Биография

Chookson – мелодичный breaks trip-hop, что в современной музыке называется atmospheric style. Ломанные ритмы сплетаются с мелодикой пиано, органов, скрипок. Понятная многим, некоммерческая, по сути, музыка. Первый альбом Day for Night написан совместно с Romario Olive (Limelight теперь – это синти-группа из трех человек во главе с Романом).

У Chookson были неоднократные выступления с Limelight в RED Club'e (вместе с Melotron, Beborn Beton, Технологией, Модулем), а также Chookson выступал в МОЛОКЕ (по приглашению Елочных Игрушек).

Sunny Moonstarz Работа Chookson’a, электронщика из Петербурга, навеяна жизнью во всех ее проявлениях. Жизнь ставит перед каждым из нас вопросы, ответы на которые подчас не так-то легко найти. Решить эту нелегкую задачу берутся творческие люди, которые считают: «Искусство – лучшее лекарство от страданий». Sunny Moonstarz – это, конечно, монстр, но только снаружи. Если изучить его изнутри и приглядеться, станет понятно: он состоит из солнца, луны и звезд, что не может создать нам проблем – это картонный Герой. Это и есть наше несовершенство – Sunny Moonstarz – это его символ. В этом названии – суть всей нашей жизни. Распутать сложные узлы внутреннего мира и прийти к Гармонии единства Вселенной – вот смысл существования. Победа над Монстром, который готов рассыпаться под натиском ищущих. Если опустить концепции, то перед слушателем открывается мир мелодичной, местами печальной и одновременно торжественной музыки IDM/Jungle от Chookson, ломаные ритмы которой будоражат кровь и вдохновляют нас в нашей жизни. «И если тебе стало хоть немного легче – это все, чего я хочу», – сказал классик. Sunny Moonstarz – это продолжение астральной линии, начатой альбомом Astrastat – качественный Melodic Jungle Old School.

Empathia Поэтические тексты на английском языке, в которых Ploomy раскрывает секреты своего внутреннего мира, органично сплелись с мелодичной электроникой от Chookson. Легкая повествовательная и чуть меланхоличная манера исполнения в сочетании с атмосферными мелодиями и почти симфоническими партиями синтезатора позволяет увидеть в музыке дуэта многообразные элементы: от неоклассики до ethereal trip-hop.

Жемчуга болот Отечественная электроника – штука капризная: исполнителей мало, да и качество оставляет желать. Вздохнем, и со всей осторожностью приступим к рецензии первого сольного проекта питерского электронщика Chookson «Жемчуга болот». А в каком стиле альбом? Как это, в каком, электроника, конечно. Этим собирательным термином можно назвать сейчас все что угодно, и автор это осознает, пробуя себя во всех направлениях современной музыкальной мысли. Большинство композиций строятся по схеме «Мой первый опыт в стиле drum`n`bass», то есть без особых умственных усилий эксплуатируются разнообразные клише. Баллада в духе Моби – извольте, засемплированный брейк со lo-fi звучанием – пожалуйста, классический транс и чиллаут – тоже есть, энциклопедия, одним словом. Осталось добавить качественные аранжировки, и у альбома появилась бы изюминка (простите, жемчужина). К сожалению, с этим есть определенные проблемы. Работы над композициями не чувствуется, постоянно ловишь себя на ощущении, что все треки записывались с лету, как только приходили в голову. Подкачало и качество звучания: где-то слишком много реверберации, в некоторых местах просто неудобоваримый бас, – скорее демо-запись, чем цельный альбом.

Неужели все так мрачно? Не совсем, одна композиция позволяет смотреть в будущее с оптимизмом. Трек номер восемь с таинственным для непосвященных названием sampler – воистину жемчужина среди болота. Жесткое электро с обработанным вокалом в лучших традициях Kraftwerk. Интересно, что даже по качеству сведения эта вещь сильно выделяется на общем фоне.

Дискография

2001 Day for Night

2003 Жемчуга Болот

2004 Izmerix

2005 Astrastat

2006 Sunny Moonstarz

2006 Sunny Moonstarz [bonus CD]

2007 Empathia [with Ploomy]

Ссылки

Биография

Гитарист Craig Chaquico родился 26 сентября 1954 года. Начинал свою музыкальную карьеру с юношеского возраста. В четырнадцать лет он уже играет в ночных клубах. В шестнадцать он записывается с несколькими участниками популярной рок-группы Jefferson Starship (позднее ее название сокращается до Starship), а затем он выступает на гастролях в ее составе, на правах соло-гитариста. Одновременно выступая с группой Jefferson Starship, Крейг создает свой собственный проект Steelwind. Помимо превосходного владения гитарой, он также писал песни, среди которых особо выделяются Jane, Find Your Way Back и Layin' It on the Line. В начале 90х Craig Chaquico начинает работать над созданием своего стиля в музыке, в своих композициях Крейг смешивает различные музыкальные жанры начиная с new age и заканчивая музыкой народов мира, ярким примером его музыкальных экспериментов служит композиция Just One World.

В 1994 году Крейг выпускает альбом Acoustic Planet, который представляет собой неповторимую смесь из непревзойденной игры гитары Крейга, народной Американской и Африканской музыки. В 1996 году выходит очередной альбом под названием A Thousand Pictures, который так же выдержан в лучших традициях стиля Крейга. А год спустя он выпускает альбом Once in a Blue Universe. Спустя два года Крейг записывает очередной альбом Four Corners, Который не уступает, трем предыдущим его работам. Если конкретизировать музыку, которую создает Крейг и вписывать ее в определенные рамки жанра, то в его музыке вы найдете смесь таких стилей как: Smooth Jazz, Contemporary Instrumental, Electro-Acoustic, Adult Alternative. В свободное от написания музыки время Крейг, наслаждается участием в автогонках и поездками на своем любимом Харлее.

Гитарист Крейг Чакейсо — один из известнейших и снискавших признание в Америке музыкантов. Посудите сами: выпустив за свою недолгую сольную карьеру всего три сольных альбома, он уже успел получить Grammy в нескольких номинациях, признавался авторитетным журналом Guitar Player лучшим инструментальным поп-гитаристом года и, наконец, поднялся на первую строчку хит–парада Billboard в номинации Independent Adult Alternative Album года.

Acoustic Highway Его гитарные композиции расслабляют, успокаивают, умиротворяют. Это того, кто подходит к музыке чисто утилитарно – музыка для танцев, музыка для фона. Но есть и другие. Каждую свою инструментальную пьесу Чакейсо в буклете оснащает небольшим «либретто», помогающим понять ассоциации, владевшие автором. Надеюсь, музыка Чакейсо поможет этим другим «остановиться и оглянуться», попытаться вспомнить, каких птиц, кроме ворон, голубей и воробьев, они видели в городской суете, когда последний раз собирали разноцветные осенние листья, наконец, сколько мусора оставили после очередного пикника на природе. Ассоциации у каждого, конечно, свои. Но если музыка Крэйга настроит вас на его волну, вы чуть-чуть лучше станете понимать себя. В свое царство акустической гитары Чакейсо впустил соавтора композиций, исполнителя на клавишных и перкашн Оззи Элерса, также издающего сольные альбомы на Higher Octave Music. Меня их дуэты особенно впечатлили в Gypsy Nights и Sacred Ground, хотя слабых пьес в альбоме просто нет. Можно принимать или нет музыку Чакейсо, да и философию фирмы Higher Octave Music в целом, но в высоком уровне мастерства этому гитаристу и в последовательности издательской политики этой фирме не откажешь. Журналом Billboard Acoustic Highway был назван альбомом года в категории «Независимая альтернатива/Альбом в стиле new age».

Acoustic Planet После весьма успешного стартового сольного альбома, второй диск Крэйг Чакейсо сделал в том же ключе. «Акустическое шоссе» и «Акустическая планета» похожи если не как близнецы, то, как двойняшки во всяком случае. Близость обоих проектов подчеркнута и названиями, и системой «либретто», помещенных в буклете, и сохранением авторского дуэта Чакейсо-Элерс. И сильные, и слабые стороны такого подхода очевидны. Наверняка понимал это и сам Крэйг, внеся больше драматизма и тревоги в звуковую ткань композиций The Greywolf Hunts Again и Center Of Courage, оправданные их тематикой. Среди организаций, помогавших рождению этого CD, Чакейсо упоминает такие известные названия, как «Гринпис» и НАСА. Присутствие решительных борцов за охрану окружающей среды выглядит логичным. Но, оказывается, и исследователи космоса сюда попали не случайно. В рамках НАСА осуществляется программа «Космический ковчег», по которой отправляются в космос для возможной через миллион лет встречи с иным разумом самые разные атрибуты материальной и духовной культуры человечества. В июле 1994 года улетела в космос и цифровая запись композиции Чакейсо Just One World, помещенной и в данном альбоме. Второй сольный диск Чакейсо отмечен таким достижением, как номинация на премию Грэмми. Мне пока не довелось слышать его следующую работу A Thousand Pictures. Думаю, что этот CD должен звучать уже иначе. А пока остается вслушиваться в завораживающий перебор струн гитары Крэйга Чакейсо и вчитываться в торжественно звучащие строки: «Танцуя в гармонии с симфонией сфер, Отец-Солнце, Сестра-Луна, Мать-Земля и Брат-Небо улыбались рождению детей Голубого и Зеленого Мира и тех, кто помнит, что все это не принадлежит нам, а мы, напротив, принадлежим этому миру».

Once In A Blue Universe Стиль, в котором играет Крэйг Чакейсо, я бы охарактеризовал как джаз-рок-поп-инструментальная музыка с элементами new age. После лестных отзывов о предыдущих работах гитариста ожидаешь чего-то выдающегося. Но, хотя в записи альбома и принимали участие известные музыканты (Richard Elliot, John Klemmer, Dave Koz, Douglas Spotted Eagle, 3rd Force, Peter White), и сыграно все суперпрофессионально, и мелодии приятные, но, по моему восприятию, альбому не хватает чего-то живого. Он кажется несколько поверхностным. Но все аранжировки очень красивы, много «декораций»: это саксофонные соло Джона Клеммера на Blue Universe и Ричарда Эллиота на Dreamcatcher, испанская гитара Питера Уайта на Lights On San Francisco, перкуссия Lenny Castro на Holding Back The Years и много других «вкусных штучек». Кроме этого, на альбоме есть приятный сюрприз: на вкладыше обозначено 10 треков, на самом же деле их 13. Три последних – альтернативные версии Blue Universe, Midnight Swim и Dreamcatcher. Мне же хочется особо остановиться на композиции Indian Spring. Как-то пригрезился Крэйгу Чакейсо такой сон. Одинокий всадник расположился на ночлег в пустынном месте близ уединенного озера, называемого Indian Spring. Он разжег огонь и собрался было отдохнуть, но вдруг, обернувшись, увидел индейца, нацеливающего стрелу в его сердце. Сознавая, что это последние секунды в его жизни, путник, вместо того чтобы попытаться добраться до оружия, дотянулся до своей гитары и, закрыв глаза, начал играть, быть может, последнюю мелодию в своей жизни. Странник ожидал услышать звук стрелы, вонзающейся в его грудь, а вместо этого до него донеслись прекрасные звуки флейты. Открыв глаза, он увидел индейца, сидящего напротив огня и играющего на деревянной флейте; лук со стелами лежал рядом на земле. Эта история и легла в основу композиции Indian Spring. Когда Крэйг Чакейсо рассказал своему другу – индейскому музыканту, которого зовут красивым именем Douglas Spotted Eagle (Дуглас Пятнистый Орел), свой сон и попросил его на народных инструментах сыграть вместе с ним эту композицию, тот после долгой паузы улыбнулся и сказал, что недалеко от его уединенной студии в Юте есть место, называемое Indian Spring, в которое ведет одно из ответвлений заброшенной Pony Express дороги. «Пятнистый Орел» исполнил великолепное соло на индейской флейте. Может, не в первый раз играли они вместе эту мелодию. На обложке к диску написана одна прекрасная фраза: «As In Music, so In life» (жизнь подобна музыке: как в музыке, так и в жизни). Если провести аналогию с альбомом Крэйга Чакейсо, то не хотел бы я, чтобы моя (да и никому другому не пожелаю) жизнь протекала столь однообразно и скучновато и лишь в самом конце ее произошло нечто действительно интересное и возвышенное, после чего осталось бы лишь вспоминать молодость (композиция Indian Spring как раз перед тремя дополнительными треками).  Жить-то по-настоящему хочется и сейчас.

A Thousand Picture «Далеко от шума сетей Интернета и коммуникационных узлов, но рядом с песней совы и койота, пересекая ночную пустыню, накрывшись одеялом звезд Навахо», – такое напутствие на конверте третьего альбома Крэйга Чакейсо «Тысяча картин» должно сразу настроить слушателя на романтическую волну. Действительно, слушая одну за другой композиции диска, легко представить волнующее путешествие через ночную пустыню. Только это очень американское путешествие. Через пустыню, но по идеальному американскому шоссе со светящейся разметкой, световыми рекламными щитами на обочинах, на почти бесшумном «Шевроле» последней модели с открытым верхом, чтобы можно было любоваться звездами Навахо, не снижая скорости. Не знаю, что там с койотами, но в стереосистеме автокара должна звучать музыка именно с этого компакта. Безупречно отлаженный, мягкий, мощный, неудержимый мотор ритм-секции похож на идеальное шоссе, на котором никогда не будет резких поворотов. Прозрачный электронный фон накрывает его, как звездное небо. Гитара Крэйга мерцает в этом пиршестве дизайна, как неон проплывающих мимо реклам. «Если фотограф использует камеру, свет и фактуру для того, чтобы рассказать историю в изображениях, то Крэйгу Чакейсо для этого требуется только музыка», – еще одно пояснение на обложке диска. И оно не последнее. Видимо, нот все же немного не хватило: в небольших аннотациях разъясняется, в чем, собственно, суть той или иной картины-композиции (видимо, для тех, у кого слабый слух и кто не может расслышать детали). Попутно из текста следует, что Крэйг Чакейсо не только романтично настроенный музыкант, но отец, горячо любящий своего четырехлетнего сына, а еще он сын, глубоко уважающий музыканта-отца, короче, – истинный американец, почитающий истинные американские ценности.

