярно путешествовали по экзотическим странам и по возвращении чувствовали, что владеют целым состоянием. А так как они умеют делать практически все, оставалось только закрыться в студии. Надо сказать, что оба француза – прекрасные аранжировщики, неплохие композиторы, клавишники и компьютерщики. Очень часто они начинают сочинять порознь, но в конечном итоге песню доводят до ума вместе. У них полное равноправие и даже одно и то же оборудование, что способствует полной совместимости и взаимодополняемости их собственных наработок.

Многие думают, что Deep Forest – это чисто студийный проект, но это не так. В 1996 году, накопив достаточно материала для больших концертов, Эрик и Мишель отправились в свое первое турне. «Когда мы колдуем в студии, – говорит Эрик, – нас всего лишь двое, и это вполне достаточно, чтобы «оседлать» клавишные и компьютер. Нам нет нужды играть на гитаре или барабанах. Что касается сцены, мы уверены, что два человека, нажимающие на кнопки, это слишком скучно». Перед тем, как собраться в путь, ребята усердно подыскивали себе напарников, которые в кратчайшие сроки выучили бы два их альбома. Задумывалось, что человек, оказавшийся на сцене, не должен был своей мимикой делать вид, что повторяет сэмплы. «У каждого из них прекрасный неповторимый голос, традиционный для их страны, – говорит Эрик. – К нам пришли кубинцы, сенегальцы, камерунцы, болгары, поляки, итальянцы и, разумеется, французы. Поэтому весь ансамбль с легкостью мог представлять нашу планету на каком-нибудь вселенском музыкальном фестивале». Концерты прошли с большим успехом. Смесь электрических и акустических инструментов создавала на сцене атмосферу грандиозного карнавала, достойного истории следующего тысячелетия. География их выступлений простиралась от австралийского континента и Японии до Восточно-Европейской равнины (Польша, Венгрия). Практически впервые коллектив появился на публике и сразу с 10 музыкантами и вокалистами девяти различных национальностей. В общем, многие остались довольны. Вместе с Deep Forest выступали три клавишника, африканский хор, барабанщик, басист, перкуссия и группа танцовщиков. Во время концертов использовался секвенсор и Roland RSS для эффекта «свежести» звука, во время записи все еще решалось, использовать ли стандартную схему размещения динамиков, либо поставить их сзади сцены, чтобы расширить эффекты Roland RSS. В заключительном концерте участвовали, основной вокал: Stefka Lordanova, Wes Madiko, Gino Ceccarelli and Jackline Rodrigues; подпевки: Mara Kane; клавишные: Paolo Damanti and Jackline Rodrigues; перкуссия: Fred Savinien Caprais, Oswaldo Hernandez, Jackline Rodrigues; бас-гитара: Didier Cresson; ударные: Neil Conti. концерт шел два часа.

«Comparsa» с кубинского диалекта означает «партнеры». А еще так называют стихийно собирающиеся уличные группы, которые летом слышны повсюду на Кубе и в Южной Америке. Название, естественно, не возникло отдельно от содержания альбома. Партнерами Эрика и Мишеля стали представители Мексики, Кубы, Мадагаскара и еще нескольких стран Латинской и Южной Америки, а сам диск приобрел отличное от предыдущих двух латино-африканское звучание. В очередной раз безмолвный французский дуэт принялся расширять наши музыкальные познания, двигаясь в хаотичном направлении по географической карте нашей планеты. Эрик и Мишель были давно наслышаны от туристов об этих прекрасных местах, открытых самим Колумбом. После африканских фантазий «Sweet Lullaby» и восточноевропейской меланхолии «Boheme» им пришлось пересечь самый большой Тихий океан в поисках нового звучания. Новый альбом получился очень праздничным, он свободно может озвучивать знаменитый карнавал в Рио. Солнечная тема, универсальная в предыдущих работах коллектива, и на этот раз появляется с первыми звуками. В какой-то момент кажется, что это весенние лучи, но, прослушав весь альбом, понимаешь, что капель и половодье далеко в прошлом и на дворе летние погожие деньки. Хотя применительно к американскому климату это может быть полностью перевернуто. Как всегда не обошлось без широких жестов.

Дело в том, что французы решили последовать воли божьей и делиться авторскими правами на свои альбомы со странами, культурное наследие которых используется в произведениях Deep Forest. О конкретных суммах еще говорить рано, но, судя по предыдущим подобным акциям, эти страны получат очень значимые по их меркам суммы. Список привлеченных музыкантов опять же очень велик. Из более или менее известных имен назовем только Wes Madiko из племени банту, сирийца Abed Azrie и мексиканца Jorge Reyes, флейтиста и перкуссиониста, очень увлекающегося традиционной культурой ацтеков. Знающие люди, несомненно, распознают здесь влияние знаменитого клавишника Joe Zawinul, основателя группы The Weather Report. Эрик и Мишель еще долго будут вспоминать хорошими словами одну 100–летнюю бабушку, с которой они познакомились и работали на Мадагаскаре. К сожалению, Mama Sana умерла еще перед тем, как они успели записать этот альбом. Но, к счастью, свою партию для открывающей «Comparsa» песни «Noonday Sun» она успела напеть. В этой же композиции вы сможете услышать молитву, которую ее друзья специально написали на ее похороны. Французам вообще повезло на этот раз с женщинами. В Белизе они встретили другую талантливую даму. Ее зовут Марселла Льюис, и ее голос вы услышите в песне «Tres Marias». Вообще все 13 поместившихся на новом диске композиций заслуживают отдельной истории, но раскрывать все секреты было бы просто неинтересно. Чужие тайны нужно уметь хранить, так что французский дуэт знает многое. Их музыкальные произведения, так не характерные для западной цивилизации, помогают цивилизованным, как они себя называют, людям стать археологами, не выходя из уютных квартир. Они не просто уничтожают культурные и языковые барьеры между различными культурами, они вот уже в трех альбомах поражают своей космополитичностью, решимостью задействовать все имеющиеся средства для решения духовных и экономических проблем стран третьего мира. Я могу даже сказать, что они формируют свой собственный язык, язык, с помощью которого человек, вероятно, уже совсем скоро научится понимать животных, заботиться о природе, а не только о себе самом. Это весьма трудная и почетная миссия.

Одно из главных достижений Deep Forest – награда Грэмми, полученная 28-го февраля 1996 года за диск Boheme. Это был лучший альбом в категории Всемирной Музыки. Deep Forest также получил награду World Music Award в 1996 году, как французская группа имевшая наибольший уровень продаж в 1995 году. Другие награды: Грэмми за лучший альбом в 1993-м, MTV Awards за Sweet Lullaby как лучшее музыкальное видео в 1993 году, Victoires de la Musique Awards за лучший всемирный альбом в 1993-м и 1996-м.