Пока вас не стало подташнивать от благостности картины, спешу абсолютно серьезно заметить, что Крэйгу Чакейсо подобно очень немногим крупным гитаристам-звездам удалось создать свой собственный оригинальный, узнаваемый саунд. Его акустическая гитара с металлическими струнами чрезвычайно грамотно озвучена. Не будем гадать, через сколько задержек, модуляторов и гармонайзеров проходит звук от струны до комбинации импульсов на зеркальной щечке компакт-диска, важен результат: звук этот чист, свеж и индивидуален. Композиции и аранжировки грамотны и профессиональны. Но вы же знаете, чего не хватает русскому любителю быстрой езды на американской дороге? Правильно. Ухабов. Подводит истинного американца всеобщая любовь Америки к стандартизации. Крэйг Чакейсо действительно предложил нам стильные картинки, написанные сочными, современными акриловыми красками. Несколько смущает то, что если дать картинкам другие названия, а то и просто их выбросить, они от этого нисколько не пострадают. Ну что ж, у Великого Американского Стандарта есть и некоторые негативные моменты. И все же, если вы любитель быстрой езды по ночам, вам просто необходим этот диск.

Дискография

1993 Acoustic Highway

1994 Acoustic Planet

1995 A Thousand Pictures

1996 Evolution: 1986-1996 2CD

1997 Once in a Blue Universe

1998 From the Redwoods to the Rockies

1999 Four Corners

2000 Higher Octave is...Smooth Grooves 2

2002 Shadow & Light

2012 Fire Red Moon

Ссылки

Биография

Профессиональный музыкант, клавишник. Он родился в Соединенных Штатах Америки.

Карьера Джонатана стала формироваться в начале восьмидесятых годов прошлого столетия. Именно тогда его пригласили в музыкальный коллектив, который назывался Journey. Эта группа сделала музыканта всемирно известным, популярным и любимым.

Период работы в коллективе Journey был очень удачным. В течение нескольких лет Джонатан Кэйн активно трудился в коллективе – его талантливое исполнение оказалось как нельзя кстати (Journey долго мечтал о подобном музыканте).

Работы коллектива были по достоинству оценены. Так, например, песня When You Love A Woman в свое время занимала хитовые позиции и была номинирована на престижную премию Грэмми. Кроме того, внимания был удостоен и альбом группы Greatests Hits, которому не так давно была вручена Алмазная премия.

Джонатан Кэйн успешно строил не только собственную карьеру, но и личную жизнь. Поэтому, когда музыкант женился, то решил усовершенствовать и профессиональную область – создал личную музыкальную студию.

Студия получила название Wildhourse и расположилась на территории огромной площади – непосредственно в доме-усадьбе музыканта. Джонатан гордился собственным детищем и часто говорил о том, что студия оказалась новым этапом в его жизни (как и женитьба), привнесшим много ответственности и потребность в постоянной работе. Джонатан был рад тому, что может беспрепятственно – днем и ночью – пребывать в творческом поиске и создавать новые композиции.

Со временем Джонатан страстно увлекся инструментальной музыкой (к этому его побудила любовь к звукам классического рояля). Вместе с продюсером Нилом Шоном он записал альбом Beyond the Thunder, а после пришел к решению, что необходимо создать еще некоторое количество фортепианных пластинок.

Тогда музыкант находился в иной ипостаси – ему не нужно было творить ради популярности и моды – он стал работать для собственной души. Джонатан Кэйн начал плотно сотрудничать с компанией Higher Octave, с которой записал несколько музыкальных композиций для фортепьяно.

Дальше – больше. Вскоре – благодаря совместным усилиям – на свет появились три превосходных альбома с инструментальной музыкой.

В настоящее время музыкант Джонатан Кэйн продолжает активно работать. Его музыка предельно разнообразна. Она гармонична, спонтанна, изумительна.

Дискография

1976 A Whale of a Tale [soundtracks]

1977 Windy City Breakdown

1995 Back to the Innocence

1995 Piano with a View

1997 Body Language

1998 For a Lifetime

2001 Namaste

2001 Anthology

2002 Animated Movie Love Songs

2004 Bare Bones

2006 Where I Live

Ссылки

http://www.jonathancain.com/ – Официальный сайт

Биография

Харольд Бадд – американский композитор авангардной и эмбиент-музыки. Родился в Лос-Анджелесе (Калифорния, США). Его карьера композитора началась в 1962 году. В 1966 году он окончил Университет Южной Калифорнии со степенью музыкального композитора. Он разработал уникальный и мощный стиль эмбиент-музыки.

Харольд Бадд сотрудничал с известными музыкантами: Brian Eno, Robin Guthrie, Akira Rabelais и Andy Partridge.

Харольд Бадд, в отличие от, по праву или нет, присвоившего себе титул отца эмбиент – англичанина Брайна Ино, – американец. К тому же, он старше Ино – Харольду Бадду уже очень почтенные 72 года. К тому, же в отличие от Ино, он получил полноценное классическое музыкальное образование в университете Южной Калифорнии в Лос-Анджелесе. Однако первым его музыкальным ощущением жизни были электрические провода, гудящие от ветра в его родном городке Мохаве Дезерт в Калифорнии. Как чуть ли не у всякого американца его поколения, росшего в 50-е годы, первой любовью Бадда был джаз – еще в 15 лет он сел за барабаны, мечтая поступить в ансамбль Джона Колтрейна. К Колтрейну он не попал, а попал в армию, тогда еще в США обязательную, где оказался в одном армейском бэнде с будущим классиком фри-джаза Альбертом Айлером (Albert Ayler) – вот уж, казалось бы, нет ни малейшего родства между экспрессивной яростью Айлера и меланхоличной расслабленностью Бадда. Впрочем, в дальнейшей карьере Харольда Бадда связь с джазом была практически минимальной, если не считать довольно краткого сотрудничества с саксофонистом Марионом Брауном (Marion Brown), которому спустя много лет Бадд посвятил пьесу Marion Brown Sweet Earth Flying.

«Я один и в одиночестве ступаю в темноту,
Дневник мой кажется чужим и поглотившим сны мои
Ленивая улыбка в огромной комнате,
Лестница заполнена чужими,
Один подмигивает мне,
И их становится все больше
И я один ступаю в темноту».
Харольд Бадд
«И я один, один, один...»

Калифорния конца 60-х, начала 70-х – когда Бадд, уже совсем не юношей, получал там свою композиторскую степень, была местом для музыкальных экспериментов более чем благодатным. Именно оттуда тянулись ниточки первых минималистских опытов Terry Riley и La Mont Young, не говоря уже о богатейшей калифорнийской школе рока – от величественного храмового многоголосья Beach Boys и Mamas and Papas до пронизывающей блюзовой остроты Капитана Бифхарта и беспощадного сарказма Фрэнка Заппы. Поначалу Бадд, впрочем, больше ориентировался на чисто авангардную нью-йоркскую школу Мортона Фелдмана и Джона Кейджа. Как и Фелдман, он испытал огромное влияние абстрактной живописи Марка Ротко.

«Эти могущественные взрывы цвета просто поглощают тебя», – писал он, и признавался, что мечтает найти путь перевести эти колористические ощущения в музыку. Сотрудничество с Ино началось для Бадда довольно неожиданно – причем сам он к этому никаких шагов не предпринимал. В начале 70-х годов, ощутив внезапно некоторый тупик в своих творческих устремлениях, он на полтора года полностью прекратил занятия музыкой: «минимализировал сам себя из своей карьеры» – как он признавался впоследствии. Выходом из этого «минимализированного» заточения стала крупномасштабная композиция Madrigals of the Rose Angel (Мадригалы ангела Розы), написанная в 1972 году для арфы, челесты, ударных и ангельского хора. Композиция прозвучала всего однажды на университетском фестивале, но вездесущий пытливый Ино, прочитав небольшую заметку об этом событии в одном из музыкальных журналов, сумел обнаружить запись и предложил Харольду Бадду выпустить полноценный альбом на его тогдашнем лейбле Obscure. Вышедшая в 1978 году пластинка The Pavillion of Dreams (Павильон Снов) стала началом подлинной карьеры композитора и первым шагом на его пути восхождения к славе.

Помимо уже упоминавшихся музыки и живописи, еще одним могущественным источником вдохновения для Харольда Бадда всегда служила поэзия, причем поэзия его современников – американских битников. В 1996 году вместе с поэтом и исполнительницей Jessica Karraker он выпустил альбом Walk Into My Voice (Войди в мой голос), полностью посвященный поэзии битников. А еще раньше – на альбомах By The Dawn’s Early Light и She’s a Phantom он решился положить на музыку свою собственную поэзию.

Первой и главной любовью Харольда Бадда остается фортепиано – будь то в чистом, не препарированном виде или же пропущенное через бесконечные электронные примочки его друга и партнера Брайана Ино. Пожалуй, в полной мере любовь Харольда Бадда к фортепиано проявилась на альбоме, записанном им с двумя другими пианистами – Daniel Lentz и Ruben Garcia. Альбом так и называется – Музыка для трех фортепиано.

Дискография

1970 The Oak of the Golden Dreams [with Richard Maxfield]

1978 The Pavilion of Dreams

1980 Ambient 2 - The Plateaux of Mirror [with Brian Eno]

1984 Abandoned Cities

1984 The Pearl [with Brian Eno]

1986 Lovely Thunder

1986 The Moon and the Melodies [with Cocteau Twins]

1987 La Nouvelle Serenite [with Gavin Bryars & Jon Hassell]

1988 The White Arcades

1989 The Serpent (In Quicksilver) - Abandoned Cities

1991 By the Dawn's Early Light [with Bill Nelson]

1992 Music for 3 Pianos [with Daniel Lentz & Ruben Garcia]

1994 She Is a Phantom

1994 Through the Hill [with Andy Partridge]

1995 Glyph [with Hector Zazou]

1996 Glyph Remixes [with Hector Zazou]

1996 Luxa

1996 Walk Into My Voice: American Beat Poetry [with Daniel Lentz & Jessica Karraker]

1998 Fenceless Night - Selections for Cinema 1980-1998

2000 The Room

2002 Three White Roses and a Budd [with Fila Brazillia and Bill Nelson]

2002 Agua

2002 Jah Wobble's Solaris - Live In Concert [with Jah Wobble, Graham Haynes, Jaki Liebezeit & Bill Laswell]

2002 Three White Roses & A Budd [with Fila Brazillia & Bill Nelson]

2003 La Bella Vista

2003 Translucence/Drift Music [with John Foxx]

2004 Avalon Sutra 2CD

2004 Live @ Redcat

2005 Fragments from the Inside [with Eraldo Bernocchi]

2005 Mysterious Skin - Music from the Film [with Robin Guthrie]

2005 Ancillary Dreams (Harold Budd Retrospective)

2006 Perhaps

2007 After the Night Falls [with Robin Guthrie]

2007 Before the Day Breaks [with Robin Guthrie]

2008 A Song for Lost Blossoms [with Clive Wright]

2009 Candylion [with Clive Wright]

2009 Cedars of Lebanon [with U2]

2010 Little Windows [with Clive Wright]

2011 In the Mist

2012 Bandits of Stature

2013 Budd Box 7CD

2013 Jane 1 - 11

2013 Perhaps

2013 Wind in Lonely Fences 1970-2011

2014 Jane 12 - 21

Ссылки

http://www.newalbion.com/artists/buddh/index.htm – Англоязычный сайт

http://www.samadhisound.com/haroldbudd/ – Англоязычный сайт

http://www.sleepbot.com/ambience/page/budd.html – Англоязычный сайт

Биография

Парижский Buddha Bar – один из самых известных в мире клубов. Сравниться с ним по популярности могут, пожалуй, только Cafe Del Mar на Ибице и нью-йоркский Studio 54 начала восьмидесятых. Окунуться в атмосферу Buddha Bar можно теперь и в Москве. У знаменитостей, посещающих Париж, есть один неизменный пункт в программе – посещение Buddha Bar. Сюда часто заглядывают Джонни Депп, Дженнифер Лопес, Камерон Диас, Шон Коннери, Джордж Лукас, Род Стюарт и многие другие звезды. Конечно, каждая страна хочет иметь свой Buddha Bar и делает это. Но главный все равно тот, что расположен недалеко от Place de la Concorde во французской столице.

Как и в случае с Caf? Del Mar, Buddha Bar потихоньку сформировал свою собственную, неповторимую музыкальную атмосферу, насыщенную мистическими звуками самых вкусных мелодий в стиле New Age и Ethno Lounge. Знатоки без труда смогут вычленить из этого коктейля свежайшие дорожки таких мастеров, как Карунеш, Оливер Шанти, Говинда, Нусрат Фатех Али Хан, Крис Сфирис и даже Сара Брайтмен! Как и положено, произведения «мэтров» чередуются с не менее (а иногда и более) интересными композициями «молодой поросли» – и многим из этих музыкантов именно дебют в Buddha Bar обеспечил весьма неплохие шансы на головокружительную карьеру. Ответственными за все это мистическое безобразие считается группа ди-джеев Buddha Bar во главе со знаменитым великовозрастным обормотом Клодом Шаллем, которого считают Папой парижской богемы. Это человек, который сумел за свои 50 лет заколотить миллионы, потерять их, снова накопить, опять же обанкротиться и снова заработать. По его собственному признанию, он всегда был «обычным парижским плейбоем».

Я никогда не мог принять того, что доступно всем, - признается Клод Шалль. - К примеру, когда в моду вошли вареные джинсы, я, привезя их из Америки, смог носить их только две недели, а потом, когда в них облачился весь Париж, выкинул на помойку. Мне это уже было неинтересно. Был еще один эпизод в моей биографии. Когда я заработал кучу денег ни на чем. Ну, буквально на ерунде. Я прогулял этот гонорар в шикарном ресторане с друзьями за несколько дней, и еще оставалось. Так этот остаток я просто сжег в камине. Собственно говоря, именно благодаря Шаллю и появился на свет Buddha Bar, дебютировавший в Париже во второй половине 90-х. Клод разработал концепцию заведения, а заодно и утвердил все заповеди, в полном согласии с которыми и формируется музыкальный стиль Buddha Bar.

Конечно, было бы ошибкой увенчивать лаврами одного только Шалля – стоит назвать, по меньшей мере, еще одного «родителя» Ethno Lounge. Коллега и вечный alter ego Шалля, DJ Ravin, родился на острове Маврикий и получил традиционное индуистское воспитание. Он приехал во Францию в юности, и здесь его страсть к музыке нашла воплощение. Ravin стал популярен благодаря работе на частных вечеринках и в знаменитом клубе The Rex. На одной из вечеринок он знакомится с Клодом Шаллем, который открывает для молодого ди-джея модные направления Electronic Fusion и World Music. После успешных релизов, подготовленных вместе с Клодом Шаллем (The Flying Carpet, Loverdose, Nirvana Lounge), в 1997 году Ravin приезжает в Buddha Bar. Экзотический декор и музыкальная аура заведения заставляют ди-джея вспомнить о своих корнях. В сотрудничестве с Шаллем были созданы две первых компиляции Buddha Bar, завоевавшие популярность не только в Европе. В продолжение этой серии Ravin создает альбом Buddha Bar III, изданный в США в 2001 году. Сейчас Ravin является законодателем музыкальной идеологии Buddha Bar и регулярно выступает в лучших клубах мира – вместе с Клодом Шаллем, который параллельно продвигает сольные проекты, выходящие на его собственном лейбле Chall’OMusic.

Siddhartha Spirit of Buddha Bar Чаще всего в каталогах и базах данных его относят к электронике, эмбиенту и чилл-ауту, но мне все же кажется, что DJ Ravin весьма близок к тематике сообщества. Он во многом напоминает Enigmatic, а порой Tribal и Ethno. Очень красивая и нежная компиляция, которая охватывает традиционные мелодии самых разных стран и культур. С первых секунд воображение уносит слушателя прочь, погружает в страну снов, где одна яркая картинка сменяет другую. Вы когда-нибудь видели такие сны? Немного беспорядочные, но нежные и красивые, немного таинственные и всегда означающие начало дня с хорошим настроение, спокойным сердцем и улыбкой на губах? Когда, улыбаясь, открываешь глаза и радуешься дню за окном и солнцу среди облаков. Представьте, что вы засыпаете. Сначала к небесам или нет, даже так: в Гималаи. Представьте себе. Тибет. Одинокий монах на покрытой снегом вершине, на вершине мира; поет, посвящая себя духу планеты. И напротив него, на горизонте встает солнце. Вдруг в мысли прорывается нежное дыхание Wish you were here, и солнечный свет затмевает блеск снега на вершинах, ослепляет и все вокруг изменяет очертания. Вот уже перед вами пляж и горячий песок. Волны лижут берег, а морской бриз ласкает щеки и все лицо, перебирает волосы. Не сюда ли устремились мысли тибетского монаха? А может быть, это золотые лучи и ветер принесли вас сюда? Это не важно. Море наполняет душу силами. Но кто же это поет? Кто же она – та хрупкая фигура, тот размытый силуэт в белых, струящихся на ветру длинных одеждах, бредущий неторопливо по берегу, по щиколотку в воде? Кому так нежно поют в ответ густые синие волны? Вы сами не заметите, когда же закончился день, и опустилась на странный остров ночь, зажигая миллионы звезд, wish you were here, wish you were here. Звезды горят, освещая пляж. Она танцует не то сама с собой, не то с порывами морского ветра, и ее собственные грезы со словами летят к небу. Где-то на границе сознания ей отвечает голос монаха – он, вы чувствуете, по-прежнему наблюдает величавый восход, где-то в другой, далекой реальности, в совсем другом сне. Но вы оставляете эту волшебницу, этого духа побережий и устремляете свой взгляд в сторону леса, растущего вдоль пляжа. Его звуки зовут вас, завораживают. Дикие птицы, дикие звери, шепот лесного ручья, прикосновения лепестков, загадки ночи. Там тоже кто-то поет. Там, в тропиках, идет дождь. Там – свои духи и свои скрытые от чужих глаз города. Там – другой мир. Огни. Огни в лесу! Факелы на высоких шестах, танцующие, люди? Духи! Не то очередные размытые фигуры, не то просто тени огней. Звуки барабанов и бубнов наполняют пространство. Огромный леопард перепрыгивает легко с одного дерева на другой – сбоку, совсем рядом, и вы на миг отрываетесь от мерцания теней, чтобы проследить плавные его движения. Завороженные, вы сами не знаете, сколько времени прошло, пока вы наблюдали этот таинственный лес и пляски его духов, пока вдыхали ароматы несуществующих цветов. Время безжалостно возвращает мир в утро. Идет дождь, и солнце уже показалось над волнами вдалеке. Вы просыпаетесь, лежа на каком-то отточенным морем камнем, но посреди вновь посреди леса. Крошечные колибри суетятся над огромными красными цветками у самой головы. Где же, где же вы проснулись на этот раз? Что это за место? Что за силы наполняют его? А ведь путешествие только началось.

Интервью

Claude Challe – Диктатура счастья

Клод Шалль (Claude Challe): кто хоть раз бывал на Ибице или в Париже, наверняка слышал это имя. Или, по крайней мере, слышал о его знаменитых клубах Buddha Bar и El Divino. И вы не могли пропустить хотя бы один диск из знаменитой серии Buddha Bar, где собраны треки, которые звучат в этом заведении. Это человек-оркестр, чье главное произведение – он сам.

«Я всегда делал то, что хотел. Это моя философия, я должен верить в то, что делаю. Каждый раз, когда я что-то затеваю, это продукт моих мыслей и желаний»... – Клод сидит передо мной в шелковом китайском костюме, на пальцы нанизаны кольца и перстни всех размеров, на грудь падает жемчужное ожерелье. А накануне для выступления и для прогулки по Москве он выбрал костюм, ботинки и кепи из змеиной кожи. И – ни капли снобизма! – «Ради этой свободы я готов поступиться многими благами, в том числе и материальными. Но за каждое новое дело я берусь с огромным запасом сил и веры в себя, поэтому достигаю своих целей».

Как бы вы сами себя назвали? Бизнесменом, промоутером, ди-джеем?

Свободным человеком (смеется). Мечтателем, утопистом, может быть, не очень практичным и реалистичным человеком. Я мечтаю о несбыточном, о прекрасном мире, в котором нет войны, о молочных реках и кисельных берегах (смеется). Хотя реальность все больше и больше отличается от этой картины. Я верю в силу любви. Я верю, что мои начинания смогут изменить что-то, пусть даже я этого не увижу. На этом я строю свою жизнь.

Есть ли действенный способ изменить сегодняшний мир? С одной стороны, идет процесс глобализации и смешения культур. Но с другой стороны, мы видим, как разные культуры и разные народы сталкиваются друг с другом.

Каждая культура богата, надо только этими богатствами обмениваться. Различия – это тоже богатство. Всем нам есть чему поучиться и чему научить других. Я мечтаю о том, что когда-нибудь люди перестанут делиться на расы, что все люди будут одной крови, и мы все сможем сделать друг друга счастливыми. Я выступаю за диктатуру счастья!

Вы человек-праздник!

Да. Я стараюсь быть всегда позитивным, даже когда не все идет гладко. Это бывает нелегко, но я держу себя в руках, и это лучший способ все уладить. Именно поэтому так удачны все мои проекты. Я дарю людям радость через настроение, через музыку, через дизайн, через вкусную еду и ароматы.

Ваш Buddha Bar уже десять лет держится в списке самых модных мест Парижа...

Я начну с самого начала. Моим первым клубом был Le Prive, существовавший в 1974-1975 годах. В 1978 году я открыл Le Centre Ville, это был ресторан с новым по тем временам интерьером в стиле хай-тек, который сделал Филипп Старк. И это был первый ресторан, в котором играл ди-джей. Потом я стал организовывать one-night вечеринки в Париже, чего до меня тоже никто не делал. Мой следующий клуб назывался Les Bains, он просуществовал десять лет, после него был Buddha Bar. И, конечно, Nirvana Lounge и El Divino на Ибице. В El Divino я также соединил ресторан, танцпол и лаунж-зону, люди могли поужинать, потанцевать и просто отдохнуть. В соответствии с этим формировался и трек-лист. Ночная жизнь и вечеринки – это моя стихия. Я люблю потанцевать и повеселиться, я путешествую, чтобы посетить лучшие вечеринки мира. Я живу в Марракеше, где есть отличные клубы, и каждый вечер я хожу туда потанцевать. Мне шестьдесят лет, но мне это все равно нравится.

В ваши заведения ходят многие известные люди. Чем вы их привлекаете?

В Les Bains приходили знаменитости со всего света. В одну ночь там можно было увидеть Роберта Де Ниро, Джека Николсона, Мика Джаггера, Барри Уайта, Брюса Спрингстина. Но никогда у нас в клубе не было какого-то особого отношения к ним. Секрет был в том, что там они чувствовали себя так же, как самые обычные люди. Туда никто не приходил с гвардией охраны и хвостом фотографов. Для меня как организатора и владельца клуба важно соединить одном месте людей разного положения и с разным достатком и дать им повеселиться вместе. В моем клубе должны собираться люди с открытым сердцем, а не тугим кошельком. Я не люблю снобов, я люблю простых людей. А настоящие звезды именно такие, они никогда не станут подчеркивать свое особое положение. Да, ко мне приходил Пафф Дэдди с десятком охранников и просил ди-джея поставить его диск, и это не «мой» человек, мне плевать, что он знаменит и богат.

А все же почему Buddha Bar так популярен до сих пор?

Нет, он уже не так популярен. Вернее, его популярность несколько поменялась. Знаменитости туда уже не ходят, но теперь это место можно найти в туристических справочниках Парижа как достопримечательность. Его популярность теперь обуславливается музыкальной политикой. А вот Buddha Bar в Дубаи или Нью-Йорке сейчас на пике, поскольку открылись недавно. Клубу очень трудно продержаться на пике в течение долгого времени. Концепция Buddha Bar в Париже поменялась через три-четыре года после открытия, тогда же мы стали выпускать диски Buddha Bar. Это название у всех на слуху, что и обеспечивает клубу популярность. Les Bains просуществовал десять лет, и все это время туда было трудно попасть. Это было небольшое место, на 500-600 человек, и мы при всем желании не смогли бы туда вместить всех желающих, каждую ночь у клуба стояли сотни желающих попасть внутрь. Нашими гостями были самые известные люди, и держать эту планку было очень нелегко. Публика в клубе и ресторане – это как букет цветов, он должен быть гармоничным, но не однообразным. И каждые несколько лет она меняется, сейчас в Les Bains вы не встретите прежних гостей, и в Buddha Bar тоже, хотя статуя Будды осталась, и магия места никуда не исчезла.

Я слышала, вы буддист?

Да, по духу. Изначально я был иудеем, поскольку родился в еврейской семье в Тунисе. Я десять лет проучился в еврейской школе и хорошо изучил свою религию. Потом я заинтересовался христианством, поскольку мне был очень интересен Иисус, я очень много читал о нем. Мне был интересен и ислам. Но буддизм позволил мне во многом найти себя. Поверить в себя и полюбить себя, а через это полюбить других. Это был мой самый большой урок. Я не могу причислить себя к адептам какой-либо религии, моя религия – это религия любви, религия искусства.

Как у хиппи?

Да, я хиппи, ориентальный хиппи. Во мне течет восточная кровь, я живу как восточный человек, я думаю как восточный человек, я дышу и ем как восточный человек. И я разделяю философию хиппи, и до конца жизни я буду хиппи, я уверен.

Что будет вашим следующим проектом? Новый ресторан или клуб?

Нет. Сейчас я хочу снять полнометражный фильм. Этим летом я со своим другом написал к нему сценарий, он немного автобиографичный, а главный герой немного списан с меня. Он тоже ди-джей, идеалист, который хочет изменить мир, изменить людей, делать что-то хорошее для других. Это амбициозный проект, поскольку это не просто фильм, он задуман как большое музыкальное событие. И я хочу, чтобы это событие открыло новые школы, Школы Мира. Я уверен, что нам нужно изменить систему образования, и тогда мир изменится к лучшему. В этом уверен и я, и те, кто работает со мной.

Кто будет играть главную роль?

Не буду сейчас называть его имя, мы пока даже не посылали ему сценарий. Этот человек родился со мной в одни год, месяц и день, раньше он часто бывал в Les Bains. И как-то он сказал мне, что, не будь он актером, то жил бы, как я. И теперь я смогу дать ему такой шанс (смеется).

Недавно на сайте YouTube я увидела ваш клип на песню Emmanuelle. Вас всегда больше интересовал стиль fusion, почему вдруг такой поворот?

А почему бы нет? Я сделал целый диск, который назвал Emmanuelle. Это получилось случайно, как-то мой друг познакомил меня с девушкой, которая играла роль в новом фильме про Эммануэль. Выяснилось, что она еще и поет. Я послушал ее музыку, и решил сделать трибьют-диск, а моя дочь Калипсо сделала клип на заглавную песню. Первый фильм об Эммануэль был первым эротическим фильмом, вышедшим в широкий прокат. Наша версия песни и клип тоже получились очень эротичными, и мне это нравится. Любая форма удовольствия делает людей счастливыми. Для кого-то это эротика, для кого-то это музыка, для кого-то это путешествие на автомобиле. Это радость – доставлять людям удовольствие. При условии, конечно, что это не никак не вредит окружающим (смеется).

У вас получилась очень легкая и красивая эротика. Но вы не находите, что сейчас в кино, музыке, рекламе, журналах и книгах очень много секса?

Да, слишком много. Секс – это что-то магическое, интимное. Сейчас это слишком напоказ, и лично меня это расстраивает. Я немного боюсь за маленьких детей, потому что их это должно шокировать. Секс – это территория взрослых, эти рамки не должны расширяться.

А как вы смотрите на современных женщин, которые провозглашают независимость от мужчин и одновременно с этим прилагают неимоверные усилия, чтобы быть для них сексуально привлекательными. Вы не видите в этом противоречия?