Deep Forest выпущен в июле 1992 года. Альбом соединил импульсивную европейскую танцевальную музыку с криками охоты пигмеев дождливых лесов центральной Африки. Награды: Франция: Двойной Золотой Альбом, С.Ш.А.: Платиновый Альбом, Великобритания: Золотой Альбом, Норвегия: Золотой Альбом, Новая Зеландия: Платиновый Альбом, Австралия: Двойной Платиновый Альбом.

Boheme 1995 год. По дороге из джунглей Deep Forest внезапно захватил восточный ветер. Вы услышите звуки Трансильвании, Венгрии, Белоруссии, далее Тайвань и Монголия. Эти композиции нечто большее чем просто фольклор. Это песни свободы и братства. Награды: Франция: Золотой Альбом, С.Ш.А.: Золотой Альбом, Польша: Золотой Альбом, Израиль: Золотой Альбом, Новая Зеландия: Платиновый Альбом, Австралия: Золотой Альбом.

Deep Brasil Значительный перерыв (повлекший за собой уход Майкла Санчеса на «вольные хлеба») в биографии культового (не побоюсь этого слова как человек, чья юность пришлась на середину девяностых и была проведена по большей мере у радиоприемника), французского проекта Deep Forest, похоже, подошел к концу. Да, пришлось подправить название (теперь Эрик Муке предпочитает подписывать свои работы Deep Projects), но, по сути, мы имеем дело с тем же качественным материалом, когда-то получившим меткое название Global Pop, автор которого продолжает свое музыкальное путешествие по миру, порой далекому от туристических маршрутов, а порой близко подступающего к границам цивилизации. Альбом Deep Brasil подарил Муке еще один творческий союз, с бразильским композитором/певцом/музыкантом Флавио ДелльСолла, выступившим и в роли поэта-песенника, посвятившего проникновенные (судя по тому, с каким темпераментом он их исполняет) строчки родной стране, богатой изгибами Амазонки и глухими лесными чащами, в которых обитают племена индейцев. Попадая в руки Муке, эти песни обретают качественные и в целом узнаваемые электронные аранжировки, демонстрирующие, что Эрик не прочь вернуться в ту лесную глушь, из которой он когда-то вынес звуки Sweet Lullaby. Конечно, технологически Deep Brasil звучит более совершенно, но приемы, обозначенные в начале карьеры французов, здесь проскальзывают многократно. Это и «фирменные» обработки этнических голосов, и трайбл ритмы, и «полевые записи» из сердца джунглей, и даже гармошка в финале буйно-зажигательной Africa Brasil звучит как-то совсем в духе Boheme. Другое дело, что Флавио здесь выступает не как носитель «корневой идеи» и ратует отнюдь не за близость к природе. Его музыка часто близка к околоджазовым традициям, а манера исполнения, несмотря на характерные интонации и близость к народной музыке, на второй части альбома склоняется больше к рафинированной поп-музыке, из глубины леса перемещаясь на залитые солнцем улочки Рио-де-Жанейро. Но баланс музыкантами все таки найден, и они четко придерживаются его на протяжении всего диска, взрываясь эмоциями под Amazonia, Terra De Indio и Africa Brasil (исследующей родство ритмов разных континентов, обусловленное долгими миграциями на протяжении веков и прокладывающей мостик к следующему релизу Deep Forest, который будет называться Deep Africa) или погружаясь в меланхолию и задумчивую грусть Ceu Do Brasil и Pe De Flor. Получается хорошо и даже больше – вот только стоило ли демонстрировать Эрику тоску по старым временам, давая новую и не совсем полноценную жизнь Sweet Lullaby, которую в финале альбома перепевает Флавио? Яркий, красивый, энергичный альбом любимого многими проекта – что еще нужно для радости? Только продолжение, которое, надеюсь, не заставит себя ждать. Deep Forest, несмотря ни на что, находится на том же высоком уровне мастерства.

Deep India Кто-то может сказать, что этот альбом легендарного Эрика Муке, записанный вместе с виртуозом игры на сантуре (струнно-щипковом инструменте, распространенном в Индии и ряде восточных стран) Рахулом Шарма стал следствием того, что в последние годы культура этой страны стала «модным трендом». Снимаются блокбастеры, где действие происходит в Индии и основной темой которых становится жизнь ее граждан, музыка местных исполнителей, до этого бывшая уделом огромной, но локальной сцены, попадает в ранг мировых хитов, и даже индийское кино, до этого часто становившееся объектом добрых насмешек, набирает популярность. Не знаю, влияли эти факторы на создателей Deep India или же они шли своим путем – так или иначе, новый альбом Deep Forest увидел свет, и основная тема это релиза ясно указана в его названии. В это путешествие по далекой стране (Эрика по-прежнему не интересует шум и гам больших мегаполисов, и он упорно ищет вдохновение под пологом лесных чащ, используя в своей работе народные песни индийских провинций, а так же звучание тех инструментов, которые присущи тому или иному региону) Муке «едет» с большим багажом. Здесь вы услышите не только традиционные напевы Кашмира, Раджастана и Пунджаба вместе с ломаными ритмами перкуссии Дхол, но и звуки из жарких джунглей и знойных пустынь, те самые, которые помогли Муке создать свой уникальный музыкальный язык. В этом смысле Deep Brasil кажется отличным подарком для поклонников француза, которые обнаружат здесь знакомый набор электронных ритмов и красивых, мелодичных эмбиенсов, запечатленных на классических релизах вроде Boheme и Comparsa. Ностальгию по венгерской музыке первого вызовет залихватский аккордеон в Rajasthan, а африканская страсть второго прослеживается в Bihu и ряде других треков. Но, в то же время, трудно обвинить Муке в самоповторах и желании вернуть прошлое, ведь здесь он активно развивает свой стиль за счет модных тенденций современной электроники, чуть-чуть «взрыхляя» размеренную текстуру почти что каждой из десяти композиций элементами актуального дабстепа. Порой бодрая динамика деревенских праздников множится на весьма динамичные электронные ритмы: Dhol Lejhim, начинаясь с традиционной голосовой перкуссии, быстро становится напряженным транс-хитом, а трайбл-ритмы Punjab хорошо ложатся на deep house бит, окруженный теплыми волнами синтезаторных звуков. Далее следуют более нью-эйджевые вещи, весьма позитивные и солнечные баллады, подходящие для медитаций и создания комфортной атмосферы. Конечно, божественные звуки сантура, выстраивающиеся в сложные, захватывающие дух мелодии, играют огромную роль на этом альбоме. Они не только обеспечивают национальный колорит, но и дают возможность по-новому взглянуть на жанр world music, найти в нем неизведанные глубины, открытие которых всегда было визитной карточкой Deep Forest, в рамках которого Эрик Муке и не думает сбавлять обороты, явно находясь в отличной композиторской форме и отточив свой узнаваемый с первых же нот стиль до совершенства. Как и прежде, это качественная и очень хитовая электронная музыка, истоки которой проистекают из древнейших мировых культур, сохранивших свое истинное лицо на карте глобального и постоянно меняющего мира, и доказывающих, что разнообразие эстетических и музыкальных форм это, во-первых, очень хорошо, а, во-вторых, эти формы могут отлично взаимодействовать друг с другом.