Знаете, сейчас формируются новые взгляды на семью, на религию, на роль женщин и мужчин, мы должны хорошо управлять этим процессом. У нынешней молодежи гораздо более широкие возможности, чем были у их родителей, и более широкие взгляды, но это как раз сбивает их с пути. А ведь во времена моей молодости не все женщины даже носили брюки, мы завоевывали каждый сантиметр свободы, которой сейчас пользуетесь вы. Потерянными сейчас не могут быть только молодые люди, ограниченные в средствах, потому что у них совсем другие заботы. Когда ты думаешь о пропитании и крыше над головой, уже не до сексуальной или иной другой свободы. А если у тебя комфортные условия и тебе не составляет труда достать алкоголь или наркотики, нетрудно наделать ошибок. Сейчас стало гораздо больше насилия, чем раньше. Надо быть очень сильным человеком в современном мире, чтобы справиться со всем, что на тебя обрушивается. Но на этом свете есть еще места, где не нужно гоняться за деньгами, чтобы обеспечить себе достойную жизнь. Есть города, где ты можешь тратить гроши, срывать фрукты с деревьев и жить счастливо. Это райские места на земле, и то, что они существуют, дает мне силы жить и работать дальше.

2 октября 2007 года, Анна Никитина.

Дискография

1996 Les Bains 2CD

1997 Lover-Dose 2CD

1998 Flying Carpet 2CD

1998 Le Bains Douche

1998 Om Lounge 2CD

2000 Buddha-Bar 2CD

2000 Buddha-Bar II 2CD

2001 Amnesty International - 40th Anniversary 2CD

2001 Buddha-Bar III 2CD

2001 Buddha-Beats 2CD

2001 Krishna-Beats 2CD

2001 Kuon Ganjo

2001 Living Theater vol. 1

2001 Chill Out In Paris 1

2001 Claude Challe present Karmix

2001 Nirvana Lounge vol. 1 2CD

2001 Sun 2CD

2002 Ayurveda Buddha Lounge 2CD

2002 Buddha-Bar IV 2CD

2002 Chillout Cafe - Best of 2CD

2002 Living Theater vol. 2

2002 Near Eastern Lounge

2002 Nirvana Lounge vol. 2 2CD

2002 Sex Lounge 2CD

2003 An Evening at the Indochine Club 2CD

2003 Arabic Lounge 2CD

2003 Barlotti 2CD

2003 Buddha-Bar V 2CD

2003 Chillout in Paris 1 2CD

2003 Chillout in Paris 2 2CD

2003 Chillout in Paris 3 2CD

2003 Happiness 2CD

2003 Je Nous Aime 2CD

2003 Living Theater vol. 3 - Metamorphosis

2003 N.E.W. Sound Experience

2003 Nirvana Lounge vol. 3 2CD

2003 Segesta

2003 Siddhartha - Spirit of Buddha Bar vol. 1 2CD

2003 Siddhartha - Spirit of Buddha Bar vol. 2 2CD

2003 Tantra Lounge 2CD

2004 Buddha-Bar VI 2CD

2004 Erotic Lounge 2CD

2005 Buddha-Bar - Nature

2005 Buddha-Bar VII 2CD

2005 Cafe Buddha - The Cream of Lounge Cuisine 2CD

2005 Chill Out in Paris 4

2005 Erotic Lounge vol. 2 - Sensual Passion

2006 Buddha-Bar VIII 2CD

2006 Buddhattitude 2CD

2006 Chill Out in Paris 5

2006 Siddhartha - Spirit of Buddha Bar vol. 3 2CD

2006 Ten Years 2CD

2007 Buddha-Bar IX 2CD

2007 Buddhattitude - Liberdade

2007 Chill Out in Paris 6

2007 Perception

2008 Bombay Sapphire - Pure Cill Out [promo]

2008 Buddha-Bar X 2CD

2008 Buddhattitude - Horriya

2008 Ocean

2008 Travel Impressions

2009 Best of Ravin 2CD

2009 Buddha-Bar XI 2CD

2009 Little Buddha 2 - Clubbing Collection

2009 Siddharta - Spirit of Buddha Bar vol. 5 - Budapest

2009 Sunlounger

2010 Buddha-Bar XII 2CD

2010 Buddhattitude - Alaafiya

2010 Buddhattitude - Tzu Yo

2011 A Night @ Buddha Bar Hotel by Ravin 12CD

2011 Buddha-Bar XIII 2CD

2012 Buddha-Bar XIV 2CD

2012 Siddharta - Spirit of Buddha Bar vol. 6 - Dubai

2012 Zenfonia

2013 Best of 3CD

2013 Best of by Ravin - Creator of Legends Since 1997 3CD

2013 Buddha-Bar XV 2CD

2013 Buddhattitude - Himalaya

2014 Buddha-Bar Beach - Ibiza by FG

2014 Buddha-Bar Hotel - Paris by Ravin

2014 Buddha Bar XVI 2CD

2014 Classical Chillharmonic

2015 Buddha-Bar Beach - Mykonos

2015 Buddha Bar XVII 2CD

2016 Buddha Bar XVIII 2CD

Ссылки

Биография

«Я не виртуоз, но компьютер помогает мне корректировать самые большие ошибки».

Творчество голландца Bas B. Broekhuis, одного из наиболее ярких представителей новой берлинской электронной школы, сильно отличается от работ других мастеров этого жанра (Schonwalder, Spyra и др.): оно гораздо более мелодично и лишено суровой строгости и холодности немцев. Несмотря на общую сдержанность в красках, присущую данному направлению, его музыка, тем не менее, не так монотонна, а звуковая палитра богаче. И хотя его сольные работы почти выходят за условные границы этого направления, однако она лишена «крикливости» последователей и в целом следует курсу хранения лучших традиций Берлинской школы.

Бас родился в 1963 году в семье полной музыки и творчества. Младший из четырех детей, был единственным, кто, казалось бы, не заинтересован в музыке. С помощью образования и своего членства в «Обществе молодых ученых и изобретателей» (The Society for Young Scientists and Inventors), Bas сосредоточился на работе с техникой. Однако, используя свои знания, Бас начал конструировать машины, которые могли издавать звуки в электронном виде. Под влиянием Tangerine Dream, Klaus Schulze и Vangelis он начал экспериментировать со звуками и музыкой.

Вместе с несколькими друзьями из «общества» Бас создал свою первую электронную музыкальную группу под названием El Sueno (в переводе с испанского «Мечта»). После всего лишь единственного концерта и одного эфира на радио группа распалась. А Bas с друзьями создали новую группу под названием The Evolution Project. Но и этот проект распался после одного концерта и одного выступления по телевидению. С одним из друзей Бас основал новую группу Live Support System. Но, история продолжала повторяться, после одного концерта и эта группа распалась. После этих групп остались лишь редкие разрозненные демонстрационные и репетиционные записи и несколько концертных и телевизионных выступлений.

После шести лет экспериментов и опытов со звуком Bas наконец-то выпустил дебютную сольную работу под названием Face Behind the Mask. Альбом увидел свет на одном из первых фестивале электронной музыки (KLEM-day) в сентябре 1988 года. Год спустя, 21 октября 1989 года вместе с Ron Boots (выступали как Project 2.1) вышел альбом Hydrhythmix. Еще Bas участвовал в создании альбомов таких европейских исполнителей как Mario Schonwalder, John Kerr, Venja и многих других. В 1991 году выходит первый сольный альбом The Escher Drawings, который был вдохновлен рисунками M.C. Esher.

The Escher Drawings – секвенсорная необерлинка с элементами new age, четким и ясным ритмом (как показывают «живые» выступления, Broekhuis весьма неплохой «электронный» перкуссионист), местами граничащая со вполне себе приземленным easy-listening (и как результат – довольно-таки неплохо ложащаяся на ухо в качестве фонового сопровождения); в плане техники и музыкальных идей вызывающая в памяти, с одной стороны – ранние работы Клауса Шульце (правда, сам Broekhuis, что естественно, звучит несколько проще), и Software и Ж.М. Жара (в наиболее «мягкой» их ипостаси) – с другой. Помянутые аналогии ни в коей мере не означают эклектичности, наоборот – все части The Escher Drawings выверены, гармонично сбалансированы друг с другом и эмоционально (уютно) разнообразны: от медитативности части 1, через тревожность 3 и 4 частей, к легкости эпилога.

Пластинка посвящена творчеству известнейшего нидерландского графика Маурица Корнелиса Эшера (17 июня 1898 – 27 марта 1972), создававшего в чем-то шизофренические фантасмагорические, многомерные миры, частью математически выверенные, частью – уходящие едва ли не в бесконечность трехмерных объектов: крупица безумия в очевидном, – и состоит из одной пьесы, разделенной на 7 частей. Правда, если самому Эшеру было явно тесно в банальной реальности трехмерного пространства, в которую заключен мир человеческого восприятия реальности, то Broekhuis, наоборот, в своих попытках звукового исследования графической ирреальности, остается в пределах едва ли не двухмерной плоскости. Это ни в коей мере не означает безыдейности The Escher Drawings, равно как и не подразумевает ее пошлости или халтурности – в рамках последователей необерлинки, как мне кажется, пластинка и сейчас звучит довольно-таки интересно (собственно 1, 3, 4 и, заключительной, 7 частями, как раз и вызывающими четкие ассоциации с названными уже корифеями жанра), и, как показывает практика, оказывается не самым плохим сопровождением созерцанию работ самого Эшера. Музыка альбома качественна и способна доставить слушателю удовольствие.

С 1992 года Bas зачастую присутствует на сцене за синтезаторами, но в основном он работает на электронных барабанах и перкуссии вместе с Mario Schonwalder, Detlef Keller, Bernd Braun, John Kerr, Harald Grosskopf, Venja и многими другими. В 1996 году у Bas Broekhuis вышел второй сольный альбом Synchronicity of Life. Помимо живых выступлений Bas также занят обработкой записей в аудио-студии.

Спасибо KёyN с klem.ru за информацию, которую я частично использовал в данной статье.

Дискография

1991 The Escher Drawings

1996 The Synchronicity Of Life

1999 The Annazal Tapes [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2000 Drei [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2001 Berlin Theater Coupe [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2002 Wolfsburg [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2004 E-Live'99

2004 The Hampshire Jam 2004 [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2005 Musique Des Machines [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2006 Live @ Dorfkirche Repelen [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2007 Hands On Klaus Schulze - Live im Planetarium Bochum [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2007 Orange [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2007 Space Cowboys [with Spyra, Detlef Keller, Mario Schonwalder & Bill Fox]

2008 Live @ Dorfkirche Repelen 2 2CD [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2009 Berlin - Culemborg [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2009 Blue [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2010 Meditationen Zum Gottesdienst [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2010 Repelen 3 [with Detlef Keller, Mario Schonwalder, Raughi Ebert & Thomas Kagermann]

2012 Level Four [with Detlef Keller & Mario Schoenwalder]

2012 Live [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2012 Red [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2012 Sublimage - Live In-Studio On-Air Radio Concert [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2012 The Hampshire Jam [with Detlef Keller & Mario Schonwalder] [reissue]

2013 Eglise de Betzdorf [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2014 Direction Green [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2014 Live Dechenhohle [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2014 Repelen - The Last Tango [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2015 Green [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2016 Lost Tapes & Forgotten Recordings (1999-2010) [with Detlef Keller & Mario Schonwalder]

2016 The Repelen EP [with Detlef Keller, Mario Schonwalder, Raughi Ebert & Thomas Kagermann]

Ссылки

http://www.basbroekhuis.com/ – Официальный сайт

Биография

Не будем спорить с устоявшимся мнением, что нет в мире ничего более полярного, чем эстрада и классическо-оперные деликатесы, о которых в обществе «настоящих ценителей музыки» принято говорить исключительно с придыханием. И то правда – деликатес, он деликатес и есть, угощение не для серой и невежественной толпы (ей оставим Рики Мартина с Мадонной), а для немногих избранных. Но, как известно еще со школьной скамьи, все крайности и противоположности когда-нибудь сходятся. И там, в уютном пограничном уголке, где эстрада сходится с классикой, живет сладкоголосая леди по имени Сара Брайтмэн.

Живет, правда, не в одиночестве. Охотников запрягать в сани коммерческой звукозаписи «коня и трепетную лань» одновременно сегодня предостаточно – от вовремя удалившегося с оперной сцены Паваротти до новомодной Эммы Шаплин. Но Сара, божественная, непревзойденная Кристина из «Призрака оперы», очаровательная мяукалка из Cats и так далее и тому подобное – была все-таки первой. Первой, на ком обломали свои остро отточенные зубки музыкальные критики. Что это за явление такое? И в какую, собственно, графу его все-таки относить? Ответ на этот эпохальный вопрос не получен и сегодня. В Японии Брайтмэн числится классической оперной певицей, в Англии ее боготворят, как звезду мюзиклов, ну а в Америке она – бесспорная поп-стар. Тяжкая это наука – классификация. В 13 лет она впервые вышла на подмостки лондонского Piccadilly Theatre, чтобы принять участие в «массовке» спектакля «Я и Альберт». Но это была лишь первая проба сил, и во владениях Мельпомены Сара пробыла недолго. Через три года она впервые появляется на телеэкране – ее ножки вы можете с большим трудом отыскать на заднем плане модного телесериала Pan's People, еще через год входит в состав девичьей группы Hot Gossip.

И лишь в 1978 году фанфары музыкальной критики возвестили миру о рождении новой певицы – сингл I Lost My Heart To A Starship Trooper впервые явил миру достоинства голоса Сары, заслуженно став на первое место в британском хит-параде. А еще через два года вернувшаяся на театральную сцену Сара встретила человека, которому было суждено возвести ее на вершины славы. Речь шла, конечно же, об Эндрю Ллойде Уэббере, композиторе, подарившем миру Jesus Christ Superstar и добрый десяток мюзиклов калибром поменьше. Именно тогда, в 1980 году, маэстро готовился представить почтеннейшей публике свое новое творение, повествующее о жизни представителей семейства кошачьих. На роль милашки Джемаймы в Cats хрупкая и высокоголосая Сара подходила просто идеально, и удовлетворенный прослушиванием мистер Уэббер не только подарил Саре лакомую роль, но и через несколько лет предложил ей руку и сердце. Но это случится позже, в 1984 году, а пока. Грандиозный успех Cats был запрограммирован – правда, и сам автор не ожидал, что его творение будет идти на бродвейских подмостках еще целых 19 лет (последнее представление Cats состоялось летом 2000 года). А фантастическая Memories, трогательно промяуканная Сарой, тут же превратила юную певицу в суперзвезду. И пусть через несколько лет, чуть дрожащий голос Сары померкнет перед мощным вокалом Барбры Стрейзанд, сделавшей Memories одним из своих главных хитов – звезда юной примы уже взошла.