Сольные Проекты

Dao Dezi

Проект, предпринятый Эриком Муке и Guillain Joncheray, исполнительным продюсером Deep Forest. Музыка Dao Dezi – смесь звуков кельтских инструментов и вокала с элементами электронной музыки.

1994 World Mix Album

1995 Ti Eliz Iza

Pangea

Примерно в то же время, что и Эрик Мишель Санчес занимался другим проектом с Даном Лаксманом (Dan Lacksman), звукоинженером Deep Forest. В 1996 году они выпустили альбом Pangea, похожий по стилю на Deep Forest. Pangea – название мифического континента, на котором раньше жили люди всей Земли. Этот альбом создавался практически без участия Эрика и Мишеля, над ним работали Дан Лаксман и Куки Ку (Cooky Cue), звукоинженеры альбома Deep Forest. (Куки Ку также помогал с клавишными и программированием на записи трека Savana Dance). Альбом Pangea вышел в Европе в мае 1996-го и в Америке в августе 1996-го, и был очень похож на Deep Forest, вплоть до монолога на первом треке.

1996 Pangea

2001 Aereda

Difang

1998 The Circle Of Life

Дискография

1992 Deep Forest

1992 Deep Forest [single]

1992 Sweet Lullaby - 5 Remixes

1992 Sweet Lullaby [remix]

1992 Sweet Lullaby [remixes]

1992 World Mix

1993 Deep Forest - The Ambient Mixes

1993 Deep Forest [remixes]

1993 Sweet Lullaby [single]

1994 Savana Dance [remixes]

1994 Savanna Dance [single]

1995 Boheme

1995 Boheme [Bonus CD]

1995-Boheme [remixes]

1995 Marta's Song [remixes]

1995 Marta's Song [single]

1995 Strange Days

1995 While the Earth Sleeps (From the motion picture Srange Days) [with Peter Gabriel]

1996 Bohemian Ballet

1996 From World Christmas Compilation

1997 Collector Platine

1997 Comparsa

1997 Freedom Cry

1997 Madazulu [remixes]

1998 Media Luna [single]

1998 Noonday Sun

1999 Made in Japan

2000 Pacifique

2000 The Very Best

2001 Hit Singles Collection

2002 Endangered Species [remixes]

2002 Honjo Song [bonus]

2002 Music.Detected

2002 Soul Elevator - The Best Hits [bootleg]

2002 Will You be Ready [with Angela McClushey & Chitose Hajime]

2003 Essence of

2004 Essence of the Forest

2004 Kusa No Ran

2005 Faraway Land

2007 Sweet Lullaby [remixed]

2011 Deep Brasil [remix] [with Flavio Dell Isola]

2013 Deep Africa

2013 Deep Africa [promo CD]

2013 Deep Africa [US edition]

2013 Deep India [with Rahul Sharma]

2013 Dub Africa [single]

2014 La Selection - Best of 3CD

2016 Evo Devo

Eric Mouquet

2000 Thorgal

2008 Deep Brasil

Michel Sanchez

1994 Gold Diggers

1994 Windows

2000 Hieroglyphes

2008 The Day of a Paperbird

2008 Touch

2014 Elliott

2015 Elliott

Wes Madiko

1996 Welenga

1997 Alane

2000 Sinami the Memory

2010 Melowe

Ссылки

http://www.sonymusicimports.com/deepforest/ - Официальный сайт

http://deepforest.nm.ru/ - Русскоязычный сайт

Биография

«Это исступленная, эзотерическая, эклектичная, благозвучная и эйфорическая, одновременно элегантная и грустная, евангелическая, пробуждающая и возвышающая музыка. И что особенно важно – высшая степень во всех этих понятиях», – указывает знаменитый обозреватель рок-музыки Мартин Эстон в своей статье в британском издании Catalog. «Я думаю, что Dead Can Dance – единственный в своем роде музыкальный проект. Каждый раз, когда я слышу их музыку, я словно переношусь в другое измерение. Мое тело полностью расслаблено и разум свободен от мыслей. Единственное, о чем я могу думать – это о красоте музыки», – пишет поклонник творчества Dead Can Dance Питер из Португалии. Dead Can Dance изначально создавался как проект Brendan Perry и Lisa Gerrard.

В течение многих лет, как в записи альбомов, так и в концертных турах с ними сотрудничали многие талантливые музыканты. Вот некоторые из них: Peter Ulrich, John Bonnar, Robert Perry и многие другие. В 1980 году мультиинструменталист Brendan Perry и классически подготовленная певица Lisa Gerrard, оба англо-ирландского происхождения, встретились в Мельбурне, Австралия. В 1982 всего для одной записи (для австралийского кассетного журнала Fast Forward) решают ехать в Лондон, где экстраординарное соединение их музыки и редкого по качеству вокала быстро достигает внимания Watts-Russell (4AD лэйбл) и они заключают контракт с 4AD. Затем отправились в концертное турне с уже опытными Cocteau Twins, причем вернувшихся в Австралию Монро и Эрискона сменили англичане Питер Ульрих, Скотт Роджер и Джеймс Пинкер.

В марте 1984 музыканты выпускают свой первый альбом, являющий собой собрание песен, записанных ими в течение предыдущих четырех лет. Альбом был назван Dead Can Dance, как и стал называться дуэт в последующие годы. На обложке альбома изображена ритуальная маска жителей Папуа Новой Гвинеи. «Маска, которая некогда была живой частью дерева, мертва; тем не менее, из-за мастерства своего создателя, она впитала в себя его жизненную силу». «Так много людей упустили этот неотъемлемый символизм и предполагают, что мы, должно быть, страшные готические типы (morbid gothic types), ошибка, о которой мы сожалели и сожалеем», – говорит Brendan Perry.

Dead Can Dance Первая работа музыкантов, несомненно, находилась в границах стилистики, присущей записавшей его фирме. Он не явился всплеском околдовывающего собрания неожиданностей, но со временем обещал захватывающее восхождение. «Как и Cocteau Twins, Dead Can Dance поначалу тоже были практически «нормальной» гитарной группой, и лишь позднее Лайза и Брендан начали отходить в сторону богатой и абстрактной музыки», – вспоминал Иво Уоттс-Рассел. Уже на этом альбоме выделялся холодный и эфирный вокал Лайзы, тогда как Перри больше напоминал Джима Моррисона. Сами музыканты не были вполне удовлетворены своим трудом. Лайза: «Студия, которую мы имели в своем распоряжении, была предназначена главным образом для групп, работавших с синтезаторами и сэмплерами, а мы играли на различных акустических инструментах. Записывали настоящие ударные, и это было как скверный сон. Ориентировались на «живое» звучание, но инструменты забивали один другого. Наконец все партии записали раздельно, что сказалось на атмосфере». Загадка Dead Can Dance инспирирована под стилизованной маской работы неизвестного «примитивного» художника, смотрящей с обложки их дебютного альбома. «Мы выбрали ее просто потому, что люди, которые ее когда-то создали и носили, верили, что способны придать этому маленькому символу жизненную силу, оживить мертвую вечность. То, что мы совершаем своим искусством в этой жизни, является чем-то схожим».

Garden of the Arcane Delight (миньон), на которой своим пением Лайза сообщает композициям ритуальную глубину, привела критиков в полное замешательство. Многие даже усмотрели в музыке группы излишнюю схожесть с Joy Division, но скоро выяснилось, что, вопреки еще теплившимся ощущениям от роковых корней саунда Dead Can Dance, симфонический размах и усиливающиеся, опоенные сакральной таинственностью партии вокала уже ставили группу вне общеизвестных рок-направлений. Странная, динамичная аура группы, более близкая к средневековым готическим хоралам, чем к современному року, приближала слушателя к сокровищницам различных музыкальных культур – от мрачно-гнетущих оркестровок атмосферы Joy Division и Doors до грациозности и монументальности загадочных эпических фантазмов барокко и симфонической музыки, рождая собственный оригинальный и неповторимый звуковой мир, ранее незнакомый слушателям рока, чарующий и гипнотический. В это время Dead Can Dance работают уже как дуэт, нанимая по необходимости студийных музыкантов. Общий альбом It'll End in Tears подопечных 4AD, собранных под ярлыком This Mortal Coil, стал одним из шедевров роковой музыки 80-х годов. В него вошло две композиции группы – Waves Become Wings и Dreams Made Flesh.

Spleen and Ideal В 1985 второй альбом Dead Can Dance под названием Spleen And Ideal выходит в свет и достигает второй строчки в британских независимых чартах. Spleen And Ideal меряют иными мерками. Уже из названий композиций (De Profundis, Advent) ясно, откуда дует ветер. Это настоящая мини-симфония из экзотических инструментов и таинственных вокализов Лайзы; смешанные, растянутые оркестровые импровизации при отказе от акустического звучания в пользу «большой» музыки. Иногда в музыке слышны этнические отголоски, которые чередуются с хоралом или псевдоромантическим инструментальным взаимодействием тимпанов с тромбонами. Он перенасыщен меланхолией и идеализмом, верой в благородную и очистительную роль сострадания, как говорилось в стихах Бодлера. «Одухотворенность – да, но никак не набожность, – поясняет Перри, – на нашем альбоме нет Бога, как нет никаких литургий и доктрин. Мы лишь хотели создать некую собственную антитезу на работу Faith группы Cure. Если вы знакомы с этой пластинкой, вы поймете, чего нам хотелось». «Термины «сплин» и «идеал» были взяты из идей символистов девятнадцатого века. Сплин – это больные, злые черты человеческой сущности, такие как зависть, брюзгливость, злоба и нетерпимость – были увидены как сложно переплетенные с понятием идеала. С одной стороны это попытка лишить идеал потенциала к существованию. С другой стороны это придаст форму и повлияет на сущую природу идеала. Согласно этому, наши песни – об истине и иллюзиях, ограниченности и свободе, о сомнении и вере и, как следствие всех этих противоположностей, о поиске совершенства. Достижении идеала», – говорит Brendan Perry. Пышный роскошный интерьер альбома и его светлая атмосфера создавали и усиливали жизнеутверждающий характер этого представления. «Самым важным элементом в нашем творчестве, – продолжает Перри, – является вера, которую я определяю как любовь к жизни».

Within the Realm of a Dying Sun Однако предыдущая работа является лишь увертюрой к появлению данного диска, поистине ставшего событием в музыкальном мире. Уже из обложки, изображавшей скульптуру ангела с закрытым лицом, стоящую у гробницы, следовало, что главным мотивом альбома опять будет смерть. Перри подтверждает: «Самая главная мысль, которая преследовала меня во время записи этого альбома, была о смерти. Пока вам не приходилось провожать в последний путь никого из близких, вы не можете относиться к жизни, как к преходящему существованию. Только потом, когда начнете раскладывать, чему посвятить отпущенные вам природой годы, что делать. Вот так смерть является катализатором решения, как человеку провести оставшуюся жизнь». На этой пластинке Лайза и Брендан приоткрыли мир реальный и образы сновидений, дышащие тайной в тишине григорианских хоралов и минимализма. Тему смерти, гнетущую атмосферу, дополненную четырьмя классически сработанными Перри мрачными оркестровками, музыканты преподнесли с присущими дуэту степенностью, грациозностью и монументальностью. Вторая часть альбома, напротив, таила в себе композиции, местами похожие на православные церковные песнопения и буддистские мантры, где альт и скрипка, виолончели и гобой создавали величественные нагромождения звука. Образы угрюмых средневековых монастырей и свирепых храмов ацтеков, медитативный характер самой музыки, неуловимый голос Джеррард, в восточной манере рассказывающей странные эпические фантазии, чудесные трели, пронизанные беспокойным иррационализмом, торжественная рассудительность и мятежный аскетизм баритона Перри в амбициозности, интеллектуальности и ширине размаха крыльев DCD резко выделили группу в среде прогрессивного рока, поставив этот альбом в гордом одиночестве, далеко от остальных произведений. Этот альбом профессиональная критика приняла неоднозначно – одни обвиняли группу в шарлатанстве и поверхностном снобизме, другие обозначили его как выдающееся событие в музыкальной жизни. Но стало очевидным, что творения дуэта (равно как и ряда других музыкантов фирмы 4AD) нашли свой круг слушателей, который поймали желанный баланс между потребительским роком и авангардом.