В 1982 году она впервые вышла на сцену в качестве исполнительницы главной роли – в детской опере The Nightingale на фестивале в Бакстоне. Однако к тому времени Сара поняла, что ее голос, вполне достаточный для поп-звезды, для исполнительницы оперных арий все-таки слабоват. И для ликвидации этого досадного дефекта Сара отправляется на учебу в Королевском Колледже Музыкального искусства, взяв, для подстраховки, еще и частного репетитора. И лишь через три года, уже став мисс Уэббер, она вернулась на сцену. Вернулась, чтобы сразу же потрясти воображение меломанов арии в уэбберовском мюзикле «Реквием», которая принесла ей «Грэмми» как «лучшему новому исполнителю классической музыки». А через год над миром впервые прозвучала знаменитая ария «Призрак Оперы» из одноименного мюзикла, которой суждено было стать визитной карточкой Сары на долгие годы. После выхода и триумфа «Призрака» у Сары появились веские основания для записи своего первого диска, который не замедлило выпустить «классическое» подразделение корпорации EMI. Правда, альбом The Trees They Grow So High (1988), состоящий из народных песен, получился несколько блеклым, да и следующий диск The Songs That Got Away, наполненный номерами в духе кабаре 30-х годов, не включается знатоками в золотой брайтмэновский фонд. До начала 90-х основной работой Сары по-прежнему оставалось исполнение звездных арий в мюзиклах мужа. Ей аплодируют зрители в оперных театрах Англии и на подмостках Бродвея. Aspects Of Love, Trelawny Of The Wells, Relative Values, Dangerous Obsession, The Innocents, Carousel – мюзиклы следуют за мюзиклами, вокал Сары по-прежнему пленяет аудиторию, но повторения «призрачного» успеха не получается. А потому Сара вновь возвращается в студию звукозаписи.

Именно тогда, с первых пластинок 90-х к слушателям приходит настоящая Сара Брайтмэн – талантливая многостаночница, сочетающая оперную красоту и изысканность с коммерческой простотой и завораживающим слушателей медоточием голоса. Записаться с ней считают за честь Пласидо Доминго, сопровождавший ее в турне по Японии, Хосе Каррерас, рука об руку с Сарой открывавший Олимпийские игры в Барселоне в 1992 году, а также многочисленные деятели поп-сцены – например, вечнозеленый Клифф Ричард. Не забывает Сара и о муже, выпустив два альбома с его лучшими композициями (песни со второго из них, Surrender, звучали в ее исполнении и под сводами Концертного зала имени Чайковского в Москве). Однако в 1995 году ее сотрудничество с Эндрю Ллойдом Уэббером, равно как и их супружество, подходит к логическому концу, продлившись почти 15 лет. Во многом это символично – теперь Саре не нужно было ничье покровительство, наоборот, теперь уже она, прикасавшись своим волшебным голосом к любой песне, превращала ее в чистое золото. Впрочем, без покровительства и тут не обошлось. Если своей оперной карьерой Сара была обязана Уэбберу, то славу поп-звезды ей принес на блюдечке другой талантливый композитор и продюсер – Фрэнк Петерсен. Его имя знакомо поклонника «мистической музыки» по проекту Enigma, который Фрэнк поднимал вместе с Михаэлем Крету и его женой Сандрой, а также по его собственному проекту Gregorian. Эта встреча была неизбежна – Фрэнк явно мечтал отправиться в путешествие по дороге, проторенной его другом Крету, который ухитрился вырастить самую мистическую певицу нашего времени из скромной солистки разудалой диско-группы «Арабески». Из Сары же и вовсе не нужно было ничего выращивать, музыка и мистика в ее песнях шли рука об руку еще со времен «Призрака». И единственное, что должен был сделать Петерсен, это не упустить ту волшебную потусторонность голоса Брайтмэн, которую подарила ей природа, а, наоборот, позволить ей расцвести пышным цветом. Итог работы «садовника» Фрэнка мы можем увидеть в прозрачном, воздушном альбоме Dive, получившем, как и все работы Сары, платиновый статус. Ее дальнейший творческий путь описывать нет нужды – четыре новых диска, каждый из которых побывал на первом месте американских и английских хит-парадов. Альбом Time To Say Goodbye, включающий одноименный дуэт с Андреа Бочелли, продержался на нем аж 34 недели!

Новая пластинка Сары Брайтмэн La Luna, вышедшая в начале весны на EastWest Records и оперативно перепечатанная у нас, производит самое благоприятное впечатление, начиная с обложки, выдержанной в нежно-голубых тонах и эдаким ангелоподобным созданием среди облаков (в роли ангела – сама Сара Брайтмэн), и до содержимого, которое, к слову сказать, в этот раз содержит не более 35% чисто оперных вещей (ну, там, с симфоническим оркестром и прочими изысками). Какое-то время назад найдя свою нишу, Сара использует приемы, удачно сработавшие в предыдущие разы: чтобы пластинка адекватно воспринималась публикой, надо чуть-чуть подстроить звучание под усредненно-европейские тенденции, витающие в общественном сознании на данный момент времени. Но! Сара Брайтмэн не стала бы известной Сарой Брайтмэн, если бы вдобавок к своему чарующему голосу не имела бы того потрясающего чувства такта и гармонии, позволяющего ей много лет выпускать альбомы, встречающие благодатный прием и у слушателей, и у критики. Насчет критики точно сказать не беремся, но как слушатели можем рекомендовать эту пластинку всем, кто любит, скажем, Enya, да хоть бы и последние акустические проекты Ричи Блэкмора. Что касается содержания, есть здесь и мягкий блюз, исполненный, правда, под тот самый оркестр, и нежная баллада в духе Kate Bush, и так называемая World Music (a-la Enigma), и не совсем обычное прочтение «Аллегретто из 7-й симфонии» Людвиг Ван Бетховена. То есть альбом ничего принципиально нового не содержит, а в целом получился весьма неплохим. Во всяком случае, поинтересней некоторых предыдущих. Лучше всего попробуйте сами разобраться, в чем тут дело.

Symphony: Live In Vienna Вполне закономерно, что именно эта видеопрограмма главной мировой звезды стилистики classic crossover создала нетипичнейший прецедент для современных отечественных СМИ, будучи показанной едва ли не в момент издания DVD на телеканале «Культура». На самом деле, даже  этот факт – заявление о том, что никакого более ультимативного творения в немалой видеографии Сары Брайтман просто не имеется: на самом деле Symphony – Live In Vienna роскошен во всех смыслах, какие только применимы к завершенному коммерческому DVD-продукту – начиная от подбора материала и заканчивая дизайном, не говоря уж о качестве исполнения, продюсирования и видеомонтажа. Понятно, что идея постановки концерта в соборе наверняка повлекла за собой необходимость стопроцентной перезаписи аудиоматериала – но игра стоила свеч в смысле зрелищности. Когда декорацией являются исторические интерьеры, а сценические наряды Сары и ее музыкантов намекают на «модную готичность», – рядовой слушатель, которому в большом мире адресован  этот DVD, устоять не может. Бонусом же для отечественного зрителя служит выступление партнером Сары в арии Phantom Of The Opera вокалиста Manfred Mann’s Earth Band Криса Томпсона, участвовавшего в записи студийного альбома Сары Symphony.

Интервью

Sarah Brightman – Сказительница

Сара Брайтман – всемирно известная «кошечка» театральных подмостков. Неискушенные слушатели в восторге от ее мягкого голоса и умения красиво себя подать, искушенные не принимают ее всерьез – Сара всегда делала ставку не только на голос, хотя и впечатляющие нее три октавы, но и на имидж. К тому же, своим успехом она целиком и полностью обязана Эндрю Ллойду Вебберу (Andrew Lloyd Webber): какой он ее слепил, такой мы видим ее и сейчас. Однако к сэру Эндрю нет претензий, благодаря нему поп-сцена приобрела замечательную артистку, которая, смешивая академическую школу и поп-музыку, сумела популяризировать жанр оперы. Как говорится, культуру в массы. В этом году госпожа Брайтман выпустила свой восьмой альбом, Symphony. В противовес предыдущему – Harem – этот чем-то напоминает мелодичный и мрачный рок популярных у нас финнов, той же Тарьи Турунен (Tarja Turunen). Что о своей работе думает сама певица, она рассказала в интервью.

Ваш новый альбом звучит, как рок-опера, звучание стало более мощным. Почему вы решили сделать его таким?

Все зависит от того, как вы хотите его услышать. Кому-то он кажется больше классическим, кому-то – больше роковым. Но на самом деле я просто хотела рассказать историю так, как я ее вижу, всеми доступными средствами. Это масштабная программа, она рассчитана на то, что ее будут не только слушать, но и смотреть. Я всегда стараюсь как можно нагляднее подать материал, но зритель сам решает, к какому стилю его лучше отнести.

Насколько я знаю, вы брали уроки оперного вокала. Не было мыслей всерьез заняться оперой и выйти на сцену в качестве оперной певицы?

Да, вы правы, я училась на оперную певицу и до сих пор беру уроки оперного вокала. Но в довольно молодом возрасте я попала в состав участников мюзикла, и эта музыкальная форма, мне кажется, подходит мне как нельзя лучше. В мюзикле гораздо больше возможностей для визуального выражения действия и эмоций – взять хотя бы те же танцы. Моя музыка позволяет быть более гибкой, делать композиции более яркими, и одновременно она может быть очень жесткой. Боюсь, мои поклонники не воспримут меня в роли оперной дивы. Но мое образование, конечно, позволяет мне лучше контролировать свой голос, я четко понимаю, как и что я должна петь, все малейшие нюансы.

Альбом получился, чуть ли не готическим. Вам близок этот стиль?

Ммм, не думаю, что он готический. Если и так, то это получилось само собой. Просто у меня было такое настроение, что я создала именно такие песни. Возможно, мой вид как-то подпитывает это мнение. Готика нравится мне с эстетической точки зрения, но сама я человек позитивный.

Вы работали с легендарным Эндрю Ллойдом Вебером. Каково было после этого работать с Фрэнком Петерсоном (Frank Peterson)?

Я работаю с Фрэнком уже давно, он прекрасно чувствует мой голос и то, что я хочу выразить. Он принадлежит к тому же поколению классических композиторов, что и Эндрю. Поверьте, я очень рада работать с ним.

Некоторые артисты воспринимают свою работу как некую миссию. Как ее воспринимаете вы?

Я бы не стала определять ее таким образом. Все, что я делаю, это выражаю себя. Это одновременно приносит мне огромное счастье и забирает все мои силы. Прекрасно заниматься тем, что тебе нравится, особенно если результат работы нравится еще и другим.

В этом году также выходит фильм Repo! The Genetic Opera, в котором вы играете одну из ролей. Расскажите об этом фильме.

Это музыкальный фильм с футуристическим сюжетом и психологизмом. Я играю одну из второстепенных ролей. Это был прекрасный опыт для меня и после многолетней работы на сцене, совсем не сложный. Я знаю, что критики уже видели часть фильма, и отзывы были только положительными. Надеюсь, что он лента появится и у вас.

28 марта 2008 года, Анна Никитина

Дискография

1978 I Lost My Heart To A Straship Trooper [single]

1979 The Adventures Of The Love Crusader [single]

1979 The Adventures Of The Love Crusader [single]

1979 Love In A U.F.O. [single]

1981 My Boyfriend's Back [single]

1981 Not Having That! [single]

1983 Him [single]

1983 Rhythm Of The Rain [single]

1987 Doretta's Dream – A Theme From A Room With A View [single]

1988 The Trees They Grow So High

1989 The Songs That Got Away

1989 Anything But Lonely [single]

1990 As I Came Of Age

1990 Something To Believe In [single]

1992 Sarah Brightman Sings The Music Of Andrew Lloyd Webber

1992 Amigos Para Siempre [with Jose Carreras] [single]

1993 Dive

1993 Captain Nemo [single]

1993 The Second Element [single]

1995 Surrender

1995 Fly

1995 Andrew Lloyd Webber – Requiem

1995 A Question Of Honour [single]

1996 How Can Heaven Love Me [with Chris Thompson] [single]

1996 Heaven Is Here [Single]

1996 Time To Say Goodbye [Sarah's Intimate Version] [single]

1996 Time To Say Goodbye [With Andrea Bocelli] [single]

1997 The Andrew Lloyd Webber Collection

1997 Timeless  (Time To Say Goodbye)

1997 Who Wants To Live Forever [single]

1997 Just Show Me How To Love You [with Jose Cura] [single]

1997 There For Me [With Jose Cura] [single]

1997 Tu Quieres Volver [single]

1998 Starship Troopers [single]

1999 Eden

1999 Deliver Me [single]

1999 The Last Words You Said [single]

1999 So Many Things [single]

2000 La Luna

2000 Fly II – La Luna Tour Edition

2000 Scarborough Fair [single]

2001 The Very Best Of Sarah Brightman 1990-2000

2001 Classics

2001 A Whiter Shade Of Pale/A Question Of Honour [single]

2001 Diva Dance [single]

2002 Encore

2003 Harem

2003 Harem II – Harem Tour Edition

2003 Harem Remixes [single]

2003 What You Never Know [single]

2004 The Harem World Tour – Live From Las Vegas

2005 Love Changes Everything

2009 Symphony: Live In Vienna

2009 Amalfi

2009 Bella Voce

2009 Greatest Hits 2CD

2009 Symphony - Live in Vienna

Ссылки

http://www.sarah-brightman.com/ - Официальный сайт

Биография

Рон Бутс – это неотъемлемая часть так называемого третьего поколения электронных музыкантов. Первое поколение появилось в начале 70-х, оно состояло из инициаторов электронной музыки, вторым поколением стали их последователи, появившиеся в конце 70-х – начале 80-х годов. Рон Бутс родился 13 октября 1962 в Эйндховене, Голландия. В настоящее время он все еще живет и работает в окрестностях своего родного города, в деревне Мархези. В середине семидесятых Рон приобщился к электронной музыке, послушав альбом Timewind Клауса Шульца. Он был так потрясен им, что решил посвятить себя и свое будущее созданию музыки этого стиля.