The Serpent's Egg Этот диск оказался несколько более жизнерадостным, оптимистичным и доступным настолько, что отдельные критики усмотрели уступку вкусам рокового обывателя. Багаж, собранный здесь, сочетал в себе ренессанс Европы, средневосточной и романской музыки, меньшее количество причудливых оркестровых витиеватостей и большее – голосовых очертаний, фильтруя посредством парного соединения более современное понимание музыкальных гибридов и их использование в слиянии с технологией и инструментарием. Доказательством инструментальной пестроты звучания ансамбля являлось использование 58-струнного китайского инструмента янгчина, звучание которого несколько напоминает ситар и на котором Лайза играет палочками, дополняя звуковые и ритмические структуры экзотическими оттенками. «Множество фотографий Земли с воздуха, если вы взгляните на них, как на гигантский организм – макрокосмос – Вы сможете увидеть, что природа жизненной силы, воды, движется змеевидным путем. У нас было видение этого змеиного обвивания яйца – Земли. И снова мы обратили внимание на ранний период европейской музыки. Музыка troubadour trouvere уходит корнями прямиком в Ренессанс. Романтические элементы исчезли».

El Nino De La Luna (саундтрек) После окончания успешного американского турне летом 1989 года дуэт записывает музыку к документальной картине о проблемах индийских резерваций севера Америки и совершенствует работу над звуковой дорожкой к мистико-приключенческому фильму Агустино Виларонга «Дитя Луны», одновременно ставшему кино – дебютом Лайзы, где она исполняет главную женскую роль рядом с известным актером Дэвидом Наваро Састом, голос которого по окончании съемок неожиданно появляется и на альбоме.

Aion Со времени выхода дебютного альбома критики отмечали, что саунд группы стал менее сверлящим и тяжелым, и напротив – более искренним. Возможно, причиной тому послужило не изменение стиля или счастливый случай, а сближение музыкального стиля дуэта с жизненным. В этом смысле этот альбом, украшенный на обложке фрагментом «Сада желаний» Иеронимуса Босха, явился очередным превосходным шагом группы – решенный в сакральной манере сюитой в 12 частях, а вместе с тем – новой возможностью соприкосновения с музыкой католического величия испанских кафедралов, старинными песнями и танцами, по традиции волнующими вокальными демонстрациями Лайзы и очаровывающими, рождаемыми в воображении инструментальными подкладками Перри. То, что давало крылья слушателям и выжимало слезу в 1987 году, вернулось в более камерной форме: вновь небесные пейзажи в универсальных этнических проявлениях, запертые наглухо в монастырских стенах; вновь знакомые слушателю спокойствие и тишина, бодлеровские «сплин и идеал» в используемых тональностях, временами достигающие полной оркестровой эйфории в звуках, большинство из которых музыканты находят за барьерами мира музыки в дышащей тишине Легенд, где традиционная каталонская Song of Sybil XVI века романтически соседствует с танцевальной мелодией XIV века Saltarello. «Слово Aion, также произносимое как Aaon, означает старость (возраст), но кроме этого означает полную продолжительность существования мира или вселенной. В философии Платона это представляется как благодушная сила, присутствующая в вечности».

Into the Labyrinth В сентябре 1993 Dead Can Dance – Lisa Gerrard и Brendan Perry – выпускают свой новый (шестой) LP Into the Labyrinth. Brendan живет на острове на реке, протекающей на границе между Эйром и Северной Ирландией. Lisa живет в Snow River Mountains в Австралии. Как результат, они писали независимо друг от друга и затем, в течение трех месяцев совместной работы, записывают песни для Into The Labyrinth по качеству исполнения не хуже чем раньше. «Это было путешествие в год писательства, в сильной степени сфокусированное на жизни в деревне с местными жителями. Их закоренелость, консервативность вызывает почтение. Любовь к природе, простая мирская музыка и любовь к самым естественным звукам – пению птиц, деревьев», – говорит Brendan Perry.

Toward the Within Концертник включил в себя их сценические коронки – Cantara, Yulunda (Spirit Dance) и Song of the Sybil, но более чем наполовину компакт заполнен новым материалом, большинство из которого сочинено и напето богатым тенором Перри – «Фрэнком Синатрой в монастырском хоре» (Audio). «На концертах мы почти не выступаем под фонограмму. У нас есть система, в которую мы вводим основные структуры, дающие возможность для импровизаций, соответствующих намеченному подходу. Вы можете достигнуть опасно красивых музыкальных моментов таким путем». Многие считают, что этот альбом с сопутствующим ему 4AD видео с тем же именем показали Dead Can Dance в их абсолютном совершенстве. Восточное влияние и в то же время намек на хорошо знакомые европейские пасторальные музыкальные темы прослеживаются в этом альбоме.

Spiritchaser Год 1996, год выпуска последнего альбома дуэта Dead Can Dance – Spiritchaser, увидел музыкантов, продолжающих вращаться в мире музыки, и сохранивших ясный взор на их готические корни. Приблизительно 20 ноября 1998 в Интернете начали упорно ходить слухи о том, что DCD собираются распасться, но никто не знал это наверняка. Чуть позднее это было официально объявлено: Они действительно распались.