Помимо корифеев электронной музыки, подобных Клаусу Шульцу, Tangerine Dream, Вангелису, Стиву Роучу и Патрику Космосу, на Рона оказали влияние мастера и других музыкальных жанров – его любимыми исполнителями были так же Simple Minds, Дэвид Силвиан из группы Japan, Pearl Jam, Marillion и композиторы, сочиняющие музыку к фильмам, такие как Джон Вильямс и Морис Жарр (отец Жан-Мишеля). В 1984 он купил свой первый синтезатор, монофонический Yamaha CS10. Его первым музыкальным опытом была школьная вечеринка – в 1977 году он стал певцом в школьном ансамбле. «Так можно было завести подружку», - шутил он в интервью. С приобретением CS10 он начинает серьезно заниматься композицией и в 1986 году дает свой первый концерт как исполнитель электронной музыки.

«Это было на моей свадебной вечеринке. Я написал пьесу для моей первой жены, Ингрид и ее дядя помогал мне ее исполнять. Слушателями были только члены наших семей, друзья и знакомые, так что не тем вечером меня не особенно критиковали». Приобретя пару клавишных инструментов, Рон решил сделать свою первую запись. В 1987 он записал свою первую кассету, которую назвал Linear Waves. Было сделано только девять копий этой кассеты – официально она никогда так и не была издана. Это была демонстрационная версия, ее целью было представить музыку Рона остальной части человечества. Кассеты были просто розданы – Linear Waves ясно демонстрировали талант Рона и предлагали слушателям немного интересной музыки – секвенсорные пьесы Affaire, Only You и Arakis были вполне приличными. Чуть позже, в этом же году Рон выпустил свой первый официально изданный шестидесятиминутный кассетный альбом Dreamweaver. Он состоял из пяти треков довольно меланхоличной музыки. Секвенсорные пьесы The Mystery и The Dream были выделены за качество. Один рецензент написал, что «...зловещая пьеса The Machine создает ощущение леденящего холода...» «Я послал этот альбом на одну бельгийскую радиостанцию для программы Manoeuvres In Het Donker, которую вела Флор Беркенбош, и пьеса из него действительно прозвучала в эфире. Я все еще помню, что это было вечером моего дня рождения. Вскоре после этого мой первый фанат позвонил мне, и я все еще помню его имя сегодня – Жан-Пьер, я все еще очень благодарен тебе!» Колесо стало набирать обороты. В том же 1987 году была выпущена еще одна кассета, на этот раз C-90 с альбомом New Dream, содержащим восемь композиций. Заметно, что многие ранние работы Рона были посвящены теме «мечтаний». Технически для Рона эта новая запись была существенным шагом вперед. Звуковые образы композиций Coldfields, Alpha и Andromeda были созданы при помощи компьютера и звукового модуля Yamaha FB01.

К концу 80-х Рон вошел в контакт с другими приверженцами электронной музыки из Эйндховена и его окрестностей – Роном Десборгом (Ron Doesborg) и Басом Брекхюсом (Bas B. Broekhuis). Десборг и Брекхюс также экспериментировали с интересной электронной музыкой, так что скоро несколько этих музыкантов из Эйндховена стали называть Eindhovense School – Эйндховенской Школой (подобно Берлинской Школе 1970-х). Примерно в то же время голландские фан-клубы Клауса Шульца и Tangerine Dream объединились в новый клуб KLEM во главе с редактором Фрицом Коувенбергом. Цель KLEM состояла в том, чтобы продвинуть электронную музыку и все непосредственно и косвенно связанное с этим музыкальным направлением. KLEM стал издавать влиятельный музыкальный журнал KLEMblad, выходящий каждые два месяца – он был учрежден на ежегодном фестивале KLEMdag в 1988 году. KLEMdag был самым большим фестивалем электронной музыки в мире – около полутора тысяч человек были слушателями и участниками этих концертов, на которых выступали такие звезды как Ашра (Ashra), Стив Роуч, Гендальф, Jon Serrie и Suzanne Ciani. Через много лет один из KLEMdag-фестивалей был организован KLONE, эйндховенским подразделением KLEM. Рон был членом этой группы и в 1988 году попросил о концерте в рамках KLEMdag, который был проведен в деревне недалеко от Эйндховена.

«...Предполагалось участие четырех коллективов, включая группу Gaia, но за семь недель до концерта они сообщили о распаде своей группы, так что организаторы решили, что я буду играть как замена. Полный недоверия, я посмотрел на них, и сказал, что у меня нет оборудования, необходимого для проведения такого концерта. Что же, факт, что они дали мне возможность купить сэмплер и синтезатор, которые я был должен оплатить только после фестиваля, устранив тем самым причину и желание отвечать им «Нет». Так получилось, что в тот сентябрьский день я оказался на сцене, впервые играя в одиночку. Перед тем концертом я думал, что буду играть не более чем для ста слушателей. Ладно, думал я, в школьном ансамбле я играл и для большего количества зрителей, так что все это не должно быть слишком трудно. Когда я поднялся на сцену, расположенную в углу зала и состоящего из четырех столов, покрытых тканью – вечером на ней должен был выступать Патрик Космос – в зале уже было больше трехсот слушателей. Я помню, как от страха дрожала моя рука, когда я включал компьютер, но все же я сумел сосредоточиться и позволил всему этому волнению пребывать поверх меня. Я почти ничего не могу вспомнить из этого фестиваля, кроме встречи с Джоном Керром, который сказал мне, что любит музыку...» Выступления Рона Бутса и Патрика Космоса дополнялись концертами Берндта Кистенмахера (Bernd Kistenmacher) и группы The System, проектом Баса Брекхюса. На своем концерте Рон исполнял музыку со своей новой девяностоминутной кассеты Wind In The Trees.

«…На этом фестивале я впервые попытался реализовать кассеты с моей музыкой. В безрассудстве я сделал всего 35 копий. Через три часа пришла Ингрид и сказала, что все кассеты проданы, и она вынуждена составлять список тех, кто хотел бы заказать кассету с моей музыкой. Я не мог поверить в это! Через неделю после этого мне пришлось записать еще 70 кассет. Даже и сегодня кое-кто вспоминает тот мой дебют на KLEMdag...» Wind In The Trees ознаменовал наступление новой эры, новой стадии в музыкальной карьере Рона Бутса. Девять пьес этого альбома представляли публике профессионала со свежим, новым звучанием. Несмотря на то, что некоторые композиции альбома содержали, так сказать, «следы прошлого» (влияние музыки Клауса Шульца ощущалось, к примеру, в первой пьесе Snowhedges, Winter Coldness), большинство пьес было исполнено в безошибочно узнаваемом «стиле Рон Бутса» – такими были большие ритмичные композиции Summerwind, Northwind Leaves Fall и April Breeze. При создании музыки для этой кассеты Рон впервые использовал сэмплер Akai S700. Целью Рона было записать альбом ритмичной электронной музыки, и в этом он преуспел.

Следующий концерт Рона состоялся на вечернем собрании Phlox, подразделения KLEM. «Это место они называли De Crypte, то есть помещение под церковью. Оно было очень маленьким. Я думаю, тем вечером там было всего человек сорок, но было так тесно, что никто не мог пошевелиться. Это был первый из многих концертов, которые я дал вместе с Роном Десборгом. Я помню, что поездка и установка аппаратуры была гигантской работой. Самой хорошей деталью этого концерта было то, что впервые мне заплатили. Многие из тех людей, которых я встречаю сегодня (Тим, Эрик, и т.д.), помнят этот концерт».

Его следующий альбом назывался Moments, его рабочим названием было Inspirations, он вышел на кассете C-60 в 1988 году. Музыка этого альбома старалась отразить прекрасные моменты в жизни человека. Согласно Рону, каждый имеет такие мгновения. Кассета содержала шесть довольно интенсивных треков. Однако после ритмичного Wind In The Trees Рон постарался немного «притормозить» на Moments. Светлые атмосферные композиции Cosmos и Clearmind, эпическая Once Never, пасторальная Final и живописная Rivers стали стандартами. При записи музыки для этой кассеты Рон использовал Kawai K1, который стал одним из его фирменных инструментов. «Концерт в церкви Святого Фомы в Эйндховене стал незабываемым случаем. Мы получили эту церковь для одноразового концерта. После долгого серьезного планирования и хорошей рекламы (я думаю, наши объявления были напечатаны во всех газетах Эйндховена и его окрестностей) это был первый наш собственный концерт с хорошей посещаемостью. Бас Брекхюс, Рон Десборг и я, вместе с Ингрид и Ильзой Лохиус, хотели сделать тотальное шоу со слайдами, танцами и фантастическими костюмами. Я ясно вижу, как мы начинаем концерт, одетые в длинные плащи и шляпы, как один за другим мы проходим по сцене и вешаем на стойку эти шляпы и плащи. Во время перерыва (на концерте было более двухсот человек, так что девушки, в чью обязанность входило подавать кофе, были очень заняты) Ингрид и Ильза зажгли более двухсот маленьких огней, что очень усилило атмосферу в церкви. Мы так усиленно планировали этот концерт, что забыли о переходе на летнее время, так что многие люди не смогли увидеть красивые слайды в первой части концерта. Однако в газете Eindhovens Dagblad наш этот концерт очень хвалили».

Рон – большой любитель научной фантастики, космических эпопей и фильмов ужаса. Например, он собирает на видео известные sci-fi сериалы и фильмы типа Star Trek (в различных вариантах) или Babylon 5. Он также находит приятным проводить время за чтением книг таких крупных авторов стиля фэнтэзи, как Дж. Р. Толкиен (Хоббит, трилогия Властелин Колец, The Silmarillion) или мастеров романов ужаса, таких, как Стивен Кинг. Шесть наиболее понравившихся ему произведений Рон воплотил в музыке – в 1989 году эти пьесы были собраны вместе на C-60, озаглавленную Bookworks. Рон говорит, что эти книги что-то с ним делали, оставляя какое-то странное ощущение после прочтения. «То, что мы можем выражать наши мечты и фантазии в словесной форме – одно из самых драгоценных качеств нашего ума, наравне со способностью выражать это в музыке». Альбом Bookworks стал особой лентой. Во-первых, качество его звучания было превосходным, оно вполне подходило для выпуска компакт-диска. Во-вторых, это было последняя сольная магнитная лента Рона, своего рода символ «конца кассетной эры» в его карьере. Она также демонстрировала разнообразие стилей музыки Рона – первая пьеса The Stand была эпической композицией с часто меняющейся атмосферой, другие треки, такие как Goodbye, Khazad Dum и Paths Of Death вызывали призрачные образы из фантастических книг. Фриц Коувенберг написал в журнале KLEMblad: «Это вечерняя музыка, не вызывающая у вас ощущения склепа. Идеальна, чтобы слушать ее, прогуливаясь по пляжу под луной». Создавая Bookworks Рон впервые использовал фантастические возможности синтезатора Roland D50, который до сих пор является одним из лучших аналоговых синтезаторов – у Рона он все еще есть.

В 1989 Рон во второй раз участвовал в фестивале KLEMdag – другими его участниками были голландский аналоговый дуэт Par Example, Патрик Космос и группа Gandalf. В этом же году музыка Рона впервые появилась на компакт-диске – этот сборный CD, изданием которого клуб KLEM отмечал свое десятилетие, включал композицию Рона под названием Himalaya – эта же композиция была включена в еще один CD – Elektronische Muziek 1989, который состоял из ранее неизданных композиций электронных музыкантов высшего эшелона, таких как Клаус Шульц, Tangerine Dream, Кристофер Франке (Christopher Franke) и Gandalf. Вкладом Рона в проведение фестиваля KLEMdag стал совместный концерт с Басом Брекхюсом. Во время концерта Рон и Бас играли как сольные, так и совместные пьесы – они приложили много усилий, но и заработали много одобрения. Этот день стал первым днем реализации их двухкассетного альбома Hydrythmix, который Рон и Бас издали под именем Project Two Point One. Hydrythmix включал управляемую секвенсором The Rising Sun, спокойную Floating – римейк из Rivers, мелодичную Meadow, которая была также издана бельгийским фан-клубом электронной музыки и журналом De Wending (который, к сожалению, не просуществовал долго) на кассете Wending 1989, а так же сольные треки Брекхюса Malibou Beach и The Escher Drawing. Композиция Ocean Tale, состоящая из трех частей и занимающая 21 с половиной минуту кассетного времени была самой длинной пьесой, которую Рон написал к этому времени. Hydrythmix был переиздан на компакт-диске в 1996. Как оказалось, Бас и Рон великолепно дополняют друг друга. Бас Брекхюс был также весьма хорош за электронной ударной установкой, так что он стал творческим и деловым партнером Рона на многие предстоящие годы, годы, которые стали очень захватывающими – их начало ознаменовалось изданием первого компакт-диска Рона. В 1990 Рон и Бас решили основать свой лейбл для записи электронной музыки – они назвали его Synteam. Его презентация состоялась на фестивале Wendingdag, проходившем в красивой римской церкви в деревне Вичте, Бельгия. В фестивале участвовали так же Берндт Кистенмахер и Патрик Космос. В тот день были представлены публике два релиза компании Synteam. Один из них был для Рона особенным – это был его первый компакт-диск, который Рон назвал Dreamscape. Диск обошелся Рону в 10000 гульденов – 6000 он взял взаймы у друзей. Вторым релизом была кассета Synteam – The Cicles Of Nature, она представляла музыку электронных музыкантов из Эйндховена и окрестностей – на ней были композиции Баса Брекхюса, Эрика ван дер Хейдена и других друзей Рона. Для этой кассеты он предоставил композицию Mojave.

Dreamscape стал следующим (и очень большим) шагом в музыкальной карьере Рона. Он достиг зрелости как композитор, а качество записи стало превосходным. Альбом был записан с использованием MDD (Midi-Digital-Digital) технологии – это специальный метод записи и микширования с использованием компьютера. Вся работа по записи была выполнена в собственной студии Рона, которую он назвал Dreamscape Studio. Альбом содержал две изданные ранее композиции – The Stand из альбома Bookworks и Rivers из Moments, а так же Hydrythmix в слегка измененной аранжировке. На нем были также отличная плавная Silent Nature и трек Dreamscape, состоящий из трех частей – во второй части читался текст на эсперанто. Эта пьеса стала результатом ночной сессии, в которой кроме Рона участвовали Бас Брекхюс (барабаны и синтезатор), Эрик ван дер Хейден (синтезаторы) и Рон Десборг (классическая гитара и безладовый бас). Трек включал также звуки живой природы. Диск стал коммерческим успехом. Вначале напечатали 585 копий (на 85 больше, чем заказывал Рон). Он спрашивал себя: «И как я все это продам?» Однако альбом Dreamscape разошелся тиражом в 3000 копий! Слушатели немецкой радиопрограммы Schwingungen, посвященной электронной музыке назвали альбом Рона «Лучшим Дебютом Года».