In Concert В 2012 году Брендан Перри и Лайза Джеррард сделали классический «ход конем», без которого сейчас уже трудно представить карьеру любого коллектива, заслужившего за десятилетия существования статус «культового» и обрекшего своих поклонников на музыкальный голод из-за своего распада и долгого молчания. Они, как это положено, помирились, засели в студию и записали совершенно новый альбом с говорящим названием Anastasis (Возрождение), после чего отправились в большой гастрольный тур по всему свету, который продолжается и по сей день. По итогам Североамериканского этапа этого турне был издан концертный «двойник», зафиксировавший то, как звучат Dead Can Dance в живую сейчас, спустя столько лет после своих первых шагов/грандиозных взлетов/обретения статуса легенд/ссор и расставаний – и, надо признать, звучат они просто великолепно. Заметьте, это говорит человек, который всегда дышал ровно к записям дуэта. Но теперь, буквально «провалившись» в эту музыку и открыв ее для себя фактически заново, я готов признать, что Dead Can Dance созданы для сцены, и вся грандиозность и, одновременно, некая интимность их творчества, располагающая к уединенным домашним свиданиям музыки и слушателя, была прекрасно перенесена в сценическое пространство. Программа концерта включает в себя Anastasis целиком, а также самые известные вещи (как-то не поворачивается язык называть их хитами). Пропев сакраментальное «Мы дети Солнца, наше путешествие только начинается», Перри словно отворяет дверь в огромный, светлый и загадочный мир, некий узел в пространстве, в котором пересекаются времена, люди, традиции. Тут возникает закономерные сложности c описанием музыки Dead Can Dance: за столько лет ее существования десятки критиков пытались придумать, куда бы записать то, что делают эти двое людей не от мира сего, создавая громоздкие термины вроде «андеграундная музыка мира» и «независимая готик-этника», или просто отправляя группу в раздел ethereal/world, но никто на самом деле так и не приблизился к словесной формулировке, способной расшифровать магию дуэта, описать ее простыми фразами. Наверное, все это потому, что подобное нужно только прочувствовать, не доверяя словам, на которые сама природа и культура наложила ограничения – вот и Джеральд по-прежнему своим сильным и необычным голосом создает сложный и не подлежащий логичной расшифровке лингвистический узор, сплетая воедино каноны католической мессы, ритмику архаичных ритуалов и вязь восточных молитв. И все это для того, чтобы слушатель мог пережить сильные эмоции и подойти к состоянию катарсиса – здесь прямую дорогу в это сложное переживание прокладывают «новые» треки Kiko и Anabasis, и нетленная классика вроде The Host of Seraphim, после которой хочется просто помолчать. В свою очередь Брендан Перри на своих треках предстает в роли задумчивого менестреля: он тоже видит и чувствует то, чего не видят другие, его тоже освящает тот тайный свет, но, в отличие от экстатических вокализов партнерши, его манера исполнения традиционна, спокойна и размеренна. Его слова – это центр композиции, вокруг которого наслаиваются в медленном танце «племенные» ритмы и гитарные аккорды, сложная перкуссия и электроника (воссоздающая прямо-таки храмовую атмосферу, наполненную мистериальными мотивами), а также звучание многочисленных экзотических инструментов, среди которых выделяется дульцимер. Приглушенный свет сцены, на которой происходит это действие, поглощает; музыка, в которой одновременно присутствуют мотивы Среднего Востока, Средневековой Европы, Африки и давно ушедших цивилизаций, гипнотизирует и ведет за собой по пути, на котором голоса артистов выступают в роли проводников, превращая концерт в ритуальное действо. Сейчас не сложно сделать качественную запись выступления, приближающую слушателя вплотную к пространству сцены – In Concert звучит именно так, чтобы те поклонники группы, которые никогда не слышали в Dead Can Dance вживую, смогли в полной мере пережить этот уникальный, можно даже сказать, духовный опыт.

A Passage in Time В переливах миллионов лет, в буром омуте кровавых закатов раскачиваются из стороны в сторону повисшие в грозовом воздухе маятники, знаменующие своим появлением великие перемены. После того, как они размашисто пролетают над землей, образуются потоки ветров, закручивающихся в смертоносные ураганы и торнадо, что обновляют зардевшие территории и раскалывают ледяные глыбы дремлющей атмосферы. В этот момент жизнь начинает произрастать нежнейшими колосьями на полях новейшего миллениума. Под мощным ударом молнии из последнего ледника в новоявленный период вступает Человек, рожденный небом и землей, переживший само Время. Храня глубоко внутри правду о существовании первейшего мира, оставшегося по ту сторону раскачанных гирь, вмешавшихся по чей-то воле в естественный ход событий, он ступает по рыхлым почвам так же, как и прежде – легко и необремененно. Встречая на своем пути таким же образом выживших людей, он понимает, что те уже позабыли о водах, что проистекали до оледенения – поменявшаяся вода как-то инвертировала, судя по всему, человеческое существо – горланя и бахвальствуя, все вокруг сходят с ума, вкушая опьяняющие протоки оттаявших глыб, наполнивших Мировой океан. Говорят, что тот человек до сей поры странствует по свету, не испробовав ни единой капли из какого-либо источника. Он, бывает, приглядывается к современным людям и иногда находит таких, кто чем-то похож на него. Под величественные мелодии альбома-сборника A Passage in Time всемирно известных австралийцев Dead Can Dance, дуэта, который не нуждается в представлении, кажется, вышагивают сами великаны, когда-то населявшие земные просторы за долго до появления человеческой расы. Молитвенные песни, обращенные к древним божествам и давним поселенцам, к неуловимым силам, охватывают историю, о которой не расскажет ни одно книжное пособие. Музыка, в которой чувствуется воплощение Космоса, звучит всеобъемлюще, великолепно, грандиозно. Откровения, словно принесенные диким ветром во тьме одиноких ночей, являются в образе Серафимов, оплакивающих страдания людей всей Земли. Каждая пролитая ими слеза вырастает плакучей ивой, свешиваясь над головой того, кто искал укрытие от дождя в глухих, казалось бы, покинутых богом дебрях. Enigma of Absolute звучит, подобно стародавнему гимну, слова которого были сложены из алхимических реакций. Зачарованные ритмы приходят из лунных сновидений людей, привороженных самой Дианой, богиней ночи. Где-то за пределами стратосферы фиолетово-черные реки начинают закручиваться в воронку, утягивая за собой лунатиков и тех, кто летает во сне. Вырезанные из камня Атланты сходят со своих пьедесталов и, расшатывая Геликон, вызывают лавины, проносящиеся по головам землян творческим озарением. Может быть, один из бессмертных, доживших до наших дней гигантов и сейчас наблюдает за теми, кто пережил ледниковый период. В образе лучезарного Властелина прокатывается по всей галактике колесница, орошающая эфемерными лучами любое движение в тени колышущейся осоки или любое проявление жизни, которое всегда отмечено каким-то божеством.

Дискография

1984 Dead Can Dance

1984 Garden Of the Arcane Delight

1985 Spleen & Ideal

1987 Spiritchaser

1987 Within the Realm of a Dying Sun

1988 The Serpent's Egg

1989 El Nino De La Luna [soundtrack]

1990 Aion

1991 A Passage in Time

1993 Into the Labyrinth

1994 Mystical Rain

1994 Toward the Within

1996 Spiritchaser

2003 Wake 2CD

2005 Live in France 2CD

2012 Anastasis

2012 Live Happenings - Parts I-V 5CD

2013 In Concert 2CD

Ссылки

http://www.deadcandance.com/ - Официальный сайт

Биография

Ken Davis родом из Австралии и является одним из самых талантливых и успешных композиторов инструментальной (расслабляющей) целительной и атмосферной музыки, продавший более двух миллионов копий своих уникальных дисков.

Его музыка затронула сердца людей по всему миру за более чем 30 лет, в течение которых он проводит концерты, ведет свой сайт, играет активную роль в борьбе за сохранение наших ресурсов, вымирающих видов и гуманитарные ценности. С его верой в то, что музыка является ключом к поднятию духа во всех нас, миссия Кена состоит в объединении человечества через музыку с целью привнесения мира и гармонизирования тела, ума и духа.

Дискография

1989 Pan Flutes with Nature

1990 Atmospheres

1991 Crystal Clear

1992 Pan Flutes by the Ocean

1993 Inspiration

1994 Call of the Dolphin

1994 Early Morning in the Rainforest

1994 Innocence

1994 Love

1995 Australia

1996 Spirit of the Pan Flute - Australia

1998 Environmental Ambience

2000 High Energy Music

2000 Australian Atmospheres

2002 Spirit of Sedona

2004 Pan Flutes with Love

2004-Tai Chi Music (Best Seller)

2005 Quest for Utopia

Ссылки

http://kendavismusic.com/ – Официальный сайт

Биография

Дарлинг Дэвид (Darling David) (родился 4 марта 1941 года в городе Элкхарт, штат Индиана, США) – американский джазовый виолончелист, мультиинструменталист, вокалист, руководитель ансамбля.

Обучался игре на виолончели и фортепиано в школе, там же освоил контрабас и альт-саксофон. Играл в ученическом танцевальном оркестре. После школы получил основательное музыкальное образование в университете Индианы (по классам виолончели и музыкальной педагогики), окончив его в 1965. В течение 4 лет был участником ансамбля Consort Пола Уинтера, популяризатора так называемого «экологического джаза» и разнообразной этнической музыки, интерпретируемой в духе «нью-эйджа». В 1970-х гг. вместе с другими учениками Уинтера организовал группу Radiance, с которой продолжил эксперименты в сфере «концептуального» джаза и world music. Здесь же осуществил первые опыты с 8-струнной электровиолончелью, позволявшей использовать многообразные электронные звуковые эффекты, воссоздавать ансамблевое, оркестровое или хоровое звучание. Параллельно с концертной практикой в 1978 году посещал занятия по академической композиции.

В 1979 году записал свой первый большой диск Journal October. В 1980 году играл в электроджазовой группе Spyro Gyra. В последующие годы выступал со своим новым ансамблем Gallery, в дуэте с норвежским гитаристом Терье Рипдалем, сотрудничал также с Гленом Муром, Ральфом Таунером, Джоном Кларком.

David Darling одаренный импровизатор-виртуоз, музыкант романтического склада. Известен, прежде всего, своими экспериментами с электровиолончелью. Является одним из немногих исполнителей, специализирующихся в сольной игре на виолончели в сфере авангардного джаза креативных направлений. Его инструментарий включает в себя также фортепиано, контрабас, гитару, ударные, деревянные духовые, всевозможные этнические инструменты.

Where Did the Time Go, совместный альбом гитариста и пианиста Нейла Татара и всемирно известного виолончелиста Дэвида Дарлинга, представляет собой идеальный пример музыкального путешествия, маршрут которого охватывает экзотические места и потаенные воспоминания, изящно соединяя и то, что снаружи, и то, что внутри энергией музыки. Татар заявил о себе прежде всего как импровизационный музыкант, доверяясь настроению и эмоциям, он создает «здесь и сейчас» свои композиции, отражающие всю его творческую биографию – а в ней было место для упражнений с самыми разными жанрами, от джаза и блюза до кантри и world music, что в итоге вылилось в многомерный fusion в духе артистов культового ECM-лейбла. Обладатель «Грэмми» Дэвид Дарлинг склонен к более «классическому» звучанию своих работ, в них, безусловно, присутствует грация и величие академической музыки начала двадцатого века. Но между исполнителями, чьи подходы к сочинению кажутся весьма различными, на этом альбоме пробегает творческая искра, помогающая зажечь пламя творчества. Они сочинили музыку эклектичную, душевную и порой непредсказуемую: гитарные экспромты Татара, погружаемые в благостную атмосферу восточной медитации тонко звенящими колокольчиками, подхватывают на лету звуки различных экзотических инструментов (ассоциирующихся с Индией и Азией), при этом оставаясь по большей части «продуктом» именно американской культуры, то чуть грустя в блюзовой манере, то создавая романтическую атмосферу вечера в дорогом джазовом клубе, то выходя на границы фронтира расслабленным фолком и кантри. Порой Нейл также склонен к довольно абстрактным, бесформенно-амбиентным зарисовкам, объем которым задает плотный гул струн виолончели. И совсем другое настроение музыки возникает тогда, когда Татар садится за пианино, которые, на мой взгляд, является лучшим спутником для инструмента Дарлинга. Тогда композиции приобретают романтический настрой, воздушную легкость салонного вальса, диалоги инструментов отлично ложатся на слух. Правда, зачастую звучание их полностью передает все стандарты современной инструментальной музыки, отчего их начинаешь «узнавать» еще с первых аккордов, так до конца и не опознав, кто же еще из огромного числа известных авторов мог бы их сыграть. Как и было сказано, это – альбом-путешествие, и путешествие очень занимательное. Авторы смогли добиться уникального саунда и передали через призму различных жанров и настроений богатство внутреннего и внешнего миров, из красок которых и состоит наша жизнь.

Дискография

1979 Journal October

1983 Eos [with Terje Rypdal]

1987 Amber [with Michael Jones]

1992 Cello

1992 Cycles

1993 Dark Wood

1993 Eight String Religion

1993 The Tao of Cello

2000 Balance

2000 Cello Blue

2000 Musical Massage Balance

2001 Intune - Musical Massage [with The Adagio Ensemble]

2003 Open Window

2004 Mudanin Kata [with The Wulu Bunun]

2007 The Darling Conversations Volume 1 3CD [with Julie Weber]

2008 Musical Massage Intune

2008 The Return of Desire - Improvisations [with Eve Kodiak]

2009 Prayer for Compassion

2009 The Zen of Poetry [with Ram Dass & Chungliang Al Huang]

2012 A Moment in Time - Improvisations for Cello & Piano 2CD [with Jacqueline Tschabold Bhuyan]

2011 Light from the Super Earth

2013 Tympanum - Improvisation in the Moment [with Jane Buttars]

2014 Cello & Piano Meditations - Music for Relaxation & Healing [with Jacqueline Tschabold Bhuyan]

2014 Songs of the Cosmos

2016 Gratitude

Ссылки

http://www.daviddarling.com – Официальный сайт

Биография

Основателями группы Dancing Fantasy считаются Curtis McLaw и Chris W. Williams. Кроме данного проекта они принимали участие и в ряде других, в том числе в качестве продюсеров и сессионных музыкантов. Так, Curtis McLaw засветился в группах Blue Knights (1992-2000) и Colors In Motion (1995-1996), а Chris W. Williams – в проекте Jazzkantine (1994-2004). Однако наиболее известны они стали как Dancing Fantasy, которые всегда считались весьма мелодичной командой. Их композиции всегда очень просты и понятны. Приятный саксофон и изумительный ритм бас-гитар – все это погружает нас в атмосферу теплого летнего вечера.