Начало 1991 года компания Synteam встретила традиционными новогодними концертами – первый концерт состоялся в Эйндховене, в зале Unitas. Это была знакомая Рону площадка, здесь ему пришлось исполнять много концертов вместе со своими друзьями под именем Ron Boots and Friends. Темой концертов было «И время – 1991». На первом концерте Рон представил версию нового трека Desert Clouds, который вошел во второй его компакт-диск – Ghost Of A Mist. Мир электронной музыки маленький. В такой среде музыканты знают друг друга очень хорошо и часто сотрудничают, создавая совместные проекты, так как их музыкальные цели совпадают. Так случилось с Роном и Джоном Керром (John Kerr). Джон – английский музыкант, он долго жил и работал в Нидерландах, он известен своим теплым оркестровым стилем игры. С некоторых пор его музыка чрезвычайно популярна в кругах любителей музыки стиля нью-эйдж. Они встретились на фестивале KLEMdag в 1988 году, затем Рон дал концерт в честь дня рождения Джона, они стали сотрудничать, и это слияние эмбиентно-берлинского стиля Рона и «классического» стиля Джона оказалось очень интересным и успешным. Их компакт-диск Offshore Islands стал классической работой этого жанра и получил высокие оценки. Ритмичная композиция Oceans Of Emotions в Европе стала электронной пьесой номер один, продержавшись на этом месте в течение долгого времени. Также интересными были радостные композиции Miss You и See You At Christmas. Ремастеринговая версия этого альбом была переиздана в 1997. Рон и Джон представили Offshore Islands публике на концерте 30 марта 1991 в зале Unitas – зал был переполнен. Альбом стал вторым в немецком топ-списке Schwingungen-Wahl. В этом же году пьеса Rivers из альбома Moments была удостоена первой премии Midi-Awards.

«К моему удивлению я был приглашен как один из шести финалистов. Бас и я приехали на финальный концерт в Роттердам – на нем должны были выбрать победителя. Когда мы увидели, что другие финалисты очень сильны и классически образованны, то подумали, что у нас нет шансов. Когда вечером стали объявлять победителей, мы очень удивились, так как мне присудили второе место. Наше удивление еще больше выросло после того, как Ринус Герритсен (Rinus Gerritsen – басист Golden Earrings и член жюри) сказал нам, что мы стали только вторыми, потому что наше концертное исполнение было самым плохим». В этот период Рон вкладывал много денег в оборудование, которое росло в числе и сложности. Важным новым инструментом стал Korg Wavestation, замечательный инструмент с богатыми возможностями, позволяющими музыканту создавать все виды окружающего звучания и специальных эффектов. Неудивительно, что Wavestation сыграл важную роль в создании следующего альбома Рона, Ghost Of A Mist. Это был довольно капризный альбом с большим количеством пространства для длинных и плавных атмосферных звуковых композиций, таких как заглавная пьеса, состоящей из двух частей – The Sleepwalker и Ring Mist Mountain. В композиции «Облака Пустыни» Рону аккомпанировал немецкий гитарист Клаус Хоффман-Хук (Klaus Hoffmann-Hoock), исполнивший превосходное гитарное соло. Клаус (a.k.a. Cosmic Hoffmann) – уважаемый гитарист и синтезаторщик, вышедший из в прогрессивного рока – самым удачным его начинанием стал электронно-этническо-симфонический проект Mind Over Matter. Критические отзывы на альбом Ghost Of A Mist были очень благоприятными, коммерчески он стал также очень успешным. Так получилось, что в это же время Бас и Рон решили прекратить сотрудничество в рамках Synteam. Их пути разошлись, хотя они и остались друзьями – это произошло из-за различия в деловой философии. Бас основал новый лейбл Audio Works, а Рон организовал Cue Records NL, голландское отделение Cue Records и стал работать с этой компанией. Кроме всего прочего, это дало возможность Рону заняться распространением компакт-дисков электронных музыкантов со всего мира – он организовал продажу компактов по почте, на фестивалях и ярмарках. Так он стал не только музыкантом, но так же и бизнесменом.

1992 год начался с новогодних концертов в Unitas. Рон играл вместе с Басом Брекхюсом и Эриком ван дер Хейденом – Бас выпустил свой первый компакт-диск, который назывался The Escher Drawings, так что они решили отметить это событие и представить музыку с этого альбома широкой публике. Иногда на живом концерте кое-что может пойти не так, как надо. Это – профессиональная опасность. «Мы играли на первом концерте фестиваля Cologne Electronic Night в Кельне. На сцене был я, Бас, Эрик и Джон Керр. Мы играли уже полтора часа, как вдруг на моей стороне сцены пропало электропитание. Эрик и Джон сообразили, в чем дело и стали импровизировать, а мне пришлось сказать зрителям, что кто-то, вероятно, не оплатил счет за электричество. К счастью, через три минуты мы смогли продолжить свое выступление. После нашей заключительной пьесы Oceans Of Emotions зал взорвался аплодисментами, так что наш первый концерт в Германии можно считать успешным». Неделей позже Рон с этими же музыкантами играл на фестивале Klanknacht в Нидерландах, в Ситтарде. «На концерте должны были выступать со своей поэзией Диана Озон и известный в определенных кругах Саймон Винкенуг. После нашего выступления организаторы спросили нас: «а не могли бы вы поимпровизировать, пока Саймон будет читать, хм, свои стихи?» Не зная, чего можно ожидать от Саймона, мы сказали: «Пожалуйста!» После того, как мы начали играть его первые два предложения были: «Эти гребаные парни с их гребаными синтезаторами!!!» Вы понимаете, что после этого та наша импровизация не стала лучшей из всего, что мы когда-либо играли!» Первый концерт в прежнем Восточном Берлине стал также грандиозным, незабываемым опытом.

«Я приехал в Берлин на специальном трейлере, набитом оборудованием. Вместе со мной приехали Ингрид, Рон Десборг и Эрик. Мы ночевали в старом общежитии Восточногерманского Союза Молодежи. В номере мы нашли заплесневелую ванну (мы не рискнули принять в ней душ) и ФАНТАСТИЧЕСКИЕ матрацы, состоящие из трех частей. Мы все ночевали в одном номере, так что вся ночь была наполнена вздохами и стонами несчастных голландцев, не привыкших к благам развитого социализма. Выражение «Что за гребаный матрац!!!» является все еще популярным высказыванием среди тех, кто был тогда с нами. Мы должны были работать с Гарольдом Гросскопфом (Harald Grosskopf) – легендарным барабанщиком, который играл с Клаусом Шульцем в далеких семидесятых. Он хотел быстренько перекусить перед концертом, так что мы пошли в одно знакомое ему место – оказалось, что Берлин сильно изменился после падения стены, так что мы приехали на площадку всего за 10 минут до концерта. После всей этой спешки мы впервые играли Mercalli's Scale и я должен сказать, что слушатели просто застыли в своих креслах! Это была как раз та пьеса, в которой мы нуждались, чтобы уменьшить напряжение, полученное нами от Берлина. Это был большой и удачный концерт, несмотря на то, что у Гарольда взорвался один из его барабанов».

Интервью

Ron Boots: От Толкина до второй мировой.

Рон Бутс на сегодняшний день является, пожалуй, одной из самых ярких фигур в мире Электронной Музыки. Основатель известного лейбла Groove Unlimited, выпускающего большое количество качественной продукции, Рон Бутс считается основателем, так называемой эйндховенской школы Электронной Музыки. Она сочетает в себе ритмические пульсации берлинской школы с небольшой долей симфонизма и мелодических структур в духе таких артистов, как Jean-Michel Jarre и Vangelis. Рон Бутс очень разносторонний человек и интересный собеседник. За время короткого интервью мы успели обсудить все, начиная от произведений Толкина и заканчивая Второй мировой войной и научной фантастикой. Однако в первую очередь речь шла, естественно, о музыке. А в этой области Рон Бутс – настоящий ветеран. За всю историю своего творчества он выпустил более 30 альбомов, начиная с самой первой кассеты Linear Waves, изданной в 1987 году. Этому человеку удалось консолидировать голландскую электронную школу, в результате чего она является на сегодняшний день одной из самых заметных в мире и включает такие имена, как Kees Aerts, Gert Emmens, Free System Projekt, Eppie Hulshof, Phrozenlight, Eric van der Heijden, Ruud Heij, Remotion, Bas Broekhius и многие другие. Сделать это было непросто, однако неиссякаемый энтузиазм, не покинувший Бутса и по сей день, любовь к своему делу, поразительное упорство и, конечно же, помощь друзей сделали свое дело. Рон Бутс один из организаторов сольных концертов и ежегодных фестивалей Электронной Музыки E-Live (бывший KLEMdag) и E-Day. Он участвовал в деятельности голландского Клуба любителей электронной музыки (KLEM), издавал печатный журнал E-Dition, посвященный Электронной Музыке и, конечно, вместе с другом и коллегой Кисом Эртсом сделал все возможное для того, чтобы поднять статус Groove Unlimited до статуса одного из самых известных в мире лейблов, посвященных Электронной Музыке.

Рон, хочу в первую очередь задать тебе вопрос, который задают многим состоявшимся и опытным музыкантам. После такого количества релизов и стольких лет работы насколько просто для тебя продолжать поиски чего-либо нового в музыке, заниматься творчеством?

На самом деле это совсем не просто. Отсюда, может быть, довольно незначительное число альбомов, выпущенных за последнее время. Я становлюсь все более избирательным в том, что делаю, и в том, что собираюсь издавать. Как музыкант я всегда стараюсь создавать что-либо новое, идти непроторенной дорогой, а с течением времени это стало довольно-таки трудной задачей, ведь я выпустил на CD более ста композиций. Естественно, создавать новую музыку вполне реально, просто теперь этот процесс стал занимать больше времени. Одной из причин также является моя семья, которой я посвящаю теперь больше свободного времени. Естественно, семья для меня своего рода приоритет. Кроме всего прочего, наш лейбл Groove Unlimited продолжает развиваться, поэтому время стало для нас роскошью. Мне по-прежнему доставляет удовольствие создавать музыку в своем старом, традиционном стиле. Я наверняка скоро выпущу новый альбом. Но то, что раньше все это занимало меньше времени, – факт.

Расскажи о своем первом музыкальном опыте. Ты что-нибудь выпустил до того момента, как твой 1-й сольный альбом Linear Waves вышел на кассете? Существуют ли какие-нибудь записи тех лет? Как насчет живых выступлений?

Начинал я как солист школьного ансамбля. Мне тогда было 15 лет. Играть я вообще не умел, но подметил, что самые красивые подружки почему-то всегда были у гитаристов и солистов. Ну и подумал, почему бы не запеть? Этим я и занимался, можно сказать, всю молодость, а собственную музыку стал создавать лишь в 23 года. Я всегда был фанатом прогрессивного рока, таких групп и исполнителей, как Genesis, Emerson, Lake & Palmer, Mike Oldfield, Rush, Saga и им подобных. Кроме этого, я всегда являлся и являюсь поклонником творчества Вангелиса. Меня он зацепил с тех пор, как я услышал его 1-й официальный сольный альбом Earth. Ну а затем уже в моей жизни появились Klaus Schulze и Tangerine Dream.

Как раз хотел спросить тебя про любимых и оказавших наибольшее влияние исполнителей. Похоже, что частично мы уже получили ответ на этот вопрос.

Кстати, забыл о Gandalf. Мне очень понравилось его выступление на фестивале E-Day этой весной. Возвращаясь к своему собственному опыту в музыке, скажу, что впервые я дал сольный концерт в 1988 году на самом первом ежегодном фестивале Электронной Музыки KLEMdag. Но до этого у меня уже был опыт живых выступлений. Я имею в виду свою школьную группу, с которой мы исполняли кавер-версии популярной музыки 1980-х, например The Cure, Echo & The Bunnymen, The Smiths, но также Genesis и тому подобное.

Итак, произведения, оказавшие на твое творчество наибольшее влияние, это…?

В числе любимых: Blue Nile Дэвида Сильвиана (David Sylvian), Вангелис, Майк Олдфилд – первые четыре альбома, Saga, Genesis, Steely Dan и так далее. Полный список был бы очень объемным, но особо хотелось отметить именно этих.

Прекрасная музыка! Разделяю твою любовь к прогрессиву.

Честно говоря, мне по-прежнему нравится большинство выпускаемой сегодня музыки. Я имею в виду не heavy metal, а нечто более мелодичное.

А что важно для создания Электронной Музыки с технической точки зрения? Ну, кроме синтезаторов, конечно?

Да все что угодно. Лично я использую и железо, и софт. Кроме синтезаторов, в ход идут различные эффект-процессоры, перкуссия. Я часто пользуюсь услугами барабанщика Harold van der Heijden. Ну и конечно, звуковые ландшафты, мои собственные полевые записи. На сегодня список инструментов стал просто неохватным. Мне повезло, поскольку благодаря работе в магазине hi-tech электроники я имею доступ ко всем последним разработкам в области электронных инструментов.

Тебе довелось быть организатором огромного числа концертов и фестивалей Электронной Музыки. Что ты можешь об этом рассказать? Насколько я понял, последний фестиваль E-Day был очень успешным.

Да, E-Day действительно прошел на ура. Посещаемость была хорошей. Мне очень нравится организовывать подобные мероприятия. Живое выступление на сцене это всегда нечто особенное. Естественно, не каждый электронный композитор является виртуозным исполнителем, однако я всегда рад пообщаться со всеми. Электронной сцене необходимы такие мероприятия. Я занимаюсь этим уже Бог весть сколько лет и все еще преисполнен энтузиазмом.

А живое исполнение отличается от исполнения в студии?

Да, тут даже и сравнивать нельзя. В студии ты пытаешься достичь совершенства – во всяком случае, так делаю я. В то же самое время исполнение вживую – это нечто совсем другое, нечто особенное. А энергия, которой подзаряжаешься от аудитории во время исполнения! При этом неважно, сколько людей пришли на твой концерт. Мне доводилось играть и для 30 посетителей, и для 12 тысяч. Ощущения все равно одни и те же. Именно адреналин делает концертные выступления особенными.