Сами музыканты так характеризуют свое творчество: «Музыка – это не только наша работа, музыка это жизнь. Только через музыку мы можем выразить свои чувства и эмоции. Музыка – универсальный язык взаимопонимания, который расширяет границы культуры, истории и человеческого развития. Каждая страна и государство вносит свой посильный вклад в этот источник посредством своих легенд, мифов, сказаний, которые и порождают музыкальные стили уникальные для каждого народа. Наша музыка не имеет музыкальных границ, она проста в понимании и представляет собой взаимосвязь универсальных понятий существующего мира».

Стиль, в котором они играют, несет в себе, по их словам, традиционную электронную музыку с примесью легкого джаза. Не секрет, что уже на протяжении 30 лет Германия является основным первооткрывателем музыкантов «новой» инструментальной музыки. Такие проекты как Tangerine Dream и Kraftwerk послужили самой настоящей музыкальной революцией. Музыканты начали экспериментировать со звуком, так что аналоговое звучание уже стало неким фундаментом и, без него, не обходился не один альбом, практически, каждой «электронной» группы. Когда заходит солнце, Curtis и Chris собираются в маленькой студии, чтобы записать несколько композиций для очередного альбома. Работа с синтезаторами представляется трудоемким процессом – нужно свести звук, подобрать инструменты. Так рождается акустически – мелодичная и ритмичная музыка с присущими легкими и интригующими завываниями саксофона и ненавязчивой синтезированной гитарой.

В записях группы периодически принимают участие такие известные музыканты, как пианист Jan-Heie Erchinger, саксофонист George Bishop, клавишник Ole Sander, ударник Dirk Erchinger, бас-гитарист Frank Beyer.

Curtis McLaw & Chris W. Williams – клавишые, синтезаторы

Romy Camerun – вокал

Bill Flynn – акустические и электрические гитары, вокал

Byron Merritt – вокал

Soundscapes Пустынный город, ночь, небольшая фигура медленной походкой движется по заброшенному кварталу. Иногда в окнах домов виден свет, но он совсем не мешает наслаждаться одиночеством легкого пространственного джаза. Dancing Fantasy всегда считались весьма мелодичной командой, их композиции всегда очень просты и понятны, приятный саксофон и изумительный ритм бас-гитар, – все это погружает нас в атмосферу теплого летнего вечера. После распада IC многие музыканты нашли новые звукозаписывающие компании. И вот сейчас в руки ко мне попался новый диск Soundscapes. Первая композиция альбома задает легкое, светлое настроение. Ты медленно попадаешь в ритм течения музыки, мягкий саксофон придает особую объемность звучанию, – хороший качественный звук словно обволакивает тебя. Самая запоминающаяся вещь на альбоме – это, на мой взгляд, Million Miles Away Home – акустическая гитара, ритмичные барабаны и непревзойденная легкость, присущая ранним альбомам DF. Это один из лучших альбомов в стиле Easy Listening, которые попадались мне за последнее время.

Дискография

1990 Midnight Blvd.

1991 California Grooves: The Spirit Of The Westcoast

1992 Moonlight Reflections

1993 Worldwide

1995 Day Dream

1995 Live USA

1997 Love Letters

1999 Dancing Fantasy

2001 Soundscapes

2015 Back Home

Ссылки

Биография

Участники ирландского дуэта Dagda Рег Китинг и Филипп О`Рейли познакомились в 1997 году. До этой встречи Филипп в основном занимался танцевальной музыкой, в то время как Рег много лет посвятил созданию, записи и выпуску концептуальной кельтской музыки. Первый альбом Celtic Trance получил массу положительных откликов в США. Композиция с него вошла в саундтрек к фильму Into The Of Stranger: Stories Of The Kindertransport, получившему премию «Оскар» как лучший документальный фильм. Также Dagda входили во многие компиляции, оказываясь в компаниях таких исполнителей, как Sting, Era, Deep Forest, Enigma, Moby.

Celtic Trance Наследие кельтской культуры в корневых ритмах и мистических мелодиях. Завораживающее звучание исконно кельтских мотивов в обработке Dagda создает атмосферу расслабляющую, но в то же время воодушевляющую, вселяющую энергию и придающую сил.

Hibernia: The Story of Ireland Гирберния – это старинное римское название Ирландии.Hibernia: The Story of Ireland – это история Ирландии в музыкальных зарисовках от возникновения Гибернии 500 миллионов лет назад и до появления Святого Патрика в 432 году нашей эры. Пластинка вызывает в воображении образы старинных легенд и сказаний, воссоздав дух мистического веселья и празднества.

Sleeping With The Gods Of Love Этот альбом – отражение философско-духовной мистики, единой нитью проходящей через все великие мировые культуры. В отличие от предыдущих работ Dagda, которые уходили своими корнями в кельтскую мифологию, SleepingWith The Gods Of Love охватывает более глобальную тему. Кельтские мотивы по-прежнему присутствуют, но теперь они разбавлены этникой разных народов.

«Не ищи его на земле. Его дух не изменился, но теперь он свободен от тисков смерти и земных уз. Смотри и увидишь его свет среди звезд. Когда ветер не доносит его голос и дождь не позволяет вкусить его слез, тогда он покоится выше небес».

Дискография

1997 Hibernia: The Story Of Ireland

1999 Celtic Trance

2000 Underworld

2001 Sleeping With The Gods Of Love

2007 Classical Trance

2008 30 Traditional Celtic Melodies

2009 Celtic Spirit

2010 Celtic Tranquillity

2010 Raverdance - Dance Music from Ireland

2015 For You [with Paddy Cole [single]

Ссылки

http://www.owlrecords.com/Biodag.htm - Англоязычный сайт