На своем сайте ты пишешь, что на тебя оказали влияние книги Дж. Р. Р. Толкина. В то же самое время недавно ты выпустил альбом под названием Acoustic Shadows, вызывающий в воображении образы, связанные со Второй мировой войной. Как тебе удается совмещать в творчестве столь различные темы?

Я люблю историю, и, кстати, в Acoustic Shadows лишь одна композиция посвящена конкретно Второй мировой войне, в то время как другие вдохновлены Первой мировой и Гражданской войной в США. За альбомом стоит мысль о том, что человечество знало немало совершенно бессмысленных сражений и войн, в которых люди фактически использовались как пушечное мясо для достижения стратегических целей. Практически никогда войны не начинаются ради благого дела, однако в итоге война может оказаться оправданной.

Полностью согласен.

Примером может служить Гражданская война в США. Все началось с борьбы штатов за свои права, однако впоследствии переросло в борьбу с рабством, что, по сути, в итоге оправдало ведение войны. То же самое можно сказать про Вторую мировую войну, в которой был повергнут разрушительный и опасный фашистский режим. Благодаря этому мы сегодня живем в свободном обществе. А вот про Первую мировую войну этого не скажешь. Ее причины сегодня кажутся мелочными и не оправдывающими кровопролитие. Фактически местечковая ссора между корольками и императорами привела к гибели и уничтожению множества людей.

Так что же насчет Толкина? Кстати, тебе нравится научная фантастика?

Толкина я люблю с 6-го класса школы (мне тогда было 12 лет). Нам его каждый день читал один преподаватель. Всем очень нравилось, и я полюбил его книги. Научную фантастику я тоже люблю, равно как и фэнтэзи. Люблю книги Джека Вэнса, Терри Брукса и многих других. Однако, кроме этого, мне очень нравится читать книги по истории и смотреть исторические документальные ленты. В совокупности у меня несколько сотен книг и DVD-дисков с фантастикой и историческими материалами.

Существует ли, на твой взгляд, связь между Электронной Музыкой и научной фантастикой или исследованиями космоса?

Возможно просто данная тематика соответствует этой музыке и наоборот. То же самое можно сказать и про многое другое. Но я действительно думаю, что многие любители научной фантастики предпочитают Электронную Музыку, хотя есть и те, кто ненавидит ее и предпочитает сопровождать чтение фантастических книг классической музыкой.

Мне, например, никогда не нравилась идея использования вальса И. Штрауса в «Космической одиссее». Лично я предпочел бы нечто более потусторонне – например Электронную Музыку.

Да, действительно, выбор в пользу Штрауса был необычен. Из классики мне нравится Шостакович, например. А еще Вагнер, Россини и особенно Бетховен. Вот кто был просто гением! А Моцарт, Штраус или Бах мне никогда не нравились. Вместо Штрауса режиссер мог бы использовать какое-нибудь насыщенное и драматичное классическое произведение, и это звучало бы намного предпочтительнее.

Не могу не согласиться. Мой последний вопрос о голландской школе Электронной Музыки. Дело в том, что, учитывая тот громадный труд, который вы с Кисом проделываете в рамках лейбла Groove Unlimited, и количество новых имен, появившихся буквально за последние несколько лет, Голландия стала настоящей кузницей Электронной Музыки. Как ты считаешь, почему так происходит? Какие еще локальные электронные сцены тебе хотелось бы отметить особо?

Забыл сказать, что моя любимая книга Толкина «Силмарилион». У Джека Вэнса мне больше всего понравились «Принцы демоны». А касаемо Голландии, я считаю, что во многом мы обязаны активной концертной деятельности. Также отделение Клуба любителей электронной музыки (KLEM) послужило базой для появления большого количества новых имен. Даже сегодня процесс не останавливается, и представители голландской электронной школы продолжают оттачивать свое мастерство. Кроме этого, мне очень импонирует электронная сцена Великобритании. Там работает большое число талантливых музыкантов, таких как Mark Shreeve, Ian Boddy и Code Indigo. Также в Великобритании очень развита сеть независимых лейблов. Еще хотелось бы особо отметить артистов из США. Мне очень нравится их творчество, и это прекрасно видно из списка релизов нашего собственного лейбла. Это такие имена, как Steve Roach, Paul Ellis, Jeffrey Koepper, Robert Rich и Craig Padilla.

Будем надеяться на дальнейшее развитие.

Это было бы здорово. Я считаю, что потенциал, бесспорно, есть. Тем более теперь, когда с помощью интернета стало возможным общение с огромным количеством людей по всему миру.

Что ж, желаю тебе творческих успехов и удачи в продвижении Электронной Музыки. Будем ждать новых релизов.

Они, безусловно, будут.

Артемий Пугачев, 2009 год. http://www.musicbox.su/

Дискография

1987 Dream Weaver

1987 New Dream

1989 Bookworks

1989 Hydrythmix [with Bas Broekhuis]

1990 Dreamscape

1990 Offshore Islands [with John Kerr]

1991 Ghost of a Mist

1993 Different Stories & Twisted Tales

1994 Backgrounds

1994 Detachment of Worldly Affairs

1994 Too Many Secrets

1995 Cutting Branches

1995 Schloss Burg

1996 Hydrythmix [with Bas B. Broekhuis]

1996 Out There Lies the Truth

1996 Screaming Whispers

1996 The Truth Is Twisted [with Friends]

1996 Truth Or Dare

1997 Current

1997 Of Desolate Places & Urban Jungles

1997 Too Many Secrets

1998 B.A.H. – Live In Sweden, June 1 1998

1998 E-Live '98 [with Kees Aerts & Harold Van Der Heijden]

1998 Four the Truth

1998 Live in Sweden [with Kees Aerts & Harold Van Der Heijden]

1998 Tainted Bare Skin

1999 By Popular Demand

1999 Joie De Vivre [with Kees Aerts, Eric & Harold van der Heijden]

2000 Close, but not Touching

2000 E-Live 2000 [with friends]

2000 Moments

2000 Odd & Ends

2000 Wind in the Trees

2002 Across The Silver River [with Rudy Adrian]

2002 Dreamscape [reissue]

2002 Huizen Concert 1999 [with friends][bootleg]

2002 Liquid Structures In Solid Form

2002 Live Alfa Centauri Festival

2002 Livelines [with Kees Aerts & Harald Van Der Heijden]

2002 Live Private Party 1998 [with Harold van der Heijden][bootleg]

2003 Area Movement

2004 Hydrythmix [with Bas B. Broekhuis] [remaster]

2004 Monumental Dreams [with Frank Klare]

2005 Fanta Magic 2005 [with Kees Aerts & Harold van der Heijden]

2005 Leeds [with Modulator Esp][bootleg]

2005 Live At Awakenings, Leeds [with Modulator Esp]

2006 Acoustic Shadows

2008 Armageddon in the Rose Garden Part 1 [single]

2008 Mea Culpa

2008 See Beyond Times - Look Beyond Words

2009 Beyond the Boundaries of Twilight

2009 Derby! [with Frank Dorittke & H. Van Der Heijden]

2009 The Boundary Tales

2010 Refuge En Verre [with Synth.nl]

2011 Ante Oculos

2011 From the Forgotten Rooms of a Lonely House [with Morpheusz]

2011 Hello 2012! - Live Planetarium Bochum [with friends]

2011 La Caida de Hormigon

2012 Signs in the Sand

2015 Awakening at Booth's Palace [with friends]

2015 Live the Enck, Oirschot, Holland [with friends]

2015 Standing in the Rain

Ссылки

http://www.groove.nl/ronboots.html - Официальный сайт

Биография

Известный американский композитор-мультиинструменталист Richard Bone родился 3 февраля 1952 года в Атланте. Интерес к музыке пробудился у Richard'a в самые ранние годы его жизни. В 8 лет он уже создал первые экспериментальные композиции. Несколькими годами позже Richard заинтересовался электронной музыкой. Большое влияние на него оказали сольные работы Joseph'a Byrd'a, именно в то время Richard начал сочинять композиции, используя простейший синтезатор.

В семнадцать лет он поступил в Академию театральных искусств Нью-Йорка (New York Academy of Theatrical Arts), где проучился четыре года, изучая драматическое искусство. Его страсть к музыке подвигла его на создание множества композиций, часть из которых он использовал для своей работы в экспериментальном театре. Первый 45-минутный сингл Richard'a – Pirate the Islands/ Headlines Have It был выпущен на его собственной студии Rumble Records в 1979 году. В 1981 он начинает совместную работу с легендарной группой Shox Lumania. Shox Lumania включала в себя очень известного гитариста Lenny Kaye, с момента знакомства с которым имя Richard'a Bone стало известным в музыкальном бизнесе, его жену – Stephanie Kaye, Anton'a Sanko и самого Richard'a, играющего на синтезаторе. Они были очень интересной группой, их выступления представляли собой настоящие театрализованные представлениями, с выразительной хореографией и необычными костюмами, которые подбирались отдельно к каждой композиции. Это был один из лучших периодов в жизни Richard'a. В то же время на Survival Records Richard записывает следующие альбомы: Brave Tales и Exspectacle, The Beat is Elite, Joy of Radiation, The Real Swing, Living in Partytown, а также Digital Days/Alien Girl и Joy/Do Angels Dance. Руководство Survival Records занималось в основном танцевальным направлением в музыке, а Richard'a интересовала несколько другая музыкальная тематика. Он начинает экспериментировать со звуком и издает несколько пробных композиций. В 1991 году Richard организует собственную студию Quirkworks Laboratory Discs, в которой он может свободно создавать ту музыку, которая ему нравится, экспериментировать, а также чувствовать себя независимым. Первые два альбома, выпущенные на этой студии – Quirkwork в 1993 году и X Considers Y в 1994 году, чем-то неуловимо напоминали поп-стиль композиций, которые были записаны на Survival Records. Выпуск инструментального альбома Ambiento в 1994 году открыл новую страницу в творчестве Richard'a.

Следующий альбом Vox Orbita, был выпущен в 1995 году. Это работа в стиле эмбиент, содержащая множество звуков и ритмов. В 1996 выходит альбом The Eternal Now, в который Richard'ом были включены исключительно инструментальные композиции. В 1997 году он выпускает минидиск A Survey of Remembered Things, в который вошли 5 композиций Richard'a и 4 композиции электронщика John'а Orsi.  В 1998 году выходит очередной альбом Electropica. Ритмика этого альбома поистине мистическая, это своеобразная дань уважения Richard'a таким истинным мастерам, как: Antonio Carlos Jobim, Luiz Bonfa и Joao Gilberto, а также группе Bossa Nova. Тогда же, в 1998, Richard начинает работать с Hypnos Recordings, где в тот же год выходят два его альбома The Other World и The Spectral Ships. В начале 1999 года Richard выпускает новый альбом Coxa, следующий после Electropica. На этот альбом оказали большое влияние мастера джаза 60-х годов – Creed Taylor, Rudy Van Gelder, Cal Tjader и Dave Pike. Спустя еще год на Hypnos label выходит альбом Ether Dome. 15 августа 2000 года вышел альбом Ascensionism, вошедший в трилогию, начало которой положила в 1998 году Electropica. Следующий проект Richard'a Tales from the Incantina, был написан под влиянием старинной философии толтеков и впечатлением от путешествия к развалинам храмов майя в Мексике. Richard посетил древние храмы индейской цивилизации и даже отснял черно-белый кинофильм. Кадры из этого кинофильма Richard использовал в оформлении своего альбома, который вышел 3 апреля 2001 года.

В последнее время Richard тесно сотрудничает с пианистом Ruben'ом Garcia и певицей Jenifer Smith. Также Richard выступил на Международном музыкальном фестивале, который прошел в Санкт-Петербурге с 19 июля по 1 августа 2003 года. Кроме того, он снял 30-минутный видеофильм о своем творчестве.

Дискография

1993 Quirkwork

1994 X Considers Y

1994 Ambiento

1995 Vox Orbita

1996 The Eternal Now

1996 Metaphysic Mambo

1997 A Survey Of Remembered Things

1998 Electropica

1998 The Spectral Ships

1999 Coxa

1999 Ether Dome

1999 Distillation Halcyon

2000 Ascensionism

2001 Tales From The Incantina

2001 Alternate Worlds vol. 1

2002 Disorient

2003 Alternate Realities

2003 Indium

2013 Images from a Parallel World

Ссылки

http://mkmk.com/bone - Официальный сайт

Биография

Bond – струнный квартет, состоящий из четырех молодых и чрезвычайно одаренных девушек: Haylie Ecker (первая скрипка), Eos Chater (вторая скрипка), Tania Davis (альт) и Gay-Yee Westerhoff (виолончель). За два года активной творческой деятельности Bond записали на свой счет множество серьезных достижений, в числе которых два миллиона проданных экземпляров дебютного альбома, бесчисленное количество выступлений по всему миру и несмолкаемый шквал восторженных газетных публикаций, обзоров и заголовков. Bond с самого начала своей музыкальной карьеры были обласканы мировой прессой – из-за сексуального рок-н-рольного имиджа группу называли «Spice Girls классической музыки».

Титулы, присужденные квартету, вероятно, вызовут приступы желчной зависти у многих ветеранов сцены. Bond – это самый продаваемый струнный квартет за всю историю музыки и первый женский струнный квартет, удостоившийся появления в мировых поп-чартах. К тому же это первый и единственный классический струнный квартет, выставленный из классических чартов. Одним словом – самый успешный. Своей обжигающей струнной магией Bond проникли во все уголки земного шара. Девушки с легкостью покорили каждую страну, в которой давали свои концерты. Среди особенно ярких событий в музыкальной жизни четверки талантливых девушек можно отметить новогоднее шоу у заснеженных Brandenberg Gate в Берлине и совместное выступление с тенором и супер-звездой Luciano Pavarotti в Италии. Также Bond сыграли на MTV Awards в США и Сингапуре, и смогли непринужденно остановить вечное Нью-Йоркское уличное движение своим телевизионным представлением на Times Square и Wall Street.

Дискография

2001 Born

2002 Shine

2003 Instrumental Collection

2003 Remixed

2004 Classified

2005 Explosive

Ссылки